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1001 CANCIONES

QUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR

www.megustaleer.com (c) Random House Mondadori, S. A.

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1001 CANCIONES

QUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR

EDICIÓN DE ROBERT DIMERY PREFACIO DE TONY VISCONTI

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Título original: 1001 Songs You Must Hear Before You Die © 2010, Quintessence © 2011, Random House Mondadori, S.A., por la presente edición. Travessera de Gràcia, 47-49. 08021 Barcelona © 2011, Ferran Alaminos Escoz, Eva Cañada Valero, Fernando Davín Pérez, Fernando Nápoles Tapia, Nieves Nueno Cobas, Israel Ortega Zubeldía, Daniel de Santos Loriente, Efrén del Valle Peñamil, por la traducción Quedan prohibidos, dentro de los límites establecidos en la ley y bajo los apercibimientos legalmente previstos, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, ya sea electrónico o mecánico, el tratamiento informático, el alquiler o cualquier otra forma de cesión de la obra sin la autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, http://www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra. Primera edición: febrero de 2011

Edición del proyecto Editor asociado Redacción Asistente editorial Diseño Asistente de diseño Producción

Philip Contos Bruno MacDonald Irene Lyford, Fiona Plowman, Frank Ritter Simon Ward Jon Wainwright Tom Howey Anna Pauletti

Dirección editorial Editor

Jane Laing Tristan de Lancey

Fotocomposición: Compaginem ISBN: 978-84-253-4617-0 Reproducción en color por Pica Digital Pte Ltd., Singapur Impreso en China por Toppan Leefung Printers Ltd. GR 46170

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Just Like Heaven | The Cure (1987) Autor | Robert Smith, Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Laurence Tolhurst Productor | David Allen, Robert Smith Discográfica | Fiction Álbum | Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987)

«Es la mejor canción pop que ha hecho The Cure... Una sola toma y ya era perfecta.» Robert Smith, 2003

Influido por: Another Girl, Another Planet The Only Ones (1978) Influencia en: Taking Off • The Cure (2004) Versiones: Dinosaur Jr. (1989) • Goldfinger (1999) 30footFALL (1999) • In Mitra Medusa Inri (2001) Gatsby’s American Dream (2005) • Katie Melua (2005)

«Nada más escribirla, ya sabía que era una buena canción pop...», declaró Robert Smith, miembro de The Cure, a Blender. La canción se gestó en un pequeño piso en el norte de Londres, antes de que Smith la llevara al estudio en el sur de Francia. El batería Boris Williams le sugirió que aumentara el ritmo, y fue introduciendo los instrumentos de uno en uno. Smith creó una versión instrumental para el programa de la televisión francesa Les Enfants du Rock, que pretendía que este «single fuera conocido por millones de europeos». Pero el plan fracasó: «Just Like Heaven» ni siquiera llegó al Top 30 en el mercado discográfico de Francia. A pesar de todo, la canción fue la más conocida del grupo. Se han hecho muchas versiones, desde la recreación «fantástica y apasionada» de Dinosaur Jr., hasta el discreto intento de Katie Melua. Este último sirvió para la banda sonora de la película Ojalá fuera cierto, de 2005, el segundo éxito en ir acompañado de un título inspirado en The Cure, después de Boys Don’t Cry (Los chicos no lloran), del año 1999. Pero el vídeo original era más cercano a Smith. La canción, tal y como él nos revela, «trata sobre un truco de seducción... Es algo que ocurrió en Beachy Head, en la costa meridional de Inglaterra. La canción trata sobre la hiperventilación, besar y caer al suelo desmayado. Mary [su esposa] baila conmigo en el vídeo, porque era la chica, así que tenía que ser ella. La idea es que una noche como esa vale mil horas de duro y tedioso trabajo». «Es mi canción favorita de The Cure de todos los tiempos», declaró el director del vídeo, Tim Pope. BM

600 | 1980

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The One I Love | R.E.M. (1987) Autor | Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe Productor | R.E.M., Scott Litt Discográfica | I.R.S. Álbum | Document (1987)

«A estas alturas, probablemente sea mejor que crean que se trata simplemente de una canción de amor.» Michael Stipe, 1987 Influido por: Break It Up • Patti Smith (1975) Influencia en: Morning Glory • Oasis (1995) Versiones: Butthole Surfers (1989) • Moog Cookbook (1996) • Sufjan Stevens (2006) Otros temas: It’s the End of the World as We Know It (and I Feel Fine) (1987) • Everybody Hurts (1992)

Después de haberse sumergido de lleno en el rock alternativo de los primeros años ochenta, estos favoritos de la radio universitaria finalmente publicaron un verdadero superéxito. La clave estaba en lo que el cantante y creador de las letras, Michael Stipe, le dijo a la revista Rolling Stone: «Era una canción inventada, no una historia real». Su primer éxito en los Top 10 de los Hot 100 de Billboard hizo que se les tuviera en cuenta. «Yo quería escribir una canción que incluyera la palabra “love” porque no lo había hecho todavía», insistió Stipe. Pero lo que muchos interpretaron como un mensaje romántico era, en realidad, algo más oscuro. Tal y como explicó Stipe: «La canción suena como una historia de amor hasta un determinado verso («Un simple apoyo para ocupar mi tiempo»), y luego se pone fea. Me pareció que era demasiado cruda como para grabarla». Cruda o no, este éxito contribuyó a que Document lograra un disco de platino, y colocó a R.E.M. entre los mejores grupos. «Solíamos tocarla en los conciertos, y yo me fijaba en el público y había parejas besándose. Pero la letra es... salvajemente anti-amor... La gente me decía que era “su canción”. ¿Que esa era tú canción?», nos recuerda el guitarrista Peter Buck. «The One I Love» marcó el comienzo de una fructífera relación con Scott Litt, quien llegó a producir otros cinco álbumes de R.E.M. y realizó mezclas para Nirvana, los seguidores de R.E.M. Después del éxito alcanzado con Document, R.E.M. firmó un contrato multimillonario con Warner Bros., que les llevó a realizar actuaciones en grandes estadios de fútbol. Y en esos recintos es donde el estribillo de esta canción «Fire!» ascendió hasta los cielos. SF 1980 | 601

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Fairytale of New York The Pogues (1987)

Paradise City Guns N’ Roses (1987)

Autor | S. MacGowan, J. Finer Productor | Steve Lillywhite Discográfica | Stiff Álbum | If I Should Fall from Grace with God (1988) «El primer verso de “Fairytale of New York” es “Nochebuena, nena, en el calabozo”. Con ese comienzo ya sabes que no se trata de una canción de Navidad como otra cualquiera», comentó el antiguo mánager de The Pogues, Frank Murray. El título se inspiró en la novela de J. P. Donleavy, A Fairy Tale of New York (1973) y la canción tardó dos años en escribirse. Ha sido elegida en muchas ocasiones como la pieza favorita de Navidad en Reino Unido y no llegó al puesto número uno de las listas al ser derrotada por «Always On My Mind» de Pet Shop Boys. En busca del éxito internacional, Murray se llevó a The Pogues de gira por EE.UU. Durante un brote de neumonía, Shane MacGowan perfeccionó la letra para un dúo que tenía intención de cantar con Cait O’Riordan. Después de que esta dejara el grupo, Steve Lillywhite le ofreció la canción a su esposa, la cantante Kirsty MacColl. Según opina MacGowan, «Kirsty fue la que hizo que el disco funcionara. Ella tenía justo la personalidad que se necesitaba. Había mucha química entre nosotros». Evitando el sentimentalismo de estos singles festivos, MacGowan llevó a las listas de éxito la suerte de un vagabundo y una fulana drogada que no habían triunfado en Broadway. Nick Cave declaró: «Normalmente no se oyen canciones navideñas tan totalmente desesperanzadoras. Se deberían hacer más canciones de este tipo». SO 602 | 1980

Autor | Guns N’ Roses Productor | Mike Clink Discográfica | Geffen Álbum | Appetite for Destruction (1987) Dado su estado, no sorprende que Guns N’Roses nos cuenten historias diferentes sobre el origen de sus canciones. Según el bajista Duff McKagan: «Yo escribí los acordes de esa canción cuando me trasladé a Los Ángeles por primera vez, no conocía a nadie y estaba un poco deprimido». Según el guitarrista Slash, la canción nació después de un concierto en San Francisco: «A mí me salió la introducción... Duff e Izzy [Stradlin] la cogieron... y, mientras, le fui metiendo los cambios de acordes». En la noche de estreno en Los Ángeles, en 1985, McKagan anunció: «Esta canción la acabamos de escribir hoy mismo». La aportación de Slash «Donde las chicas son gordas y con tetas grandes» fue vetada al poco tiempo. Según escribió el biógrafo Marc Canter, «El verso anterior a “dime a quién vas a creer” era diferente a lo que apareció en el álbum. Duff cantaba muchos de los versos del final, mientras que Axl [vocalista del grupo] hacía los coros de fondo». Rose explicó a la prensa: «La letra trata de estar en la jungla. El estribillo es como volverse al Medio Oeste o algo así. Me recuerda a cuando yo era chico». En Appetite for Destruction insistió en que apareciera «un sintetizador gritando», lo cual no era del gusto de Slash. A pesar de ello, participó en «Sweet Child o’ Mine» y «Welcome to the Jungle», grandes éxitos de Appetite..., y llegó a ser uno de los grandes del rock. BM

Desafiando las reglas del rock, Axl Rose actúa con una camiseta de Guns N’ Roses en 1987.

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P

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Never Let Me Down Again Depeche Mode (1987) Autor | Martin L. Gore Productor | Depeche Mode, Dave Bascombe, Daniel Miller Discográfica | Mute Álbum | Music for the Masses (1987) Los británicos Depeche Mode no tardaron nada en modificar el sonido de sus sintetizadores después de que Vince Clarke dejara el grupo en 1981. Su música comenzó a tener un aire más oscuro, lo que les hizo alejarse de la música comercial, pero les garantizó unos seguidores fieles. Cuando sacaron Black Celebration, en 1986, eran góticos con cueros falsos en busca de un éxito. Este les llegó con «Never Let Me Down Again», que estaba lleno de fuertes ritmos, una guitarra maltratada y un estribillo irresistible. Había algo de humor negro en «Prométeme que estaré tan seguro como en casa / siempre y cuando recuerde quién lleva los pantalones», pero tal y como Dave Gahan vociferaba el efecto de «Never let me down», por encima de los coros wagnerianos, era totalmente escalofriante. Sin embargo, fue uno de los temas de Depeche Mode que menos éxito tuvo en su tierra natal en media década. Gore, sin alterarse, aseguró al Record Mirror: «Está bien ser más una banda de culto que un grupo de mucho éxito». No obstante, la canción y su álbum fueron un éxito en EE.UU., con fans acudiendo a ver este nuevo giro del grupo. En una de sus actuaciones en la película 101 empezaron con un movimiento ondulante de los brazos que todavía se repite. Esta innovación sirvió para revalorizar a los Depeche Mode en su tierra, lo que se reforzó en 1990 con su obra maestra, Violator. MH

Faith George Michael (1987) Autor | George Michael Productor | George Michael Discográfica | Epic Álbum | Faith (1987) Mucho antes de que Wham! hiciera las paces en 1986, la gente creía que George Michael tenía todo lo necesario para triunfar en solitario. Pero pocos hubieran predicho lo rápido que ascendería de ídolo de quinceañeras a icono del pop. Solo le hizo falta un álbum, pero qué álbum. Faith contaba con siete singles, vendió millones y ganó un Grammy. «Antes de que Wham! se disolviera yo era muy introvertido y depresivo... Ahora ya he superado esa etapa... y tengo fe y optimismo», recordaba Michael. El título era de una sencillez sorprendente. Después de un suave toque de órgano, que recordaba a «Freedom» de Wham!, la canción se lanzaba con un rápido rasgueo de guitarra acústica. The Damned, las leyendas del punk, «se habían olvidado una guitarra en el Denmark’s Puk Studio. Era una guitarra horrible con el cuerpo de aluminio. Eso es lo que se oye, y se convirtió en la firma de sonido del disco. Él decía que quería un ritmo como de Bo Diddley... lúgubre y seco», le contó Chris Porter a Craig Rosen, de Billboard. «Faith» se convirtió en uno de los grandes éxitos de Michael, sobre todo en EE.UU., donde se convirtió en el single más vendido en 1988. El vídeo sirvió de ayuda, aunque el cantante admitió: «Si te fijas, en el vídeo, a veces llevo un guante y otras veces no. Eso es porque me había hecho rozaduras en los dedos con las cuerdas». JiH

604 | 1980

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Need You Tonight INXS (1987)

With or Without You U2 (1987)

Autor | Andrew Farriss, Michael Hutchence Productor | Chris Thomas Discográfica | WEA Álbum | Kick (1987) INXS ya habían tenido éxito tanto en EE.UU. como en su Australia natal a comienzos de los años ochenta, pero tuvieron que esperar a 1987 para llegar a todo el mundo. La clave estuvo en este numerito provocativo, con un vídeo en el que se podía ver al guapo de Michael Hutchence. El guitarrista Andrew Farriss escribió la música antes de volar a Hong Kong a reunirse con el cantante. «Llegó el taxi que me tenía que llevar al aeropuerto. Le dije al conductor que esperara: “Por favor, no se vaya, tengo que ir al aeropuerto, pero antes tengo que terminar de escribir una canción”. Me miró, como diciendo “Vaya tipo raro. Sí, claro, escribir una canción, no hay problema, tío”». Dio la casualidad de que Hutchence había escrito una letra la noche antes de que llegara Farriss: «Andrew estaba escuchando unas cintas con material suyo, y yo... cogí un micrófono y me puse a cantar la letra de “Need You Tonight”. Empecé a cantar directamente hasta el final de la canción —me paré al final— y eso es exactamente lo que se oye en el disco». El único cambio con respecto al máster —recuerda Farriss— es que le pusimos una pausa en medio». Aunque nunca tuvieron intención de publicarla como single, las reacciones de sus amigos al oír la grabación les convencieron de lo contrario. «Fue todo muy fortuito... Debe ser el secreto de su éxito, estoy convencido», admitió Farris. BM

Autor | U2 Productor | Daniel Lanois, Brian Eno Discográfica | Island Álbum | The Joshua Tree (1987) Cuando U2 empezó a trabajar en la continuación de The Unforgettable Fire (1985), según el guitarrista The Edge «no pasaba nada muy emocionante... “With or Without You” en realidad era un patrón de acordes; no tenía melodía ni acompañamiento de guitarras». Incluso después de algunos cambios «With or Without You» seguía sonando horrible». El bajista Adam Clayton estaba de acuerdo: «El estribillo se repetía una y otra vez. Era difícil encontrarle... algo nuevo que añadir». Afortunadamente, hubo suerte. Cuando The Edge estaba probando un prototipo de guitarra que «conseguía un sustain sin límite, como un violín», el líder de Virgin Prunes, Gavin Friday, le convenció para que volviera a insistir con la canción. Como era habitual, Bono, escribió la letra. «La canción trata sobre el sufrimiento, sexual pero también psicológico; es sobre cómo, al reprimir los deseos, estos se hacen más fuertes», recordó el cantante en la autobiografía del grupo publicada en 2006. El resultado es que llegaron al número uno en EE.UU. The Edge declaró a NME: «“With or Without You”... era el tema que suavizaba la transición desde lo último que habíamos hecho hasta este disco». Los fans de la serie Friends probablemente recuerden como «With or Without You» ha acompañado algunos episodios clave de la comedia. La canción sigue siendo uno de los momentos más electrizantes de los conciertos de U2. BM 1980 | 605

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Freak Scene | Dinosaur Jr. (1988) Autor | J Mascis Productor | J Mascis Discográfica | SST Álbum | Bug (1988)

«El rock and roll iba de coger un puñado de gente diferente, que se odiaran unos a otros, y tocar música muy fuerte.» Lou Barlow, 2005 Influido por: Schizophrenia • Sonic Youth (1987) Influencia en: Smells Like Teen Spirit • Nirvana (1991) Versiones: Godeater (2001) • Belle & Sebastian (2008) Otros temas: Don’t (1988) • Keep the Glove (1988) No Bones (1988) • Pond Song (1988) • They Always Come (1988) • The Wagon (1991)

La formación original de Dinosaur Jr. apenas sobrevivió a la grabación en estudio de su tercer álbum, Bug. Pero sus fricciones fueron las que sirvieron de combustible a su himno más importante: una historia sobre relaciones difíciles con una dinámica suave/!RUIDOSA¡ que reflejaba las tensiones pasivo-agresivas entre los miembros del grupo. «En la letra se explicaba que el cantante y guitarra J Mascis era infeliz —declaró el bajista Lou Barlow a Mojo en 2005—. Había un “bicho” en la salsa, que era yo.» Barlow y el batería Murph grabaron sus partes en tres días, y dejaron a Mascis solo para que terminara el álbum, grabando pistas y más pistas de guitarra. Así que «Freak Scene» se convirtió en el momento «guitar hero» de Mascis. Los versos acústicos y discordantes se lanzaban en mitad de unos solos ensordecedores pero melódicos de guitarra distorsionada. La letra se basaba en la frustración que existía entre Mascis y Barlow, describiendo una situación «so fucked, I can’t believe it» [tan jodida que ni me lo puedo creer] —aunque la canción se cerraba con una nota de esperanza para la reconciliación, cuando Mascis murmura «When I need a friend, it’s still you» [Cuando necesito a un amigo, todavía estás tú]—. La canción triunfó —llegó hasta el puesto número siete de las listas independientes de Reino Unido— y fue la que hizo que el grupo firmara con Sire Records, una discográfica importante, aunque sin Barlow, que fue expulsado en mayo de 1989 después de una horrible gira promocional de Bug. (Barlow siguió actuando y formó Sebadoh.) Se ha reconocido la importancia de la canción por su influencia clave en el gusto de Pixies y de Nirvana, y Dinosaur Jr. logró superar la era grunge, aunque nunca volvería a capturar el tedio de la generación X de forma tan precisa como en «Freak Scene». SC

606 | 1980

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