Graffiti Guernica [www.logopress.es]

DEPARTAMENTO DE EDUCACIÓN

Coordinación Pablo Martínez Textos María Jesús de Domingo Pablo Martínez Francisco Reyes Pastron#7 Boa Mistura Brake Max“501” Suso33

HOMENAJE A GUERNICA CONCURSO DE MURALES DE GRAFFITI

Fotografías Joaquín Cortés Francisco Reyes Pastron#7 Diseño gráfico y maquetación BoaMistura Impresión xxxxxxx ISBN xxxxxxx Depósito Legal xxxxxxx Nipo xxxxxxx © de esta edición: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © de los textos: sus autores. © de las reproducciones autorizadas: sus autores. © Guernica, Pablo Picasso. VEGAP. Madrid, 2007 Patrocina: Fundación Santader Central Hispano

10 de junio de 2006

La exposición “Picasso: tradición y vanguardia”, celebrada en el Museo Nacional del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2006, supuso una oportunidad excepcional de presentar una perspectiva inédita del artista malagueño: la de confrontar su obra con los grandes maestros. A ello se añadía un segundo eje que configuraba la muestra en este museo: el compromiso moral del artista con la sociedad de su tiempo en la denuncia de la guerra. El diálogo entablado por Guernica -la obra maestra de la Colección Permanente del Museo, símbolo universal contra la barbarie bélica-, El tres de mayo de 1808. Los fusilamentos de la montaña de Príncipe Pío, de Goya y La ejecución del Emperador Maximiliano, de Manet, daba un rotundo testimonio del posicionamiento de los artistas ante el dolor de las víctimas inocentes de los conflictos bélicos. Hacer partícipe de este singular encuentro a todos los públicos y, especialmente, al público joven, era un objetivo a la par que un desafío para nosotros. La iniciativa propuesta por el Departamento de Educación de convocar un concurso de graffiti para homenajear a Guernica ha supuesto la iniciación de nuevas fórmulas de aproximación de los jóvenes a la Colección del Museo que estamos orgullosos de apoyar y seguiremos impulsando. Este libro deja constancia pormenorizada de la experiencia y esperamos que, además de reflejar el interés suscitado por la iniciativa en aquel momento, sirva de estímulo para que los jóvenes de hoy y de mañana se acerquen a esta obra universal.

Ana Martínez de Aguilar Directora Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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00.ÍNDICE

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INTRODUCCIÓN

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GRAFFITI, EL ARTE DE DEJAR EL RASTRO DEL NOMBRE

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AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS

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PROYECTOS

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BOAMISTURA

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BRAKE

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MAX501

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SUSO33

01.INTRODUCCIÓN

01.INTRODUCCIÓN En junio de 2006 se llevó a cabo en España un conjunto de conmemoraciones en torno a la figura de Pablo Ruiz Picasso, no en vano se cumplían 125 años de su nacimiento, 75 desde su nombramiento como Director del Museo del Prado, y 25 de la llegada a España de Guernica, cuadro que pintó en 1937 por encargo del Gobierno de la II República. Esta múltiple conmemoración merecía una celebración especial que se vio materializada en la organización de una exposición conjunta sobre Picasso. Dicha muestra se desarrollaría simultáneamente en el Museo Nacional del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, centrándose la exposición, en este último, en una temática específica: la guerra, para lo que reuniría en un acontecimiento histórico, la obra de Goya Los fusilamientos del 3 de mayo con Guernica de Picasso. En el Departamento de Educación del MNCARS quisimos también hacer algo especial en relación a este acontecimiento. En los 25 años transcurridos desde la llegada de Guernica a España una generación entera de españoles había nacido y crecido en democracia. Esta generación desconocía la trascendencia e impacto que supuso el traslado de Guernica a nuestro país, así como los avatares a los que se vio sometida desde su creación. La ocasión del 25 aniversario parecía

por tanto oportuna para difundir, especialmente entre los jóvenes, los pormenores de la obra, el contexto de su creación, y para llamar la atención sobre su vigencia como símbolo universal. Pero en seguida nos asaltaron las dudas acerca de cómo plantear este proyecto: ¿cómo atraer al museo a jóvenes que no han oído hablar de Picasso –y si lo han hecho ha sido siempre en el ámbito de lo académico y alejado de sus preocupaciones cotidianas-? Hacía dos años que en el Departamento de Educación habíamos iniciado nuestro programa estable de actividades para jóvenes “<18”, y si algo habíamos aprendido en ese tiempo de experiencia, era la importancia de

Página anterior: Guernica, Pablo Picasso. 3.51 x 7.82 m. 1937

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hacer relevantes y significativas cada una de las propuestas dirigidas al público joven. Propuestas que, además de tener un sentido claro para ellos, entendemos que deben estar basadas en el respeto y en el reconocimiento del valor de sus códigos culturales y estéticos. Además éramos conscientes de que si el arte opera a niveles tanto viscerales como cognitivos, en la juventud son los primeros los más importantes. Así pues, iniciamos nuestro trabajo buscando los vínculos existentes entre Picasso y los jóvenes con el fin de abordar el contenido de Guernica en el contexto actual. En cierto modo Guernica es un cuadro protesta de un artista contra una masacre, la perpetrada por la aviación nazi contra la población civil de Guernica el 26 de abril de 1937. En España, los jóvenes también habían manifestado su protesta contra la invasión de Irak apoyada por nuestro Gobierno en 2003. Los jóvenes, siempre criticados por su desidia e inmovilismo, se habían posicionado en contra de la guerra y para manifestar su repulsa habían utilizado diversos medios de expresión en las calles, en sus lugares de encuentro y de reunión, a través de Internet... Y entre todas aquellas formas de expresión, algunos jóvenes escogieron una manifestación artística urbana: el graffiti. Así pues, nos decidimos a hacer una actividad que pusiese en conexión Guer-

nica con los jóvenes a través de la guerra por un lado, -un tema que afectaba a los jóvenes y con el que estaban sensibilizados y claramente posicionados-, y el graffiti por otro, -una manifestación expresiva que los jóvenes asumen como propia-. El graffiti además nos ofrecía la posibilidad, una vez establecidos y consolidados los

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programas para jóvenes en la programación del Museo, de buscar un público diferente al que habitualmente nos habíamos dirigido y con ello, llegar a un sector del público joven distinto al que respondía a nuestras convocatorias. De este modo, con estas premisas y la idea de rendir homenaje a Guernica, iniciamos nuestra búsqueda de “aliados” para llevar el proyecto a cabo. En seguida encontramos uno institucional: el Ayuntamiento de Leganés y su Museo de Graffiti, contactamos con uno de los técnicos de la delegación de juventud, Francisco Javier Rodríguez Ríos y establecimos los puntos de nuestra colaboración. Él fue quien nos sugirió la posibilidad de convocar un concurso. Aquella idea nos gustó porque nos parecía más democrático que llamar a un artista del graffiti que nosotros escogiésemos y, además, reforzaba el carácter educativo del proyecto, ya que incitaba a que los jóvenes trabajasen por su cuenta en un análisis de la obra y planteasen al museo su interpretación libre a través de un testimonio gráfico. Pero corríamos un riesgo importante, que el hermético mundo del graffiti nos diese la espalda. Por ello decidimos contar con Pastron#7, quien desde el primer momento se convirtió, más que en un aliado nuestro, en cómplice esencial de esta aventura. Así pues, en el mes de abril de 2006, el Departamento de Educación convocó un concurso de graffiti con el fin de ofrecer al público joven la posibilidad de homenajear a Guernica. Era la manera de ofrecer a una generación que creció con Guernica ya en España un espacio para que expresasen su relectura de una de las

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grandes obras de la historia de la humanidad a través de un lenguaje urbano y contemporáneo. Un homenaje de los jóvenes a Picasso. La convocatoria corrió como la pólvora por Internet y al día siguiente de su publicación ya eran numerosas las páginas en la red que contenían información de la misma. El 30 de mayo, tras un mes de recepción de proyectos, se reunió la comisión encargada de seleccionar los proyectos ganadores. Tras el estudio de los 26 proyectos presentados dentro del plazo previsto por la convocatoria (en total fueron 32) se seleccionaron cuatro proyectos que habrían de ser ejecutados el sábado 10 de junio de 2006, de 12:00 a 20:00 en patio de la ampliación del MNCARS. Estos cuatro murales de graffiti tendrían las dimensiones de Guernica: 3.51 x 7.82 metros. El concurso provocó que muchos jóvenes aficionados al graffiti iniciaran una investigación sobre Guernica, necesaria para poder plantear su boceto, con lo que se cumplía uno de los objetivos previstos con la actividad. Así fueron 32 los proyectos que se presentaron correspondientes a otros tantos jóvenes que, bien a título individual, bien asociados en grupos, se lanzaron a las bibliotecas escolares, a Internet o acudieron al Museo para documentarse sobre Guernica y conocer mejor la obra. Este proyecto supuso llegar a un espectro social al que de otra forma no habríamos llegado. Muchos jóvenes de la periferia de Madrid visitaron por primera vez el Museo, interpretaron la obra de forma autónoma y respondieron a ella de forma creativa a través de sus proyectos. De este modo el Museo se convertía en un lugar abierto al diálogo, en el que muchos jóvenes

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encontraron un espacio para la formación, para la canalización de sus inquietudes expresivas y políticas y sobre todo, en un lugar de encuentro. A los jóvenes les resulta muy difícil encontrar lugares en los que expresarse con libertad y descubren en las actividades artísticas un potencial y un canal de expresión fundamental. Brindar a los jóvenes la posibilidad de expresarse libremente es la mejor de las contribuciones que desde los museos podemos hacer, no sólo a los jóvenes, sino también a esta sociedad. No en vano, ellos son los futuros ciudadanos que harán mundo. El concurso también provocó otro efecto más difícil de cuantificar, pero de gran trascendencia, como fue presentar una imagen del museo diferente, una imagen joven, un perfil desconocido para muchas personas, con el que sentían una mayor proximidad y afinidad de intereses. Para nosotros, a nivel educativo, nos ofreció la posibilidad de analizar un planteamiento metodológico diferente, ya que en esta ocasión nuestra tarea se

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convirtió en impulsora de la interpretación. Siempre hemos pensado que ése es un trabajo fundamental que debe alentar un museo y ésta fue una importante iniciativa para hacernos sentir que estábamos en lo cierto, que el museo del siglo XXI, más que un transmisor unidireccional de conocimiento(s), ha de ser capaz de generar y acoger nuevos y diversos discursos en torno al patrimonio material que contiene. La iniciativa de aquel concurso culmina con esta publicación, en la que hemos querido incluir todos aquellos proyectos que han autorizado sus autores para su publicación, así como el análisis de los proyectos ganadores. Se incluyen además dos textos, uno de Francisco Reyes, profesor de la Universidad Complutense de Madrid y autor de una tesis sobre graffiti, en el que nos habla de los orígenes del graffiti en Nueva York hasta su llegada a España. Para el otro texto hemos invitado a Pastron#7, quien nos cuenta en primera persona su experiencia como graffitero en los 80 en España y ha sido quien ha mantenido las entrevistas con los ganadores que se incluyen en esta publicación. No queremos acabar este texto sin reconocer la importancia de la implicación de todos los departamentos de este museo para la culminación de este proyecto. Desde que lanzamos la convocatoria del concurso, poco a poco fuimos contando con la ayuda cómplice de compañeros y amigos que se fueron sumando al proyecto con entusiasmo. Desde el apoyo de Amelie Aranguren, coordinadora de Espacio Uno del Museo que formó parte del jurado del concurso, hasta Julia

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Ramón, en aquel entonces asistente de la directora del museo, que fue un apoyo esencial para que este proyecto saliera adelante. Pero sin duda alguna a quienes debemos nuestra más sincera gratitud por su colaboración y el entusiasmo con el que se implicaron es a todo el equipo de mantenimiento del Museo (Enrique Benavides, Máximo Díez, Domingo García, José Fernando Gómez, Jose Antonio Gómez, Agustín Mariño y Alejandro Vega) y en especial a Javier Gutiérrez. Ellos hicieron posible la imponente estructura diseñada por Dolores Muñoz sobre la que se pintaron los murales. Así mismo nuestra gratitud al equipo de seguridad. Y sin duda alguna nuestro más profundo agradecimiento a todos aquellos que presentaron su proyecto de Homenaje a Guernica, así como a los cuatro ganadores. Para todos ellos va esta publicación.

Mª Jesús de Domingo Jefa del Departamento de Educación Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Pablo Martínez Coordinador de Programas Públicos Departamento de Educación Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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EL ARTE DE DEJAR EL RASTRO DEL NOMBRE

No se puede hablar de graffiti sin hacer referencia al movimiento Hip Hop. Tampoco debemos confundir las pintadas con los graffitis, así que en las siguientes páginas intentaremos explicar en qué consiste este desconocido mundo de los escritores de graffiti. Quiénes son, por qué lo hacen, cómo empezó todo… Pasen y lean.

¿Qué es el Hip Hop? El Hip Hop es un movimiento urbano, juvenil y trasgresor que surge en Nueva York a finales de los años 60 y que engloba tres disciplinas artísticas: la pintura (el graffiti), la danza (el breakdance) y la música (rap, electro, breakbeat, beat-box, ragga...) Es un término desconocido que las personas ajenas al Hip Hop, utilizan sobre todo para referirse a la música rap. Los medios de comunicación lo usan indiscriminadamente para referirse a actitudes, ropas, músicas, pinturas o bailes que poco o nada tienen que ver con el Hip Hop.

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Los DJ´s fueron los primeros en acuñar el término Hip Hop, pero nadie parece ponerse de acuerdo sobre su significado. Literalmente, en inglés, “hip” es saltar y “hop” cadera, y sobre la palabra Hip Hop, algunos de los pioneros de la vieja escuela de Nueva York, opinan que hace referencia al gesto, al movimiento de los DJ´s al saltar de un plato (giradiscos) a otro en sus sesiones: “you hip and you hop”. A los seguidores del Hip Hop se les llama B.Boys. Hay varias versiones sobre el origen y significado de la palabra B.Boy (Break Boy, Beat Boy, Bad Boy...) pero la más acertada es la de Break Boy, “los chicos del break”, ya que así llamaban los primeros DJ´s que realizaban sus sesiones en los parques neoyorquinos a los chicos que se contorsionaban en el suelo al ritmo de su música. La música del Hip Hop es una música de síntesis, de mezclas, de fusión y de influencias de otras músicas, sobre todo de la música negra, del soul, del jazz, del funk y del R&B. Los B.Boys forman un clan muy cerrado al exterior que mantiene una serie de normas no escritas que les confiere un carácter sectario y que difícilmente se entiende desde fuera. Y no sólo practican una o más de las disciplinas del Hip Hop, sino que comparten una actitud, una forma de vestir, de pensar, de rechazo al racismo y de respeto a las minorías étnicas, a la fusión de culturas y sobre todo a la raza negra. Un movimiento tolerante, de carácter artístico y muy narcisista. El egocentrismo es la característica más reseñable de un B.Boy, pues tanto al pintar como al bailar y al cantar rap, lo que pretende un B.Boy es “que se hable de

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mí, que me mire todo el mundo cuando bailo en el suelo, que todos se pregunten quién es ése que pinta tanto, y que todos piensen que qué bien pinto, que cuanto estilo tengo, que cómo rimo y qué cosas cuento en mis rimas”: la exaltación del ego. Es el llamado “ego trip” o el “Me, myself and I” que popularizara el grupo De La Soul. Al graffitero se le llama “escritor”, traducción del inglés writer, y lo que pretende es dejarse ver, “getting up”, destacar sobre el resto de escritores por dos vías bien distintas: su calidad artística o su cantidad, la profusión de sus firmas. Al bailarín de breakdance se le llama breaker, y su intención también es hacerse notar, pues sale a bailar generalmente al centro de un corro haciendo su mejor movimiento y desafiando a los posibles rivales en el baile. Y al cantante de rap se le llama MC, siglas de “Master of Ceremonies”, maestro de ceremonias. El MC, en un principio era una figura de acompañamiento, de apoyo al DJ, pero poco a poco se fue haciendo cada vez más importante hasta el punto de que hoy en día el DJ ocupa en la mayoría de los casos un papel secundario, dejando todo el protagonismo al MC. El MC también es egocéntrico y narcisista, las letras de un MC, a parte de ser auténticas crónicas de poetas urbanos, salvo excepciones, suelen ser una exaltación de su persona utilizando frecuentemente un lenguaje soez y un tanto agresivo. La cultura Hip Hop marca la infancia y adolescencia de muchachos destinados a compartir la calle con la droga y la delincuencia y en muchas ocasiones hace que se alejen de esas actividades para dedicarse al Hip Hop en cuerpo y alma. Una

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forma de pensar, de vestir, de actuar, un estilo de vida que consiste en “dejarse ver”, y en el sistema de competición, de ser el mejor, de destacar en algo. A menudo, la única salida para adolescentes de barrios marginales que, gracias al Hip Hop, tienen algo que decir y se sienten escuchados.

Diferencia entre graffiti y pintada. Pintada: Acción de pintar en las paredes letreros de contenido político o social. Letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un determinado lugar. (DRAE) Grafito: Letrero o dibujo circunstanciales, generalmente agresivos y de protesta, trazados sobre una pared u otra superficie resistente. (DRAE) Como podemos observar, la palabra graffiti no aparece registrada en el diccionario de la Real Academia, pero se aprecia una tímida evolución en la definición de grafito desde 1984: -Escrito o dibujo trazado a mano por los antiguos en los monumentos. Letrero o dibujo grabado a punzón por los antiguos en paredes u otras superficies resistentes, de carácter popular u ocasional sin trascendencia (DRAE 1984) -Letrero o dibujo grabado o escrito en paredes u otras superficies resistentes, de carácter popular u ocasional, sin trascendencia (DRAE 1992)

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En la definición de 1984 se hacía alusión al punzón, a los monumentos y a “los antiguos”. En la edición de 1992 desaparecen estas alusiones, pero se afirma que un grafito es ocasional y sin trascendencia. Bien, si hemos de quedarnos con la definición actual, nos resulta imposible diferenciar un grafito (graffiti) de una pintada, pues los dos son “letreros” que se pintan sobre una pared, pero sólo la pintada es de contenido político o social–protesta. ¿Es que el dibujo sólo puede ser grafito?, ¿El letrero puede ser pintada o grafito dependiendo de si es de contenido social o sin trascendencia?, ¿Es que el dibujo o grabado ha de ser forzosamente intrascendente?, ¿O de protesta?. El graffiti no es eso, es tan sencillo como: el nombre de un escritor bien grande, escrito por la mayor parte de superficies, con voluntad de estilo, de carácter artístico y con la única intención de ser reconocido individualmente y por encima del mensaje. Es evidente que algo falla, que la palabra graffiti no esté recogida en el DRAE, cuando su uso está tan extendido, resulta sorprendente, y si no está recogida porque es preferible el término grafito, al menos, el significado debería ser lo más ajustado a la realidad. Pues un graffiti y una pintada no tienen en común más que los materiales y el soporte donde se realizan. En mayo del 68 llega a España la palabra graffiti, plural del italiano graffito, que utilizaban los escritores (los grafiteros) americanos para referirse al nuevo arte callejero. Tanto los autores de graffitis como los periodistas, comienzan a llamar “escritores” (del inglés writer) tanto a los que firman como a los que hacen graffiti,

aunque son dos actividades de las que no puede hablarse por separado ya que, quien hace graffiti, para llegar a ser capaz de hacerlo, antes ha tenido que hacer miles de firmas en la calle. Para “coger estilo” y para hacerse un nombre, dejarse ver y que la gente relacione su obra con ese nombre que han visto repetido tantas veces en las paredes de su entorno. Quien sólo hace firmas, tarde o temprano acabará haciendo graffiti, porque es ley de vida, porque es la meta de todo escritor, por muy “firmador compulsivo” que sea. Poco se sabe en España sobre el graffiti. La mayoría de los estudios que se han realizado tratan sobre las pintadas y desde un punto de vista casi exclusivamente sociológico. La pintada política y las pintadas de los retretes universitarios han merecido, hasta el momento, especial atención por parte de los estudiosos. Y no es extraño este desconocimiento, si se tiene en cuenta que los escritores (grafiteros) no suelen dar muchas facilidades e incluso suelen dar informaciones falsas con el fin de reírse de alguien que no pertenece a su mundo, (sobre todo a periodistas y a los que “osan” escribir sobre el graffiti o el Hip Hop sin ser B.Boys o escritores de graffiti). La información más confusa procede de los medios de comunicación, que superficialmente y sin contrastar demasiado los datos, de vez en cuando se hacen eco de su existencia y ofrecen incluso pequeños glosarios en los que dan cuenta de algunos de los términos del argot de los B.Boys, que casi nunca coinciden con los que los propios escritores emplean.

Graffiti de Kurri, uno de los escritores pioneros de Madrid, ya retirado Graffiti alicantino de los m-90 Firmas de escritores pioneros. entre ellas, Toeo y Stimie

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Así pues, la confusión está servida. Tradicionalmente se le ha llamado y se le llama “pintada” tanto a la pintada como al graffiti, que tiene menos tradición en España que la pintada. En los libros y medios de comunicación es bastante habi-

Graffiti primitivo realizado por el grupo de break Grand Masters en el madrileño barrio de Esperanza

tual el uso indiscriminado del término pintada para referirse al graffiti, cuando son actividades bien distintas, y lo que diferencia al graffiti de la pintada es el “estilo”, el componente artístico y la voluntad de “dejarse ver”, pues quien hace una pintada escribe un mensaje anónimo, no lo firma, mientras que el graffiti es una firma, un nombre propio bien grande y en colores. Son actividades muy distintas, realizadas por personas muy distintas, que tienen distintos destinatarios y persiguen un objetivo comunicativo muy distinto, en la mayoría de los casos opuesto, pues mientras el autor de una pintada desea comunicar algo pero sentirse anónimo, el escritor de graffiti solamente desea que se conozca su nombre (de guerra, casi nunca el real) y rara vez intenta comunicar algo, lo que pretende es demostrar su arte, su estilo, y que se siga hablando de él, mantener viva su firma. Las pintadas se utilizan para transmitir información (“Te quiero Ana”, “Corrupsoe”, “A mí la Matilde no me lo pone”...). Los que las hacen no se sienten artistas, no las firman y no se sienten parte de un clan al que pertenecen los escritores de graffiti. El graffiti es todo lo contrario. Hay voluntad de estilo, pueden ser palabras o iconos, pero siempre con la intención de dar publicidad a un nombre, a una firma, y los que los hacen suelen referirse a sí mismos como “escritores” y sienten que pertenecen al grupo de los escritores de graffiti.

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Aunque muchos neófitos se empeñen en ver un mensaje en un graffiti, el único mensaje que se pueden llevar de un graffiti es el de las formas, mientras que una pintada sería el de los contenidos. A los murales sudamericanos de contenido político tampoco podemos denominarlos graffiti porque aunque haya dibujo y color, no hay un afán de “dejarse ver” del autor ni están realizados con letras de estilo Hip Hop.

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El graffiti sería una obra realizada con las técnicas, materiales, estilos y contenidos característicos del Hip Hop, con un uso de la palabra que nadie ha pedido y de un espacio que no sólo no les pertenece, sino que les está expresamente prohibido. Sin embargo, un graffiti realizado por un escritor a plena luz del día, con botes pagados y con permiso, ya no sería graffiti, estaríamos hablando de un mural, auque esté realizado con estilo Hip Hop. Tanto el graffiti como la pintada van dirigidos a un receptor colectivo, no se hacen para una persona en concreto, aunque en ocasiones se recurre al mensaje privado, pero en este caso la ubicación del soporte es diferente. El mensaje privado se suele pintar en lugares públicos de uso privado, como el interior de las puertas de los “estudiados” WC, en los sitios de paso del receptor o los que frecuenta habitualmente. Uno de los más utilizados en los casos en los que el autor mantiene una relación especial (amistad, sentimental...) con el receptor, es hacer el graffiti o la pintada en una pared que éste pueda ver desde su propia casa, (preferentemente desde la ventana de su habitación) o que literalmente “se lo coma” en su trayecto hacia el trabajo o centro de estudios. El autor de una pintada busca un sitio que sea de fácil acceso y que no entrañe un riesgo excesivo, mientras que para un escritor de graffiti tendrá más valor su obra cuanto más arriesgado o inaccesible sea el sitio elegido para dejar su marca

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Por último, decir que a los escritores (los grafiteros) les une el sentimiento de formar parte de una cultura urbana y tienen su propio argot y reglas no escritas sobre el graffiti, que se van transmitiendo oralmente de generación en generación de escritores.

Origen del graffiti: el metro de Nueva York. En la historia de la humanidad siempre ha habido todo tipo de inscripciones en paredes y soportes ilegales, desde las latrinae romanas hasta la pintada política, pero no se puede hablar de graffiti hasta finales de los años 60, cuando en Nueva York se empiezan a ver ese tipo de marcas no anónimas por toda la ciudad. El desarrollo de los rotuladores de punta ancha (más de un centímetro) y los aerosoles, contribuyó decisivamente a ello. Las bandas juveniles ya delimitaban su territorio desde los años 50 con el nombre de su grupo en las paredes, pero es en los últimos años de la década de los 60 cuando un joven mensajero llamado Demetrius comienza a escribir su apodo “Taki” y el número de su calle (183), sobre el mobiliario urbano y las estaciones de metro de Nueva York. Enseguida surgieron imitadores, otros escritores que se lanzaron a una carrera en busca de la fama, de ser los que más pintaran, de los sitios más inaccesi-

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bles; y lo que en un principio eran letras descuidadas y sin voluntad de “estilo”, poco a poco se fueron convirtiendo en firmas con estilo e incluso colores. La búsqueda del estilo llevó en los primeros años a la competición entre escritores y a una creatividad desmesurada en cuanto al diseño de letras. Los escritores que iban saliendo, al igual que Taki 183, solían añadir una cifra al lado de su apodo, de su firma o “tag”: Frank 207, Chew 127, Julio 204, Papo 184, Soul I, Tracy 168, Super Kool 223, Stitch I, Bárbara y Eva 62, Junior 161, Cay 161... Aquellos pioneros estaban inventando el estilo, y algunos innovaron, como Super Kool 223, al que se le atribuye la primera “master piece”, obra maestra a colores en 1972 o Phase 2, In y Pistol I, que desarrollaron estilos de letras que crearon escuela. Estos estilos surgen de la necesidad de hacer destacar la propia firma entre el resto y se pasa de hacer la firma más grande, a añadirle contorno, color, 3D, fondo, brillos... Es ahí donde surge el graffiti tal y como lo entendemos hoy. Los medios de comunicación empiezan a hablar de Taki 183 y los demás escritores en julio de 1971, con un primer artículo en el New York Times. Desde entonces, el graffiti se ha extendido por todo el mundo, gracias sobre todo, a la película Wild Style (1982) y al reportaje que lanzó a la fama a escritores como Seen o Dondi: Style Wars (1984), en el que se pueden ver los graffitis del metro de Nueva York y su relación con los otros elementos de la cultura Hip Hop.

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Graffiti en España: Muelle En España, el graffiti ha sido una forma de expresión desconocida hasta finales de los años 80. Los años de dictadura y la consiguiente represión han hecho que la pintada política haya sido la inscripción más habitual en las paredes. Hasta que un mensaje empezó a hacerse inevitablemente repetitivo en los muros y mobiliario urbano de Madrid desde 1977: “Muelle”, un joven de la periferia, músico y mensajero, fue el primero en estampar su firma por toda la ciudad. Pronto surgieron otros “escritores” de pintadas o firmas (por aquel entonces no se conocía el graffiti tal y como hoy lo entendemos). Algunos de ellos llegaron a ser tan conocidos como él: Bleck (la rata.)., Tifón, Glub… Pero el prestigio de Muelle le viene dado no sólo por haber sido el primero, sino por ser el creador de un estilo: el estilo flechero, desconocido en el resto de Europa e imitado hasta la saciedad en los primeros años del bombardeo en España. Muelle comienza a bombardear en solitario con su original firma respetando la propiedad privada. Hacia 1977, cuando tenía tan sólo 12 años, diseña una primitiva firma con una calavera y dos tibias cruzadas con la palabra “muelle” escrita en letras mayúsculas. Sus primeras firmas las realizaba con todo tipo de materiales (en España los aerosoles no eran algo habitual en los comercios y, a parte de los rotuladores, Muelle se las tuvo que ingeniar para pintar con lo que tenía a mano).

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Hoy en día aún puede verse una de sus primeras firmas en su barrio realizada con esmalte de uñas. La firma de Muelle sufrió una evolución en los primeros años. Al principio era sólo la palabra muelle, después le añadió la “R” de registrado y posteriormente la espiral. Muelle encuentra un lugar idóneo como soporte de su firma: los carteles de los andenes del metro de Madrid. Una firma sobre papel, que desaparecerá cuando peguen encima el siguiente cartel. Es un soporte destinado a la publicidad, que Muelle aprovecha para hacer su propia publicidad: su firma. Él fue el primero en “hacerse todas las líneas”, en firmar sobre todos y cada uno de los carteles de los andenes de cada estación y en los carteles de los pasillos que comunican los andenes, en unos años (80, 81, 82 y 83) en los que todavía no se conocía la existencia del graffiti en España y mucho menos el movimiento Hip Hop, eran los años de la “movida madrileña”. Ya en 1984 llega el breakdance a España y se empieza a vislumbrar la relación entre este baile y algo muy parecido a lo que llevaba haciendo Muelle desde hace años: el graffiti. Otros escritores durante aquellos años anteriores al breakdance imitaron a Muelle y su estilo flechero: Josesapunk, Bero es Dios, Trigliglis... También salieron otros que se pusieron a su nivel en cuanto a fama, como Bleck (la rata.)., Tifón y Glub, pero todavía no era graffiti, eran firmas, “pintadas” como ellos erróneamente las llamaban y que nada tenían que ver con el Hip Hop.

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Muelle siguió pintando hasta fusionarse con la nueva hornada de escritores de graffiti Hip Hop y experimentó una evolución en el diseño de su firma-logotipo, pues en los últimos años de la década de los 80 y hasta que un cáncer acabó prematuramente con su vida nos regaló preciosos “Muelles” a todo color con 3D, con rellenos, difuminados y brillos por toda la ciudad. La carrera de Muelle como escritor, estuvo plagada de anécdotas, como sus viajes en Vespino hasta lugares como Sevilla, Segovia o Andorra para estampar su firma por el camino, su escalera plegable de cuatro metros que acoplaba en la parte trasera de su moto para poder pintar en alturas, o la famosa anécdota de su firma en el madrileño monumento de El Oso y el Madroño. Aunque Muelle jamás pintó en un monumento, en esa ocasión lo hizo (una firma pequeña con rotulador) para jugar con los serenos que se jactaban de tener a Muelle acorralado. “Se dejó coger y se le impuso una multa de 2500 pesetas, que no llegó a pagar al declararse insolvente” (Fernando Argüello, hermano de Muelle) Fue el primer escritor en registrar su firma frente a un posible plagio que se veía venir y rechazó ofertas millonarias para comerciar con ella. Un escritor auténtico, el primero y un ejemplo a seguir. Haber inventado un código de maneras de hacer graffiti sin molestar, es también mérito de Muelle. Los que salieron después que él, respetaban los mismos lugares y lo hacían de manera que la firma resultase decorativa y no generase un gasto. Heredaron aquello e intentaron hacerlo bonito, hacer una firma cuidada, con estilo.

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El tiempo pasa y el estilo cambia o se pierde, pero Muelle siempre estará ahí. Como él mismo diría: “un famoso anónimo” que creó escuela y que fue un ejemplo para muchos escritores. El 30 de Junio de 1995 muere Muelle, Juan Carlos Argüello, y con él murió una parte de la historia del graffiti en España.

Bleck (la rata.), los Flecheros y los graffitis de los breakers Poco después de que Muelle se decidiese a dejar su firma en las paredes de Madrid, surgió toda una legión de “firmadores compulsivos” con su estilo “flechero”: Bleck (la rata.)., Trigliglis, Bero es Dios, Josesapunk, Glub, Juanmanuel, Tifón, Rafita, Cerobajocero, Chete, Tiri, Toeo, Fer, Joselio, Anteno, Max “501”, Jys... Estos escritores, al igual que Muelle, solían rematar su firma con una flecha. Todas las firmas parecían estar cortadas por el mismo patrón, todas se parecían y generaban nuevas firmas al estilo de éstas en cada barrio. Pero quizá fue Bleck (la rata.). el escritor que más sombra le hizo a Muelle. Él llegaba también a toda la ciudad, y supuso una segunda opción a la hora de decantarse por un escritor. Su firma se hizo tan famosa como la de Muelle, compitiendo durante unos años en cantidad y riesgo con él. Utilizaba la misma táctica que Muelle: una firma decorativa y que no generase un gasto. Fue un pionero que contribuyó decisivamente al desarrollo del graffiti en España. Muelle solía pintar en muros de derribo. Una firma decorativa que no genere un gasto.

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Actualmente vive en Estados Unidos y no deja de sorprenderse cuando le cuentan que en España todos los escritores han oído hablar de él y que además es una leyenda al igual que Muelle. Si Muelle o Bleck (la rata.). estampaban su firma en algún barrio en el que no había pintado nadie todavía, al poco tiempo, nuevos escritores se lanzaban a la carrera de la fama siguiendo el ejemplo de estos maestros. Y esto fue así hasta 1984, año en que el breakdance llega a España y los breakers de la época, influenciados por las películas de break que llegaron a estrenarse (Breakdance, Beat Street, Electric Boogaloo y Body Rock), y en un intento de imitar toda esa información que venía de Estados Unidos, comenzaron a pintar, a escribir el nombre de su grupo en lo que podríamos llamar los primeros graffitis Hip Hop de España. Estos graffitis salieron como copias de portadas de discos de música de break. Un graffiti con las letras “Hip Hop” del grupo Poppets en Barcelona y alguno de Lito, escritor Barcelonés, fueron de los primeros. Lo primero que se pinta en aquella época es el nombre del grupo, sin estilo, pues no había referencias ni buenos materiales, y pasaría tiempo hasta que un nombre propio empezase a dejarse ver. Mientras, en Madrid imperaba el estilo flechero, a imagen y semejanza de Muelle y Bleck (la rata.)., pero nada tenía que ver con el Hip Hop “Cuando empecé a pintar (1986) sabiendo lo que hacía, no había mucha gente. Recuerdo unas “L” grandes en las cabezas de todos los metros. Eran de Lito.

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Yo creo que fue pionero. Enseguida lo dejó, pero él pintaba auténtico graffiti y no lo que se veía en las zonas de los breakers (graffiti decorativo de breakers que escribían “Hip Hop don’t stop” y “breakdance”). A partir del 86 si que hay más nombres, pero antes creo que solo Lito y algunos grupos de punkies que hacían plantillas como los Trepas” (Kapi) Un tal Moisés, en Madrid, en 1984 ya pintó su nombre encima de una radio gigante. Uno de los miembros de Los Kappa (los Madrid City Breakers) se dedicaba a escribir “Chilly Willie” en paradas de autobús e incluso en el interior de

Bleck (la rata)

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“Yo pinté mi primer graffiti en 1985, fueron botes comprados, ya en 1986 Kapi trajo el Subway Art y alucinamos”. (Koa) Era una época de pioneros, por un lado los flecheros, y por otro los breakers, que aún no se habían iniciado en el arte del graffiti pero no tardarían en hacerlo. “Me gustaba mucho la firma de Bleck la rata, me inquietaba, yo iba a bailar Break en 1984 después del colegio a una zona de Arturo Soria y allí nos contaba uno que conocía a otro que decía que Bleck iba al instituto de San Blas y que era un tío peligroso, ya sabes, las típicas leyendas urbanas. En esa época él ya tenía plagada toda la ciudad en dura pugna con Muelle”. (Pastron#7)

David Pozuelo, uno de los mayores bombarderos que ha existido en Madrid

Francisco Reyes. Profesor de la Universidad Complutense de Madrid. los autobuses, acompañando su firma con alusiones al breakdance como “Gustavo Adolfo Breaker” y cosas por el estilo. Los miembros del grupo de breakers Mad Boys pintaron el nombre del grupo en plata y con brocha y había un graffiti en Nuevos Ministerios, centro de reunión de los breakers madrileños, azul, muy grande realizado por un escritor belga (Mr Lenard) en 1985. Pero estos graffitis se realizaban manteniendo siempre la estética Break. Si se pintaba algo, casi siempre era para hacer propaganda al breakdance o al propio grupo, no a una firma individual.

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03.AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS

03.AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS Aún recuerdo aquellos años de transición. Desde que empezó todo el tema del break en 1984 hasta que se empezaron a ver por la calle las firmas de Muelle, Bleck (la rata) y los demás no pasó mucho tiempo. Sin embargo, hacia 1986 el mensaje del break estaba acabado, y en 1987 no pasó prácticamente nada. Un año en blanco. Pero ya en el 88 recuerdo los primeros sonidos de rap en los medios y las primeras firmas de los “raperos”; si algunos éramos los de la Vieja Escuela, los del 84, otros acababan de llegar y formaban parte de lo que llamábamos la “segunda oleada”. Discos recopilatorios como Madrid Hip Hop o Rap´in Madrid contribuyeron a extender todo aquello. El rap y el graffiti estaban en los medios y todo el mundo quería tener su firmita. Copiábamos letras del Subway Art o del Spray Can Art y de películas como Colors, The Warriors o New Jack City. Los “raperos” habíamos invadido el territorio de los flecheros, y pese a que algunos estábamos ahí antes que ellos, sin pintar, pero bailando break desde el 84, ellos eran los pioneros en el tema del graffiti. Al final los raperos, como éramos más, acabamos ganando la supuesta batalla. Usábamos Duply y Novelty, el bote costaba entre 750 y 1900 pesetas de la época. Imposible comprarlos, había que convertirse en un experto del robo

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si querías pintar. Nos reuníamos en Nuevos Ministerios en Madrid, otros lo hacían en Metro Universidad en Barcelona, y supongo que cada ciudad tendría su lugar de reunión de los nuevos b.boys. Veíamos a Muelle, a Bleck o a Tifón por la tele, también a Mata, a Mast, o Faze (Zeta), el graffiti estaba de moda, el grupo más admirado por su calidad eran los QSC. Sac y Ardi eran dos grandes bombarderos, sobre todo Ardi, el que más, como el Buni ahora. Tiri, Chete, David Pozuelo… había muchos firmadores compulsivos. Más tarde los PTV comenzarían el bombardeo masivo en trenes. Algunos flecheros históricos se habían reconvertido al nuevo estilo hip hop. Toeo por ejemplo, un joven superdotado que aprendió del nuevo estilo e innovó, inventó muchas letras, formas de hacer, aparatos, técnicas… a mí personalmente me enseñó absolutamente todo lo que sé. Cuando la gente me pregunta por esas letras que hago, ese estilo old school, no me queda más remedio que reconocer con mucho orgullo que todo lo que hago es una mala copia de lo que hacía el Toeo. No teníamos boquillas fatcap, ni boquillas con trazo biselado, para conseguir estos efectos y otros, teníamos que recurrir a la tecnología casera: con una cuchilla al rojo vivo, con un alfiler, pintura plástica y rodillo con botes de colorante, rotuladores fabricados con linternas y borradores de colegio, utilizar el Kanfort a modo de rotulador, hacerle cortes en la punta al Edding 850… nadie nos explicó cómo había que hacer las cosas, pero éramos felices inventando.

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Para hacer graffitis ya sabíamos algo gracias a aquellos libros mencionados antes que, por cierto, conocimos en el Reina Sofía hace más de 15 años. Con el estilo pompa o bubble dibujábamos unas letras “ahuecadas” que daban la impresión de estar “infladas”. Intentábamos hacer, la mayoría de las veces sin éxito, el estilo salvaje (Wild Style): el estilo más complejo y difícil de hacer, muy utilizado en Nueva York en su época dorada; hacíamos letras muy enrevesadas y prácticamente ilegibles. Su rasgo más característico es la flecha que adorna las letras por doquier. También le dábamos a las letras bloque, sobre todo porque las rellenábamos con pintura plástica y usábamos tan sólo un bote o dos para el contorno. Las hacíamos a gran tamaño, ocupando de arriba abajo la pared. Luego saldrían otros estilos, por ejemplo el estilo basura en el que parece como si quisieran hacerlo mal adrede, sin estilo. Los escritores de la Vieja Escuela no suelen entender este tipo de graffiti en el que el estilo brilla por su ausencia. El model pastel llegó de Alemania, y escritores como Trase lo desarrollaron en España; son letras hechas en 3D, jugando con las diferentes tonalidades de un mismo color a modo de luces y sombras. La sensación que dan es de estar hechas de plastilina. El tema de las firmas era otro cantar; para firmar, hacíamos letras con trazo biselado con el rotulador, se buscaba el estilo, la perfección en la firma, la limpieza, hacíamos muchos abecedarios, las letras eran angulosas y difíciles de hacer para un principiante, pero en el verano de 1990 las cosas cambiaron, cambió el estilo.

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Eran tiempos de bombardeo en el metro, de firmar los carteles azules de las estaciones, de una competición en convertirse el rey de una línea determinada. Teníamos ya una especie de catálogo no escrito de los tipos de letras que podíamos hacer tanto a la hora de firmar como a la hora de hacer graffitis. En cuanto al estilo flechero, el primero que vimos, el que inventó Muelle, el nombre se solía subrayar con una flecha o unas líneas cruzadas, aunque no siempre. Hay firmas flecheras como la de Glub o la de Rafita, que no van subrayadas, pero que pertenecen al estilo flechero, autóctono de Madrid por seguir el estilo de firma (no hip hop) de los primeros años. Después empezamos a utilizar las letras de las firmas del Estilo París, que se caracterizan por el apoyo horizontal o ligeramente escorado hacia la izquierda de la punta del rotulador. El trazo se hace biselado, se apoya la totalidad del canto de la punta en el trazo de cada letra, levantando la punta en el cambio de Caballo que pintó Glub en 1993 en el barrio de Pacífico en Madrid, objeto de peregrinación de muchos escritores de la época.

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letra o de “palo” de cada letra. Las letras son estilizadas, con aristas y con fuerza y limpieza en el trazo. Se escriben las letras y palabras muy juntas. La “a”, la “b”, la “p” y la “r” presentan un ribete en su parte superior. La letra “e”, es la que presenta más variantes, y junto con la “s”, la letra ideal para “hacer estilo”. Grupos como los QSC contribuyen al desarrollo de este tipo de letras. Los escritores Sac y Toeo, inventaron muchas letras Estilo París. En 1990 se pone de moda el Estilo Nueva York, adoptado por grupos como PTV y se convirtió en la referencia de los escritores que iban saliendo. El apoyo de la punta del rotulador ahora es totalmente vertical, lo cual hace que las líneas verticales de cada letra queden excesivamente finas. Para compensar esto, se ensanchan las letras, las palabras parecen más largas, el cambio de la “e” es bastante significativo; de estilizada y rápida pasa a ser redondeada y suave. Las letras son totalmente legibles, ahora no sólo las entienden los B.Boys: “Qué feas”, “Mira esa ´e´ parece de niño pequeño”, era el comentario habitual de escritores que estaban acostumbrados a utilizar el Estilo París. Los escritores actuales no hacen esta distinción de estilos. Para ellos no es importante firmar con estilo, y esto es algo que a los “mayores” nos cuesta entender. Creo que el “final del estilo” comienza a partir de finales de 1991, cuando los escritores de la Vieja Escuela deciden retirarse casi al unísono. Sólo algunos como Suso33 o Max “501” decidieron seguir pintando. Hasta mediados, casi podríamos decir finales, de los 90, no se vuelven a ver firmas en gran cantidad por Piezas del grupo PTV y del escritor Jast, a.k.a. AGS, a.k.a. Sems, a.k.a. Pocho

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las ciudades, y los escritores de la nueva escuela ya no tienen referencias de estilo, hacen firmas descuidadas, ya no valoran el estilo, sino la cantidad de firmas, y se justifican en la rapidez con la que se ven obligados a firmar para que no les pillen. La forma de apoyar la punta del rotulador les es indiferente, hasta son capaces de firmar rayando un cristal, donde es materialmente imposible hacer letras con estilo. Incluso marcando el cristal con ácido. Y yo me pregunto: ¿dónde está la tinta, el color? ¿No se supone que el graffiti es eso? ¿Dónde está el romanticismo del pintar sin ser visto, del juego del gato y el ratón? ¿Dónde está la emoción o la valentía a la hora de pintar un tren 20 escritores a la vez amenazando al vigilante? Mucho han cambiado las cosas por aquí, pero esta actividad de dejar tu propia marca con estilo no creo que se acabe nunca. Podemos convencer todos los días a 300 niños para que no pinten, pero cada día sale uno nuevo, rotulador en ristre, dispuesto a “dejarse ver”.

BOA MISTURA El mayor de los Boa Mistura, R Dick, empezó a pintar en 1994, tarde, según él. Su influencia fueron escritores como Bud y Rhez de sus posses OZM y Evacuol. En su barrio, la Alameda de Osuna, apenas había graffiti en esa época, ellos fueron los primeros. De hecho, las siglas de OZM significaban

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“operación zona muerta”, en referencia a lo poco que había de graffiti y hip hop en la zona.

“El movimiento inicial de allí era muy autóctono al ser un barrio con una identidad cultural muy marcada y bastante aislado del resto de la ciudad. Hubo un tiempo en el que nos juntábamos entre 20 y 30 personas a tocar los djembés, cantar rap y pintar graffiti en las vías abandonadas o en el ocupado MarMenor. Con los años yo seguí pintando, incluso yéndome en solitario por las noches, mientras que casi todos los de esa época lo iban dejando.” (R Dick). Él, nacido en 1977, conoció entonces a los futuros miembros de Boa Mistura, nacidos todos en 1983: Purone, Derko, Pahg y Arkoh. Ellos reconocen que R Dick fue su primera influencia. Ya formaban parte de un grupo que se llamaba Montana Kids, con el que comenzaron a hacer murales de cierta calidad.

“Hacia 1999 empecé a pintar solo, hacía letras, wild style, creo que soy el miembro del grupo que más letras ha hecho; desde el 98 hasta 2002 hice sólo letras. Me inspiraba en el escritor Dare, después empecé a hacer model pastel influenciado por el escritor Joker, de Méjico” (Derko). Pintaron un primer mural en 2001, pero aún no eran Boa Mistura, sino los Montana Kids y R Dick pintando juntos. Fue en el verano de 2002, cuando para inscribirse en el Calviá Hip Hop, utilizaron por primera vez el nombre de Boa Mistura (Buena Mezcla en portugués). Sus primeros murales eran una serie de piezas y caracteres más o menos ensamblados.

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Poco a poco empezaron a ganar en coherencia y ya hacia 2004, el grupo entró en otro nivel donde la mezcla era real. Llegando a una “mistura” perfecta, de manera que en la actualidad sus murales no parecen realizados por varias personas, sino por una sola.

“Somos cinco escritores que pintamos distinto. Pero en el muro hemos llegado a entendernos muy bien. Tanto, que ahora somos capaces de hacer obras gigantes en cuyas partes vamos trabajando todos, intercambiándonos, de forma que al final queda un mural más homogéneo”. (Purone). Han decidido en los últimos tiempos no firmar las obras con el nombre de cada uno, sino con el nombre del grupo, comenzando

en 2003 un ritmo de producción muy intenso. Los medios de comunicación también han jugado un papel fundamental en su carrera, han ido saliendo en varios reportajes, tanto en prensa como en televisión, y eso les ha dado a conocer a más público. Su página web (www.boamistura.com) también es punto de inflexión en su carrera, en ella muestran sus mejores obras y les sirve como contacto para trabajos y proyectos. Uno de los primeros trabajos es el famoso muro que pintaron al lado de la sala Caracol en 2003. Fue el inicio de la serie de “láminas” que se ha convertido en un clásico de Boa Mistura. Ese trabajo fue la punta de lanza de una carrera imparable de trabajos remunerados por toda la geografía española. Actualmente cuatro de ellos están terminando sus carreras (Purón en Publicidad, Arkoh y Derko en Bellas Artes y Pahg en Arquitectura) mientras R Dick (Ingeniero de Caminos) ya vive de la pintura. Cuentan con intervenciones en Casa Encendida Obra Social Caja Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Salamanca y actualmente desarrollan muchos de sus proyectos conjuntamente con estudios de arquitectura e interiorismo. La diferencia, dicen, es que:

“No sólo somos cinco artistas, sino cinco amigos que disfrutan pintando y lo mismo se juntan para hacer un muro, que para tomar unas cañas e irse de tapas.”

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BRAKE Brake empezó en 1990 con un estilo de firma flechero, siguiendo la estela de otros flecheros de su barrio como Chete, Toro, Wildboys, Vendeta, Tiri… poco después se metió de lleno en el nuevo estilo que llegaba de Estados Unidos, el wild style que sacaba de los primeros fanzines en blanco y negro.

“Yo, como todos los escritores de la época, robaba botes, y el que diga que no, miente. Me iba al barrio de Pacífico a ver los graffitis de Glub y los CZB, a Alcorcón y a Fuenlabrada a ver graffitis de gente como Faze (Zeta) Beto, Jes, Mast, Dark, Pocho (el jefe) hasta que saqué mi propio estilo y me di cuenta de que los chavales me empezaban a copiar”. Se dio cuenta también de que se iba haciendo cada día más grande en el mundo del graffiti y llegó a obsesionarse con pintar más y mejor, con ser más famoso. En 1992-93 las drogas y la fiesta fagocitaron el movimiento graffiti que había en Madrid. Pasada esa época, hacia el 95, volvió a ver a gente como Know, que había vuelto a pintar, gente como Ars, Spok…

“Me volvieron a picar, empecé a pintar de nuevo. Así fue hasta 2002, pero a partir de entonces empecé a pintar todos los fines de semana. Viajé a Alicante en el 93 a la fiesta “Qué punto de fiesta” y aluciné con el estilo de Tom Rock. Estuve también en la famosa jam de Barcelona en la que pintaron Can Two y Atom y allí me convencí del todo de que mi estilo tenía que ser el wild style”.

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El estilo salvaje le parece lo más real que hay. Desde pequeño, cuando pintaba en clase, hacía bocetos con letras “liadas” como él lo llamaba. Para él un graffiti sin flechas no es graffiti. Le empezaron a llamar la atención gente como Cope, T Kid, Bates… y de ahí sacó su particular estilo, inconfundible de Brake, un escritor al que le gusta el rap, el break (entre risas dice que le gustaría saber bailar break pero que nadie le enseña…) y que trabaja en el andamio. “El graffiti no

da un puto duro, sólo me ocasiona gastos”dice. Al ritmo que pinta Brake, le salen menos trabajos de los que desearía para conseguir más botes gratis. No considera graffiti al street art, ni lo mira. Grita al vacío: “Suso, vuelve a hacer letras” y está pensando en volver a los trenes con otros escritores actuales.

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MAX501 Cuando en torno a 1990 la mayoría de escritores flecheros madrileños se estaba retirando, los nuevos escritores b.boys competían por ser los mejores en el nuevo estilo, primero con firmas Estilo París y después con el Estilo Nueva York. Las letras del graffiti americano ya habían llegado a España, y los escritores flecheros se vieron invadidos, su estilo ya no creaba escuela, pero algunos de ellos, en lugar de retirarse decidieron reciclarse, tarea difícil, pues el nuevo estilo no era nada fácil y ellos ya tenían un nombre en el mundo del graffiti con sus firmas flecheras. Max “501” fue uno de ellos, y aunque no es conocido por sus letras estilo hip hop, merece estar en esta categoría porque supo adaptarse, se enroló en CZB, grupo de graffiti hip hop y aprendió todas las nuevas técnicas convirtiéndose en un artista del graffiti. Un pionero y al mismo tiempo uno de los mejores escritores actuales. Suele salir en los medios de comunicación, y todos los escritores de graffiti han oído hablar de él alguna vez o han visto algún Antoñito de los suyos por carretera. Quizá el heredero más directo de Muelle por su estilo, por su constancia en el tiempo y sobre todo por una manera de hacer graffiti sin molestar. Como diría Muelle: “Una firma decorativa que no genere un gasto” Empezó a pintar a los 10 años con el nombre de Gugulito, después pintó como Stronger, pero comenzó a hacerse famoso cuando con 12 años empezó a

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plagar su barrio con la firma de Muellecito. Esto ocasionó algunos problemas en un sector de escritores que le tachaban continuamente de realizar imitaciones de Muelles, pero en cambio, otros escritores respetaron aquellos Muellecitos pensando que era el hermano pequeño de Muelle, su primo, su vecino... Pero realmente nadie conocía la mano de este pequeño escritor. Muelle siempre decía que de todas sus imitaciones la suya era la más simpática, e incluso llegó a fotografiar alguna para su álbum de fotos. Max“501” también fue contemporáneo a los escritores autóctonos más consagrados: Bleck (la rata.). y Josesa Punk, y ya en 1987 se decidió a crear una nueva y definitiva firma. Era seguidor de los recopilatorios de mezclas musicales llamados Max Mix, de ahí sacó el nombre de Max al que añadió la espiral de muelle, como tantos otros. Tras un primer bombardeo, la firma no le convenció mucho, por lo que decidió añadir el número “501” entre comillas, lo que despertó las iras de los primeros b.boys.

“Los escritores raperos más radicales me tachaban de pijo, pero precisamente el 501 está entrecomillado porque no lo soy. En aquellos tiempos yo vestía con camisetas negras, vaqueros elásticos y unas playeras J´Hayber, que eran como dos ladrillos. Como éramos tantos escritores tuve que inventarme algo que resaltara entre las otras firmas. Los “Max” no los entiende todo el mundo, pero la gente sí se queda con el 501”. (Max “501”) Seguidor incondicional de Muelle, intentaba seguir sus pasos:

“Realmente pintaba como homenaje a Muelle, me molaba que él viera mis piezas y pudiera pintar al lado. También me preguntaba lo que pasaría por su cabeza

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un tapón pinchado en la cabeza y terminó como un muñecajo con los pelos alborotados, que es como yo los tengo. Me gusta unificarlos con colores azules, aunque les cambio de color cuando me canso. Suelo pintarlos en los sitios que transito con más frecuencia, o donde tengo algún amiguete.” (Max “501”)

SUSO33

cada vez que viera uno, pero cuando tuve las respuestas ya era demasiado tarde, porque se fue”. (Max “501”) Creador en los últimos años de los Antoñitos, divertidos iconos de colores con ojos nariz y boca, ha ido evolucionando en el tiempo y adaptándose a las circunstancias.

“Je, je, el Antoñito es mi mascota. Representa una forma de vida, un estado de ánimo, una personalidad... Es un muñeco muy cachondo que mola mucho. Gracias a él me puedo quitar el “mono” de pintar, porque no puedo estar sin agitar un bote. Los muñecos no están inspirados en nada en concreto; empezó siendo un bote de spray con

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Suso33 no es nadie nuevo para cualquiera que haya tenido un mínimo contacto con la cultura del arte urbano en España, o simplemente haya recorrido las calles y carreteras de Madrid en los últimos veinte años. Su omnipresente mancha nos ha mirado desde muros y puentes con tal persistencia que se ha convertido por derecho propio en parte indispensable del paisaje madrileño.

“Soy un personaje que pertenece a la cultura hip hop desde los inicios. He bailado breakdance, he patinado, he flirteado con el mundo de la música y en el ámbito del graffiti he tocado todos los palos”. No solamente ha sido uno de los que más y mejores trenes ha pintado, sino que entre muchas otras actividades también ha sido y es escenógrafo, creador de tendencias, miembro fundador del grupo de graffiti “Los Reyes del Mambo”, creador de su propia línea de ropa, propietario de la primera tienda de graffiti “La Ilegal”....

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Dentro del fuertemente competitivo mundo del graffiti, Suso33 demostró pronto las cualidades que le han convertido en referencia indiscutible a nivel nacional e internacional. Único en su carismática manera de entender este arte, fue pionero del graffiti iconográfico, escuela que en los últimos años ha pasado de dar sus primeros pasos, conducida por visionarios como Suso33, a ser dominante en la escena global.

“Desde mediados de los 80 utilicé la calle como soporte y medio de expresión en las diferentes modalidades de graffiti e intervenciones urbanas. Pero creo que por lo que más se conoce mi obra es por la experimentación con el lenguaje en su contenido, forma y medio (caligramas, iconos, serigraffiti…)”. Alcanzó popularidad por ser impulsor del icono conocido como “La Plasta” o “Mancha de pintura”, una marca de identidad innovadora dentro del panorama internacional. Desde los 80 siempre ha sentido que el graffiti se escapa al espacio y el tiempo, algo que hoy día sigue manteniendo. Durante muchos años se mostró reacio a aparecer en los medios de comunicación. En 2004 sorprendió con su manifiesto “¡NO VOLVERÉ A PINTAR PAREDES! Telegraffiti, la palabra y la imagen. 1984-2004” en forma de exposición. En ella mostraba de una manera sorprendente y sin antecedentes cómo un artista urbano era capaz de plantear propuestas artísticas con un profundo contenido conceptual. Con su famosa pieza Ilegal expuesta en Caja Madrid proponía inteligentes ejercicios y juegos entre el espacio interior -espacio expositivo- y el espacio exterior -la calle-.

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“Creé una instalación a modo de exposición en la que se podían ver pinturas a medio hacer, esculturas ilegales, video arte, instalaciones, action painting… Obligaba al espectador a salir al exterior, que se encontraba en las cuatro calles que rodeaban la manzana del espacio expositivo, cuatro intervenciones ilegales que había realizado previamente”. Con cierto tono arrogante, el artista realizó una exposición antológica en la que utilizó los distintos lenguajes y campos de la plástica gritando a los cuatro vientos “no volveré a pintar paredes”

“Lo que realmente quería decir era `no volveré a pintar paredes por encargo, pero sí muros de puesta de largo´ cosa que llamó mucho la atención de los medios de comunicación, con los que siempre he tenido una relación de amor-odio y a los cuales convoqué en una rueda de prensa y les ofrecí la posibilidad de capturar las imágenes de la realización de una intervención ilegal en la céntrica calle Alcalá a la altura del metro Sevilla con su escultura `Graffitiescultura´”. Lo que realmente hizo fue rodearse de medios de comunicación como la agencia EFE o Canal Plus, entre otros, y utilizarlos como barrera protectora mientras ejecutaba la intervención ilegal en la calle a plena luz del día. Incontables son también las entrevistas y reportajes en medios internacionales y nacionales y su intervención o mención en los libros y revistas especializados de mayor relevancia. Ha dictado conferencias de su trayectoria y obra en universidades, museos y centros de arte por todo el estado

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como el MUSAC, la Fundación Miró, etc… Es asesor técnico de Montana, marca de aerosoles líder en el mercado mundial, desde su fundación. Como rezaba la reciente portada que le dedicó El Mundo, Suso33 es “el rey del graffiti”. Este esfuerzo no le ha impedido labrarse una larga y sólida trayectoria profesional en los campos del muralismo artístico y la pintura para ópera, teatro, danza, cine, con clientes como el Teatro Real, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Danza, el Ayuntamiento de Madrid, la Biblioteca Nacional, la Pasarela Cibeles 2007… Suso33 ha paseado sus aerosoles por incontables exhibiciones y exposiciones en España, Europa, América y Asia. Ganador del primer premio del certamen intercontinental Urban Art y de Jóvenes Creadores de Madrid entre otros. Ha participado en las exposiciones Interferencias Urbanas (Casa Encendida, 2004), Madrid Edición 2002, Caixa

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Forum Espacio 0, ARTIUM, Centro de Arte Atlántico Moderno, Museo de Arte Contemporáneo de Salamanca, Escena Contemporánea, Art Futura o ARCO entre muchos otros. Fue protagonista del documental “Aerosol”, galardonado en los premios Goya 2005. Actualmente se encuentra desarrollando un proyecto sin precedentes que él mismo denomina “Pintura Escénica de Acción” en el que mezcla la espontaneidad y la expresividad de la acción del graffiti, como si de una danza se tratase, con su larga y avalada experiencia como escenógrafo. Otro proyecto en el que está trabajando en la actualidad es el de “Pintura Orgánica de Acción” en el que desarrolla la técnica de la animación en formato mural en distintas localizaciones simultáneas. Pero el principal escenario de su arte ha sido y es el mismo desde 1984: la calle. Un escenario de comunicación constante, directo y vivo.

“Antes saltaba vallas físicas y ahora me salto las vallas del sistema y del mundo del arte con un pie dentro y otro fuera jugando a mi antojo, como un niño entrando a utilizar lo que le apetece y saliendo con toda libertad”. Suso33, un artista que ha pasado de la calle a los museos sin trabajar con los mercaderes del arte.

Pastron#7

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CONCURSO DE MURALES DE GRAFFITI

04.PROYECTOS PRESENTADOS

ANDRÉS REDONDO MERCADER CARLOS ALBERTO HERMOSILLO GARCÍA-SOLDADO

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DANIEL RAMOS POL

IGNACIO BAUTISTA MARTÍNEZ ANTONIO ROMERO GARCÍA

HÉCTOR LOSA HOYUELOS JESÚS ALONSO RODELGO

DIEGO QUEJIDO GARCÍA Por qué se da la guerra

SERGIO LÓPEZ NAVARRO Reinterpretación actual

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04.PROYECTOS PRESENTADOS

PABLO PÉREZ BERMEJO

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ENRIQUE RODRÍGUEZ GONZÁLEZ-CUTRE Reflejo de la oscuridad

ALEJANDRO J. RIVAS PÉREZ RAÚL GÓMEZ ALONSO JOSÉ LUIS AGUILERA CASTRILLO EDUARDO BERTONE SORDELLI

RICARDO AMADO PALOMINO GARCÍA ALBERTO ALCÓN DE LA CRUZ

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04.PROYECTOS PRESENTADOS

JORGE ALMENDROS DIEGO JUAN RAMÓN CUESTA FERNÁNDEZ MARTÍN REDONDO GONZÁLEZ CARLOS ALBERTO SÁNCHEZ HERNÁNDEZ

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GONZALO BERMEJO GONZÁLEZ HUGO SOTO FERNÁNDEZ AARÓN SOTO FERNÁNDEZ JORGE TENO DÍAZ JAVIER BAÑÓN HERNÁNDEZ RICARDO SABATER VIDAL

FRANCISCO JAVIER CONDE GONZÁLEZ DAVID FERNÁNDEZ FERNÁNDEZ ANDRÉS BARRAGÁN URBIOLA

ENRIQUE CINTRANO LLANO MARINA COUÑAGO ENRÍQUEZ Agente naranja

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05.PROYECTOS GANADORES

BOAMISTURA

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BRAKE

MAX”501“ SUSO33

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06.BOA MISTURA El día de la exhibición fue una odisea. La casualidad hizo que el mismo día de la elaboración del mural, tuviéramos otro compromiso ineludible con el Museo de Arte Contemporáneo de Salamanca. Dos de nosotros se quedaron en Salamanca continuando con el proyecto que habíamos empezado el día anterior. Otros tres viajaron a Madrid. Nos levantamos muy temprano para llegar con tiempo, pero esa mañana no quería arrancar el coche. Empujábamos como locos de un lado a otro por las calles de Salamanca, pensando que después de muchos años como graffiteros teníamos la oportunidad de pintar invitados por dos museos de arte contemporáneo en un mismo fin de semana. Nos ayudó mucha gente, incluso nos ayudaron dos policías locales que empujaron con nosotros. Después de hora y media, ya desesperados, nos vimos con las pinzas enganchadas a un coche patrulla, no sabiendo si llorar, reír o sacar fotos de aquel momento único. No llegábamos al Reina Sofía y nuestro coche, el de los graffiteros tantas veces perseguidos, estaba siendo asistido por el de la policía. Surrealista. Pero llegamos y pudimos cumplir con ese sueño que es pintar en el MNCARS. Para nosotros fue una gran noticia haber resultado premiados. Desde el principio, en la elaboración del proyecto, tuvimos claro que la mejor manera de

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homenajear a Guernica, era reinterpretarlo. Traerlo al siglo XXI. Utilizar el lenguaje del graffiti, que es el nuestro, un lenguaje actual nacido en la calle, para contar la historia misma que Pablo Picasso contó ayer pero con palabras de hoy. Nuestra obra es un homenaje a un cuadro, a un pintor, pero sobre todo un homenaje a muchos pueblos que, como Guernica, han sufrido la destrucción y el sufrimiento extremo. Matanzas, algunas olvidadas, que en nuestra obra quisimos recordar para dejar constancia de que Guernica es una más en una larga lista. Lugares como My Lay, Coventry, Bagdad, Tokio, Leningrado, Berlín, Madrid y por supuesto Hiroshima y Nagasaki, estaban escritos en nuestro mural. Retratamos una niña llorando, y una mujer que se lamenta, dos víctimas que sufren el sinsentido de la guerra, rodeados de armas, alambradas y ciudades derruidas. La fecha es distina, pero algunas cosas no han cambiado: guerras, campos de refugiados, países en conficto y civiles que son siempre las auténticas víctimas. Personas a las que no les queda más remedio que escapar al exilio o morir en el intento. Un artista es también un testigo de su tiempo. Pintar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía fue para nosotros la ocasión perfecta para realizar un Guernica actualizado. Una obra comprometida, una reinterpretación que mantiene la esencia de la genial obra de Picasso: la denuncia ante la inncesaria matanza de seres humanos.

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07.BRAKE Me enteré por Internet de la convocatoria, leí algo así como que era un concurso de graffiti contra la guerra. No me enteré de que estaba relacionado con Guernica hasta que llegué a pintar el día del concurso. Quizá no seguí leyendo las bases hasta el final el primer día y en cuanto leí lo del concurso de graffiti me puse a hacer el boceto. Por eso hice el dibujo de la ciudad, intentando reflejar la muerte de inocentes. Pensé que se trataba de un diseño contra la guerra, que es algo que lo destruye todo, por eso hice ese dibujo. El puente es como el paso de una cosa a la otra, el paso de lo que está bien, a la destrucción total y la muerte. Me gustaría dar las gracias a la gente que me ha apoyado; la gente que cree en el graffiti real y no en el street art y el diseño. Soy consciente de que soy el único que ha hecho un graffiti propiamente dicho y estoy muy agradecido porque se haya incluido en la exhibición a un escritor de graffiti real, siendo un concurso de graffiti. Últimamente esto no es lo habitual.

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08.MAX501 Un día merodeando por la red... me topé que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía realizaba un concurso para conmemorar el aniversario de la llegada de Guernica a España y el 125 aniversario del nacimiento de Pablo Ruiz Picasso. El único requisito era la participación de gente unida al mundo del graffiti. Me leí las bases y sólo me quedaba una semana para participar. En ese momento me puse las “pilas” y empecé mi trabajo de investigación sobre Picasso y Guernica, aunque ya lo tenía muy estudiado de mi etapa en la Escuela de Arte de Diseño e ilustración. Una vez presentado mi proyecto al museo, se pusieron en contacto conmigo, creo que dos semanas después. El premio ya estaba ganado. Consistía en elaboración de un mural con las mismas dimensiones de Guernica, dentro del propio Museo y exponerlo durante una semana (qué lujo). Sólo tenía 8 horas para realizar mi mural, muy poco tiempo teniendo en cuenta que Picasso tardó varias semanas. Mi mural era una adaptación (no copia) del cuadro original, fusionando mi nombre (MAX“501”) y mis Antoñitos, con varias de las figuras utilizadas por Picasso, en concreto el caballo, parte del rostro

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desgarrador de una mujer, la luz y la mano del soldado. Los colores, una vez más los tonos grises utilizados por él para crear ese ambiente de tristeza. La forma de expresar el horror y el dramatismo de mi obra, queda reflejada con infinitos e intencionados chorretones y salpicaduras que acompañan todos los rincones de mi mural. También añadí una gran mancha de pintura roja (la sangre) en el centro de la composición y otra en el ojo de la mujer. Mis dos Antoñitos enmarcan el cuadro, uno de color naranja (la vida), representando al pueblo triste y horrorizado en la esquina superior izquierda. El otro, pintado en la esquina inferior derecha de color rojo (el asesino, la masacre y la sangre), con un casco con el nombre de SR.BOMBA... al lado le añado irónicamente una frase “Be happy”. Este proyecto ha sido muy especial, me siento reconocido y una vez más como uno de los primeros artistas “urbanos” que exponen en un museo de arte contemporáneo como el Reina Sofía, otra vez he hecho historia. Ya en 1992 inauguré junto a otros artistas, la primera exposición de graffiti en pleno corazón de Madrid en la desaparecida “Galería D” de la calle Coloreros. La gente me respeta y valora, porque pertenezco a la generación de los “flecheros”, los primeros escritores autóctonos de Madrid, en plena “movida Madrileña” allá por el 86. Algunos me consideran uno de los artistas de graffiti más respetuosos con lo que no es mío.

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09.SUSO33 La interpretación que ha desarrollado Suso33 de Guernica plantea varios puntos. A la derecha de la composición, una cámara capta toda la escena. Junto a ella aparece el único rostro que sonríe de la escena y junto a él unas máscaras de la tragicomedia. Una de estas máscaras forma la manguera de un surtidor de gasolina o petróleo que a su vez da de amamantar violentamente al cuerpo de un niño que no da muestras de vida y que yace en el regazo de una mujer que no puede alzar las manos impedida por manchas negras, como si fueran petróleo que no le permite alcanzar un pájaro que vuela, también manchado. El rostro de la mujer está tapado (de la misma forma que tapan los ojos en la televisión para ocultar la identidad de algunos entrevistados) y no puede mirar, pero sus pechos desnudos al natural nos miran con sus pezones con forma de ojos. Todo ello está rodeado de una multitud de rostros angustiosos que están acechados en la parte inferior por manos que se transforman en manchas negras y por la parte superior por una lluvia de sangre que se alarga con forma de brazos. La composición general tiene forma de ojo con su pupila como si fuera la visión que no nos permite ver la mirada de la cámara. En la parte inferior derecha se puede ver un juego tipográfico en el que se pueden leer “TV” “WAR” de manera oculta como si fuera el canal “AR”. El único motivo estético semejante es el destello de

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luz de la cámara y esa especie de lámpara u ojo. La realización del mural se ceñía a ocho horas como máximo y durante las primeras cuatro horas pintó únicamente dos franjas; una roja en la parte superior y una negra en la parte inferior dejando otra franja en blanco entre medias, estuvo varias horas sin evolucionar el mural, dejando ver esos tres colores como si una bandera concreta fuera. También como el formato de una pantalla de cine con sus franjas. Aprovechó las condiciones que el concurso marcaba para que todo ello fuera una performance en un lugar y en un tiempo concreto.

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Los cuatro murales fueron ejecutados el 10 de junio de 2006 de 12:00 a 20:00 horas en el patio de la ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde permanecieron expuestos hasta el 20 de junio.