Entrevista Paulo Brusky Decupada

BRUSKY: INCESSANTE RENOVAÇÃO NAS ARTES PLÁSTICAS Por Rafael Oliveira | Fotos Thiago César Paulo Bruscky sempre foi um artista a frente do seu tempo. Quando ainda nem se pensava em comunicação em grandes redes, Bruscky já experimentava formatos diferenciados para que houvesse um diálogo a distância entre artistas de todo o mundo. Corajoso, sua paixão por desenvolver intervenções urbanas incomodou até mesmo a ditadura militar. Mas nada fez calar o artista cuja cabeça não se cansa de brotar novas idéias. Aventureiro, Paulo Bruscky é um artista plástico que tem uma relação muito intensa com o novo e o efêmero, percebendo e recriando tudo o que o rodeia. Paulo Bruscky é, sem dúvida, um dos mais importantes renovadores da cena artística contemporânea do Recife. Nesta entrevista, além dos novos livros e dos eventos em São Paulo e no Chile, Paulo Bruscky fala sobre sua participação no 7º Festival Recifense de Literatura, que acontece este mês. Agenda Cultural – Você é um artista com uma característica extremamente dinâmica. Sua arte sempre é inovadora, tudo porque você sempre teve a coragem de experimentar. Sempre carregou esse espírito aventureiro? Paulo Bruscky – Sim, sempre. Mal acabo uma obra e eu já considero ultrapassada. E já estou fazendo outras coisas. Eu tenho uns cadernos que se chamam Banco de Ideias, com três volumes enormes. Tudo o que tenho ali dava pra fazer em pelo menos duas vidas, pelo menos (risos). É claro que mesmo assim eu continuo criando, pois todo dia eu estou pensando, sempre anotando idéias. Por isso eu produzo muito. E sempre procuro me manter informado, para não trilhar caminhos já percorridos. É claro que eu tenho influência de tudo que vem para dentro de mim nessa área. É como Gilberto Gil diz: “A Bahia já me deu a régua e compasso, meu caminho pelo mundo eu mesmo faço”... (risos) AC – Essa sua busca incessante pelo novo remete à efemeridade das coisas, algo marcante em nosso universo contemporâneo. Quer dizer que a arte também tem prazo de validade? PB – A vida é efêmera, porque a arte não pode ser? O que fica em uma arte é a idéia, a lembrança. É por isso que eu faço um trabalho mais conceitual, porque ela necessariamente ela não tem que se materializar, como um monumento, um mausoléu. AC – Onde você busca inspiração para as suas instalações? PB – Eu não tenho inspiração. É um exercício. Eu acho que o melhor professor é você mesmo. A melhor coisa é estar sempre trabalhando, pois vai saturando coisas que você está pensando, ao tempo em que vão surgindo coisas novas. É como andar de bicicleta: se parar, cai. Eu trabalho com várias mídias: uma coisa vai puxando outra, um vai alimentando o outro. Isso é muito bem compartimentado na minha cabeça, e eu trabalho

de forma dispersa em vários níveis – mas isso dentro de um pensamento organizado. AC – Devido a esse espírito tão inovador, você sempre realizou sua arte quase à margem da grande mídia, muitas vezes às vezes indiferente a galerias e museus. Isso é algo que lhe incomoda? PB – Não. A minha função é criar. Se eu não fizer arte, eu enlouqueço. Me expresso independente do público apreciar ou não. E a gente sabe que o público agora está tendo uma formação em relação mais conceitual com a arte, algo mais reflexivo. Então, se eu me preocupasse com a reação do público, eu tinha parado de fazer o que eu faço há muito tempo. AC – Dentro dessa questão da formação cultural para a arte, você já passou por vários lugares do mundo, e percebe que lá fora, a arte contemporânea parece ser mais valorizada. Por quê? Quais são os fatores que poderiam mudar essa situação? PB – É tudo uma questão de educação. De formação. Vivemos ainda em um país em que a educação é um problema seríssimo. E temos falta de espaço: não só o espaço físico, mas como o espaço na própria imprensa. Não há muito interesse na divulgação das artes plásticas na mídia. Tem melhorado, mas ainda há muito a fazer, mesmo porque as pessoas ainda não têm o costume de ir a espaços mais requintados. Grande parte dos locais para exposições tem uma estrutura que inibe um pouco as pessoas. Por isso eu sempre fiz um trabalho de rua desde os anos 60. Para criar uma aproximação do público com a arte, é fundamental que o artista não use só os espaços oficiais. AC – Quais são os prós e os contras que o advento da internet e a evolução tecnológica têm trazido para a arte contemporânea? PB – Eu já era a internet antes da internet. Eu participei do movimento Arte Correio no início dos anos 70, e nós éramos uma internet. O correio, além de ser o único meio incontrolável de comunicação na época, era a grande rede onde você recebia um trabalho e tratava minhas impressões, enquanto outros respondiam ao que você fazia. Isso era uma grande rede de comunicação. Sem contar que ainda utilizamos telegramas e telex. Até o fax, que pra mim foi um grande marco na história da tecnologia, pois você desmaterializa e rematerializa a obra em outro espaço. Em 1980, eu fiz a primeira experiência aqui no Brasil, Recife-São Paulo, eu e Roberto Sandoval. Então quando a Bienal de São Paulo muito tempo depois veio discutir a questão da desmaterialização e rematerialização, isso pra mim já era uma coisa passada. Então a Internet, pra mim, quem fez parte do Arte Correio é uma conseqüência natural. A gente já era internet no início dos anos 70. AC – Qual é a sua relação com a recepção do público frente a sua arte? PB – Atingir reações foi algo que eu sempre consegui, tanto é que eu sempre fui perseguido na época da ditadura no Brasil, porque usava intervenções urbanas. Se você trabalha na rua, você provoca algo nas

pessoas. Acho que uma das coisas mais importantes na arte é provocar uma reflexão, um pensamento, mas não uma solução. AC – Em se tratando de intervenções urbanas, como você avalia o espaço que o artista tem no Recife? PB – Desde o SPA das Artes, a valorização da arte contemporânea foi algo que ampliou muito. Antes do SPA, havia uma intervenção ou outra, e muitas vezes passavam despercebidas. Além de trazer um espaço maior para o artista local, o SPA também mostrou Recife para artistas de todo o Brasil. AC – Qual foi a sua obra a mais prazerosa? PB – As que mais trazem mais dificuldades geralmente lhe dão uma satisfação maior pela luta que você teve de fazer, principalmente aquelas que envolvem a participação do público. Meu trabalho é muito de razão, e não de emoção. Mas quando há um envolvimento do público, há uma troca de emoções. Isso é muito legal. AC – E a mais difícil? PB – Toda obra pra mim sempre tem uma dificuldade. Eu tenho até uma pasta de projetos que considero irrealizáveis, por conta do custo e da dimensão. Ultimamente tenho sido convidado para realizar projetos que eu nunca havia feito antes. Eu passei um período viajando pelo mundo todo quando eu ganhei a Bolsa Guggenheim de Artes Visuais, e eu gravei o som de fontes de vários lugares do mundo, porque não se repete o som. E a minha idéia era fazer um concerto com esses sons. Há dois anos, o Centro Cultural Banco do Brasil, sob a curadoria de Felipe Chaimovich, bancou toda a produção desse concerto. Existem sempre dificuldades quando a questão do patrocínio para grandes projetos, principalmente quando envolvem tecnologia de ponta. AC – Sendo assim, como você avalia essa questão do investimento das entidades públicas e privadas na arte? PB – Hoje nós podemos contar com bons editais, nas várias esferas, e isso facilita muito para que o artista possa desenvolver suas idéias. Se não fosse assim, o artista teria dificuldades para tirar do próprio bolso, principalmente porque a maioria dos projetos não existe retorno financeiro. A gente percebe que há uma grande dificuldade de investimentos quanto à aquisição de novas obras de arte para os museus brasileiros. O Brasil está defasado em acervo artístico de uma forma impressionante. AC – O que você achou da campanha “Doe-se ao MAC”, onde os artistas doaram mais de 170 obras de arte para o museu? PB – Eu não doei nenhuma obra para o MAC, porque eu acho que deve existir uma política de aquisição por parte do governo. Se o artista ficar doando obras, nunca vai ser valorizado como deve.

AC – Mas a campanha foi um protesto contra a falta de investimento na aquisição de novas peças... PB – Minhas peças que estão no MAMAM do Arte Correio foram doadas, tudo bem. Mas ainda assim, acho que tem que existir uma política de aquisição para estimular os artistas e valorizar a arte. Tem que existir uma credibilidade por parte dos artistas. AC – Vamos falar agora sobre seus próximos trabalhos. Como será a sua participação no 7º Festival Recifense de Literatura? PB – Vou participar de uma mesa que trata sobre o livro sem palavras: o livro-objeto. O livro de artista, deslocado, desmaterializado, visual, onde o leitor tem uma participação, podendo até alterar a sequência da leitura. Eu achei extraordinária a abertura para este tema, já que essa é uma oportunidade de discutir com o leitor uma outra faceta do livro, e sendo dentro de uma livraria, isso é ainda mais genial. Geralmente esses livros são bem servidos na área de fotografia, e há poucos na área de artes plásticas. AC – Quais são seus próximos projetos? PB – Muito trabalho. Há um livro que acabou de sair (falta ele enviar a capa do livro e o release). Também será lançado outro livro importante que está sendo escrito há quase cinco anos pelo espanhol Adolfo Monteiro, um dos bons críticos de arte que existem por aqui: o Poesis Brusky. O livro será lançado juntamente com uma grande mostra na galeria Nara Rosa, em São Paulo, em novembro, com as minhas produções mais recentes e inéditas, com instalações efêmeras, obras conceituais e trabalhos sonoros. Inclusive vou fazer uma performance ao vivo na área de vídeoarte com slides em linhas, que eu fiz em Nova York, onde vou fazendo uma composição projetada na parede, e sendo documentado na hora. AC – Soube que você também participará da Bienal do Mercosul, em outubro... PB – Sim, estarei sendo homenageado na Bienal, junto com outros artistas como Edgardo Vigo e Clemente Padin que formava a resistência na América Latina dos anos 70. Então, a curadoria está fazendo uma junção desses artistas que tiveram uma atuação importante na América Latina nessa época. AC – Foi difícil fazer arte em plena ditadura? PB – Muito. Enfrentamos muitas dificuldades. Eu e Padin fomos presos, Horácio Zaballa foi exilado... Vigo, apesar de não ser preso, teve o filho assassinado. Por coincidência, essas pessoas que serão mostradas na Bienal, foram perseguidas, e vão ser expostas as correspondências que tivemos entre nós naquela época. Eu estarei emprestando inclusive não só as minhas obras como as de Viggo e outros artistas que fizeram parte da resistência. AC – Você tem algum projeto para fora do país? PB – Tem a trienal do Chile, em outubro, que tem como tema Labirinto de Visibilidade Audiovisual – Experiência e Ditaduras. É interessante essa

retomada em nível internacional para o assunto. Existem estudos, teses e pesquisas sobre a arte na América Latina. Então, há uma preocupação com a década de 70 e a ditadura, que tem recebido pesquisadores e respondido para publicações no exterior. Eu tenho um dos maiores arquivos do mundo sobre este tema, com cerca de 75.000 itens de arte contemporânea.