253975597-13298541-biografias-guitarra-clasica-fotos-pictures-classical-guitar-composers-players.pdf

A. segovia, M. Llobet, E. Pujol, Daniel Fortea

Abel Fleury- Argentina

Agustin Barrios - Paraguay

Agustin_Barrios

Aldo Rodriguez - Cuba

Alec O·leary - Irlanda

Alemania - Hubert Kappel

Alfonso Aguirre Dergal Mexico

Alvaro Pierri - Uruguay

Ana Vidovic

Ana Vidovic - Croacia

Andres Saborio - Costa Rica

Andres Segovia

Anna Amalia Amalija Alemania

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi - Italia

Argentina - Abel Fleury

Argentina - Astor Piazzolla

Argentina - Cacho Tirao

Argentina - Domingo Prat

Argentina - Ernesto Biteti

Argentina - Jorge Cardoso

Argentina - Juan Falú

Argentina - Luis Salinas

Argentina - Miguel Angel Querubito

Astor Piazzolla

Astor Piazzolla - Argentina

Atahualpa Yupanqui

Atahualpa Yupanqui Argentina

Australia - John C. Williams

Austria - Konrad Ragossnig

Bach-Pic-6

Baden Powell

Baltazar Benitez - Uruguay

Barrueco

Berta Rojas

Berta Rojas y Carlos Barbosa Lima

Brasil - Joâo Pernambuco

Brasil - Laurindo Almeida (derecha)

Brasil - Radames Gnatalli

Brasil- Radames y Villa Lobos

Brasil -Sergio_Assad

Brazil - Dilermando Reis

Bream - Williams

Cardoso - Ghiglia

Carlos BArbosa Lima - Brasil

Carlos Groisman

Carlos Groisman - Argentina

Carlos Perez - Chile

castelnuovo_tedesco

Castelnuovo_Tedesco_imag e_01

Charles Gounod - Francia

Charles Gounod - Francia

Chile - Fernando Bravo

Chile - Luis Orlandini

Chile - Luis Orlandini

China - Kuefei Yang

China - Xuefei Yang

Chopin_image_03

Claudio Marcotulli - Italia

Clive Carrol

Clive Carrol - UK

Copia de Narciso Yepes España

Copia de USA - Eliot Fisk

Copia de Villa - Lobos

Croatia - Ana Vidovic

Cuba - Leo Brouwer

Cuba - Miguel Bonachea

David Russell - Escocia

Denis Azabagic

Domenico Scarlatti

DomenicoScarlatti02

Dúo - Bream - Williams

Dúo Pomponio - Martinez Zarate

Dyens - Marcotulli

EDUARD~1

Eduardo Falú

Edvard Grieg - Noruega

Edvard Grieg - Noruega

Ejipto - Francia Alexandre_Lagoya

Eliot Fisk - Estados Unidos

Emilio Pujol

Emilio Pujol - España

Enrique Granado - España

Enrique Granados

Enrique Granados - España

Erik Satie - Francia

Ernesto Mayhuire - Peru

España - Andres Segovia

España - Andres segovia cuando joven

España - Dionisio Aguado

España - Fernando Sor

España - Francisco Tarrega

España - Francisco Tarrega Eixea

España - Isaac albeniz

España - José de Azpiazu

España - Llobet

España - Paco de Lucia

España - Pepe Romero

España - Ramon Montoya

España - Sabicas ( Agustin Castellón Campos)

España - V. Amigo

Esteban Espinoza - Chile

Eugenio Tobalina - España

Eva Beneke - Alemania

Fabian Carrera - Ecuador

Falla

Fco. Tárrega - Ayuntamiento Villa Real - España

Ferdinando Carulli

Ferdinando Carulli - Italia

Ferdinando_Carulli

Fernando Bravo Donoso Chile

Fernando Carulli

Fernando Carulli - Italia

Fernando Sor

Francia - Charles Gounod

Francia - Delcamp

Francia - Ida Presti

Francia - Napoleon Coste

Francia - Napoleon Coste

Francia - Roland Dyens

Francia - Roland Dyens

Francis Poulenc - Francia

Francisco Roldan - Colombia

FranciscoTarrega

Frederick Chopin

Frederick Noad -Inglaterra

Gabriel Estarellas - España

Georg Friedrich Händel Alemania

Georg Friedrich Händel Alemania 01

Georg Philip Telemann

giuliani

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Grecia -Elena Pandreou

guitar_joachim_malats

Haydn

Hector Villa Lobos

Hector Villalobos - Brasil

Hector Villalobos - Brasil

Heinrich Albert - Alemania

Heinrich Albert,Fritz Buek, Hermann Rensch, Karl Kern

Hubert Käppel - Alemania

Hugo Alcayaga Ramírez Chile

Ida Presti - Francia

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Inglaterra - Frederick

Inglaterra - Julian bream

Irene Gomez - Colombia

Irma Costanzo- Argentina

Isaac Albeniz

Italia - Antonio Vivaldi

Italia - Matteo Carcass

Italia - Niccolo Paganini

Italia - Oscar Ghiglia

Italia - Scarlatti

Jacque Ibert_image_01

Japon - Kaori Muraji

Japon - Kazuhito Yamashita

Japon - Kazuhito_Yamashita

Javier Calderon - Bolivia

Joaquin Rodrigo - España Obras Completas

John Christopher Williams Australia

John Feeley - Irlanda

John Williams

John Williams - Australia

Jorge Cardoso - Argentina

Jorge Luis Zamora - Cuba

Jose Antonio Escobar - Chile

Jose Antonio Escobar - Chile

Jose de Azpiazu y su hija Lupe - España

Joseph Haydn - Austria

Juan Antonio Sanchez Chile

Juan Falú Argentina

Julian Arcas

Julian Arcas - España

Julian Bream

Julio Cesar almeida López Ecuador

Kaori Mura - Japon

Karl Scheit - Austria

Kazuhito Yamashita

Konrad Ragossnig - Austria

Laurindo Almeida - Brasil

Laurindo Almeyda - Brazil

Leo Brouwer - Cuba

Leo Brouwer - Cuba Maestro

Lev Andrónov - Rusia

Lorenzo Micheli - Italia

Los Angeles Guitar Quarter

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Manuel Barrueco - Cuba

Manuel Barrueco - Cuba

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Maria Luisa Anido -Argentina

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Matteo Carcassi - Italia

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Narciso Yepes - España

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Paco de Lucia - España

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rodrigo

Rodrigo

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Uruguay - Brasil - Isaias Savio

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Wolfang Mozart

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Abel Carlevaro - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Abel Carlevaro De Wikipedia, la enciclopedia libre Abel Carlevaro (Montevideo, Uruguay; 1916 – Berlín, Alemania; 17 de julio de 2001). Destacado guitarrista, pedagogo y compositor uruguayo. Entre sus obras de renombre se destacan su Concierto Nº 3 para guitarra y orquesta, encargo grabado por la Orquesta sinfónica de cámara de San Francisco y Preludios americanos.

Contenido ■ ■ ■ ■

1 Biografía 2 Distinciones 3 Obra 4 Publicaciones

Biografía Hijo de la talentosa pianista Blanca Casal Ricordi a los cinco años inició sus estudios de guitarra con el profesor Pedro Vittone. Posteriormente estudia y entabla relación con con el célebre guitarrista Andrés Segovia, que en ese entonces residía en Montevideo, con el que colabora durante nueve años. Estudia armonía y contrapunto José Tomás Mujica por ocho años, y paralelamente orquestación y lectoescritura con Pablo Kosnlos durante cuatro años. En 1942 Carlevaro realiza una presentación en Buenos Aires. Al año siguiente es invitado por Heitor Villalobos, a viajar a Brasil. Viajó a distintos países, en los años siguientes, a efectuar conciertos: Argentina, Venezuela, Brasil, Costa Rica, Guatemala. En 1948, con el respaldo del gobierno, realizó su primer viaje a Europa, ofreciendo numerosos conciertos en España, grabando una película documental. Luego de una larga estancia en Londres y su retorno a Uruguay en 1951, en 1968, ofreció su primer concierto en París, en la Sala Playel. En 1975 difunde en Europa, invitado por Radio Francia, los fundamentos de su Nueva Escuela de Guitarra. Posteriormente dirige seminarios internacionales en la Universidad de San Francisco y la Sociedad Española de Guitarra. En 1979 la Editorial Barry publica su libro Escuela de Guitarra. Exposición de Teoría Instrumental, que es posteriormente traducido al traducido al chino, japonés, coreano, francés, alemán e inglés. Brian Hodel, en "Guitar Review", comentó lo siguiente: "...si las enseñanzas de Abel Carlevaro han causado una revolución tanto en la técnica de la guitarra, como en la concepción de las posibilidades del instrumento, este libro es su manifiesto. (...) Carlevaro ha hecho para la guitarra lo que Czerny y Hanon hicieron para el piano. Nos ha dado un sistema lógico y completo que no sólo nos provee de soluciones

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29-09-2008

Abel Carlevaro - Wikipedia, la enciclopedia libre

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elegantes para los más intrincados problemas técnicos de la guitarra, sino también ha abierto nuevos horizontes para la interpretación".

En París, en 1984, presenta el diseño de su nueva guitarra sin boca (http://www.kreulgitarren.de/git_carl.htm) que pretendía borrar las tradicionales limitaciones del sonido. Las últimas décadas de la vida de Carlevaro estuvieron signadas por sus frecuentes giras a países de Europa y América. Por haber sido una de las figuras más influyentes en el mundo de la guitarra de la segunda mitad del siglo XX, recibió invitaciones periódicas, tanto en su calidad de intérprete como de docente, para realizar conciertos, ofrecer conferencias e integrar tribunales internacionales. En medio de esa actividad febril, falleció en Alemania a los 84 años de edad. Entre sus alumnos cabe destacar a Álvaro Pierri, Eduardo Fernández, Baltazar Benítez, Jad Azkoul, Roberto Aussel, Eduardo Baranzano, Magdalena Gimeno y Juan Carlos Amestoy. Entre los guitarristas españoles, estudiaron con él en Montevideo Juan Luis Torres y Pompeyo Pérez Díaz. Destacados intérpretes han interpretado su obra, entre los que cabe destacar al Kronos Quartet, Shin Ichi Fukuda, Leo Brouwer.

Distinciones Premio Morosoli; Minas, Uruguay; 1995. Homenaje de la Intendencia Municipal de Montevideo; 1996. Candelabro de Oro B’nai B’rith; 1997. Diploma de Honor de la OEA, 1985. Premio Interamericano de cultura Gabriela Mistral, otorgado por la OEA, 1985. Orden Andrés Bello del gobierno de Venezuela. Presidencia Honoraria del Centro Guitarrístico del Uruguay en 1937. Miembro de Honor de la Comunidad Universitaria de la Academia de Música de Bucarest; Rumania; 1997. ■ Homenaje de la facultad de música Palestrina, Brasil, 1997. ■ Homenaje del festival de guitarra en Montreal, Canadá, 1998. ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

Obra ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

Cinco estudios a Heitor Villalobos. "Preludios americanos", 1958. Escuela de Guitarra. Exposición de Teoría Instrumental, Editorial Barry. Sonata Cronomias. Concierto del Plata. Fantasía Concertante, 1984. Cinco estudios Diez macroestudios Introducción y capricho Arengnay para guitarra

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29-09-2008

Abel Carlevaro - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Publicaciones ■ Serie Didáctica: ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

Cuaderno N° 1 - Escalas Diatónicas Cuaderno N° 2 - Técnica de la mano derecha Cuaderno N° 3 - Técnica de la mano izquierda Cuaderno N° 4 - Técnica de la mano izquierda. Conclusión.

Master Classes sobre Estudios de Heitor Villalobos. Master Classes sobre Preludios de Heitor Villalobos. Master Classes sobre Estudios de Fernando Sor. Master Classes sobre Chacona de Juan Sebastián Bach.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Abel_Carlevaro" Categorías: Compositores de música clásica de Uruguay | Guitarristas clásicos | Guitarristas de Uruguay | Montevideanos ■ Esta página fue modificada por última vez el 21:53, 25 ago 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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29-09-2008

Alexandre Lagoya: Information from Answers.com

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Artist:

Alexandre Lagoya Country: France

Biography Alexandre Lagoya was one of the foremost guitarists of the twentieth century. Born in Alexandria, Egypt, to a Greek father and Italian mother, he began serious study of the guitar as a Born June 21, 1929 in Alexandria, prodigious eight-year-old at the local Egypt conservatory. In 1948, he relocated to Paris and Died August 24, 1999 in Paris studied guitar with Jean Saudry and composition with Brazilian composer Heitor Villa-Lobos. By this time, he was already a veteran of the recital stage with more than 500 concerts to his credit. Lagoya later studied with Andrés Segovia during summers at Siena. It was here, in 1950, that he met his future wife, virtuoso guitarist Ida Presti. The couple married in 1952 and decided to forego their largely successful solo careers in order to form a duo. Their decision was risky: Segovia and others were still pressing for wide acceptance of the guitar as a solo instrument; moreover, repertory for duo guitarists was practically nonexistent. The pair initially played transcriptions of keyboard works by Bach, Debussy, Falla, and others, but they eventually drew commissions from prominent composers. Mario Castelnuovo-Tedesco wrote a Concerto for two guitars for them, as well as the Preludes and Fugues (24). Additional works came from Joaquín Rodrigo, André Jolivet, and others. The two made numerous recordings during the 15 years of their partnership and gave an estimated 2,000 concerts. Presti died in 1967 from complications of lung cancer. Her premature passing was a devastating blow to Lagoya: he withdrew from performance, but took on a professorship at the Paris Conservatory in 1969. Starting in 1960, he had taught a summer course in guitar at the International Academy of Music in Nice with his wife, an activity he continued after her death. Among his students at the Nice Academy was the now-famous Canadian guitarist Liona Boyd. Lagoya resumed his solo career in 1972 and also returned to the recording studio. His friendship with composer/pianist Claude Bolling resulted in the latter's Concerto for classic guitar and jazz piano trio in 1979, which he later recorded with Bolling. Lagoya remained active throughout the 1980s and for most of the following decade, though he retired from his posts at the Paris Conservatory and Nice Academy in 1994. ~ Robert Cummings, All Music Guide

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29-09-2008

Alexandre Lagoya: Information from Answers.com

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Discography

Rodrigo: Concierto de Aranjuez; Fantasia para un gentilhombre; Concierto Serenata

Bolling: Concerto for Guitar

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Alexandre Lagoya Plays Bach

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Alexandre Lagoya: Bizet-Carmen Dances

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29-09-2008

| Programa general | Ciclo "La guitarra y España" |

Alfonso Aguirre Dergal Guitarrista Lunes 29 de mayo, Sala de Cámara Teatro Degollado Hora: 20:30 Hrs. PROGRAMA Preludio BWV 1006a en mi mayor de Johann Sebastián Bach (1685-1750) Sonata K. 380/L. 23 Sonata K. 491/L. 164 de Domenico Scarlatti (16851757) Gran Tremolo Las Abejas de Agustín Barrios Mangoré (18851944) Tarantelle, Op. 13, No. 6 de Johann Kaspar Mertz (1806-1856) Intermedio Capriccio Diabólico de Mario CastelnuovoTedesco (1895- 1968) (Homenaje a Paganini) Pinceladas Nocturnas de Ernesto Cordero (n. 1946) (Homenaje a Vincent Van Gogh) Aquarelle de Sergio Assad (n.1952) -Preludio e toccatina Usher Waltz, Op.29 de Nikita Koshkin (n. 1956)

Alfonso Aguirre Dergal Guitarra Originario de Guadalajara, Jalisco, Alfonso es uno de los guitarristas clásicos mexicanos más destacados de su generación. Ha sido premiado en prestigiados concursos nacionales e internacionales de guitarra, entre los que se encuentran el “2004 Appalachian Guitar Festival and Competition” en USA; el Festival y Concurso Internacional de Guitarra de Taxco, y el Concurso Nacional de Intérpretes de Guitarra que se celebra anualmente en Paracho, Michoacán, en el cual ganó el Primer Lugar en ambas categorías: para guitarristas menores de 20 años en el año 1999, y para guitarristas mayores de 20 años en el año 2001. En la primera etapa de su formación, sus principales maestros fueron Juan Montoya Martín del Campo y Fernando Corona. En 1997 ingresó a la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara, en donde estudió con los maestros Fernando Martínez Peralta y Hugo Gracían, y con el concertista David Mozqueda, quien fue su maestro durante más de tres

años. Ha asistido a más de una docena de festivales internacionales de guitarra en Mexico, Cuba y Estados Unidos, en donde ha recibidos cursos de perfeccionamiento guitarrístico con artistas de la talla de Manuel Barrueco, Leo Brouwer, David Tenenbaum, Adam Holzman, Odiar Assad, Ricardo Cobo, Eduardo Fernandez, Roberto Aussel, Iván Rijos, Raphaella Smits y Maria Esther Guzmán, entre otros. Se ha presentado en México y el extranjero en recintos como la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de México; la Universidad Michoacana de Bellas Artes, en Morelia; el Guzzetta Recital Hall en Akron, Ohio; el Howard Hanson Hall, en Rochester, Nueva York; y el Broyhill Musíc Center en Boone, Carolina del Norte, entre otros. En Guadalajara se ha presentado numerosas veces, entre las cuales sobresale su Ejecución del Concierto del Sur, de Manuel M. Ponce, como solista de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. A pesar de su corta edad, su biografía ya aparece en el libro “La guitarra Clásica en Guadalajara”, de Guillermo Ramírez Godoy, que fue publicado recientemente por Promoción Cultural de Jalisco, A. C. Alfonso continúa estudiando música en el Estado de Nueva York, USA, becado por la Eastman School of Music, bajo la dirección del guitarrista y Doctor en Música Nicholas Goluses. De este prestigioso conservatorio recibió la distinción Performer's Certificate, “otorgado a los estudiantes que demuestren aptitudes sobresalientes en el campo de la ejecución musical”. Alfonso fue recientemente contratado para grabar en DVD una obra de guitarra para la empresa W.W. Norton & Company.

Alirio Díaz - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Alirio Díaz De Wikipedia, la enciclopedia libre Alirio Díaz (Caserío La Candelaria, cercana a la ciudad de Carora,en Venezuela, el 12 de noviembre de 1923), es un destacado guitarrista y músico venezolano.

Biografía Alirio Díaz nace en una familia musical, de orígenes modestos, y es el octavo de once hermanos. Con dieciséis años se muda a Carora donde concluye sus estudios primarios. Luego se muda a Trujillo donde aprende a tocar el saxofón y el clarinete, y entra a trabajar en la banda municipal que dirigía Laudelino Mejías, lo cual le permite estudiar la guitarra, y aprender el inglés y la tipografía. Con estas habilidades se muda a Caracas en 1945, donde estudia en la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas, bajo la tutela de Raúl Borges. Viaja a España en 1950 con una beca del gobierno venezolano y allí estudia en el Conservatorio de Madrid con Regino Sainz de la Maza. Un año después viaja a Siena, donde Andrés Segovia dictaba un curso de guitarra. Gracias a su excelente técnica y dedicación en tan sólo tres años se convierte en asistente y luego sustituto en los cursos de guitarra del maestro Segovia. A partir de ese momento inició sus actividades como concertista por toda Europa y el mundo. El amplio repertorio de Alirio Díaz abarca desde lo barroco a lo latinoamericano contemporáneo. Su labor ha permitido internacionalizar la música de guitarra de compositores venezolanos como Vicente Emilio Sojo, Antonio Lauro e Inocente Carreño, entre otros. Ofrece su primer concierto de guitarra en 1950. Ha dado recitales en los cinco continentes y es considerado como uno de los mejores guitarristas del mundo. Recibió por parte de la OEA el Premio Interamericano de Música en 1987. Ha merecido diversos reconocimientos por parte del gobierno venezolano, entre los que destacan los Doctorados Honoris Causa de la Universidad de Carabobo, Universidad Central de Venezuela, Universidad del Zulia, Universidad Centro Occidental Lisandro Alvarado y Universidad Yacambú. Actualmente vive entre Europa y Venezuela, específicamente su lugar de nacimiento en La Candelaria y Carora. En su nombre se ha creado el Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, que se lleva a cabo en el Teatro Alirio Díaz, ubicado en Carora, Estado Lara, Venezuela. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Alirio_D%C3%ADaz" Categorías: Nacidos en 1923 | Músicos de Venezuela | Guitarristas clásicos | Guitarristas de Venezuela | Caroreños | Larenses ■ Esta página fue modificada por última vez el 14:28, 23 jul 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor).

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29-09-2008

Alirio Díaz - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Classicalguitar.nl - View article - Mudarra, Alonso de (1508-1580 Spain)

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Mudarra, Alonso de (1508-1580 Spain) Thursday, 15 September, 2005

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(b c1510; d Seville, 1 April 1580). Spanish vihuelist and composer. Raised in Guadalajara in the household of the third and fourth dukes of the Infantado, Diego Hurtado de Mendoza (1461–1531) and Iñigo López de Mendoza (1493–1566), it is likely that Mudarra travelled with the latter in the entourage that accompanied Charles V to Italy in 1529. He subsequently entered the priesthood, probably in Palencia, becoming a canon at Seville Cathedral on 18 October 1546, less than two months before the publication of his vihuela book. During the following 34 years he played an important role in cathedral affairs: arranging the annual Corpus Christi celebrations, hiring wind players, negotiating the purchase and installation of a new organ, and consulting in 1572 with Francisco Guerrero at the request of the chapter concerning the music commissioned from Guerrero for the coming Christmas season. From March 1568 he served as major-domo of the cathedral, in charge of all disbursements. After his death, the 92,000 maravedís raised from the sale of his possessions was distributed to the poor according to the provisions of his will.

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Mudarra's Tres libros de musica en cifras para vihuela was published in Seville on 7 December 1546 (R 1980; ed. in MME, vii, 1949). Comprising 77 works (including six pieces for fourcourse guitar and one for harp or organ), the book contains numerous innovations. These include the earliest music published for guitar, a newly-invented 14-line tablature system for harp and organ, suite-like groupings of works by mode, and the earliest fabordón psalm printed in Spain. The most prolific genre among Mudarra's works are 27 fantasias, mainly polythematic works in imitative style with lyrical free extensions and strong architectonic symmetry. He also included two monophonic ostinato fantasias and several of more idiomatic character. The ingenious Fantasía que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico is a disguised set of folia variations that use cross rhythms and bold chromaticism to imitate the legendary harpist of Ferdinand III of Aragon. The short tientos are idiomatic preludes used to commence the modally-grouped ‘suites’ of the second book, while the glosas are parody fantasias in which Mudarra alternates intabulated vocal polyphony with original music. Twenty works from the second book were reprinted in keyboard tablature by Venegas de Henestrosa (Libro de cifra nueva, 1557; ed. in MME, iii, 1944), several with substantial modification. Other works for solo vihuela include three pavanas, one paired with a galliard, and variations on Conde claros and Guárdame las vacas. The brief tiento for harp or organ appears in isolation to exemplify Mudarra's new tablature. His songs are without parallel in 16th-century Spanish literature. They include romances, villancicos, canciones, and sonnets by Garcilaso, Boscán, Petrarch and Sannazaro. Latin settings include two psalms, texts by Horace, Ovid and Virgil, in addition to intabulated mass sections by Josquin and Févin, and motets by Gombert, Willaert and Escobar. Vocal parts are notated either on a separate staff, or marked in the tablature with apostrophes. Three signs, , C and C, are used to indicate fast, medium and slow tempos. Mudarra's preface also discusses plucking technique, both thumb-index alternation and the plectrum-like dedillo stroke.

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John Griffiths 'Mudarra, Alonso', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/31/2007])

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Tres libros de musica en cifra para vihuela 1. Fantasia I, de pasos largos para desenboluer las manos 2. Fantasia II, para desenboluer las manos 3. Fantasia III, de pasos para desenboluer las manos 4. Fantasia IV, de pasos de contado 5. Fantasia V, fácil

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13-09-2008

Classicalguitar.nl - View article - Mudarra, Alonso de (1508-1580 Spain)

b. Fantasia VI, fácil 7. Fantasia VII, fácil 8. Fantasia VIII 9. Fantasia IX 10. La segunda parte de la Gloria de la Misa de "Faysan regrés" de Josquin 11. Pleni de la Misa de "Faysan regrés" de Josquin 12. Fantasia X que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico 13. Conde Claros 14. Romanesca I, o Guárdame las vacas 15. Pavana I 16. Pavana II, de Alexandre 17. Gallarda 18. Fantasia XI, del primer tono. Guitarra al temple viejo 19. Fantasia XII, del quarto tono. Guitarra al temple nuevo 20. F'antasia XIII, del quinto tono. Guitarra al temple nuevo 21. Fantasia XIV, del primer tono. Guitarra al temple nuevo 22. Pavana III. Guitarra al temple nuevo 23. Romanesca II, o Guárdame las vacas. Guitarra al temple nuevo fac-simile 24. Tiento I. Primer tono 2-) Fantasia XV. Primer tono 26. Kyrie primero, de la Missa de "Beata Virgine" glosado. Primer tono 27. Fantasia XVI. Primer tono 28. Tiento II. Segundo tono 29.Fantasia XVII. Segundo tono 30.Fantasia XVIII de sobre fa mi ut re. Segundo tono 31.Tiento III. Tercer tono 32.Fantasia XIX. Tercer tono 33.Glosa sobre un Kyrie postrero de una Misa de Josquin que va sobre "Pange lingua" 34.Tiento IV. Quarto tono 35.Fantasia XX 36.Glosa sobre un Benedictus de una Missa de Josquin que va sobre la sol fa re mi 37.Tiento V. Quinto tono 38.Fantasia XXI. Quinto tono 39.Fantasia XXII. Quinto tono 40.Tiento VI. Sexto tono 41.Fantasia XXIII. Sexto tono 42.Glosa sobre el primer Kyrie de una Misa de Fecvin que va sobre "Ave Maria" 43.Tiento VII. Séptimo tono 44.Fantasia XXIV. Séptimo tono 45.Glosa sobre el "Cum Sancto Spiritu" de la Missa de "Beata Virgine", de Josquin 46.Tiento VIII. Octavo tono 47.Fantasia XXV. Octavo tono 48.Fantasia XXVI. Octavo tono 49.Fantasia XXVII. Va sobre fa mi fa re ut sol fa sol mi re. Octavo tono 50.Motete I. Pater nosecr a quatro 51.Motete II. Respice in me, Deus 52.Motete III de la Cananea. Clamabat autem mulier 53.Romance I. Durmiendo iba el Señor 54.Romance I. Triste estava el rey David 55.Romance I. Israel, mira tus montes 56.Canción I. Al milagro de la encarnación 57.Canción II. Recuerde el aima dormida 58.Canción II. Claros y frescos rios 59.Soneto I. A la muerte de la Serenísima princesa Doña Maria nuestra Señora 60.Soneto II. Si por amar, cl nombre 61.Soneto III. Por ásperos caminos 62.Verso I, en latín. A la muerte de la Serenísima Princesa Doña Maria Nuestra Señora 63.Verso II, en latín, del quarto de Virgilio. Dulces exuviae 64.Verso III, en latín, de Horacio. Beatus ille 65.Verso IV, en latín, de Ovidio. Hanc tua Penelope 66.Soneto IV, en italiano. La vita fugge 67.Soneto V, en italiano. Lassato a il Tago 68.Soneto VI, en italiano. 0 gelosia d'amanti 69.Soneto VII, en italiano. I tene al ombra 70.Villancico I. Dime a do tienes las mientes 71.Villancico II. Si me llaman a mi 72.Villancico III. Gentil cavallero

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13-09-2008

Classicalguitar.nl - View article - Mudarra, Alonso de (1508-1580 Spain)

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73.Villancico IV. Isabel, perdiste la tu faxa 74.Villancico V. Si viesse e me leuasse 75.Psalmo I por el séptimo tono 70.Psalmo II por el primer tono 77.Tiento IX para harpa u órgano

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Home | PROGRAMACIÓN MIERCOLES 27 DE FEBRERO 21 HS

Ciclo Homenaje a los grandes instrumentistas uruguayos: Alvaro Pierri. Página principal PROGRAMACIÓN Información sobre Localidades Visitas Guiadas Visita Virtual Investigación y Archivo Virtual (CIDDAE) Otras Actividades El Edificio Historia Información general para el usuario Area de Empresas Area Docente Equipamiento del Escenario La Tienda Elencos Residentes

El próximo miércoles 27 de febrero a las 21 hs continúa este Ciclo con el homenaje a otro guitarrista, Alvaro Pierri. Aclamado internacionalmente por su personalidad musical fascinante, Pierri enriquece el mundo de la guitarra con su arte. Sus interpretaciones magistrales, su fraseo cautivante, vertiginoso y la infinita e inigualable paleta de colores musicales que él crea, hacen de sus conciertos una experiencia inolvidable. Entradas en venta. Precio único $300, estudiantes $ 30.

Este ciclo se inició con gran éxito en noviembre pasado con la presentación de Eduardo Fernández en la que también fuera reconocido como ciudadano ilustre de la Comuna Canaria. En este concierto será Alvaro Pierri quien nos convoque a disfrutar y reconocer la música de los uruguayos que brillan en los primeros escenarios de todo el mundo. Programa Mauro Giuliani 1781 1829 Rossiniane opus 119

Quiénes somos Contáctenos Links de interés Fundación Amigos del Teatro Solís

Miguel Llobet 1878 1938 Prélude                                    Tres Canciones Catalanas Variations on a theme of F. Sor, op. 15 Federico Moreno Torroba 1891 1982 Sonatina - Allegretto - Andante - Allegro PAUSA Dusan Bogdanovic 1955     Ricercare (dedicado a Alvaro Pierri)                                                        

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Jazz Sonatina - Allegro grazioso - Adagio espressivo - Allegro molto Egberto Gismonti 1947                                                                Cigana Central Guitar Agua e vinho Alberto Ginastera 1916 1983 Sonata  para Guitarra op. 47 - Esordio - Scherzo - Canto - Final

Biografía Alvaro Pierri nació en Montevideo, Uruguay, en una familia de músicos. Comenzó sus estudios de piano con su madre, Ada Estades, y los de guitarra con su tía, Olga Pierri a la edad de cinco años. Más tarde estudió con Abel Carlevaro, con el compositor Guido Santorsola y en el Instituto Nacional de Musicología de la Universidad del Uruguay.Dotado de un talento excepcional, desde temprano recibe numerosos premios y recompensas, entre ellos los primeros premios del Concurso Internacional de Guitarra de Buenos Aires, de Porto Alegre, Brasil, y la Medalla de Oro del XVIII Concurso Internacional de Guitarra de París. En la ocasión de su debut en Nueva York, tras la aclamación del público la critica lo comparó "....á los mas grandes maestros tales como Segovia, Bream y Williams...." . Fué igualmente ovacionado en su debut en Alemania con los Solistas de la Filarmónica de Berlín. Desde entonces las radios y televisiones alemana, francesa, canadiense, japonesa y americana le han consagrado numerosos programas en solo o con artistas como Astor Piazzolla, Frank Peter Zimmermann, Charles Dutoit y grandes orquestas como las de Montreal y París.Alvaro Pierri recorre Europa, America del Norte y del Sur, así como Japón, Corea y China. Muy activo en la música contemporánea, ha estrenado obras de Leo Brouwer, Guido Santorsola, Jacques Hétu, Abel Carlevaro, Terry Riley y Carlo Domeniconi, entre otros, la mayor parte de las cuales le han sido dedicadas. Ha compartido el escenario con músicos tales como Maureen Forrester, Regis Pasquier, Philippe Müller, Frank Peter Zimmermann Hatto Beyerle, Ernö Sebestyen, Astor Piazzolla, Leo Brouwer, Eduardo Fernández, directores como Charles Dutoit, Yannick Nezet-Séguin, Mario Bernardi, Wojciech Rajski, Pinchas Steinberg, y cuartetos como el Cherubini, Alcan, Turtle Island String Quartet, entre otro. Sus grabaciones han sido editadas por los sellos Métropole - Polydor (Francia), Blue Angel (Alemania), Milán Records y Analekta (Canadá) con un gran exito de público y critica, y galardonada dos veces con el premio FELIX de Canadá, por el mejor CD clásico del año. Recientemente Universal ha reeditado un DVD con Astor Piazzolla - Alvaro Pierri y la Koln Philharmonic, y Pioneer Classics de Japón ha editado un DVD de un "Recital Alvaro Pierri" con música Española y Sudamericana. Como pedagogo internacionalmente aclamado ha enseñado en la "Universidad Federal de Santa Maria" en Brasil, en la "McGill University" en Montreal, Canadá, y en la "Université du Québec à Montréal". Muchos de sus alumnos han obtenido primeros premios en numerosos concursos internacionales. En 2002 fue nombrado Profesor Titular de la Cátedra de

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Guitarra de la prestigiosa Academia de Viena, la "Universität für Musik und darstellende Kunst Wien". Alvaro Pierri da regularmente masterclasses en festivales como New York Manhattan Masters, los festivales de la Guitar Foundation of America, los internacionales de París y Bordeaux, São Paulo, Montevideo, Orford, Montreal, Kopenhagen, Viena, Berlin, Mozarteum de Salzburgo, LIGITA Liechtenstein, Roma, Amsterdam, Helsinki, Hong Kong, Tokyo, Osaka, etc. Críticas "... realmente excelente ... Pierri reveló una madurez artística raramente encontrada ... Pierri lleva música en la sangre ... sus interpretaciones sonaron como definitivas ... " (New York Times) "... Brillante ! ... este artista posee una magistral versatilidad ... " (Le Soir, Paris) "La belleza de sonido, la flexibilidad de la técnica y el respecto por el estilo..." (El País, Madrid) "Pierri es uno de los principales y más prometedores guitarristas, sus interpretaciones capturan la mente y el corazón." (El País, Madrid) "...brillante, sensitivo, versátil ... amalgama espléndida de la mejor técnica, gracia y elegancia ..." (The Guitar Review, New York) Elija su ubicación en la sala

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Ana Vidovic Biography. Listen to Classical Music by Ana Vidovic

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VIDOVIC, ANA

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Ana Vidovic is an extraordinary talent of formidable gifts taking her place amongst the elite musicians of the world today. She comes from the small town of Karlovac near Zagreb, in Croatia, and started playing the guitar at the age of five, and by seven had given her first public performance. At the age of eleven she was performing internationally, and at thirteen became the youngest student to attend the prestigious National Musical Academy in Zagreb, where she studied with Istvan Romer. Her reputation in Europe led to an invitation to study at the Peabody Conservatory of Music in Baltimore with Manuel Barrueco, from where she graduated in May 2003. At the age of only 23, Ana Vidovic has already won an impressive number of prizes and international competitions all over the world. These include first prizes in the Albert Augustine International Competition in Bath, England, the Fernando Sor competition in Rome, and the Francisco Tarrega competition in Benicásim. Other top prizes include the Eurovision Competition for Young Artists, the Mauro Giuliani competition in Italy, the Printemps de la Guitare in Belgium and the Young Concert Artists International Auditions in New York. She has given over one thousand public performances since first taking the stage in 1988, and her international performance career includes recitals in London, Paris, Vienna, Salzburg, Rome, Budapest, Warsaw, Tel Aviv, Oslo, Copenhagen, Tokyo, Hong Kong, Seoul, Monterrey, Toronto, Baltimore, Washington, New York, Philadelphia, Atlanta, Chicago, San Francisco, Los Angeles, Seattle, Houston, Austin, Dallas and St. Louis. Equally impressive is the fact that she has already recorded five CDs, and also has a new performance DVD with Mel Bay Productions, released in 2006. In her native Croatia she has performed with the Zagreb Soloists and the Zagreb Philharmonic Orchestra and with the Symphony Orchestra of Croatia Radio and Television, as well as having been featured in four television documentaries by the eminent Croatian film director Petar Krelja. For more information, please visit Ana Vidovic's website.

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Ana Vidovic Biography. Listen to Classical Music by Ana Vidovic

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7:34:35 AM, 30 September 2008 All Naxos Historical, Naxos Classical Archives, Naxos Jazz, Folk and Rock Legends and Naxos Nostalgi titles are not available in the United States and some titles may not be available in Australia and because these countries have copyright laws that provide or may provide for terms of protection for sound recordings that differ from the rest of the world. Copyright © 2008 Naxos Digital Services Ltd. All rights reserved. Terms of Use Privacy Policy -207-

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29-09-2008

Ana Vidovic

Ana Vidovic is a bright young talent of formidable gifts destined for a major international career. Though barely twenty three years of age,she has already won an impressive number of prizes and international competitions all over the world.Those include first prizes in the Albert Augustine International Competition in Bath,England,the Fernando Sor competition in Rome,Italy and the Francisco Tarrega competition in Benicasim,Spain.Other top prizes include the Eurovision Competition for Young Artists,the Mauro Giuliani competition in Italy,the Printemps de la Guitare in Belgium and the Young Concert Artists International Auditions in New York. Equally impressive is the fact that she has already recorded five CDs,one of them for the Naxos label,and that she has already concertized in some twenty countries throughout the world.She has performed in cities such as London,Paris,Vienna,Salzburg, Rome,Budapest,Warsaw,Tel Aviv,Oslo,Copenhagen,Toronto,Baltimore,San Francisco,Houston,Austin,Dallas and St.Louis. In her native Croatia she has performed with the Zagreb Soloists and the Zagreb Philharmonic Orchestra and with Symphony Orchestra of the Croatian Radio and Television,as well as having been featured in three television documentaries by the eminent Croatian film director Petar Krelja. Ana began playing the guitar at the early age of five and at thirteen she was the youngest student ever to enter the Musical Academy in Zagreb,where she studied with Professor Istvan Romer.Currently she is attending the Peabody Conservatory of Music in Baltimore,MD,where she is further refining her remarkable gifts under the tutelage of world renown guitarist Manuel Barrueco.

«Ana Vidovic is a bright young talent,well equipped to take her place among the world's international soloists.» Colin Cooper,Classical Guitar «Vidovic is undeniably a very talented young guitarist whose range,as it extends,may well visibly cast her as a major artist…»

Chris Kilvington,Classical Guitar «Ana Vidovic produces so many moments of insight that you often feel you are listening to the music for the first time.This is very impressive indeed in one so young-she is only 20.» Colin Cooper,Classical Guitar «It is difficult to know where to begin when discussing the enormous talents of Ana Vidovic.Her dynamic range,beauty of sound,precision of articulation and virtuosity are such that listening becomes more of an absolute musical experience.» Stephen Griesgraber,Guitar Review

«Live» Croatia Records 2001 Ana & Silvije Vidovic,guitar and piano w/guests Sasa Nestorovic,saxophon and Viktor Vidovic,guitar Music by J.S.Bach,S.Sulek,L.Boccherini,W.A.Mozart,J.Brahms,J.Rodrigo, J.de Aspiazu and H.Mancini «Ana Vidovic Guitar Recital» Naxos Records 1999(Naxos 8.554563) Music by J.S.Bach,M.Ponce,F.Tarrega,S.Sulek and W.Walton «Ana Vidovic» Croatia Records 1996 Music by J.S.Bach,B.Papandopulo,F.Moreno-Torroba,F.Sor and I.Albeniz «Ana Vidovic» BGS Records 1996(BGSD 103) Music by J.S.Bach,N.Paganini,A.Klobucar and M.Castelnuovo-Tedesco «Ana Vidovic» Released in 1994 Music by J.S.Bach,M.Giuliani,A.Klobucar,F.Moreno-Torroba,S.Fumic and J.Malats

Antonio Lauro Nace en Ciudad Bolívar (Edo. Bolívar) el 3.8.1917 Muere en Caracas el 18.4.1986 Compositor y uno de los más importantes ejecutantes de la guitarra en Venezuela. Fundó y dirigió conjuntos corales en diversos institutos de educación media tales como el liceo Fermín Toro, el liceo Luis Razetti yla Escuela Normal Gran Colombia. Aunque se desconoce el nombre de sus padres, se sabe que su progenitor era un barbero italiano y músico de origen italiano, y que su madre era guayanesa. Los estudios musicales los realizó en Caracas en la Academia de Música y Declamación, donde fue discípulo de Vicente Emilio Sojo, Juan Bautista Plaza, Savador Llamozas y Raúl Borges quien fue su maestro de guitarra entre 1930 y 1940. Debido a que carecía de recursos económicos con los cuales financiar sus estudios musicales, los tuvo que costear trabajando como guitarrista acompañante en los programas de la emisora de radio Broadcasting Caracas (actual Radio Caracas Radio). También fue integrante del orfeón Lamas, donde musicalmente le tocaba hacer las veces del bajo. En 1935, creó un conjunto musical llamado Los Cantores del Trópico, en el que comenzó a destacar como compositor y arreglista, particularmente de piezas para guitarra. En 1940, al recibir su título de maestro compositor se dedicó formalmente a la creación musical. En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948, fue encarcelado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años en el destierro (1948-1958). Antonio Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar mde manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. En 1985, le fue otorgado el Premio Nacional de Música, en reconocimiento a su trayectoria y talento musical. Aunque existen pocos trabajos formales sobre la trascendencia de la vida y obra de Antonio Lauro, se han publicado algunos libros tales como Antonio Lauro, un músico total, de Alejandro Bruzual; y artículos en revistas especializadas como la Revista Nacional de Cultura (1953) y la Revista Musical de Venezuela (1986).

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Ástor Piazzolla De Wikipedia, la enciclopedia libre (Redirigido desde Astor Piazzola) Saltar a navegación, búsqueda

Ástor Piazzolla Ástor Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992), bandoneonista y compositor argentino. Según muchos especialistas, fue el más importante músico de tango de la segunda mitad del siglo XX. «El gran Ástor» estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango (en lo que respecta a ritmo, timbres y armonía) fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja» (ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación). En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock. Entre estos últimos, fue Alejandro De Michele, quien se constituyó en su más apasionado defensor. Cuando en los años 1950 y 1960 los tangueros ortodoxos -que lo consideraban el asesino del tango- decretaron: «eso no es tango», Piazzolla respondió con una nueva definición: «es música contemporánea de Buenos Aires». Para sus seguidores y los que gozaban de su música, ésta ciertamente representaba mejor el ritmo crispado, aunque también melancólico, de la capital argentina convertida en metrópolis. El carácter personal de Piazzolla, irreverente, apasionado y hasta intolerante, sin duda contenía esas dos vertientes de sus tangos, muchas veces enlazadas en una misma pieza.

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1 Biografía 2 Bibliografía 3 Discografía seleccionada 4 Enlaces externos

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Biografía Ástor Pantaleón Piazzolla nació en Mar del Plata, cuando esa ciudad de la costa del Atlántico, 400 kilómetros al sur de Buenos Aires, era aún un balneario aristocrático. A los tres años se mudó con sus padres de origen italiano a Nueva York. Tenía ocho años cuando por primera vez tuvo entre sus manos un bandoneón. En 1936 volvió a Mar del Plata, donde formó sus primeros conjuntos musicales, y en 1938 se mudó a Buenos Aires. Pasó brevemente por varias orquestas y se incorporó finalmente a la de Aníbal Troilo. Allí fue bandoneonista de fila y arreglista. Troilo lo tuteló (le llamaba Gato), pero a la vez recortó su vuelo para que Piazzolla se ciñera a los límites estrictos del estilo de la orquesta. En 1944 abandonó la orquesta de Troilo y pasó a dirigir la que acompañó al cantante Francisco Fiorentino. Desde allí comenzó a desplegar su creatividad. Al poco tiempo, creó su propia orquesta. Entre las piezas que interpretó en esta etapa se distinguen cinco composiciones propias que ya definían su estilo, entre ellas la titulada, con intencionalidad seguramente, Prepárense. En los primeros años cincuenta pensó seriamente en abandonar el tango para dedicarse a la música clásica y con ese fin se fue a París donde estudió con Nadia Boulanger, quien lo convenció de que debía volver al tango. En París en 1955, grabó entonces 16 temas, la mayoría propios, con las cuerdas de la Orquesta de la Ópera de París, Martial Solal al piano y él mismo en el bandoneón. A su regreso a Buenos Aires, creó una orquesta de cuerdas y bandoneón, y su famoso octeto, con los que estrenó tangos clave de su repertorio, como Tango del ángel y Tres minutos con la realidad, mientras reinterpretaba partituras de otros compositores del género. En 1958 volvió a Nueva York, y tras un fracasado intento de fusión tango-jazz, que él mismo criticó con gran dureza, volvió a Buenos Aires en 1960 y creó otra de sus grandes formaciones, el Quinteto Nuevo Tango (bandoneón, violín, piano, guitarra eléctrica y contrabajo). Con ese grupo estrenó tangos como Revirado, Adiós Nonino (dedicada a su padre), Buenos Aires hora cero, Muerte del ángel, que serían de los tangos piazzollianos más recordados e interpretados en las décadas siguientes. Compuso más de 700 obras, algunas para el teatro, el cine y para ser grabadas. Es famosa su cantata María de Buenos Aires. En 1965, el quinteto actúa en Nueva York y ese mismo año graba en Buenos Aires tangos compuestos sobre poemas del escritor Jorge Luis Borges con el cantor Edmundo

Rivero y el actor Luis Medina Castro. Después, Piazzolla se asocia con el poeta Horacio Ferrer y con la cantante Amelita Baltar, con quienes crea los tangos más populares de su repetorio: Chiquilín de Bachín y Balada para un loco. En los primeros años setenta, Piazzolla se va a Italia. Allí estrena obras más ambiciosas como Balada para mi muerte (con la cantante Milva) y su Suite troileana, conmovido homenaje a su maestro. En los años posteriores, compone nuevos tangos y vuelve a aproximarse al jazz, mediante un disco grabado con el saxofonista Gerry Mulligan. A principios de 1989, forma su último conjunto, el Sexteto Nuevo Tango, de composición inusual: dos bandoneones, piano, contrabajo, guitarra eléctrica y violoncello. En 1990, en París, sufre una trombosis cerebral, y dos años más tarde muere en Buenos Aires. [editar]

Bibliografía •

Gorín, Natalio: Astor Piazzolla: A manera de memorias. Originalmente editado por Atlántida, Buenos Aires, 1991. Reeditado por Perfil Libros en 1998 en Buenos Aires (ISBN 9506391459). Edición definitiva: Astor Piazzolla: Memorias. Barcelona, Alba Editorial, 2003. ISBN 84-8428-194-9.

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Discografía seleccionada • • • • •

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The Rough Dancer and the Cyclical Night (Tango apasionado). Colonia, American Clavé, 1991. amcl 1019 2. La Camorra. Astor Piazzolla, Nueva York. American Clavé, 1988. 79516-2 Tanguedía de Amor. Colombes (Francia), Milan, 1989. CH 398. Una recopilación de composiciones para el cine. Tango Nuevo. Gerry Mulligan y Astor Piazzolla. Atlantic, 1975. 2292-42145-2. The New Tango: Suite for Vibraphone and New Tango Quintet. Astor Piazzolla y Gary Burton. Mountreaux Jazz Festival, Suiza. Atlantic Records, 1987. 818232. Astor Piazzolla: Concierto para Bandoneón y Tres tangos. Orchestra of Saint Luke's, Lalo Schifrin (director), Astor Piazzolla (bandoneón). Elektra Nonesuch, 1988. 979-174-2. Tango: Zero Hour. Astor Piazzolla, Nueva York. American Clavé, 1986. 794692. Libertango. Milán. Carosello, 1974. Piazzollando com sotaque brasileiro. Colombes, Milan Sur, 1992. 262577 2. Arreglos de Egberto Gismonti, Zeca Assumpçao y Henrique Cazes de algunas composiciones de Piazzolla. Piazzolla: Cortes clásicos de Argentina. Orquesta Estable del Teatro Colón, José Carli (dirección y arreglos), Daniel Binelli (bandoneón). Buenos Aires, EMI Odeón Saic Argentina, 1998. 5 73025 2. Contiene el Concierto para bandoneón y orquesta.

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Piazzolla: Complete Music for Flute and Guitar. Irmgard Toepper (flauta) y Hugo Germán Gaido (guitarra). Naxos, 2000. 8.554760

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Enlaces externos Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ástor Piazzolla

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Ar.GeoCities.com/WebRataCruel (letras de Horacio Ferrer con música de Ástor Piazzolla) Piazzolla.Org TodoTango.com/APiazzolla Terra.com.ar/Piazzolla Piazzolla revolucionario especial de Terra Argentina Piazzollazzo.com.ar Estaciones Porteñas de Astor Piazzolla por Paco Estevarena

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81stor_Piazzolla" Categorías: Compositores del siglo XX de música clásica | Compositores de Argentina | Músicos de Argentina | Tango | Bonaerenses | Fallecidos en 1992 Vistas • • • •

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Yupanqui, Atahualpa (1908-1992 Argentina) Friday, 16 September, 2005

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Atahualpa Yupanqui (*22. January, 1908 in Pergamino, Argentina; † 23rd May, 1992 in Paris, France) was an Argentinian singer, songwriter, guitarist and author. He is evaluated as the most important Argentinian folklore musician of the 20-th century.

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Atahualpa Yupanqui was born under the name Héctor Roberto Chavero in Pergamino in the province Buenos Aires. However, his family moved to San Miguel de Tucumán as he was ten years old.

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During young years Atahualpa Yupanqui traveled a lot by the northwest of Argentina and by the Altiplano and studied the indigenen cultures. He left Argentina for political reasons in 1931 and searched shelter in Uruguay. In 1934 he returned to Argentina. In 1935 visited Atahualpa Yupanqui for the first time the town of Buenos Aires and when his compositions became more and more popular, he was invited, on the national radio to play. After it he met Antonieta Paula Pepin Fitzpatrick briefly, with the nickname "Nenette" she become, its lifelong companion and under the alias "Pablo Del Cerro" supported him in music. While the military dictatorship from 1946 to 1949 he was constantly troubled and arrested. 1949 he left the country and moved to Europe. Edith Piaf invited him to Paris. Afterwards he went on tour to most of Europe. 1952 he returned to Buenos Aires where he gave renditions in the radio. In the following years they lived in their houses in Buenos Aires and in Cerros Colorados in the province Córodoba.

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Between 1963 and 1964 he went on tour to Colombia, Japan, Morocco, Egypt, Israel and Italy and Spain. He established 1967 with his wife (Paplo del Cerro) in Paris.

» Cottin, Alfred (1863

some of his pieces are composed by his wife under a male name, to be accepted.

» Bonilla-Chavez, Carlos (192...

Atahualpa Yupanqui died 1992 in Paris at the age of 84 years.

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13-09-2008

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Indiecito dormido, El aromo, Le tengo rabia al silencio, Piedra y camino, Luna Tucumana, Los ejes de mi carreta, Sin caballo y en Montiel, Cachilo dormido , Tú que puedes vuélvete, Recauda tus prendas, Zamba de Vargas, Milonga triste; Siete de Abril (Zamba)

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13-09-2008

Berta Rojas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Berta Rojas De Wikipedia, la enciclopedia libre Berta Rojas, es una guitarrista clásica (*23 de septiembre de 1966 Asunción del Paraguay). Es una artista cuya versatilidad le permite moverse con comodidad tanto en la música clásica como en cualquier otro estilo musical que se proponga. Elogiada por el Washington Post como..."Guitarrista Extraordinaria"..., es considerada actualmente por su extraordinario talento, como una de las mejores guitarristas de su generación, y la más capacitada técnicamente para interpretar las obras del genial compositor, el también Paraguayo Agustín Barrios Como solista, ha cautivado a los amantes de la música en toda América, Europa y Asia.

Contenido ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

1 Presentaciones 2 Colaboraciones_Duetos 3 "Alma y Corazón" - Carlos Barbosa Lima - ONmusic_2007 4 "Guitarra Adentro" - Juan Cancio Barreto - Dorian Discovery_2003 5 "Flores de Asunción" - Juan Cancio Barreto - ONmusic_2007 6 Discografía 7 Articulos de prensa

Presentaciones ■ Weill Recital Hall del Carnegie Hall ■ Frederick P. Rose Hall, del prestigioso Jazz at Lincoln Center en New York. ■ John F. Kennedy Center de Washington DC ■ South Bank Centre, Londres En los años 1995 y 2005 le cupo el honor de ser artista invitada para la ceremonia inaugural de las Cumbres de Primeras Damas en Paraguay, la primera de ellas con la presencia de la entonces, 1ª Dama de Estados Unidos, hoy Senadora Hillary Rodham Clinton. Elogiada por el Washington Post como "guitarrista extraordinaria," su musicalidad y carisma, la hizo favorita del renombrado "John Marlow Guitar Series" en Washington DC. El Kennedy Center ha reconocido la excelencia artística de Berta Rojas seleccionándola como "Fellow de las Américas". Este premio, así como el otorgado por la Organización de Estados Americanos, le ha permitido obtener la "Maestría en Música" en el prestigioso "Peabody Conservatory", institución que la

http://es.wikipedia.org/wiki/Berta_Rojas

29-09-2008

Berta Rojas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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ha distinguido con dos importantes reconocimientos, el "Zaidee Thomas Award" y el "Harold Randolph Prize". Además de su talento musical, ocupa un rol importante como promotora del arte de otros artistas sudamericanos, especialmente de su tierra natal, Paraguay. Ha producido una serie de conciertos en los Estados Unidos de América, país donde reside, introduciendo en ellos la música folclórica de artistas de América Latina. Ha sido además, Directora Artística de diversas competencias como el "Festival Internacional de Guitarra Agustín Barrios", el "Premio Ciudad de Asunción" y en el presente, el "Premio Cardozo Ocampo" Junto con el gran guitarrista John Williams ha sido reconocida por la prestigiosa Gramophone Magazine, por la grabación uno de los mejores álbumes de Guitarra Clásica, "Intimate Barrios" - 1998/ Dorian Recordings. También ha sido tapa de la Classical Guitar Magazine, y está reconocida por sus excelentes interpretaciones de musicas latinoamericanas. Es profesora de guitarra de la Universidad George Washington en Washington, DC

Colaboraciones_Duetos "Alma y Corazón" - Carlos Barbosa Lima - ONmusic_2007 Junto a su carrera de solista, está unida al maestro Carlos Barbosa Lima en un proyecto llamado "Alma y Corazón", en el cual presentan un repertorio basado en obras latinoamericanas, solos y duetos de gran vitalidad Ganas de disfrutar es quizá la motivación más grande que genera la colaboración entre Carlos BarbosaLima y ella. Además de proyectar pasiones y perspectivas diferentes en la guitarra, esta colaboración musical gira en torno al placer que sienten estos dos artistas cuando interpretan obras que combinan, tanto jazz y estilos clásicos, como también los diversos y variados estilos latinoamericanos. Como ocurre con sus países de origen, Brasil y Paraguay, existen muchos elementos comunes en esta colaboración. Carlos y Berta comparten el mismo deseo de explorar y expandir sus horizontes musicales, ambos son artistas clásicos provenientes de América del Sur, con un variado repertorio y con el talento y la facilidad de moverse ricamente dentro de diversos estilos musicales. Uno y otro se han beneficiado a raíz de esta unión tan particular y única, así como lo hicieron en el pasado en otras colaboraciones con artistas Sudamericanos y de diferentes lugares del mundo. “Tocamos juntos, por primera vez, junto a Andy Summers, ex-integrante de The Police....Los tres estábamos en Paraguay y fue realmente increíble... Carlos ha trabajado con tantos grandes intérpretes, entre ellos Antonio Carlos Jobim y Charlie Byrd, por nombrar solo algunos. Realmente es un honor para mí tocar con él” Berta Rojas.

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29-09-2008

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También comparten raíces musicales que se generaron a partir de la poderosa influencia de la pedagogía musical de Guido Santórsola de Uruguay. La escuela de Santórsola ha sido el corazón de muchos de los grandes músicos y compositores sudamericanos. “Una oportunidad magnífica de trabajar con Carlos, de aprender de un guitarrista y maestro arreglador como el. Carlos es un artista con una vasta trayectoria de éxitos.” Berta Rojas

"Guitarra Adentro" - Juan Cancio Barreto - Dorian Discovery_2003 "Flores de Asunción" - Juan Cancio Barreto - ONmusic_2007 Berta Rojas y Juan Cancio Barreto son verdaderos ídolos en su país nativo Paraguay. Este dúo inexplicable bajo las formas del estándar, rompe el equilibrio de lo establecido, uniendo a una de las mejores guitarristas clásicas de su generación, Berta Rojas, cuya técnica y talento le permiten moverse tanto en la música clásica, como en cualquier otro estilo que se proponga. Y un "Requintista" reconocido por su talento e ingenio Juan Cancio Barreto, representante musical del Paraguay folclórico, rural y de la tierra. Ellos, han derribado barreras cuando unieron sus estilos diferentes de ejecución y se convirtieron en el dúo más exitoso de música Paraguaya de los últimos años. Su música recorrió no solo el Paraguay, sino Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, Colombia En mayo del 2005, alcanzaron el Allen Room de Jazz en Lincoln Center en New York. Al ser los primeros paraguayos que se presentaron en ese escenario.

Discografía "Cielo Abierto" - ONmusic_USA_2006 "Guitarra Adentro" - Dorian Dsicovery_USA_2003 "Concierto Latinoamericano" - Dorian Discovery_USA_2003 "Intimate Barrios" - Dorian Discovery_USA_1998

Articulos de prensa ...“Se necesita una guitarrista con mucha destreza para que sea posible ejecutar con solvencia las altas exigencias de “Un Sueño en La Foresta” de Agustin Barrios, sosteniendo al mismo tiempo la melodía con el tremolo. Rojas interpretó elegantemente un tremolo como de cristal liquido, tan perfecto que uno podría imaginarse que un músico con su balalaica se había unido a ella en el escenario"….The Washington Post USA/ 12-99 ….”Su presentación consistió en obras de su más reciente grabación, “Intimate Barrios”, y su interpretación de “La Catedral” fue la mejor que este critico haya escuchado hasta hoy. Su fabulosa

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29-09-2008

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ejecución y su manera de tocar sin esfuerzo ninguno, hizo par con la sensualidad de su fraseo. Ambos elementos nos dieron pruebas convincentes de que Barrios solo compuso para que ella tocara sus obras. Charles J. Walsh / Guitar Magazine/ Usa/ 2005 Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Berta_Rojas" Categorías: Músicos de Paraguay | Guitarristas clásicos | Nacidos en 1964 ■ Esta página fue modificada por última vez el 14:18, 4 jul 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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29-09-2008

13-09-2008

Joaquín Rodrigo, el famoso composito…

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Joaquín Rodrigo, el famoso compositor español ha muerto Por Juan Martinez 13 Julio 1999 Utilice esta versión para imprimir

Joaquín Rodrigo, el aclamado compositor español que ha popularizado la guitarra como instrumento clásico de concierto, murió el 6 de Julio en Madrid a la edad de 97 años. A Joaquín Rodrigo se le recuerda más que nada por su Concierto de Aranjuez que compuso en 1939, la primera obra compuesta específicamente para guitarra. Esta clamorosa composición nació de un encuentro que tuvieron en Paris Rodrigo y el guitarrista Regino Sainz de la Maza. La obra se estrenó en Barcelona en 1940 y fue interpretada por Regino Sainz de la Maza y la Orquesta Filarmónica de Barcelona. Esta obra es la más conocida e influyente de la música española del siglo veinte y desde entonces se han hecho innumerables grabaciones. Entre los miles de músicos y compositores que se inspiraron en sus evocativas e inolvidables cualidades, se encuentra el trompetista de jazz, Miles Davis, quien grabó una versión en disco hace casi 40 años en su álbum “Esbozos de España”. La obra representa la ciudad de Aranjuez a finales del siglo 18 y las Cortes de Carlos IV y Fernando VII. Según Rodrigo explicó en 1974: “El nombre se basó en el famoso sitio real a la orilla del rio Tajo, cerca de Madrid, en la carretera de Andalucía y algunos perciben la sombra de Goya en sus notas musicales, llenas de emoción melancólica. Su música parece revivir la esencia de una Corte del siglo 18, donde la distinción aristocrática se mezcla con la cultura popular. En su melodía persiste el perfume de magnolias, el canto de los pájaros y el susurro de las fuentes. El Concierto de Aranjuez, una síntesis de lo clásico y lo popular en forma y emoción, yace soñando bajo el follaje del parque que rodea el palacio barroco, y sólo trata de ser tan ágil como una mariposa y tan preciso como el pase de una capa de matador.” Las obras de Rodrigo se formaron con una mezcla de las composiciones barrocas para la vihuela (el instrumento tipo laúd que precede a la guitarra), las tradiciones folklóricas del flamenco y su propia formación clásica. Antes de Rodrigo empezar a producir sus composiciones para la guitarra, la única música clásica disponible para los maestros guitarristas, tal como Andrés Segovia y otros, era las adaptaciones de obras escritas para el piano por Bach y otros compositores clásicos. Joaquín Rodrigo nació en Sagunto, Valencia, el 22 de Noviembre de 1901. El mérito más notable de Rodrigo es que a la edad de tres años un ataque de difteria le dejó ciego. Ningún tratamiento médico o cirugía pudieron mejorar su condición y luego el glaucoma le cegó completamente. Rodrigo comentó más tarde, muy objetivamente y sin rastro de amargura, que su ceguera le condujo a la música. http://www.wsws.org/es/articles/199…

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Joaquín Rodrigo, el famoso composito…

Sus padres le ingresaron en un colegio para niños ciegos en Valencia y a los 8 años ya estudiaba solfeo, piano y violín en Braille bajo la dirección de algunos de los mejores músicos de España. El profesor de armonía y composición de Rodrigo fue Francisco Antich y más tarde estudió con los maestros Enrique Gomá y López Chavarri. La familia de Rodrigo empleó a Rafael Ibañez como su tutor y más tarde compañero, secretario y copista, quien cultivó el interés del niño por la literatura. Hacia los años 1920, Rodrigo ya era un pianista de primera categoría, conocía las composiciones más importantes de esos tiempos y era capaz de interpretar las obras más difíciles de Ravel, Stravinski y otros compositores. Sus primeras composiciones serias para piano, violonchelo y violín datan de 1923. Su primera obra para orquesta, Juglares, tuvo su estreno en 1924 . Esas primeras obras están caracterizadas por un delicado lirismo, un atrevido colorismo orquestal y un vocabulario armónico evocador de otro famoso compositor español del siglo 20, Enrique Granados. En 1927, Rodrigo decidió seguir los pasos de otros compositores españoles como Manuel de Falla, Isaac Albeniz y Joaquín Turina y viajó a Paris. En Paris estudió con Paul Dukas y pronto trabó amistad con Manuel de Falla, compositor del ballet El Sombrero de Tres Picos. También conoció y se enamoró de Victoria Kamhi, una joven turca estudiante de música y se casaron en 1933. Desde entonces hasta su muerte en 1997, Kamhi colaboró con Rodrigo en todos los aspectos de su trabajo. Pocos de aquellos que han disfrutado el optimismo y la belleza poética del Concierto de Aranjuez saben que fue compuesto en las más difíciles condiciones. Según escribió Kamhi en su biografía, la joven pareja se encontraba en una tremenda pobreza, ella estaba encinta y Rodrigo cayó enfermo con un absceso en un ojo. El Concierto le dio una fama casi instantánea en España y cuando se estrenó en Madrid le llevaron en hombros por toda la ciudad. También solucionó muchas de las dificultades financieras que tenía la joven pareja. A Rodrigo le ofrecieron un puesto en el Departamento de Música de Radio Madrid y le nombraron director de Arte y Propaganda de la ONCE (Organización Nacional de Ciegos de España). Rodrigo se dedicó a la enseñanza durante muchos años, usando una máquina especial para escribir música en Braille o dictando a sus asistentes y continuó componiendo hasta la década de sus 80 años. Rodrigo recibió varias condecoraciones durante su vida, entre ellas el prestigioso premio para las artes Príncipe de Asturias, en 1996. El poeta español Gerardo Diego describió acertadamente a Rodrigo como compositor de paisajes acústicos, ya que su música evoca lugares, monumentos y terrenos. Algunas de las muchas obras orquestrales famosas escritas por Rodrigo incluyen: Fantasía para un Gentilhombre, Concierto Andaluz, Concierto Madrigal, y muchas más. Además de Aranjuez compuso más de 26 obras para guitarra. También compuso ballets, música para películas, canciones, zarzuelas, piezas vocales y muchas obras para piano y orquesta. Después de Regino Sainz de la Maza, los grandes intérpretes de la música de Rodrigo fueron Narciso Yepes y José Romero, quienes colaboraron con él estrechamente. El guitarrista más destacado que interpretó el Concierto de Aranjuez recientemente, fue Paco de Lucía. Durante toda su vida, que abarcó casi todo el siglo 20, Rodrigo se dedicó a desarrollar las diferentes formas de la música española, popular y clásica. El sensacional éxito internacional del Concierto de Aranjuez es testimonio de su contínua vitalidad y de su lugar en el patrimonio musical del siglo veinte. http://www.wsws.org/es/articles/199…

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Joaquín Rodrigo, el famoso composito…

testimonio de su contínua vitalidad y de su lugar en el patrimonio musical del siglo veinte.

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Antonio Vivaldi : Partituras Clasicas y Biografías

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Partituras Clasicas y Biografías Blog Dedicado a la Música Clásica • Home

Antonio Vivaldi By Admin on Aug 28, 2008 in Antonio Vivaldi, J.S. Bach, Partituras, Wolfgang Amadeus Mozart Vivaldi provino de una familia de música. Su padre, el pianista Giovanni Battista también apodado rossi por ser pelirojo, fue miembro de una organización de músicos en Venecia y fue violinista de la orquesta de la basílica de San Marcos. Antonio Vivaldi no fue muy aficionado a la religión, pese a ser sacerdote y se inclinó más por la música. Nunca dio sermones “por motivo de salud”. En 1703 con tan sólo 25 años el joven fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado de la enseñanza de la viola all’ inglese. Obtuvo un contrato en el orfanato para niñas Ospedale della Pietá donde compuso varias obras con algunas dedicatorias a las jóvenes que estaban hospedadas ahí. Vivaldi utilizó la profesión de sacerdote sólo para una palanca que le ayudara a conseguir la fama y el apoyo que necesitaba en su carrera. Más tarde comenzó con la ópera donde conoció a Anna Giraud, una cantante que siempre estaría con él. Compuso su primera ópera Vicenza en mayo de 1713. Aquí un testimonio de Uffenbach quien lo escuchó en el teatro S. Giovanni Grisostomo “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” En la última etapa de su carrera desarrolló su propio grupo de clientes y mecenas y trabajó como compositor independiente. Creó música instrumental, conciertos, música vocal profana, cantantas, óperas, serenatas, himnos, salmos y conciertos. En 1712 compuso Statbat Mater para una iglesia de Brescia. Entre 1718 y 1722 viajó por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. A partir de 1730 los venecianos dejaron de interesarse en su música por lo que el músico se trasladó a Viena para probar suerte donde murió en 1740 en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.

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01-10-2008

Antonio Vivaldi : Partituras Clasicas y Biografías

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Pese a su triste final, su música sentaron las bases del clasicismo, sobretodo en Francia y consolidaron la estructura del concierto solista. Partituras Gratis L’Inverno Piano Concerto No.24 in G minor pour 2 Violoncelles (I Allegro) La Primavera (4 seasons). Piano Domine Deus. Piano y Voz Andante. Guitarra Concerto in D Minor for Viola d’amore and Lute Allegro e Fuga (Op3-11). Guitarra Largo from Lute Concerto in D - RV 93. Piano Principiantes Cuatro Estaciones. Piano Credo (in E), RV591. Piano

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Antonio Vivaldi : Partituras Clasicas y Biografías

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01-10-2008

Biografías de Guitarristas

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Biografías de Guitarristas y Laudistas: John Dowland

Julián Arcas

Gaspar Sanz

Joseph Kasper Mertz

Silvius Leopold Weiss

Francisco Tarrega

Ferdinando Carulli

Miguel Llobet

Fernando Sor

Agustín Barrios

Mauro Giuliani

Heitor Villa-Lobos

Dionisio Aguado

Andrés Segovia

Luigi Legnani

Mario Castelnuovo-Tedesco

Matteo Carcassi

Joaquín Rodrigo

Zani de Ferranti

Antonio Lauro

Giulio Regondi

Leo Brouwer

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John Dowland Gran compositor inglés y famoso intérprete del laúd. Padre de Robert Dowland. Probablemente nació en Londres en 1563, muere en esta misma ciudad el 20 de febrero de 1626 (fecha cuando fue enterrado). En 1580 se traslada a París al servicio de Sir Henry Cobbam. John Dowland es el más representativo compositor para laúd de la escuela inglesa. Dowland tiene importancia ya que realizó originales y nuevos usos cromáticos, el trataba las partes del acompañamiento como separadas de la parte de la melodía, obteniendo efectos armónicos relativamente avanzados para su tiempo.

Gaspar Sanz Compositor y guitarrista nacido en Calandra (Teruel) Aragón, España el 4 de abril de 1640 y murió en Madrid en 1710. Sanz obtuvo un grado en teología en la renombrada Universidad de Salamanca y posteriormente viajó a Italia donde estudió guitarra con Lelio Colista. Sanz además estudió órgano y

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29-09-2008

Biografías de Guitarristas

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teoría de la música con Christoval Carisani, quien logró gran éxito como organista de la Capilla Real de Napoles. En Italia Sanz empezó a familiarizarse con las obras de los más renombrados guitarristas italianos. En su primera publicación (1674) él menciona a Francesco Corbetta, Foscarini (L’Academico Caliginoso), Pellegrini y Granata como compositores y profesores de guitarra. A su retorno a España, Gaspar Sanz publica el mismo sus tres libros de música para guitarra. El primer libro lleva el título "Instrucción de la música sobre la guitarra española" que en la página 18 lleva la siguiente inscripción: "tomo I sexta die Decembris anno 1674. . . .Gaspar Sanz, Invenit." El segundo libro "Libro segundo de cifras sobre la guitarra española", (Caragosa 1675). El tercer libro "Libro tercero de música de cifras sobre la guitarra española", fue incorporado al primero y segundo, y fueron publicados los tres libros con el título de primer libro en 1697. Estos libros tienen varias instrucciones sobre como improvisar y ejecutar la música de guitarra usando dos métodos: el tañer de rasgueado (método italiano) y el tañer de punteado (método español). Sanz creía que el primer método se adaptaba mejor con las danzas musicales. Los acordes de rasgueado los escribía con el Alfabeto, a manera de la notación italiana. Pero la mayor parte de sus composiciones estaban escritas en tabulatura donde las líneas representan las cuerdas de la guitarra y los números el traste donde la cuerda debe ser pisada. La música de Sanz es de gran calidad y constituye una rica contribución a la literatura de la guitarra. Es el personaje central de la guitarra barroca española del siglo XVII, y la influencia de su música se percibe hasta el siglo XVIII, ya que todavía es mencionada en numerosos tratados como modelo.

Silvius Leopold Weiss Tañedor de laúd y gran compositor. Hijo de Johann Jacob Weiss. El apelativo Weiss corresponde a una gran familia de músicos alemanes. Silvius Leopold Weiss nació en Breslan, el 12 de octubre de 1686 y muere en Dresden, un 16 de octubre de 1750. Weiss fue uno de los más grandes tañedores y compositores de laúd en todos los tiempos. El número de obras que compuso alcanza los 600, la mayor colección de composiciones para solo laúd en toda la historia. Weiss visitó a J. S. Bach en Leipzig en 1739.

Ferdinando Carulli

(Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario

Carulli) Compositor y guitarrista italiano; nació en Nápoles el 20 de febrero de 1770 y murió en París el 17 de febrero de 1841. Viaja a París en 1808 y prospera ahí como profesor de guitarra. Se le atribuye ser el primer guitarrista que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Publicó su método para guitarra, L´Harmonie appliquée â la guitarre (París, 1825). Su obra incluye cerca de 400 composiciones, entre ellas conciertos, cuartetos, tríos, dúos, fantasías, variaciones, y solos de toda índole musical. En 1830 Carulli compuso una pieza musical descriptiva para guitarra titulada Les Trois Jours, que describe los días de la revolución de Julio de 1830.

Fernando Sor (Joseph Fernando Macari Sors)

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29-09-2008

Biografías de Guitarristas

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Nace en Barcelona el 14 de febrero de 1778, aquél que se tornaría en una de las más prominentes figuras de todos los tiempos, de la literatura de la guitarra. Su obra se extendió a varios géneros de la música erudita. Sin embargo, Sor es reconocido por los aportes a la música de guitarra. Después de todo, él dedicó mucha energía y su gran talento musical a este noble instrumento. A los 12 años fue internado en el célebre Monasterio de Montserrat. A la edad de 17 años compuso su primera ópera titulada Telémaco en la isla de Calipso, estrenada con éxito en el Teatro de Santa Cruz, Barcelona. Habiéndose coronado de triunfo se traslada a Madrid. Aquí escribe sinfonías y cuartetos, alcanza éxitos como operista y también como guitarrista. Más tarde, se alista para la guerra con el grado de capitán en los ejércitos de Napoleón Bonaparte. Posteriormente reside en Londres, Rusia y París donde su fama es consagrada y adquiere reconocimiento en todo Europa por sus grandes composiciones como guitarrista. En Moscú logró poner en escena su célebre ballet Cendrillon, obteniendo un gran éxito. En el Teatro de la Opera de París, fue representado durante más de seis meses consecutivos. En 1828 vuelve a París, de 50 años de edad. Pasa el resto de su vida dedicándose a la composición. Sus últimos días son tristes y muere de cáncer un 10 de julio de 1839 a los 61 años de edad. Sor inició su carrera musical en Barcelona como compositor de óperas y ballets; sin embargo sobresalió mucho más como compositor guitarrístico que como autor escénico. En su época, causó viva sensación en el mundo musical y guitarrístico; si bien como concertista elevó con su habilidad el instrumento, logrando éxitos y rodeándose de admiradores, como compositor nos ha legado una obra que figura al lado de aquella de los grandes maestros de la música. Como todos los compositores de su época, Sor sintió la influencia de Mozart, a pesar de lo cual, su obra encierra gran personalidad. En la literatura guitarrística, él representa esa época de oro que se llamó clasicismo y también en muchas de sus páginas, por sus sentimientos, se observa ese romanticismo que acompaña la transición de una época. Su obra consta de 60 Opus para guitarra sola, entre los cuales están 14 obras con el titulo de Fantasías, Solo Sonatas, variaciones, danzas, y varios otros tipos de música para guitarra. Son relevantes sus series de estudios para guitarra contenidos en los Opus 6, 29, 31, 35 y 60. Sus últimas obras son para dúos de guitarra, como el Opus 62 Divertissement y el Opus 63 Souvenir de Rusia. Sor también compuso una serie de piezas para guitarra y voz o acompañamiento de piano, denominadas Seguidillas.

Mauro Giuliani (Mauro Giuseppe Sergio Pantaler Giuliani) Este eminente artista nació el 27 de julio de 1781 en Bisceglie, un pequeño pueblo en Apulia, situado en la costa Adriática, como a 35 Km al noroeste de Bari. Empezó sus estudios musicales con el violonchelo. Cuando aprendió la guitarra, adquirió rápidamente una sorprendente virtuosidad en el instrumento. Viendo que no tenía grandes esperanzas como guitarrista virtuoso en su país, emigró a Vienna en 1807, donde había relativamente una comunidad mayor de guitarristas. Giuliani se hizo conocer rápidamente y no le fue difícil publicar sus composiciones. Era un ejecutante siempre requerido y ocupado; él tocó la parte de violonchelo en el estreno de la Séptima Sinfonía de Beethoven en 1813; también tocó con otros músicos notables como Hummel, Salieri y Meyerbeer. También tocó una serie de seis conciertos con Moscheles y el violinista Josef Mayseder. Giuliani dejó Vienna en 1819 para retornar a Italia. Pasó unos años en Roma, donde conoció a Rossini; y se estableció finalmente en Nápoles, donde murió en mayo de 1829. Su obra comprende más de 150 piezas para guitarra. La mayoría de ellas fue editada y publicada en Vienna, Leipzig y París. Las composiciones de Giuliani requieren casi siempre un cierto grado de virtuosismo. Compuso también piezas para guitarra y otros instrumentos como violín, violonchelo, flauta y tres conciertos para guitarra

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29-09-2008

Biografías de Guitarristas

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y orquesta; en su tiempo, se creía que la guitarra era un instrumento de sonoridad deficiente para tomar parte de una orquesta.

Dionisio Aguado (Dionisio Aguado y García) Guitarrista y compositor español. Nació en Madrid el 8 de abril de 1784, y muere en la misma ciudad el 29 de Diciembre de 1849. En 1825 se traslada a París, donde atrae la atención de Rossini y Paganini debido a su excepcional virtuosidad. Retorna a Madrid en 1838, y se dedica a la enseñanza de la guitarra. Entre su producción se encuentra Estudio para la Guitarra (Madrid, 1820), su difundida obra entre las mejores de este género Escuela o Método de Guitarra (Madrid, 1825); también compuso 45 waltzes, 6 minuets, y otras composiciones para guitarra de menor magnitud.

Luigi Legnani (Luigi Rinaldo Legnani) Luigi Legnani fue uno de los más connotados virtuosos de la guitarra durante el siglo XIX. Nació el 7 de noviembre de 1790 en Ferrera, Italia. Cuando tenía 8 años su familia se traslada a Ravenna; aquí empieza a estudiar canto y guitarra. A la edad de 17 años hace su debut en el teatro de Ravenna cantando arias de las óperas de Donizetti y Rossini. Al mismo tiempo ya cultivaba su profundo interés por la guitarra, y el año 1819 publica su primera composición en Milán. Legnani reside en esta ciudad hasta octubre de 1822; y a partir de esta fecha empieza sus viajes por Europa como concertista de guitarra. Legnani frecuente cantaba acompañándose con la guitarra en sus recitales. Viaja a Austria, Alemania, Suiza, Rusia, Francia, posteriormente a Italia, el año 1835, quedándose en Genova. En esta ciudad tiene la oportunidad de conocer a Paganini con quien toca algunos duetos en un concierto en el teatro de Corignono de Turín el año 1837, aunque esta actividad no esté totalmente documentada, existen sólo algunos anuncios de este concierto. El año 1838 viaja a Viena, luego a Munich para tocar en conciertos. En 1842 toca en Madrid y Barcelona. A partir del año 1850 vuelve a radicar en Ravenna donde se dedica a fabricar guitarras. Trabaja con el luthier Stauffer con quien planea su propio modelo de guitarra. En Ravenna él fabricó violines y guitarras de buena calidad, algunas de las cuales todavía existen. Legnani fue un compositor muy prolijo, su obra alcanza las 250 composiciones, y todas ellas requieren buena técnica de virtuoso. Entre sus obras se encuentra un método, el cual no tiene valor didáctico.

Matteo Carcassi Renombrado compositor y guitarrista del siglo XIX. Nace en Florencia, Italia, en 1792. Sus primeros pasos musicales los da estudiando el piano, pero aún joven aprende la guitarra y adquiere una técnica admirable en pocos años. Viaja a Alemania en 1810 donde recibe los primeros aplausos de la crítica; ahí conoce a Antoine Meissonnier, con quien entabla una amistad de varios años. Posteriormente, en 1820, se mueve a París, donde reside por el resto de su vida. En 1825 toca en el Teatro de la Opera de París y en 1828 a dúo con el cantante Stochausen. La fama de Carcassi se compara con la de Carulli en la capital francesa, pero Carcassi se distingue por tener una diferente posición de la guitarra, pulsa las cuerdas con las uñas y con un gusto musical más melódico. Posteriormente se dedica a componer y a la enseñanza de guitarra y piano. Por el año 1840 Carcassi abandona las salas de concierto y muere el 16

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Biografías de Guitarristas

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de enero de 1853 en París. El compositor italiano nos legó cerco de 100 obras para guitarra de un gran sentimiento romántico, pero sobre todo demandantes en técnica. Sobresalen su Op. 59, titulado Método para Guitarra, uno de los trabajos didácticos más relevantes del siglo XVIII, como también sus Estudios Op. 60 de gran valor pedagógico

Zani de Ferranti (Marco Aurelio Zani de Ferranti) Nace en Bologna un 6 de julio de 1800 (según algunos autores en 1801). De una familia distinguida Zani de Ferranti a muy temprana edad demostró gustar de la literatura y poesía. A los once años empieza a estudiar el violín y en cuatro años adquirió dominio y gran agilidad en el instrumento. Posteriormente decide estudiar la guitarra bajo la tutela de Gherli. Progresa rápidamente y hace su debut como concertista. En 1820 viaja a París. El círculo musical de esta ciudad critica su técnica y probablemente por esta razón prontamente viaja a San Petersburgo; allí trabaja como bibliotecario para el senador Miatlev. En los cuatro años de su estadía en Rusia trabaja para mejorar su técnica en el instrumento. En los próximos 10 años viaja por toda Europa dando conciertos en París, Londres, Bruselas y viajando por Holanda, Francia, Inglaterra, América e Italia donde conoce a Paganini. En 1834 el Rey Leopoldo de Bélgica lo nombra su guitarrista de honor. Dio conciertos en dúo con el violinista Camilo Sivori. En 1846 radica definitivamente en Bruselas como profesor de italiano en el Concervatorio Real de Música. En los años posteriores deja de tocar la guitarra y se mueve a Pisa donde fallece el 19 de noviembre de 1878. Su obra contempla 30 obras para guitarra de carácter virtuoso-romántico, entre las cuales se encuentran fantasías, nocturnos y 2 polaccas para 3 guitarras. También realizó trabajos literarios como estudios sobre la poesía de Dante en la Divina Comedia.

Giulio Regondi Giulio Regondi fue una de las principales figuras en la historia de la guitarra durante el periodo romántico. Nace probablemente en Génova el año 1822 (según otros el año 1824). Su padre Giuseppe era de Milán y su madre de origen alemán. Su padre le enseña los principios de la música y guitarra cuando Regondi era aún un niño. Hace su debut como niño prodigio en Lyons a la edad de 8 años; su familia se mueve a esta ciudad antes de ir a París en abril de 1830. En esta ciudad Regondi es aclamado y no le es difícil alcanzar la fama, y es invitado a presentarse en las grandes salas de conciertos. En mayo de 1831 se traslada a Londres, época donde ya era reconocido como un concertista virtuoso, apoyado por las buenas críticas a su favor en las revistas de aquellos tiempos. En 1835 Regondi presenta cierto interés por un nuevo instrumento de viento inventado por Wheatstone, la concertina, y prontamente se convirtió también en un gran intérprete de este instrumento. Los años siguientes se presenta en los conciertos ya sea tocando la guitarra o la concertina. Los años 1840 a 1841 realiza una gira de conciertos por toda Europa con el chelista Joseph Ledel. En Leipzig toca en un concierto de beneficiencia para la orquesta de la ciudad organizado por Clara Schumman. Después de su regreso a Londres, Regondi realiza algunos conciertos más en otras ciudades por algún tiempo; a partir de 1850 deja la guitarra para tocar la concertina, probablemente hasta el año 1860, donde se retira a una vida más privada. Muere en Londres el 6 de mayo de 1872. Como músico dedicado a la ejecución de la guitarra y a dar conciertos, Regondi nos legó sólo 5 obras para guitarra de un gran valor instrumental y artístico. Fernando Sor dedicó a Regondi su Fantasía Op. 46, "Sourvenir d'amitié".

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Julián Arcas (Julián Arcas Gavino Lacal) Julián Arcas nace en Almenia, España, el 25 de octubre de 1832 y muere en Antequera, Málaga, el 16 de febrero de 1882. Fue un distinguido guitarrista y compositor de danzas y aires nacionales, arreglos de música dramática y su nombre es mencionado en muchos libros de historia de compositores españoles. Su fama llega a la cumbre entre los años 1860-1870 cuando toca para las familias reales de España e Inglaterra. Entabló una estrecha relación con el connotado fabricante de guitarras Antonio Torres, a quien sugirió hiciera cambios en la tapa armónica de la guitarra. Estas sugerencias junto a las realizadas por Tárrega jugaron un rol muy importante para el desarrollo de la construcción de guitarras en el siglo XX.

Joseph Kasper Mertz Compositor y guitarrista austriaco. Este notable guitarrista nació en Pressburg el 17 de agosto de 1806 y muere en Viena el 14 de diciembre de 1856. El año 1840 se traslada a Viena. En esta ciudad y en Alemania hace una gira de conciertos tocando con una guitarra de 10 cuerdas. Sus composiciones para guitarra adquirieron prontamente popularidad; su música es de género romántico. Su Concertino recibió el primer premio en una Competencia Internacional de Bruselas en 1856. El estaba casado con la pianista Josepline Plantin.

Francisco Tárrega (Francisto Tárrega y Eixea) Este excepcional guitarrista y compositor español nació en Villareal, Castellón el 12 de noviembre de 1852, y murió en Barcelona el 15 de diciembre de 1909. Tárrega tiene gran importancia en la historia y evolución de la guitarra tal como la conocemos hoy en día. Reformuló la escuela guitarrística. Estudió primeramente con Sergio Molina. También tuvo como a su profesor a Julián Arcas. Él vivía y tuvo que competir en una época de alto romanticismo (Operas de Wagner, las óperas italianas, y con grandes pianistas como Schumann, Chopin o violinistas como Paganini). Estas obras eran de gran sonoridad en contraste con la escasa sonoridad de su instrumento. Fue a estudiar al Conservatorio de Madrid, donde debe estudiar el piano ya que la guitarra se considera un instrumento de segundo plano. Aquí conoce a Albéniz y Granados. En su búsqueda por una guitarra con mejor sonoridad trabaja con el lutier Antonio Torres. Comienza un trabajo mecánico de pulsación observando otros instrumentos y sus mecanismos, como el piano. Tárrega es importante además de sus innovaciones en la técnica de la guitarra, por sus transcripciones de piezas de compositores como Mendelssohn, Beethoven, Chopin y otros expandiendo el repertorio disponible para el instrumento. Realizó como 120 transcripciones para guitarra sola y 21 para dúos de guitarra, además que sus propias composiciones alcanzan un número de 78. Su remarcable carrera como interprete es trágicamente interrumpida debido a una parálisis en su mano derecha en 1906.

Miguel Llobet (Miguel Llobet Soles) Virtuoso guitarrista catalán. Nació en Barcelona el 18 de octubre de 1875 y muere en la misma ciudad el 22 de febrero de 1938. Empezó su carrera como pintor, pero después estudió música con Magin Alegre

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y Tárrega. Decide estudiar la guitarra a los 11 años cuando escucha en concierto a Antonio Jiménez Manjon. Vivió en París los años 1900-1914. Expandió la escuela de Tárrega por América del Sur. Viajó por Argentina (1910), Chile (1912) y E.E.U.U. (1915-1917). Compuso las canciones catalanas. Transcribió obras para dos guitarras. Grabó discos en dúo con la guitarrista María Luisa Anido. Fue el primer guitarrista en motivar a grandes compositores a componer para guitarra. Manuel de Falla fue el primero (Homenaje a Tombeau de Debussy). Esta composición la dedicó al mismo Llobet y fue compuesta después de la muerte de Debussy para conmemorar su muerte.

Agustín Barrios (Agustín Pío Barrios "Mangoré") Agustín Barrios, nació el 5 de mayo de 1885 en el pequeño pueblo de San Juan Bautista de las Misiones, Paraguay. Miembro de una numerosa familia de 8 niños donde cada miembro de la familia tocaba por lo menos un instrumento. Recibió su educación primaria en un colegio Jesuita donde utilizaba su guitarra para el estudio de armonía. A la edad de 13 años fue descubierto por quien fue su primer profesor formal, Gustavo Sosa Escalada, un dedicado guitarrista y profesor del instrumento, quien estudio con Juan Alais. Sosa inicia al pequeño Agustín con los métodos de Sor y Aguado, y empieza a tocar piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Este mismo año es reconocido como niño prodigio y recibe una beca al Colegio Nacional en Asunción, donde además de música, se destaca en matemáticas, periodismo y literatura. Barrios también estudia caligrafía y era un talentoso artista gráfico. Barrios amaba la cultura, una vez dijo "Una persona no puede ser un guitarrista sin haberse bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la lengua nativa de Paraguay. Entendía Francés, Inglés y Alemán, además que le interesaba la filosofía, poesía y teología. Musicalmente, era un gran improvisador, según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de manera completamente espontánea, muchas veces en concierto. Su inusual creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra. Lamentablemente muchos de los manuscritos se han perdido. En su música podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica permitió a Barrios de componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. La música de Barrios se caracteriza por ser de carácter folklórico, imitativo y religioso. Él compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas onomatopéyicas que describen objetos temas histórico culturales. Barrios también interpretaba gran cantidad de música popular, y una gran cantidad de sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba y zapateado. Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Costa Rica, y El Salvador. También dio conciertos continuamente en Chile, Méjico, Guatemala, Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y Trinidad. Barrios dio conciertos incesantemente desde 1906 hasta su muerte. En los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. Fue en un concierto en Bruselas que incluyó la primera trascripción y ejecución pública de la Suite para Laúd Nº 1 de Bach. El evento recibió muchas críticas. En 1932 empezó a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe Guaraní que peleó ante la conquista española). Barrios fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus obras sólo sobreviven en estas grabaciones que datan de años anteriores a 1910 y otros cuantos entre 1912 y mediados de 1920. Barrios muere muy pobre un 7 de agosto de 1944 en Salvador.

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Entre sus obras más importantes en orden cronológico: Souvenir d’un Reve (Un Sueño en la Floresta) (1918), Romanza en imitación al violonchelo (Pagina d’Album) (1919), Mazurca Apassionata (1919), La Catedral (1921), Preludio en Sol (1921), Valses Op. 8 (1923), Danza Paraguaya (1924), Choro de Saudade (1929), Julia Florida (1938), Una Limosna por Amor a Dios (1944).

Heitor Villa-Lobos Heitor Villa-Lobos (1887-1959), fue la más sobresaliente figura en la música brasileña, el más prolífico de los compositores de todos los tiempos, y su prodigiosa obra incluye varias composiciones de importancia para guitarra. Efectivamente, su primera composición fue una Mazurca en Re+ para guitarra, escrita a la edad de 12 años, continuó escribiendo para el instrumento durante toda su vida. Vale destacar que de una serie de composiciones denominadas Chôros, el primero sea para guitarra, mientras que las subsecuentes composiciones van desde dúos de vientos hasta grandes orquestas con coros. Para 1920 cuando compuso el Chôro Nº 1, Villa-Lobos ya compuso dos Suites importantes y media docena de piezas independientes para guitarra, en 1929 comienza a componer su serie de 12 estudios donde resume la técnica de su tiempo, y en 1940 añade una colección de 6 Preludios, de los cuales solo subsisten 5. Parece haber incertidumbre sobre cuando terminó sus estudios, que fueron publicados recién en 1953. Los Estudios están dedicados a Andrés Segovia. Los frutos del talento de Villa-Lobos han legado un precioso regalo a la historia de la guitarra tan grande como Scarlatti legó al clavicordio y Chopin al piano. No es de impresionar que estos Estudios sean una expresión de la guitarra, ya que la guitarra fue el primer instrumento entre tantos que aprendió Villa-Lobos a la edad de 6 años, no solamente familiarizándose con su uso en la música popular brasileña, sino que realizó arduos estudios de los métodos de aquellos virtuosos del siglo XIX como lo fueron Dionisio Aguado y Mateo Carcassi. Villa-Lobos compuso también para guitarra y flauta o voz, su Sexteto Místico para flauta, oboe, saxofón alto, guitarra, celesta y arpa (1917). Segovia le pidió constantemente que componga un concierto para guitarra y orquesta; gracias a la mediación de Arminda (la segunda esposa de VillaLobos), Segovia finalmente obtiene un concierto para guitarra y pequeña orquesta en 1951. Villa-Lobos fue un gran violinista, conductor de orquesta y coros.

Andrés Segovia Andrés Segovia nació el 21 de febrero de 1893 en Linares, España. Siendo niño estudió el piano y el violonchelo, no pudo ser persuadido de su gran interés por la guitarra, aunque en aquel entonces se la consideraba como instrumento para ser tocado solamente en cafés. Como no existía ningún profesor competente de guitarra, Segovia se instruyó a si mismo basando su técnica en sus propias intuiciones. Dio su primer concierto público en 1909, como estudiante de música del Instituto de Música de Granada. Pero toda su fama comenzó cuando dio su primer concierto de importancia en el Ateneo de Madrid en 1911. Posteriormente en 1916, ya daba conciertos en Barcelona y Madrid, mientras la crítica tenía diversas opiniones sobre la guitarra como un instrumento de concierto. Entre 1919 a 1923 viajó a Sud América donde realizó varios conciertos. Para el año 1924, cuando ofreció su primer recital en París, su fama ya traspasó las fronteras de su país y era considerado el más destacado ejecutante de guitarra de su tiempo. Aquí comenzaron los sacrificios de su devota vida de artista que permitieron expandir la literatura guitarrística existente y abrir la demanda por nuevas creaciones. Segovia se convirtió en el personaje más importante, encargado de reestablecer la guitarra como instrumento de concierto. Ha expandido enormemente el repertorio disponible para este instrumento mediante la trascripción de más de 150 obras originalmente escritas para laúd, vihuela, clavicordio de compositores

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como François Couperin, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, despertó interés por obras desconocidas del siglo XIX, de Sor, Giuliani, Aguado, etc., además de aportar con sus propias composiciones. Segovia también incentivó a que grandes compositores del siglo XX compongan para guitarra, compositores tales como Mario Castelnuovo-Tedesco, Manuel María Ponce, Heitor VillaLobos, Federico Moreno Torroba, Federico Mompou, Joaquín Rodrigo, Albert Roussel, Alfredo Casella, Joaquín Turina, etc. Sus clases magistrales desarrollaron nuevos talentos en la interpretación y enseñanza de la guitarra. En 1987 se afirma en Japón que su arte ejerció una influencia directa sobre más de 2 millones de estudiantes de guitarra o ejecutantes aficionados. Segovia continuó dando conciertos hasta después de los 90 años de edad. El legendario Andrés Segovia muere un 2 de junio de 1987, en Madrid España.

Mario Castelnuovo-Tedesco Mario Castelnuovo-Tedesco nace el 3 de abril de 1895, en Florecia, Italia. Descendiente de una familia judía, desde niño muestra una precoz aptitud por la música, tal vez heredada de su madre Noemi Senigaglia. A los 10 años de edad compuso dos piezas musicales para piano que fueron publicadas en una revista juvenil. A un principio su padre se oponía a que Mario siga una carrera musical, pues, de acuerdo a las tradiciones familiares se esperaba que sea un banquero. Obstinadamente, el joven prosiguió sus estudios de piano en el conservatorio Cherubini de Florencia con M. Edgardo del Valle. También tuvo como maestros a Ildebrando Pizzetti. En el verano de 1924 conoce a Giacomo Puccini y entabló una estrecha relación con Arturo Toscanini que dirigió varias de sus obras. En un festival en Venecia, en 1932, conoce a Andrés Segovia y desde entonces Mario Castelnuovo-Tedesco empieza a componer para la guitarra. Así comienza una estrecha relación con Segovia que duraría 36 años, la cual permite que Castelnuovo-Tedesco componga como 350 obras para guitarra. En 1939 toda su familia se traslada a Nueva York, y Mario obtiene finalmente la nacionalidad estadounidense en 1946, después de dedicarse en este lapso a componer música para películas para una firma norteamericana. En 1958 fue reconocido por su obra "El Mercader de Venecia", que obtuvo el primer puesto en el concurso de Campari en el teatro de La Escala de Milán. Su obra es muy variada y van desde composiciones para coro, orquesta, instrumentos solos, obras orquestales y escénicas. Su contribución fundamental al repertorio de la guitarra son sus cuatro conciertos para guitarra y orquesta: Concierto en Re Op. 99, Serenade Op. 118, Segundo Concierto en Do Op. 160, Concierto Op. 201 para 2 guitarras y orquesta. De la Serenade Op. 118 solamente se encuentra disponible la versión reducida para guitarra y piano, pues la versión con orquesta no está publicada. También se encuentra no editada otra obra para guitarra y orquesta: el Concierto Capriccio diabolico Op. 85b. Castelnuovo-Tedesco compuso varias obras para dúo de guitarra y voz o piano, y algunas transcripciones, muchas de las cuales no se encuentran publicadas. También pretendió realizar un método didáctico para guitarra que quedó incompleto, a invitación de Ruggero Chiesa, y que se concretó parcialmente en sus "Quaderni, Preludi y Studi Op. 210". Segovia ya le había propuesto muchos años antes la realización del método. La figura de Castelnuovo-Tedesco hoy en día es reconocida como la de un artista muy versátil, con un estilo muy diferente al de su maestro Pizzetti y de sus contemporáneos, muy peculiar por la ausencia de imitación. Es evidente el amor que tenía hacia la literatura, la poesía y el teatro, como claro ejemplo se encuentra su Op. 190 "Platero y Yo" compuesto para voz y guitarra, que se base en los 28 poemas del Nobel de literatura J.R. Jiménez o los 24 Caprichos de Goya op. 195 inspirados en los óleos de Francisco Goya y dedicados a su hijo Lorenzo, estudiante de arquitectura. Mario Castelnuovo-Tedesco muere en 1968.

Joaquín Rodrigo

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Joaquín Rodrigo Viadre nacido en Sagunto, Valencia, España, el 22 de noviembre de 1901, fallece el 6 julio de 1999 en Madrid a los 97 años. Era el menor de seis hijos, dos hermanos y cuatro hermanas. Su padre era un terrateniente de Almenara (Castellón), líder del partido conservador en zona republicana. A los tres años de edad, una epidemia de difteria que mató a varios niños le dejó ciego. Fue operado en Barcelona y pudo ver luz y distinguir colores, pero varias intervenciones posteriores no tuvieron éxito y finalmente el glaucoma le cegó por completo. Posteriormente el maestro comentaría que esta desgracia lo llevaría a la música. Ingresó a un colegio para niños ciegos en Valencia, y a los ocho años ya estudiaba solfeo, piano y violín en braille. Su profesor de armonía y composición fue Francisco Antich. Los músicos Enrique Gomá y Eduardo López Chavarri fueron maestros suyos y ejercieron gran influencia sobre él. Rafael Ibáñez, amigo de la familia, fue encargado por ésta para instruir al joven, y que más tarde fue también compañero, secretario y copista: "Rafael me prestaba los ojos que yo no tenía", decía a menudo el compositor. A principios de los años 20, Rodrigo era un pianista espléndido y un estudiante de composición fascinado por las corrientes más importantes del arte. Ravel y Stravinski eran dos de sus grandes referencias. Rodrigo decidió irse a París y en 1927 siguió los pasos de Falla, Albéniz y Turina. Durante su vida, Rodrigo compuso al menos 26 piezas para guitarra además del Concierto de Aranjuez, con lo que contribuyó decisivamente a dignificar la guitarra como instrumento de concierto. Algunos hablan de Rodrigo como artista cercano a la Generación del 27, grupo al que estuvo unido, sobre todo, a través de su amigo Regino Sainz de la Maza, motor y vehículo de transmisión de su música, y solista en el estreno de la obra cumbre del compositor, que se la dedicó al guitarrista. Otra de sus famosas obras para guitarra es la dedicada al legendario Andrés Segovia, su Fantasía para un Gentilhombre, para guitarra y orquesta. También compuso conciertos para dúo y cuarteto de guitarras, además de piezas magistrales para guitarra sola. En su juventud, de acuerdo a los críticos musicales, sus composiciones hacen remembranza a Granados. En París Rodrigo estudió composición con Paul Dukas y allí se hizo amigo de Manuel de Falla. En esta ciudad conoce a la pianista turca Victoria Kamhi, su futura esposa. Durante la guerra civil española, Rodrigo permaneció unos años en Friburgo, y a su vuelta a España asume un puesto en el departamento de Música de Radio Madrid. Cuando se instaló en Madrid, el compositor trabajó como crítico musical en los diarios Pueblo, Marca y Madrid, además de dedicarse a la docencia. Tras el estreno de su obra magna, en 1940 en Barcelona, Rodrigo no paró de componer. Lo hizo en todos los géneros y estilos; musicó ballets y películas, escribió canciones, zarzuelas, piezas vocales, para piano y para orquesta... No dejó de hacerlo hasta los años 80, que con los 90 fueron tiempos de premios y reconocimiento.

Antonio Lauro Antonio Lauro, nace el 3 de agosto de 1917 en la ciudad de Bolivar, Venezuela. Hijo de Antonio Lauro y Armida Cutroneo, desde pequeño sigue los pasos de su padre que solía componer piezas para guitarra y piano, tales como Valses, Marchas, Polkas, etc. A los 5 años de edad el joven Antonio pierde a su padre y su familia se muda a Caracas. Poco tiempo después, siendo aún muy joven, adquiere un impecable dominio de la guitarra, hecho que le permite figurar como guitarrista oficial de la Broadcasting Caracas. De este modo Lauro se vincula con el círculo musical de la época, y es aclamado por sus brillantes interpretaciones de la guitarra. Entre 1930 y 1940, Lauro compone sus primeras piezas, destacándose, entre éstas, el joropo "Morenita" para voces y guitarra, además de algunos valses para este último instrumento. Ingresa a la "Escuela Superior de Música", donde tiene a destacados maestros como Emilio Sojo, Raúl Borges, Juan Bautista Plaza y Salvador Llamozas, quienes le inculcan la música, en especial de piano y guitarra, su instrumento preferido. Culmina sus estudios el año 1947. De este mismo año data su primera composición orquestal "Poema Sinfónico Cantaclaro", inspirada en la novela de Don Rómulo Gallegos y con la cual obtiene el Primer Premio "Vicente Emilio Sojo". Luego ganaría el Premio Oficial de Música con "Pavana al estilo de los vihuelistas", obra escrita para guitarra; entre 1951

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y 1952 escribe una Suite Venezolana para piano y una Sonata para guitarra. En 1956 Antonio Lauro recibe por tercera vez el Primer Premio Vicente Emilio Sojo con una de sus obras más significativas: El Concierto para Guitarra y Orquesta, el cual es estrenado por el propio Lauro con la Orquesta Sinfónica de Venezuela bajo la dirección de Antonio Estévez. El Maestro Lauro fue, desde luego, un calificado intérprete de la guitarra y ofreció innumerables conciertos entre los que destacan el de la Sala Wigmore Hall de Londres bajo el patrocinio de John Williams y Paco Peña, y un recital en 1982 en el Gran Auditorium de Radio France. Con ese mismo éxito se presenta en Niza y Montecarlo, donde graba un programa especial para el Principado de Mónaco. En 1982, Lauro hace una gira por distintas ciudades de su país, auspiciado por la Presidencia de la República y el Concejo Nacional de Cultura. A pesar de su casi absoluta dedicación a la composición musical y a su actividad como concertista, el Maestro Lauro impartió la docencia musical gran parte de su vida. Antonio Lauro fue un prolífico compositor, quien se dedicó a ampliar el repertorio guitarrístico fundamentalmente componiendo numerosos valses, canciones, fugas, merengues, cuatro estudios en imitaciones, suites, sonatas, boleros, transcripciones y arreglos sólo para guitarra, piezas para guitarra y voz (arreglos y originales), guitarra y clavecín, guitarra y violonchelo y guitarra y flauta; obras corales para orquesta, para piano, etc. En 1985 obtuvo una merecida distinción, al serle otorgado el Premio Nacional de Música por parte de la Presidencia de la República. Antonio Lauro murió en Caracas el 18 de abril de 1986 a los sesenta y ocho años de edad. Al final de sus días el maestro trabajó afanosamente por terminar algunas de sus obras, dejando inconcluso su segundo concierto para guitarra y orquesta, el cual fue terminado por el maestro compositor Inocente Carreño y estrenado por Alirio Díaz en la ciudad de Los Teques, Estado Miranda el 8 de diciembre de 1989, con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar bajo la Dirección del propio Carreño.

Leo Brouwer (Juan Leovigildo Brouwer) Nace en La Habana el 1ro de marzo de 1939. Es el más importante y universal de los compositores cubanos de este siglo. En el campo específico de la guitarra es posiblemente el más grande de los autores vivos. Empezó estudiando el piano con su tía. Luego, comenzó a interesarse en la guitarra flamenca, pero no podía estudiar porque estaba en Cuba. No existía un ambiente clásico cuando Brouwer crecía. En ese tiempo en Cuba el único profesor respetable de guitarra clásica era Isaac Nicola, discípulo de Pujol. En 1955 va al conservatorio pretendiendo estudiar guitarra flamenca, pero Nicola lo persuade a que estudie guitarra clásica. Para completar su formación musical viaja a Estados Unidos para estudiar composición en el Julliard School y posteriormente en el Hart College en Hartford. Brouwer fue influenciado por el Neoclasicismo y el Nacionalismo. Según Brouwer, los músicos que influenciaron sus composiciones son Falla, Bartok y Stravinski. La música de Brouwer podría dividirse en 3 estilos básicos o periodos de composición: de 1956 a 1964 donde es influenciado por los tres músicos anteriormente mencionados, de 1964 a 1968 donde sus ideas musicales son más importantes y de 1968 a adelante con el Aliterismo (El interprete tiene más libertad al tocar). Brouwer en 1961 a 1962 fue profesor del Conservatorio de Cuba después de su viaje a los Estados Unidos enseñando armonía, contrapunto y composición. Su gran obra, que incluye casi todos los géneros, es muy rica en la producción guitarrística. En su catálogo se cuentan cinco conciertos para guitarra y orquesta, uno para guitarra, violín y orquesta, Sonatas, Variaciones, Preludios, Estudios, Suites y otras piezas que totalizan alrededor de 80 composiciones. Es además guitarrista, percusionista y afamado director de orquesta. Históricamente sus trabajos son relevantes por su punto de vista cosmológico y de la nueva era. Es importante por sus composiciones de música incidental y experimental. Entre sus composiciones más importantes están en orden cronológico: Pieza sin Título (1956), Danza Característica (1957), Tres Danzas Concertantes (1958), Elogio de la Danza (1964), Canticum (1968), La Espiral Eterna (1970), Tarantos (1976), el

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Decamerón Negro (1981), Estudios Fáciles (1959-1983), Paisaje Cubano con Lluvia (198 ?), Sonata (1990), El Rito de las Orishas (1994), Concerti: Concierto Nº 1, Concierto di Liege, Retrats Catalans, Concierto Elegiaco, Concierto de Toronto.

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[Biografía] · [Obra] · [Álbum de fotos] · [Discografía]

A pesar de ser un célebre compositor de piano, Isaac Albeniz de ningún modo se limitó a la música para piano. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años de dedicación a escribir temas para teatro (temas que recibieron recientemente una especial atención con el reestreno de su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez, e interpretaciones de conciertos y la grabación de Merlín), mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones -más de dos docenas- así como varios temas orquestarles y de cámara. Nacido en Camprodón, Girona, el 29 de mayo de 1860, Albéniz empezó su vida como un prodigio y tras muchas giras arriesgadas que le llevaron tan lejos de casa como están las Américas (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del Rey Alfonso XII de España, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso; además, empezó a componer y a dirigir. Enseguida empezó como director de una compañía ambulante de zarzuelas y escribió tres zarzuelas (ninguna de ellas se conserva actualmente). En 1883 se estableció en Barcelona, donde estudió composición con Felipe Pedrell. Cada vez más, Albéniz incorporaba sus propias composiciones en sus recitales. En 1885 se trasladó a Madrid donde sus trabajos fueron publicados por los principales editores musicales de aquella época: Benito Zozaya y Antonio Romero. Antonio Guerra y Alarcón es su 1886 monográfico "Isaac Albéniz: Notas críticobiográficas de tan eminente pianista" revela que junto a docenas de trabajos para piano y las tres zarzuelas, Albéniz compuso varias canciones: cuatro romanzas para mezzosoprano en francés, tres romanzas en catalán y un "Album Bécquer". No existen rastros de las Romanzas, pero el "Álbum Bécquer" lo más probable se refiriera a las Rimas, posteriormente publicadas por Zozaya en 1888. También en el mismo año Romero publicó las seis Baladas. En 1889 se anunció la publicación por parte de Romero de otro grupo de canciones, "Seis melodías" con texto de Alfred de Musset. Sin embargo, excepto Chanson de Barberine de Albéniz, ninguna otra canción con letra de Musset ha llegado a nuestros días. La reputación de Albéniz como pianista y compositor, siguió creciendo. En la primavera de 1889 viajó a Paris, donde apareció junto a la Colonne Orchestra en un concierto que incluía su Piano Concerto, op. 78. Desde París siguió hasta Inglaterra, donde sus interpretaciones le aportaron un éxito al instante. En 1890 se puso en contacto con el empresario Henry Lowenfeld que contrató los servicios de Albéniz como intérprete y compositor. Como resultado, Albéniz se trasladó junto a su familia (su esposa Rosina y sus tres hijos) a Londres y a través de Lowenfeld finalmente se metió en el mundo del teatro musical. Trabajando en el Teatro Lírico y más tarde en el Teatro Príncipe de Gales, proporcionó números extras así como era necesario por sus adaptaciones de comedias musicales. Por petición de Lowenfeld, Albéniz compuso "El Ópalo Mágico". Esta comedia lírica en el estilo de Gilbert y Sullivan fue estrenada en el Lírico el 19 de Enero de 1893 (fue traducida posteriormente al castellano por Eusebio Sierra y

presentada en Madrid en 1895 como "La Sortija"; este mismo año, su zarzuela "San Antonio de la Florida" con libreto de Sierra fue también interpretada en Madrid). Sus contactos teatrales en Londres llamaron la atención del poeta y dramaturgo amateur y heredero de una fortuna bancaria de la célebre firma de Coutts and Co, Francis Burdett Money-Coutts, quien había comprado acciones y en Julio de 1894 adquirió el contrato que Albéniz tenía con Lowenfeld. Coutts, cuyo soporte financiero permitía a Albéniz vivir confortablemente el resto de su vida, estaba interesado en escribir libretos. Su colaboración con el compositor produjo Henry Clifford (estrenada en el teatro del Liceo de Barcelona en 1895), Pepita Jiménez (Teatro Liceo, 1986; Neues Deutsches Theater de Praga, 1897; Monnaie de Bruselas, 1905), y Merlin (compuesta entre 1898 y 1902 pero no producida en vida de Albéniz), la primera ópera de una propuesta trilogía titulada King Arthur (Lancelot quedó incompleta en 1903, y en cuanto a Guenevere, no se llegó a intentar). Por consiguiente, durante aproximadamente una década, Albéniz dedicó todo su talento y energía a la creación y producción de música para el escenario. Durante este tiempo estuvo trasladándose desde Londres a Paris. En la capital francesa se puso en contacto con Vincent d’Indy, Ernest Chausson, Charles Bordes, y más tarde con Paul Dukas y Gabriel Fauré, formando estrechos lazos con la comunidad musical francesa. Desde 1898 hasta 1900 enseñó piano avanzado en la Schola Cantorum, pero a causa de su pobre salud, en 1900 regresó al cálido clima español. Empezó un arduo trabajo junto a Enrique Morera con la promoción de trabajos líricos catalanes. Cuando, sin embargo, sus esfuerzos no lograron que se produjeran sus propios trabajos teatrales, regresó a Paris, donde su música era aceptada, elogiada e interpretada. La residencia de Albéniz en Paris empezó a ser un refugio para artistas españoles (entre los que están Joaquín Turina y Manuel de Falla); aquí encontraron apoyo y ánimo por su propio esfuerzo. La preocupación de Albéniz con las formas musicales más largas produjo un cambio en su estilo composicional desde lo básicamente ligero, piezas atractivas de su temprana carrera, hacia un arte más complejo. Y aunque no dejó de interpretar, sus apariciones disminuyeron cuando empezó a dejarse absorber por la composición y producción de sus trabajos operísticos. De este periodo nos vienen las canciones "Il en est de l’amour" y "Deux morceaux de prose de Pierre Loti" ("Crépuscule" y "Tristesse") así como esos grupos de poemas de Coutts: "Para Nellie" (un conjunto de seis canciones); "Art thou gone for ever", "Elaine"; "Six Songs" (de las cuales solo "Will you be mine?" y "Separated" sobreviven); y "Two Songs" ("The Gifts of the Gods" y "The Caterpillar"). De este periodo también existe una muestra de apertura de una canción para poner música al texto de la fábula de Jean de La Fontaine "Conseil tenu par les rats," el fragmento que concluye una canción de Coutts, "Laugh at loving," y referencias a otras canciones de Coutts para las cuales no se ha encontrado la música. Como Coutts empezó a cansarse de escribir libretos, Albéniz poco a poco volvió al piano y a su nativo paisaje de inspiración, La Vega (1896-98) presagiando su posterior estilo, que floreció con su obra maestra Iberia (1905-1908). La textura composicional y el lenguaje que define Iberia son característicos de Quatre mélodies (de los poemas de Coutts), el último trabajo vocal y las últimas piezas completas de Albéniz. A causa de una nefritis, Albéniz murió en Cambo-les-Bains en los Pirineos Franceses el 18 de Mayo de 1909.

Debussy | Mozzani | Malats | Sagreras | Barrios Mangoré

Música Moderna (de 1900 a 1950)

A América do Sul conta então talentos como: Miguel Llobet (1878-1938), Julio Salvador Sagreras (1879-1942), João Guimarães (Pernambuco) (1883-1947), Augustin Barrios Mangoré (1885-1944) e Heitor Villa-Lobos (1887-1959). Nos anos 1930, a Espanha volta a ser o foco da guitarra com os compositores Manuel de Falla (1886-1946), Joaquin Turina (1882-1949) e Joaquin Rodrigo (1901-1999) que escrevem para guitarra sem serem eles próprios guitarristas Manuel de Falla é o primeiro compositor não guitarrista a escrever para guitarra, abre o caminho a numerosos compositores que, desde então, escrevem para guitarra. Citamos: Heitor Villa-Lobos (1887-1959) : Suite populaire Brésilienne (1912 - 1923). Max Eschig, Paris Chôros n° 1 (1920). Max Eschig, Paris 12 études(1929). Max Eschig, Paris 5 Préludes (1940). Max Eschig, Paris Manuel de Falla (1886-1946) Homenaje a Debussy (1920). J. & W. Chester, London Albert Roussel (1869-1937) Segovia opus 29 (1925) Durand, Paris Emilio Pujol (1886-1980) Trois morceaux espagnols : Tonadilla, Tango, Guarija (1926?). Max Eschig, Paris Joaquin Turina (1882-1949) Sevillana (1923). Columbia Music & Co, Washington Fandanguillo (1925). Schott's Söhne, Mainz Rafaga opus 53 (1930). Schott's Söhne, Mainz Sonata opus 61 (1932). Schott's Söhne, Mainz Hommage a Tárrega opus 69 (1932). Schott's Söhne, Mainz Federico Moreno Torroba (1891-1982) Nocturno (1926?). Schott's Söhne, Mainz Suite Castellana (1926?). Schott's Söhne, Mainz Pièces caractéristiques (1931?) . Schott's Söhne, Mainz Madroños. Associated Music Publishers, USA Sonatina (1965?). Editorial Cadencia, Madrid Castillos de España (1970?) . Editorial Cadencia, Madrid Joaquin Rodrigo (1901-1999) Zarabanda lejana (1926). Joaquin Rodrigo, Madrid En los trigales (1938). Joaquin Rodrigo, Madrid Concierto de Aranjuez (1939). Joaquin Rodrigo, Madrid

Tiento antiguo (1947). Joaquin Rodrigo, Madrid Manuel Maria Ponce (1882-1948) Tres canciones popular mexicanas. Schott's Söhne, Mainz Thème varié et final (1928). Schott's Söhne, Mainz Sonatina meridional (1932). Schott's Söhne, Mainz Variations sur Folia de España et Fugue (1932). Schott's Söhne, Mainz Concerto del Sul ( 1941). Peer international corporation, USA Franck Martin (1890-1974) Quatre pièces brèves (1933). Universal Edition, Zürich Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968) Capriccio diabolico opus 85 (1935). Ricordi, Milano Tarentella opus 87b. Ricordi, Milano Sonata opus 77. Schott's Söhne, Mainz Primo Concerto in D opus 99. Schott's Söhne, Mainz

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Carlos Bonell De Wikipedia, la enciclopedia libre Carlos Bonell guitarrista clásico nacido en Londres de padres españoles, estudió guitarra con John Williams en el Royal College of Music. Realizó su primera gira profesional, con gran éxito, en Estados Unidos. Posteriormente tocó con orquestas británicas y en festivales internacionales:

Contenido 1 Orquestas y festivales (no británicas) 2 Premios 3 Giras 4 Publicaciones ■ 4.1 Discos ■ 4.2 Otros Materiales ■ 5 Enlaces externos ■ ■ ■ ■

Orquestas y festivales (no británicas) ■ ■ ■ ■ ■

Sydney Hong Kong Aldeburgh Mostly Mozart New York City of London

Premios ■ Nominación a los Grammy ■ Premio Rossete de la guía Penguin CD por su disco de la firma Decca Records del Concierto de Aranjuez

Giras ■ 1999 y 2000 - Australia, Europa, las Américas, y el Caribe (recitales, Música de Cámara y conciertos con orquesta) ■ 2001 - Inglaterra, Dinamarca, Italia, Portugal, Turquía, España, y una gira en Sur América (Conciertos de Joaquín Rodrigo, Malcolm Arnold, Ferdinando Carulli, Armand Coeck y del Australiano Barrington Pheloung, este último dedica su Concierto a Carlos Bonell) ■ 2002 al 2004 - Cursos y conciertos por Europa ■ 2006 Gira por Estados Unidos ■ 2997 Gira por Japón

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Publicaciones Cuenta con más de 20 grabaciones.

Discos ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

John Williams and Friends Guitar Music of Spain Guitar Music of the Baroque Showpieces - Decca SXL6950 Concierto de Aranjuez y Fantasía para un Gentilhombre (Joaquín Rodrigo) (Montreal Symphony Orchestra dirigida por Charles Dutoit) Paganini Trios and Quartets with Salvatore Accardo (violin) Twentieth Century Music for Guitar Concierto de Aranjuez y Fantasía para un Gentilhombre (Joaquín Rodrigo) (English Chamber Orchestra dirigida por Steuart Bedford) Once upon a Time in the West with Xer-Wai (violin) William Walton 5 Bagatelles for solo guitar and Anon in Love with John Mark Ainsley (tenor) Songs de Benjamin Britten, con Philip Langridge. Concierto de Aranjuez, Fantasía para un Gentilhombre y piezas solistas (Joaquín Rodrigo) (Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Jacek Kaspszyk) The Sea in Spring Carlos Bonell with his Ensemble Music for guitars with flute and panpipes The Passion of Morse Featuring Carlos Bonell in the theme music from 'Inspector Morse' and 'The Politician's Wife' with the Royal Philharmonic Orchestra conducted by Barrington Pheloung The Private Collection Carlos Bonell's favourite music for guitar Upbeat Classics Kinkachoo, I love you (Millennium Guitar, the first 1000 years) From Hildegard von Bingen (1098-1179) to Phillip Houghton b.1954, and including Albeniz, Falla, Garcia Lorca, Paganini, Weiss and de la Halle Song of the Sea Carlos Bonell plays the music of Gordon Mizzi

Otros Materiales ■ Easy Guide to the Guitar (2005) (libro) ■ Interpretación de Guitarra Clásica (2005) (DVD)

Enlaces externos Página oficial (http://www.carlosbonell.com) (en inglés y castellano) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Bonell" Categoría: Guitarristas del Reino Unido ■ Esta página fue modificada por última vez el 15:33, 3 mar 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia

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Cayo Sila Godoy - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Cayo Sila Godoy De Wikipedia, la enciclopedia libre Nació en Coronel Oviedo, Paraguay, el 4 de diciembre de 1919. Está considerado como uno de los más destacados intérpretes de la guitarra en el Paraguay, continuador y principal recopilador de la obra del universalmente reconocido compositor misionero Agustín Pío Barrios (Mangoré).

Cayo Sila Godoy

Contenido ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

1 Infancia y juventud 2 Primeros pasos 3 Distinciones 4 Su estilo 5 Obras 6 Recopilador 7 Anécdotas 8 Referencias 9 Enlaces externos

Nombre de Cayo Sila Godoy nacimiento Nacimiento 4 de diciembre de 1919 Coronel Oviedo, Paraguay Nacionalidad Paraguaya Área Música Obras Habanera, Moto Perpetuo destacadas

Infancia y juventud Estudió música primero con su tío Marciano Echauri y a partir de los 16 años, armonía, con Juan Carlos Moreno González. Obtuvo una beca del gobierno paraguayo para perfeccionarse en Buenos Aires, Argentina, donde tomó clases con la guitarrista Consuelo Mallo López.

Primeros pasos Año 1953

Actividad Resaltante Por encargo del Gobierno Nacional emprendió una gira artístico-cultural, siguiendo la ruta de Mangoré. Ofreció conciertos, dictó conferencias y recopiló copiosa información y documentación sobre el gran compositor paraguayo.

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Participó de los cursos de perfeccionamiento con Andrés Segovia -considerado el máximo 1959instrumentista de la guitarra culta en el mundo en el Siglo XX- en Santiago de Compostela, 1962 España. 1963

En 1963, invitado por el presidente John F. Kennedy, realizó una gira de conciertos por los Estados Unidos de Norteamérica.

1977

En 1977, patrocinado por el programa “Amigos de las Américas”, capítulo ParaguayKansas, desarrolló actividades en el estado de Kansas, ofreciendo cursos de perfeccionamiento, conferencias y actuaciones en sus principales ciudades como Wichita, Topeka y Lawrence.

1980

En 1980 viajó en gira de conciertos al Japón y en 1983 a Australia, a más de recorrer por entonces los principales países de América y Europa.

Cayo Sila Godoy, sin duda alguna, es el mayor recopilador de las obras de Agustín Pío Barrios (Mangoré). En ese sentido se dedicó incansablemente en la tarea que le permitió el rescate de gran parte de la obra del gran Mangoré. Invirtió mucho tiempo y recursos económicos en pos de esa tarea, hasta que, finalmente se constituyó en su más ferviente intérprete. Esta pasión por la obra de Barrios, fue claramente cultivada en jóvenes talentos paraguayos que continúan honrando la memoria de Barrios en presentaciones por varios países del mundo. Entre ellos, se encuentran Luz María Bobadilla y Berta Rojas, jóvenes talentosas que interpretan la obra de Mangoré con naturales condiciones musicales.

Distinciones En 1948, la Asociación Música de Cámara de Buenos Aires le otorgó un diploma por el mejor concierto en la temporada de aquel año. En 1994 fue nombrado asesor musical del Vice Ministerio de Cultura del Paraguay y miembro del Consejo Asesor Nacional de Cultura.

Su estilo El estilo de Godoy como creador se caracteriza por la presencia de elementos de la música popular con un tratamiento armónico contemporáneo, incluyendo en sus últimas composiciones claras tendencias hacia la atonalidad. Su trabajo en docencia musical, ha producido el surgimiento de jóvenes talentosos que hoy honran el arte paraguayo y recorren el mundo con gran éxito de público y crítica. En tal sentido, destaca nítidamente la brillante y exquisita concertista compatriota Luz María Bobadilla, quien por su innegable calidad, fue admitida por el gran maestro para realizar cuatro años de perfeccionamiento en interpretación guitarrística.

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Obras Entre sus discos figuran: Año

Obra

1982 “Sila Godoy en concierto”, grabado en Nueva York, Estados Unidos de Norteamérica. 1983 “Sila Godoy”, grabado en Australia 1994

“Aranjuez” y “Madrigal”, dos volúmenes en casetes, de recopilación de sus anteriores grabaciones.

1994

“La música de Agustín Barrios Mangoré y José Asunción Flores”, disco compacto con recopilación de sus grabaciones.

Como investigador ha publicado, en co-autoría con Luis Szarán el libro “Mangoré. Vida y obra de Agustín Barrios”, en 1994, y tiene en preparación “Los documentos de Barrios” y “Barrios visto por sus contemporáneos”. Entre sus creaciones para guitarra se cuentan “Habanera”, “Moto perpetuo”, “Éxtasis”, “Cuatro piezas para guitarra clásica”, “Fiesta campesina”, “Canción íntima”, “Oración a Tania”, “Capricho”. Son notables sus arreglos de obras de José Asunción Flores -genial creador del género musical de la Guarania- y su trascripción para guitarra, destacando las versiones modernas y personalísimas de “Nde renda pe aju” y “Gallito cantor”. Vive en Asunción, dedicándose a dictar conferencias, charlas, conciertos didácticos, y ofreciendo audiciones radiales y televisivas.

Recopilador El maestro Sila Godoy ha sido ya sea por encargo del Gobierno, o personalmente uno de los mayores recopiladores de la vida y obra del genial Mangoré. Ésto le ha valido muchas satisfacciones y también ultimamente varios problemas, ya que en el año 2007 intentó vender una serie de partituras originales de Mangoré, a un coleccionista salvadoreño; ésto llegó a oidos de autoridades, quienes allanaron su vivienda, y prohibieron que estos valiosos documentos salgan del país, ya que eran documentos históricos. Finalmente los mismos fueron vendidos a la fundación "El Cabildo".

Anécdotas El poeta Félix Fernández, en 1952 le entregó en unas hojas con su firma en cada página, algunos de sus poemas y le autorizaba que buscara un editor y las publicara. Hasta ahora, esos originales, que tiene obras como "Cerro Corá", "Nde ratypyjua", "Che trompo" y otras obras, están en manos del guitarrista.

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Referencias ■ Centro Cultural de la República El Cabildo (http://www.cabildoccr.gov.py/index.php? pagina=vernovedades&idnovedad=4) ■ Diccionario Biográfico "FORJADORES DEL PARAGUAY", Primera Edición Enero de 2000. Distribuidora Quevedo de Ediciones. Buenos Aires, Argentina.

Enlaces externos ■ Nota Diario "La Nación" (http://anteriores.lanacion.com.py/noticia-138615-2006/07/27.htm) ■ Homenaje en Venezuela (http://www.embaven.org.py/EMBAJADA/cultura.htm#maestro) ■ Música paraguaya (http://www.musicaparaguaya.org.py/breve.html) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Cayo_Sila_Godoy" Categorías: Guitarristas de Paraguay | Nacidos en 1919 ■ Esta página fue modificada por última vez el 11:52, 7 sep 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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CURRICULUM Considerado uno de los guitarristas más interesantes de su generación, Claudio Marcotulli posee un curriculum de gran relevancia aristica que lo coloca sempre bajo de la atención del publico y de la critica cada vez que esta en concierto. Ya desde los primeros años de estudio con M.Ialenti y M.Severi, sacó a relucir particulares cualidades musicales y técnicas, ganando todos los concursos nacionales para jovenes de su edad en los que participó, obteniendo en todos lados unánimes ovaciones tanto de publico como de los jurados. Se tituló con la máximas calificaciones y con honores en el conservatorio “L.Cherubini” de Florencia bajo la guía del Maestro Alfonso Borghese; prosiguió sus estudios en la “Ecole Normale de Musique” de Paris con el Maestro Alberto Ponce y aquí obtuvo en 1983 la “Licence Superieure d’Execution Musicale” y, al año siguiente, el “Diplome Superieur de Concertiste” con las felicitaciones del jurado. Paralelamente a la “Ecole Normale”, siguió cursos de perefccionamiento con artistas de penombre internacional como A.Diaz, A,Lauro, J.Williams y participó en concursos internacionales importantes ganando, entre otros, el concurso “Città di Lecce” (Italia)dedicado a la musica contemporánea en 1981, 1l conurso “Ville de Carpentras” (Francia) en 1983, el concurso de Salon de Provence (Francia) en 1984 etc… Fue decisiva para su carrera conciertística, en 1984, la victoria del primer premio absoluto y premio especial por la mejor interpretación de obras del compositor F.Tarrega, en el concurso “F.Tarrega” de Benicasim (España), uno de los más importantes concursos internacionales para guitarra en el mundo. Su actividad conciertística lo ha llevado a realizar giras frecuentes y constantes en Francia, España, Belgíca, Suiza, Alemanna, Rumania, Israel, China, México, Jápon, U.S.A., etc… presentando un repertorio que varía de recitales para solista, a musica de cámara y a conciertos para guitarra y orquesta. En calidad de solista, ha tenido la oportunidad de exhibirse con orquestas como la Orquesta Internacional de Italia, las Orquestas Sinfonicas de Iashi y Timisoara (Rumania), con directores como Donato Renzetti, Ennio Morricone, Ignacio Yepes, Christian Mandeal, Pedro Halfter, Ion Baciu, Alessio Vlad etc… Ha colaborado en varias ocasiones con la Orquesta Internacional de Italia accompañando al tenor Luciano Pavarotti y también colaboró en 1995 con la “Chamber Orchestra of Europe”, en la ópera “Il Barbiere di Siviglia” de G.Rossini y en 1999 con la “G.Malher Chamber Orchestra” en la ópera “Falstaff” de G.Verdi, en ambas ocasiones bejo la dirección del Maestro Claudio Abbado.

Discografia : CD “Obras de F.Tarrega y V.Asencio” CD “La Guitarra en la Opera” CD “A.Vivaldi: concerti per chitarra e archi” CD “Recital” CD “N.Paganini: Chamber Works” CD “Emilio Pujol : Works for Guitar”

EGT – Valencia Opera Tres – Madrid Opera Tres – Madrid Symposium - Trento Phoenix Classics (Treviso) Dynamic (Genova)

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At a glance: Cotsiolis, Costas (b. 1957- Greece)

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» Pratten, Sidney (1821 - 189... » Kueffner, Joseph (1776 - 18...

Thanks to his numerous tours all around the world and his being accepted both by the audience and the music critics, Costas Cotsiolis is nowadays considered one of the greatest guitarists of this time. He has appeared in great concert halls like the Auditorium De Madrid, Grant Auditorium Radio France, Concertgebow Amsterdam, Concert Hall BBC Alt Opera Frankfurt, Palais de Beaux Arts Brussels, Concert Hall of Athens (Megaron),Palais de Congress (Paris), Herodium (the Acropolis Theater) etc. co-operating with great symphonic orchestras like the ones of the Broadcasting of Frankfurt, Paris, Brussels, BBC, The Junge Deutsche Philarmonie, the soloists of Sofia and Belgrade, the symphonic orchestra Queen Sofia of Madrid, Cordoba, Cannes,Lithuanian, etc. He has appeared in the biggest guitar Festivals of the world like Cordoba, Liege, Canarian Islands, Tijuana, Paris, Martinique, Leverkuzen, Havana, GFA of the USA etc.. Read the full article »

» Marschner, Heinrich (1795 ... » Cottin, Alfred (1863-1923, ...

Most Viewed Articles » Jie, Li (b. 1981- China) » Bach, Johann Sebastian (168... » Giuliani, Mauro (1781-1829 ... » Yang, Xuefei (b. 1977- China) » Dyens, Roland (b. 1955- Fra...

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At a glance: Castelnuovo-Tedesco, Mario (1895-1968 Italy-USA)

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Biography 3 April 1895 - 16 March 1968 Mario Castelnuovo-Tedesco is, to most people, merely one of a vast number of composers from this century or any other - whose name is slightly familiar, probably in this case from hearing something for guitar on the radio or in a concert once. Every day we are told that suchand-such a composer is 'unduly neglected' or a 'forgotten master'. Most of these composers do indeed have considerable merit; however, few of them can have written quite such a wide variety of music as immediately appealing and as rewarding for both performer and listener as Castelnuovo-Tedesco. Castelnuovo was born and brought up in the Italian province of Tuscany and began composing at the age of only nine. In 1915 he began study with Ildebrando Pizzetti, one of the most influential teachers in Italy at the time. He also came to the notice of pianist and composer Alfredo Casella, who was an early proponent of his music, programming it in his recitals and promoting it in his many writings on new music. Castelnuovo was a successful pianist, performing as soloist, accompanist and chamber musician, and was involved in the formation of the Società Nazionale di Musica (later Società Italiana di Musica Moderna), along with Pizzetti, Casella, Gian Francesco Malipiero, Ottorino Respighi, Vittorio Gui and Vincenzo Tommasini (all, apart from Respighi, practically vanished from concert programs; one might almost be forgiven for thinking that Italian composition ceased for around 30 years after Puccini's death, although in fact the country was very active). Read the full article »

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David Russell - Wikipedia, la enciclopedia libre

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David Russell De Wikipedia, la enciclopedia libre David Russell (nacido en Glasgow, Escocia, en 1953) es un reconocido guitarrista clásico de renombre mundial por su gran musicalidad y y grandes dotes artísticas, habiendo ganado el reconocimiento tanto de la crítica como la audiencia. En reconocimiento su talento y a su carrera internacional, fue nombrado como miembro de la Royal Academy of Music en Londres en 1997.

Contenido ■ ■ ■ ■ ■

1 Vida 2 Premios y Galardones 3 Discografía 4 Fuentes 5 Enlaces externos

Vida Cuando tenía cinco años, su familia emigró de Glasgow a Menorca, España, donde rápidamente se interesó en la guitarra, imitando el estilo de Andrés Segovia y de Julian Bream. En la actualidad, reside en Nigrán (Galicia) aunque pasa la mayor parte del tiempo de gira por el mundo, apareciendo regularmente en las más prestigiosas salas de concierto de las grandes ciudades como Nueva York, Londres, Tokio, Los Angeles, Madrid, Toronto y Ámsterdam. Es un invitado frecuente a diversos eventos musicales. Los asistentes a los conciertos están sobrecogidos por su genio musical y cautivados por su inspiradora puesta en escena.

Premios y Galardones Fuera del ámbito musical, ha ganado torneos de golf amateur, principalmente en Escocia y en España. En Mayo de 2003 le fue concedido el gran honor de ser nombrado "hijo adoptivo" de Es Migjorn Gran, la ciudad de Menorca donde creció. Recientemente el pueblo puso a una calle, "Avinguda David Russell", en reconocimiento a su carrera musical. En Noviembere de 2003 le fue dada la Medalla de Honor del Conservatorio de las Baleares. Ganó un Grammy en 2005 como mejor instrumentista solista por "Aire Latino". Tras ganar el Grammy, la ciudad de Nigrán (España) donde el reside, le concedió la medalla de plata de la ciudad en una emotiva celebración.

http://es.wikipedia.org/wiki/David_Russell

29-09-2008

David Russell - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Durante sus estudios en la Royal Academy, D.Russell ganó dos veces el Premio de guitarra "Julian Bream". Más tarde ganó numerosos concursos internacionales, incluyendo el Concurso "Andrés Segovia", el "José Ramírez" y el prestigioso concurso español "Francisco Tárrega". Este año ha recibido un homenaje del Conservatorio de Vigo, culminando con la inauguración del nuevo Auditorio, al cuál le han puesto de nombre "Auditorio David Russell".

Discografía A partir de 1978, cuando edita su primer CD, y hasta 1995 David Russel grabó para varias discográficas de Bélgica, Canadá, España e Inglaterra. ■ "Double Bass and Guitar" (1978) - Albúm de obras de guitarra con contrabajo (Dennis Milne) con obras de Enrique Granados, Niccolò Paganini, Manuel de Falla, entre otros. ■ "Something Unique" (1979) - Incluye piezas de compositores modernos. ■ "David Russell plays Antonio Lauro" (1980) - Este albúm está compuesto por piezas del compositor venezolano Antonio Lauro (1917-1986). Recomendado por Raymond Burley de la revista Classical Guitar. ■ "Guitarduets" (1983) - Junto con la guitarrista Raphaella Smits, edita este albúm con obras de Fernando Sor y Armin Kaufmann. ■ "D.Milne Guitar concerto" (1984) - Albúm que nace gracias a la colaboración de la Members of The Chamber Music Players of London, que junto con David Russell interpretan el concierto para guitarra del compositor, ya mencionado, Dennis Milne. Grabado en la Logan Hall, Bloomsbury. ■ "Mario Castelnuovo-Tedesco" (1985) - Obras de Mario Castelnuovo-Tedesco. Guitarras: David Russel y Raphaella Smits. Piano acompañante: Jos Van Immerseel. ■ "19th Century Music" (1987) - Obras del Siglo 19, destacando la Elégie de Johan Kaspar Mertz (1806-1856). Recomendado por Leslie Gerber y http://classicalmusicreview.com ■ "Haendel, Bach, Scarlatti" (1989) - Se interpreta la Suite Nº 7 HWV 432 de Händel, la Suite BWV 1034 de Bach y las sonatas K 177, K 178, K 232 y K 202 de Domenico Scarlatti. ■ "Tárrega: Integral de Guitarra" (1991) - Dos CDs para la inabarcable obra de Francisco Tárrega (1852-1909), en una integral recomendada por Larry C. West y Colin Cooper, de Classical guitar. ■ "Guitare Québec 94" (1994) - Bajo la batuta de Leo Brouwer se interpreta el Concerto Op.30 de Mauro Giuliani en un festival grabado en vivo en Québec en 1994. Desde 1995, David Russell mantiene un contrato exclusivo con Telarc International, compañía con la que ha grabado 11 CDs hasta la fecha, incluido el ganador de un Grammy, "Aire Latino". ■ "Music of Barrios" (1995) - Álbum con música del compositor y guitarrista paraguayo Agustín Barrios Mangoré. ■ "Music of Federico Moreno Torroba" (1996) - Álbum con música española del compositor Federico Moreno Torroba. ■ "Rodrigo Concertos" (1997) - Álbum que incluye los tres conciertos para guitarra del compositor Joaquín Rodrigo (Concierto de Aranjuez, Fantasía para un Gentilhombre y Concierto para una Fiesta). ■ "Message of the Sea" (1998) - Música celta para guitarra. ■ "Music of Giuliani" (1999) - Álbum con música para guitarra del compositor italiano del siglo XIX Mauro Giuliani. ■ "David Russell plays Baroque music" (2001) - Álbum con arreglos propios de música de Jean Baptiste Loeillet, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel y Domenico Scarlatti.

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David Russell - Wikipedia, la enciclopedia libre

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■ "Reflections of Spain" (2002). Álbum con música para guitarra de Joaquín Malats, Francisco Tárrega, Enrique Granados, Isaac Albéniz y Antonio Ruiz-Pipó, compositores españoles. ■ "David Russell plays Bach" (2003) Álbum con música para guitarra de Johann Sebastian Bach. ■ "Aire Latino" (2004) - Álbum dedicado a la música escrita por compositores latinoamericanos. Ganador de un Grammy. ■ "Spanish Legends" (2005) - Música de Regino Sainz de la Maza, Miguel LLobet, Andrés Segovia y Emilio Pujol. ■ "Renaissance favorites por Guitar" (2006) - Álbum con música de compositores del renacimiento como Alonso Mudarra, William Byrd, John Dowland, Francesco Canova da Milano y Pietro Paolo Borrono. ■ "Art of The Guitar" (2007) - Álbum con algunas de las piezas más conocidas para guitarra. ■ "Air on a G String" (2008) - Compacto con obras de Bach, S. L. Weiss y Couperin. Su discografía incluye transcripciones de Bach, Handel y Scarlatti para la compañía discográfica GHA records, Nineteenth Century Music, también en GHA y las obras compleas de Fancisco Tárrega en Ópera Tres. Tras un concierto celebrado en Londres, Andrés Segovia escribió: Enhorabuena por su musicalidad y técnica guitarrística. El New York Times escribió sobre su interpretación: "...el señor Russell ha hecho su dominio evidente sin desviarse nunca de un acercamiento que situara los valores musicales por encima del mero exhibicionismo. Era aparente a la audiencia durante el recital que posee un talento de extraordinarias dimensiones"

Fuentes ■ Sitio oficial (http://www.davidrussellguitar.com/index.html) (en inglés)

Enlaces externos ■ Sitio oficial (http://www.davidrussellguitar.com/index.html) (en inglés) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/David_Russell" Categorías: Nacidos en 1953 | Guitarristas clásicos | Guitarristas de España | Menorquines ■ Esta página fue modificada por última vez el 13:39, 9 sep 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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Denis Azabagic Guitarist Biography at …

Guitar New s Guitar History Musicians

CL ASSICAL Music Rev iew s Practice & Performance

Denis Azabagic

Sheet Music Topics for Guitarists

Sound Gallery Guitar Ev ents Links About Guitarra Contact Us Letters to the Editor

Bio Considered among the elite generation of young players today, Denis Azabagic holds more then 20 awards from international competitions. In 1993, at the age of 20, he became the youngest winner of one of the most prestigious International Guitar Competition "Jacinto e Inocencio Guerrero," in Madrid, Spain. After listening Azabagic, distinguished Spanish composer, Anton Garcia Abril said: "I am sure that with the time, he is going to be one of the greatest guitarist of the world." After his success in Madrid, Denis has maintained a prize-winning position in virtually every competition he has participated in. Here are but a few of the most important ones:

-1st prize at the International Guitar Festival IGF-Germany -1st prize at the International Guitar Competition "Rene Bartoli"-France -1st prize, special prize for the best interpretation of the works by F. Tarrega and public prize at the International Guitar Competition "Francisco Tarrega"-Spain -1st prize at the International Guitar Competition "Manufacturas Alhambra"- Spain -1st prize at the International Guitar Competition "Printemps de la Guitarre"-Belgium -1st prize at the International Guitar Foundation of America Competition (GFA)-USA -1st prize at the Schadt String Competition-USA -1st prize at the Stotsenberg International Guitar Competition- USA

Denis has recorded six CDs for international labels such as Opera Tres, Printemps de la guitarre and Naxos, as well as a video for Mel Bay Company. As a soloist, Denis has appeared in the US with the Allentown Symphony, Charlotte Symphony, Savannah Symphony, and in Europe with Orchestre Royal de chambre de Mons and Symphony Orchestra of Madrid, among others. He played as a guest performer at several venues such as Masters of the Guitar at the Royal Concertgebouw in Netherlands, Radio France in Paris, France, Aix en Provence Festival, France, El Palau de la Musica, Valencia-Spain, Savannah on Stage, USA, Omni Foundation, USA, etc. With the flutist Eugenia Moliner, Denis Azabagic has established Cavatina Duo as one of the most impressive duo combination of its kind. Already internationally acclaimed, they have toured extensively throughout Europe and the U.S. Their interpretation of Piazzolla has been appraised as one of the most stunning, fascinating and spectacular. "This is not the sort of playing that comes from discussion and careful score markings. "These two feel the music deeply and are of one mind as they play. " American Record Guide.

RECORDINGS/ALBUMS Guitar Recital

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Denis Azabagic Guitarist Biography at … A ntonio Jose - Sontata I. Allegro Modera to (MP 3 - 1.3 MB) II. Minuetto (MP3 - 837 KB)

Visit Denis Azabagic's website at www.azabagic.com

Manuel De Falla Hom enaje a l Tom be au de De bussy (MP3 - 0.98 MB)

CONTACT Denis Azabagic You may contact Denis Azabagic by filling out the form below: Your Name: Your E-mail Address: S ubject: Message:

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Aguado, Dionisio (1784-1849 Spain) Sunday, 18 September, 2005

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Biography b Madrid, 8 April 1784; d Madrid, 29 Dec 1849). Spanish guitarist and composer. ‘Padre Basilio’ of Madrid, possibly Miguel Garcia, gave him his first instruction in the guitar, an instrument for which tablature notation was still commonly used in Spain. In about 1800 Aguado, like Fernando Sor, was influenced by the Italian Federico Moretti and adopted the conventional staff notation for the guitar; thereafter both Spaniards published their music in the improved manner championed by Moretti, distinguishing the musical parts by the direction of note stems, use of rests, etc. Aguado's artistic career unfolded slowly, owing to the Napoleonic invasion of Spain and its aftermath. He retreated to the village of Fuenlabrada in 1803, teaching and perfecting his technique there until 1824, the year his mother died; his Colección de estudios para guitarra appeared in Madrid in 1820. He moved to Paris in 1825 (while Sor was in Russia) and immediately gained an enviable reputation as a virtuoso and teacher; a revised version of his Escuela de guitarra (Madrid, 1825) was translated into French by François de Fossa as Méthode complète pour la guitare and published in Paris (c1826). The last ten years of Aguado's life were apparently spent in Madrid, where he revised his method (as Nuevo metodo para guitarra, 1843) and devoted himself to teaching.

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In the years before his final departure from Paris (1838), Aguado was in close collaboration with Sor. They gave many concerts together, and Sor dedicated a duet op.41, Les deux amis, to his younger colleague. They did not agree on right-hand technique in guitar playing; Aguado recommended the use of fingernails in plucking the strings for the sake of clarity, while Sor advocated using the flesh of the fingertips for a mellower and more powerful tone. But despite their differences, they greatly admired one another, Sor gallantly ‘excusing’ Aguado's fingernail technique on account of the latter's superb musicianship and skilled execution.

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A complete catalogue of Aguado's compositions is not available. According to Prat, he wrote several dozen studies, rondos, dances and fantasias. His guitar method was extremely popular in the 19th century, and was republished frequently, including a facsimile edition by Minkoff (Geneva, 1980). His subsequent Nuevo metodo para guitarra (Madrid, 1843) was issued in English as New Guitar Method (London, 1981). Other facsimile editions include The Selected Works of Dionisio Aguado, ed. S. Wynberg (Monaco, 1981), and Selected Concert Works, ed. B. Jeffery (Heidelberg, 1990). Aguado is also known for the invention of the tripedisono, which supported the guitar away from the performer's body. Thomas F. Heck: 'Dionisio Aguado', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007]) Source: http://www.csun.edu/~igra/bios/text/aguado.html

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Classicalguitar.nl - View article - Aguado, Dionisio (1784-1849 Spain)

Op. 2 : Trois Rondo Brillants Op. 3 : Huit Petites Pièces Op. 4 : Six Petites Pièces Op. 5 : Quatre Andantes et Quatre Valses Op. 6 : Nuevo Método de Guitarra Op. 7 : Valses Faciles Op. 8 : Contredanses et Valses Faciles Op. 9 : Contredanses non difficiles Op. 10 : Exercices Faciles et Très Utiles Op. 11 : Les Favorites - Huit Contredanses Op. 12 : Six Menuets & Six Valses Op. 13 : Morceaux Agréables non difficiles Op. 14 : Dix Petites Pièces non difficiles Op. 15 : Le Menuet Affandangado Op. 16 : Le Fandango Varié Wow : Allegro Wow : Colección de Andantes Valses y Minuetos Wow : Douze Walses, une Marche Militaire et un Thème Varié Wow : Colección de Estudios (Madrid, 1820) Wow : Gran Solo de Sor (op.14) arr. par Aguado Wow : La guitare enseignée par une Méthode simple (c.1836). Wow : La Guitare Fixée sur le Tripodison ou Fixateur (c.1836) Wow : Muestra de Afecto y Reconocimiento (seis valses) Wow : Nuevo Método para Guitarra (Madrid, 1843). Wow : Valses Caractéristiques Wow : Variaciones Wow : Variaciones Brillantes

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Dyens, Roland (b. 1955- France) Thursday, 15 September, 2005

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Roland Dyens shares the joy of his musical talent while performing, composing and teaching throughout the world. This tri-dimensional offering provides the basis for the phenomenal success of this musician and his ongoing evolution. Never falling short of a full event, Roland Dyens’concerts unfold for attendees as a personal experience of emotional awakening. Deeply inspired in this arena of musical unity, audience members will often later use the impact of the artist’s virtuosity and creativity in their own perception of music and, more broadly, their lives as well. For those of Roland Dyens’ audiences who are unfamiliar with the contours and nuances of classical guitar performance, one often witnesses an inspirational discovery of the instrument and its musical potential.

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Roland Dyens has a sensitive and colorful approach to the guitar– an unfailing openmindedness which brings together all forms of music to each and every one of his programs. His stage presence, his improvised openings and unique relationship with the listeners undeniably position him at the forefront of guitar performance today.

» Hidrobo, Homero (1939 » Bonilla-Chavez, Carlos (192...

Most Viewed Articles For a long time now, his music has been an integral part of the instrument’s repertoire, placing him at the heart of a select group of contemporary guitarist/composers who enjoy such a privileged position. His compositions and arrangements are widely performed and highly acclaimed throughout the world. They provide a new breath of life for the guitar as this player and composer never ceases to challenge the limitations of his instrument. The growing number of participants and auditors in Roland Dyens’master classes is surely due to the depth of his presentation which is rich in innovative themes. With a keen sense of quality and emotional strength, his natural ability to communicate with guitarists of younger generations transforms the formality of a master class into a joyful encounter.

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Roland Dyens teaches at the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Yesterday...

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Born on October 19, 1955, French interpreter, composer, arranger and improviser Roland Dyens began guitar studies at the age of nine. Four years later he became a student of Spanish Master guitarist Alberto Ponce and, in 1976, was awarded the Licence de Concert de l’Ecole Normale de Musique de Paris.

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While learning his instrument, Roland Dyens also studied composition with the renowned

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teacher, composer and orchestra director Désiré Dondeyne under whose guidance he was awarded the first Prize in Harmony, Counterpoint and Analysis. Among the most distinguished awards obtained during the early years of his career, Roland Dyens received the Special Prize at the International Competition Citta di Alessandria (Italy) and the Grand Prix du Disque de l’Académie Charles-Cros, both in honor of the major Brasilian composer Heitor Villa-Lobos. At the age of 25 he became a laureate of the Yehudi Menuhin Foundation. Eight years after this, he was recognized as one of the “100 Best Living Guitarists” in all styles by the French magazine Guitarist.

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Albums Night And Day Nuages Citrons Doux Chansons françaises volume 1 Chansons françaises volume 2 Paris Guitare/Chansons françaises volume 1 & 2 Concerto en Si for guitar and ensemble of 21 guitars Concierto de Aranjuez Ao Vivo Hommage à Georges Brassens Heitor Villa-Lobos/Concerto pour guitare et petit orchestre Heitor Villa-Lobos/Les Préludes

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cpa (curiosoperoconarte)

sábado, diciembre 23, 2006

"La música es suficiente para una vida entera, pero una vida entera nunca es suficiente para la música". Sergei Rachmaninoff

CPA MUSICAL TRAINING

Déjenme contarles algo sobre la música. En este arte, como en casi todo, siempre ha prevalecido una antiquísima ley: por encima de las vivencias o la postura ideológica o la opinión del currante, el que paga manda. Hay un cierto margen de maniobra dependiendo de las circunstancias, claro, pero las directrices siempre las marca la mano que te alimenta. Les diré por qué vengo hoy a relatarles este cuento tan viejo, pero antes, para que todos sepamos de qué estamos hablando, permítanme recordarles los períodos en que se divide la Historia de la música occidental, a saber: - Prehistoria (aproximadamente hasta el año 476 d. C.). - Edad Media (siempre aproximadamente, años 476 a 1.400). - Renacimiento (1.400-1.600). - Barroco (1.600-1.750). - Clasicismo (1.730-1820). - Romanticismo (1.815-1.910). - Música del siglo XX (1.900-2.000). - Música Contemporánea (1.975- ). Centrémonos ahora, por favor, en un punto determinado de esta evolución: la transición entre Clasicismo y Romanticismo. Miren las fechas: finales del siglo XVIII y principios del XIX. ¿Les dicen algo? En efecto, el cambio de estilo coincide con un proceso importantísimo en la Historia reciente de Occidente: la Primera Revolución Industrial. Siendo este un cambio de componente económico tan fuerte, bien podemos suponer que (como suele ocurrir con estas cosas) grandes sumas de dinero, de vez en cuando, dejaron de estar donde estaban y pasaron a estar en otro sitio. En otras palabras: que el que pagaba ahora

Sorteo CPX: Jitanjáfora Fecha y lugar del sorteo: Primer intento Segundo intento (de momento definitivo)

CPA Musical Training nivel 1 1.1 CPA MUSICAL TRAINING 1.2 ABRIENDO LAS OREJAS 1.3 NOS QUITAMOS LOS VELOS 1.4 LA ORQUESTA (I) 1.5 SOLUCIONES A "LA ORQUESTA (I)" 1.6 CONSULTORIO CPA: VIOLINES, CÁNONES Y UN DIRECTOR DE ORQUESTA 1.7 QUERIDOS NIÑOS, NIÑOS DE TODAS LAS EDADES... 1.8 EL CPA MUSICAL TRAINING SALE A LA CALLE

Hemos hablado de... Artes gráficas Auto bombo y platillo Cine Combates legendarios Humor Información Literatura Momentos memorables Música Reflexiones ¿Ein?

Anteriormente en CPA... HAN LLEGADO LAS REBAJAS SABOR A MUERTE "PORQUE LO DIGO YO" Y OTRAS FORMAS DE DIÁLOGO EL DISCRETO ENCANTO DE LA NAVIDAD DelicARTessen SICILIANOS, SÍ, PERO DE ESTE SIGLO LOS DÍAS DE NUESTRAS VIDAS

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AZOGUE: 1. MERCURIO. 2. PLAZA DE ALGÚN

PUEBLO, DON... era otro. Hasta estas fechas, el negocio y el pan de los UNA DE EDUCACIÓN compositores estaban en la Iglesia y en la nobleza, que les COMBATES LEGENDARIOS: SCHOPENHAUER VS SGAE mantenían prácticamente como asalariados. La música se interpretaba en las ceremonias litúrgicas o en los salones de los Contribuyentes nobles y monarcas, y punto. La mayoría de estos nobles poseía AnonimiA una más que aceptable educación musical, y muchos de ellos Susana eran consumados intérpretes; por lo tanto, pedían a sus compositores obras complicadas en las que lucirse, mientras que Familia CPX los compositores no temían producir obras difíciles de entender CPI (Curioso Pero Inútil) CPL (Curioso Pero de Letras) porque sabían que se las habían con una audiencia cultivada y CPC (Curioso Pero de Cine) experta. Sin embargo, tras la Revolución Industrial, la nobleza comenzó a perder poder económico (y con él el poder de apadrinar compositores) en favor de una nueva clase social, la burguesía. Con la Iglesia no se podía contar, puesto que los movimientos sociales producidos como consecuencia de la Revolución (marxismo, capitalismo, liberalismo) la tenían 573 bastante ocupada. En España incluso la dejaron en calzones (véase Desamortización de Mendizábal). El nuevo público, los burgueses, venían a ser lo que mi padre llama "pobres hartos de Las entradas publicadas en este blog están bajo una licencia de Creative Commons. Las comer": querían ser nobles, pero no les salía. Imitando a la imágenes, piezas musicales y textos en los que se indique expresamente esta circunstancia, nobleza, querían música, pero no podían y menos les apetecía pertenecen a sus autores. pagar un sueldo a un señor cuyo trabajo les sonaba a chino y además les parecía bastante inútil. Así es como se llegó al concepto del compositor compartido, es decir, los conciertos públicos. Ahora el pan del compositor estaba en conseguir que la gente, cuanta más mejor, fuera a escuchar sus obras y pagara por ello. Pero esa gente ya no era la nobleza culta de unos años antes, sino comerciantes o artesanos enriquecidos que no sabían palabra de música: para que pagaran por asistir había que darles estructuras sencillas, melodías pegadizas y fácilmente reconocibles, suspiros y ayes, argumentos de culebrón. De esta manera tan poco romántica surgió la música del Romanticismo.

La Historia siguió avanzando y la música se escindió en dos corrientes: una, la llamada "música culta", que continúa evolucionando y experimenta con nuevas tendencias y sonidos, y que a veces no escucha ni la madre del compositor; y la "música popular", que sigue (cada vez más) la tendencia de simplificación iniciada por el Romanticismo, a veces con la intención expresa de llegar al mayor público posible. Ello no implica que no haya, en la música popular, sublimes compositores, que los hay. Pero sigue siendo formalmente

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(formal: referente a la forma) bastante sencilla. ¿Qué les ocurre entonces a nuestros oídos, cuando después de dos siglos de escuchar melodías simples repetidas mil veces sobre acompañamientos de digestión rápida, les ponemos una fuga de Bach? Que chirrían, pobrecitos, y con razón. Es como pasarse la vida sentado y, un buen día, levantarse y querer ganar una maratón. No somos más tontos que los que escuchaban a Bach en su tiempo, pero llevamos doscientos años sin entrenar. Dicho esto, transcribo la pregunta que nos deja Albertdm en el consultorio CPA: (...)siempre me ha llamado algo la atención la música clásica. El caso es que debido a mis limitaciones nunca sé con qué piezas (¿se les llama así en música clásica?) empezar a escuchar esta música. Albertdm, eso que tú llamas limitaciones no son otra cosa que la consecuencia normal de las carencias musicales de nuestros tiempos. El cerebro no nace sabiendo escuchar música igual que no nace sabiendo dividir por dos cifras: tiene que aprender. Por lo tanto, más que un par de piezas sueltas que te puedan gustar, te propongo lo siguiente: un programa de entrenamiento completo para la parte musical de tu cerebro, y para la de quien quiera apuntarse a la aventura. ¿Qué te parece? Hoy veremos los aspectos fundamentales del programa, y trataremos de contestar a las preguntas que nos planteas. Más adelante iremos ampliando detalles, comentando aspectos específicos, proponiendo nuevas obras o ejercicios y respondiendo a las dudas que pudieran surgir. ¿Preparado? Vamos allá. CPA MUSICAL TRAINING Cuentan los que entienden de estos asuntos que, cuando se inicia un "entrenamiento musical", se suceden tres niveles de comprensión de la música. Son estos: NIVEL 1. El cerebro tiende a asociar la música con imágenes, y la recuerda y entiende mejor si la relaciona con ellas. NIVEL 2. La música es asociada a sentimientos y estados de ánimo, y se aprecian mejor los matices expresivos de la misma.

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NIVEL 3. Prevalece en el oyente una comprensión intelectual de la música: estructura, características formales... El grado de perfección alcanzado en este nivel dependerá, lógicamente, de los conocimientos técnicos del que escucha, pero no es necesario ser Beethoven para lograr buenos resultados. Empezaremos con el nivel 1: NIVEL 1 Directrices: - Trata de escuchar obras cortitas y de prestarles toda tu atención cuando lo hagas. Con una obra larga tu atención decaerá a los pocos minutos y te aburrirás, o no la escucharás completa y no tendrá sentido. - Cuando escuches música, trata de plasmar en imágenes lo que escuchas. Puedes dibujarlo, si te apetece, aunque el resultado sea poco más que un borrón, o simplemente imaginarlo. Con las imágenes que quieras: como si fuera una película, dibujos animados, colores y líneas en movimiento... todo vale. Cuanto más detalle, mejor, pero trata de que cada detalle de la imagen tenga su correspondiente detalle musical. Puedes cerrar los ojos si así te concentras más. - Música de fondo, mejor no. Nos comentas que sueles escucharla en el coche: aunque lo hagas, trata de reservar diez minutos para escuchar música en casa, sin nada ni nadie que te distraiga y sin estar pendiente de nada más. Esos diez minutos beneficiarán más a tu sentido musical que diez horas de oír música sin escucharla.

Obras propuestas: Ketelbey: En un mercado persa-En el jardín de un monasterio. Ambas puedes escucharlas directamente aquí. Son dos obras cortitas y divertidas que describen ambientes (el de un mercado persa y el del jardín de un monasterio, je, je). Trata de imaginar cómo son a partir de la música: los vendedores,

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clientes y bailarinas del mercado, los pájaros y monjes del monasterio, etc., y qué es lo que crees que ocurre en ellos.

Mussorgsky: Cuadros de una exposición. Es una obra formada por una serie de piezas cortas. Cada una describe un cuadro que el compositor va viendo en una exposición. A veces, entre cuadro y cuadro hay una especie de "intermedio", el famoso Promenade, que representa al propio compositor paseando de un cuadro a otro y que va cambiando según el humor y los pensamientos del mismo. Hay dos versiones: la original para piano solo, y otra para orquesta. Las dos son impresionantes. Para que la puedas seguir fácilmente, esta es la estructura: Promenade. Cuadro 1º: Gnomos. Promenade. Cuadro 2º: El viejo castillo. Cuadro 3º: Tullerías. Cuadro 4º: Bydlo. Representa a unos campesinos polacos trabajando en el campo con los pesados carros. Esta es la versión para orquesta:

Promenade. Cuadro 5º: Ballet de los polluelos en sus cascarones. Cuadro 6º: Samuel Goldenberg y Schmuyle. Representa una discusión entre un judío rico y uno pobre. Cuadro 7º: El mercado de Limoges.

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Cuadro 8º: Catacumbas, sepulcros romanos. Cuadro 9º: Hablando a los muertos en lengua muerta. Cuadro 10º: La cabaña sobre patas de gallina. Cuadro 11º: La gran puerta de Kiev. La obra completa en versión para piano, aunque no dividida por cuadros sino en tres grandes trozos, aquí. Mismo sistema de antes: trata de averiguar cómo son los cuadros.

Saint-Saëns: El carnaval de los animales. Otro conjunto de pequeñas y deliciosas piezas. Cada una describe a un animal, algunos realmente curiosos. Estructura: 1.- Marcha real del león. 2.- Gallinas y pollos. 3.- Asnos salvajes. 4.- Tortugas. 5.- El Elefante. 6.- Canguros. 7.- Acuario.

8.- Personajes de largas orejas (animal imaginario). 9.- El cuco. 10.- Volatería (palomas). 11.- Pianistas (¡¡!!).

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12.- Fósiles (¿?). 13.- El cisne. Conocidísimo. 14.- Final. (¿De qué película te suena? Piensa, piensa...).

El cisne, Fósiles y el Final, aquí. Se trata de una obra plagada de fantasía, así que no trates de encontrar en ella retratos realistas de los animales. Más bien, no temas adornar tus imágenes con los detalles más absurdos que se te ocurran.

Grieg: Peer Gynt. Narra la historia de un joven que, tras la muerte de su madre, se lanza a recorrer lugares exóticos, hasta que al final decide volver a los brazos de su amada, que le espera. La obra está organizada en dos suites, que es lo mismo que decir en dos grupitos de piezas, pero más corto: Suite nº 1: La mañana.

La muerte de Aase. Danza de Anitra. En la cueva del Rey de la montaña.

Suite nº 2: Lamento de Ingrid. Danza árabe.

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El retorno de Peer Gynt. La canción de Solveig. Muerte de Aase, Danza de Anitra y El retorno de Peer Gynt, aquí. Es una obra descriptiva, en parte, pero también intenta expresar diferentes sentimientos: dolor, alegría... También ese aspecto puede ser plasmado en imágenes, pero vas a necesitar un poco más de imaginación.

Suficiente para empezar, ¿no crees, Albertdm? Como comentamos antes, en futuras entradas iremos proponiendo más obras y ejercicios y ofreciendo más información, e incluso volviendo sobre estas mismas obras con más profundidad. Me quedan un par de detalles que comentarte: - Hay muchas páginas en Internet que, seguramente con la mejor de las intenciones, ponen para escuchar música clásica en formato MIDI. El formato MIDI es una aberración que suena a organillo de feria. Huye de ellas como de la peste. - Me preguntas sobre Mozart. Hombre, yo te contestaría como el del chiste *, que para escuchar a Mozart cualquier momento es bueno, pero lo aconsejaría más adelante. De todas formas, si te gusta no te prives. ¿Tienes el Requiem? Es impresionante, maravilloso, sobrecogedor. La Misa en Do menor tiene también momentos brillantes, brillantísimos. Y tantas otras... - ¿Música en MP3? ¡Por supuesto! Pierde un poquito de calidad, vale, pero mucho peor sonaban los discos de vinilo y bien que nos las apañábamos con ellos. Lo que sí sería una barbaridad es que te gastaras cientos de euros en discos sin saber siquiera si te van a gustar. Usa el Emule, busca, experimenta, escucha distintas versiones de la misma obra si te apetece (te sorprenderá la diferencia que existe a veces). De comprar cedés siempre hay tiempo. - ¿Sabes dónde sí que hay diferencia, dónde merece la pena

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gastar los cuartos? En la música en directo. Escuchar un disco está bien, pero estar viendo a la orquesta, sentir el ambiente, notar cómo el asiento vibra con la música... guau. Puedes encontrar entradas a muy buen precio, incluso gratis. No te recomiendo aún, eso sí, que te metas en una ópera larga o una sinfonía, porque puedes acabar de los nervios. Si te topas con un concierto de una obra que ya conoces y sabes que te gusta, perfecto; si no, trata de informarte y busca obras cortas y no demasiado enrevesadas, de momento. Normalmente, en las páginas de Internet de los distintos teatros cuentan un poco de qué va el espectáculo. Si dudas, escríbenos. Es todo por el momento. A ti, Albertdm, y a todos ustedes, les recuerdo que estamos en nuestro correo para cualquier pregunta que les surja. Y, sobre todo, diviértanse, que de eso se trata. Fe de erratas: Me comentaba muy acertadamente Anonimia hace poco que, en el resumen al vuelo de la Historia de la música que se hace en esta entrada, me he dejado totalmente en el tintero la corriente de música popular que siempre ha existido, y a la que tanto le debe nuestra música popular actual (piensen, por ejemplo, en el flamenco o en las canciones de plantación de los negros). Reconozco el error y les pido perdón por él. Sin embargo, opino que no afecta al meollo de la cuestión: por qué es necesario aprender a escuchar. * Dos novicios se encuentran en el patio del seminario, uno de ellos con expresión contrariada. "¿Qué te ocurre?", le pregunta el otro. "Que le he preguntado al abad si puedo fumar mientras leo el breviario y, además de decirme que no, por poco no me echa a patadas". Al día siguiente, el novicio que había sido regañado encuentra al otro sentado en un banco, con el breviario en una mano y un enorme cigarro en la otra. "¡Pero hombre!", le dice, "¡que el abad te va a sacar el hígado si te pilla!". "Tengo permiso del abad", responde el interpelado. "¡¿Que tú quééé?!", dice el otro. "Como lo oyes", responde el que estaba fumando. "He ido a preguntarle al abad si podía leer el breviario mientras fumaba, y me ha respondido que para leer el breviario cualquier momento es bueno".

posted by Susana @ 2:05 AM

24 comments: At 23/12/06 14:53, Adri. dice... Plas plas plas plas! Susana, sencillamente genial. Este post no se puede pagar con

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dinero. Aquí hay un rato largo de música buena. Y como esto es un comentario y la idea es aportar algo, aprovecho para reforzar la idea de escuchar el Requiem de Mozart como pieza sublime del compositor de Salzburg. At 23/12/06 16:24, Albertdm dice... [modo expresivo ON]Me quito el sombrero y me inclino.[modo expresivo OFF] ¡Pedazo de regalo navideño! Esto es mucho más de lo que cualquiera esperaría, por lo tanto, y publicamente, muchisimas gracias y corroboro el comentario de Adri, esto no se paga con dinero. Aunque, pensándolo bién, seguro que en forma de libro mucha gente pagaría por esto (apúntatelo), yo el primero que lo compraría si lo encontrara en una librería. Buscaré esos minutos necesarios para seguir este curso. El aMule (sí, con "a" en su versión GNU/Linux) ya está trabajando para conseguir el material. En cuanto a Mozart, el Requiem llevo años escuchándolo y cuanto más lo escucho más me gusta. Un saludo At 24/12/06 13:17, Fernando* dice... Estupendo regalo!!! gracias Susana! esto es precisamente lo que necesitaba para empezar a conocer un poco mas de mñusica clásica. Feliz Navidad :D At 24/12/06 23:11, Susana dice... Muchas gracias por vuestros elogios. Si cuando terminemos el programa (aún nos queda un largo y espero que divertido camino que recorrer juntos) vemos que merece la pena, podríamos plantearnos ponerlo en formato de texto y colgarlo en el Emule (y el Amule), para los que lo prefiráis en papel. A ver... At 2/1/07 10:49, Remo dice... Presionante. Nigualable. Spectacular. Muchas gracias por esta pedazo de introducción. Da gusto leerte. At 6/1/07 23:17, Nigu dice... Hola! Primero de todo quería decir que me encanta tu blog, lo leo desde que fue fundado prácticamente. Solo quería comentar lo que dices de como nació el romanticismo. Si cogemos a Beethoven como paradigma del músico romántico creo que no son nada acertados tus comentarios. Él reclamaba sus derechos como artista, es más, no dudaba de ellos. No creo que se rebajase a hacer música para llegar más a sus oyentes. No creo que me explique muy bien, pero él fue uno de los encargados de migrar del clasicismo al romanticismo y sus motivos creo que

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estarían, más que en atraer al nuevo público, en una nueva forma de expresar sus sentimientos. Esa es la base del romanticismoNos vemos! At 7/1/07 00:53, Susana dice... El autor ha eliminado esta entrada. At 7/1/07 01:18, Susana dice... Cierto, Nigu. Un cambio de movimiento artístico es un fenómeno tremendamente complejo y no puede explicarse en dos párrafos. Más adelante tendremos ocasión de verlos en profundidad, ahora solo se trataba de introducir el tema. Pido perdón si, por simplificar demasiado, he podido inducir a error o confusión. Trato de aclarar un poco la idea: Todo cambio de corriente artística se produce a raíz de cambios filosóficos, sociales, económicos y artísticos, ninguno de los cuales es independiente de los demás. El arte suele ser un reflejo de la sociedad en la que surge. Lo que el músico (o pintor, o escritor...) observa, lo que vive, lo que le rodea, lo que escucha, la gente con la que conversa, indudablemente le influye (léase inspira, condiciona, constriñe, ilumina, mueve a rebelión, a compromiso social, a deseos de evasión, a felicidad...). Y en la sociedad del Romanticismo, los cambios económicos producidos por la Revolución Industrial fueron cruciales, decisivos, fundamentales. El otro factor fueron las luchas de poder que culminaron en la Guerra de los Treinta Años y la Paz de Westfalia. Y a partir de ahí nacieron los demás cambios: sociales, filosóficos, artísticos. No es casualidad que dos de las ideas defendidas por los artistas románticos fuesen el liberalismo político (o sea, burgués) y el nacionalismo. Yo tampoco creo que Beethoven se vendiera (¡menudo carácter tenía el hombre!). A algunos, la mayoría, les encantó la nueva moda e hicieron maravillas con ella; tal vez otros tuvieron que amoldarse un poco, y quizá otros sí que se vendieron para poder comer calentito. Pero es indudable que triunfaron porque hacían lo que el público quería. Si en lugar de música grandilocuente y relativamente simple se hubiesen dedicado a componer complicadas fugas, no habrían sido famosos compositores sino anónimos operarios de telar. Igual que hoy en día (salvando las distancias, pero para que nos entendamos) puedes hacer salsa y forrarte o hacer música experimental en el tiempo libre de servir copas. Y en el Romanticismo aún no se habían inventado las becas ni las subvenciones... At 12/1/07 08:22, Julio dice... Hola, vengo de CPI, no conocía este blog, y esta entrada me ha parecido sencillamente maravillosa. Yo empecé a escuchar música clásica cuando tenía unos 19 años (ahora tengo 34) y desde entonces no he parado (aunque escucho también mucha "música popular"), siempre desde el punto de vista digamos amateur, si bien me gusta leer de todo y no tengo problemas en por ejemplo reconocer cosas de tipo "exposicióndesarrollo-reexposición.

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Bueno, que lo que iba a decir es que la primera obra que escuché a esos 19 años, fue el concierto para piano (el 1º) de Chaikovsky, y fue increíble porque desde la primera hasta la última nota estaba permanentemente flipado, me olvidé del resto del mundo, sólo eramos el concierto y yo (joer, qué cursilada) y evidentemente ahí empezó mi romance con la música clásica. Y esto viene a que tal vez no sea necesario empezar con música sencilla ni "evocadora" sino simplemente con algo que por algún extraño motivo te "atraiga", por muy complejo o abstracto que sea. Si bien también he de decir que recuerdo que cuando era pequeño en mi casa se oía mucha música clásica porque a mi padre le gusta mucho. Aunque en aquel entonces yo pasaba absolutamente de ella, es posible que el oído se me fuese educando inconscientemente, no sé. Y también quería aconsejar a quien esté empezando las obras "Guía orquestal para jóvenes Op.34" de Benjamin Britten y "Pedro y el lobo" de Sergei Prokofiev, que están en la linea educativa que comenta la entrada. Bueno, ya me callo. Un saludete y en cuanto pueda os enlazo ;) At 12/1/07 11:10, Diego Rodriguez-Vila dice... Igual que Julio vengo de CPI y ya tengo este blog en mis favoritos de bloglines. También recomiendo la películad Fantasía, de Disney, que aúna muy bien imágenes y sonidos. Hay otra película italiana, que hace lo mismo que Fantasía pero en 1977 y se llama "Allegro ma non troppo", en un estilo completamente diferente, mucho más gamberra, por decirlo de alguna manera, que también es fantástica. Tiene menos medios que Disney, pero el mismo o más talento incluso. Otras recomendaciones para principiantess: - "La danza del sable" de Aram Katchaturian - el "Dies Irae" del Requiem de Verdi. Nada que ver con el de Mozar pero igual de sobrecogedor. At 12/1/07 11:13, Diego Rodriguez-Vila dice... Corrección: la película se llama "Allegro non troppo", sin el ma. Y Mozar es Mozart, claro. At 12/1/07 11:24, Monsieur le Six dice... Lamento discrepar, pero no estoy muy de acuerdo con el artículo. Pretender asociar la evolución de la música al dinero me parece una exageración. Al decir esa media verdad, se ignora la música popular del pasado y se minimiza la educación musical del presente, como si fuese obligatorio ser noble y rico para apreciar una fuga de Bach, por ejemplo.

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Con otras cosas como la necesidad de asociar la música con imágenes tampoco estoy muy de acuerdo, y lo que se comenta de que nuestro oído está desentrenado respecto a la época de Bach... seguramente, pero habría que ver cómo reaccionarían los clásicos si escucharan música moderna. Cada cual se adapta a lo que tiene. At 12/1/07 11:34, DrimeR dice... Julio dijo: Y también quería aconsejar a quien esté empezando las obras "Guía orquestal para jóvenes Op.34" de Benjamin Britten y "Pedro y el lobo" de Sergei Prokofiev, que están en la linea educativa que comenta la entrada. Justamente iba a recomendar esas obras (aunque yo no recordaba los autores), mi madre nos las ponia de pequeños, y nos divertiamos mucho. Luego "la clasica" ha ido llendo y viniendo en mi vida, pero supongo q el oirla desde pequeño me ha ayudado mucho a disfrutar de la musica, sea del tipo q sea... Me encanta vuestro blog! At 12/1/07 16:12, Liberto dice... Soy aficionado a la música desde antes de que me salieran los dientes y seguiré siéndolo cuando ya los haya perdido todos. Acabo de descubrir este blog y os va a costar libraros de mí. Susana, gracias. At 14/1/07 13:10, Ferran Cruixent dice... HOLA, Os escribo aquí porque no he visto que tengais ningun contacto directo de email. Un amigo me ha pasado vuestro link, y me he quedado sorprendido de encontrar alguien que piensa en una línea muy parecida a la mía. Hace un año empecé a gestar un 'proyecto' similar al vuestro, centrado solo en el análisis musical: se llama www.stereotips.com Quizás os pueda interesar. Si os parece bién, contactar conmigo, e incluso más adelante podríamos enlazarnos mutuamente en nuestras respectivas páginas para conseguir un mundo de gente con más criterio propio... un saludo desde Munich, ferran At 15/1/07 14:14, Susana dice... ¡Hola, Ferrián! Nuestro correo es [email protected]. Allí nos tienes cuando quieras. Tu página es muy interesante, pero mucho. El enlace ya lo tienes. Nos pondremos en contacto contigo en el correo y a ver qué se nos

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ocurre, ¿de acuerdo? At 15/1/07 18:33, Adolfo dice... Me pregunto de que lado de la barrera generacional me estoy quedando, mis primeron contactos con la musica "clasica" los obtuve de las caricaturas de bugs bunny y el barbero de sevilla, o Tom y Jerry, etc. L aparte interesante de todo eso es cuendo terminas escuchando la musica y disfrutandola sin las imagenes o cuando te la topas en alguna estacion de radio. At 16/1/07 18:41, txarli dice... no conocia este blog, y la primera impresion no podia ser mejor, sencillamente estupendo. gracias! At 2/3/07 09:22, Anónimo dice... esta pagina s una puta mierda o una paja mal echa,me cawen la puta musika esta de mierda,y en todos los muertos k vean sta pagina,A BUFARRRRRR!!!! At 2/3/07 09:25, Anónimo dice... KOOOO!!STO ES UNA PUTA PAJA MAL EXAA,ME CAWEN VUESTROS MUERTOS STOY AKI EN EL PUTO INSTITUTO PA VER STA PUTA MIERDA,A BUFARRRRR!!! At 4/3/07 23:55, Anónimo dice... esta juventud siempre pensando en pajas....

Que buenos recuerdos, sniff At 25/3/07 23:54, Favila dice... >>¿Música en MP3? ¡Por supuesto! Pierde un poquito de calidad, vale, pero mucho peor sonaban los discos de vinilo y bien que nos las apañábamos con ellos. Poco acertado. Los discos de vinilo, al ser un formato analógico, brindaban una calidad de sonido mayor que cualquier formato digital, incluidos los CDs de hoy en día. Otra cosa es cuando los discos están rayados o desgastados, es otra historia. Al menos es lo que yo tengo entendido, perdonad si me equivoco. At 26/3/07 01:40, Susana dice... Bueno, a las pruebas me remito: ponga a sonar un disco de vinilo recién comprado y un cd, y a ver cuál reproduce el sonido con más fidelidad. At 8/5/07 05:51, Anónimo dice... http://www.dmst62.jimdo.com/ Publicar un comentario en la entrada links to this post:

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Mundoclasico.com :: 17. Las obras con Laúd para el Conde Wrt(t)by

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A la búsqueda de Antonio Vivaldi

17. Las obras con Laúd para el Conde Wrt(t)by Hugo Di Leonardo Es probable que entre 1730 y 1731 Vivaldi visitara Praga. Posiblemente llegara a ciudad en la primavera de 1730 para asistir a la reposición de Farnace (RV 711), el “drama per musica”, que con libreto de Antonio María Lucchini, el “Prete Rosso”, había estrenado en Venecia en el teatro Sant´Angelo en el carnaval de 1726. Poco después y quizás mas familiarizado con el estilo musical de Praga, Vivaldi estrenaba en el otoño de 1730 su opera Argippo, (RV 697), el “Drama per Musica da rappresentarsi nel teatro di sua eccellenza il signor Francesco Antonio del S.R.I. conte di Sporck” (Franz Antoni Graffen von Sporck). La partitura de la obra no se conserva, pero el libreto impreso como anónimo por Alberto Guglielmo Wessely, en 1730, pertenece a Domenico Lalli, y se encuentran ejemplares del mismo en Praga, Venecia y en la Biblioteca del Castillo de Krimice. Vivaldi en Praga Las pruebas de la visita de Vivaldi a Praga son circunstanciales, dice Michael Talbot. La representación de una opera suya en Venecia en el teatro Sant´Angelo, para el carnaval de 1731, con arreglos de A. Galeozzi, indicaría la ausencia del Prete Rosso de su ciudad natal. Un hecho, tal vez más importante, sería la presencia en la propia ciudad de Praga del conde Wrtby, noble de origen bohemio, que era un apasionado de la opera y solía frecuentar el teatro del conde Sporck. El conde, que gustaba de coleccionar los libretos de las operas a las que asistía, escribió, sobre algunos de ellos diversos comentarios acerca de la recepción que las obras tuvieron. Con respecto a la reposición de Farnace el conde comentó que la obra recibió una “gran aprobación”, del público a la vez que la opera Argippo “tuvo una aprobación muy grande”. Estos libretos estuvieron primero en poder de la rama Krimice de su familia y después en la de los Lobkowicz. Hoy se encuentran en la Biblioteca Nacional de Praga. Las obras para el Conde Wrtby Dos sonatas en trío y un concierto de cámara que tienen como protagonista al laúd, fueron dedicados por Vivaldi al Conde Wrtby. Estas obras que fueron escritas en un papel cuya procedencia no es veneciana, llevan una dedicatoria formal que dice: “Per

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Sua Eccellenza Signor Conte Wrttbij”. Se trata de las sonatas en trío en Do mayor para violín y laúd RV 82, la sonata en sol menor para violín y laúd RV 85, y el concierto de cámara en Re mayor para laúd y dos violines, RV 93. Estas obras se encuentran hoy en la Biblioteca Universitaria de Turín, en las colecciones Foá y Giordano. El Conde Wrt(t)by El Conde Johann Joseph von Wrt(t)by, o Jan Josef Wrtba, en la forma checa (16691734), ocupó distintos cargos oficiales Oberstburggraf en Bohemia, con funciones de gobernador real, presidente del tribunal de apelaciones y tesorero hereditario. Probablemente las obras para laúd estuviesen dedicadas a él, o quizás a su hermano Johann Wencelaus, ya que, esta familia tenía distintas ramas. Es probable que el conde tuviera su propia kammermusik privada, a la vez que él mismo era un dilettante del laúd y podría haber encargado a Vivaldi la composición de las obras en cuestión. Tal vez el número de sonatas escritas para el conde fuese mayor al de las obras sobrevivientes, ya que la sonata RV 82 lleva el n. 2, mientras que la sonata RV 85, podría ser la n. 3 o 5, lo que hace suponer que el total de las mismas podría llegar a la media docena. Breve historia del laúd La razón de la popularidad y luego declinación de los instrumentos permanece en el misterio: el laúd puede no resistir la altura del clavecín, que comenzó a desarrollarse en Francia alrededor de 1640, pero este le debe mucho al laúd El origen del laúd se remonta en el tiempo hasta la civilización de los Sumerios en el siglo II antes de nuestra era. Probablemente fuese en la propia ciudad de Babilonia, desde donde el instrumento comenzara a divulgarse a las distintas regiones, tanto hacia oriente como occidente. El laúd, denominado de distintas formas en Europa, como laute, luth, leuto, liuto, lauto, lute, era de origen árabe y probablemente ingresara a través de Africa. Su nombre responde a la voz ud que significa “madera”, que con el artículo “al” mas “ud” se oyera como alaúd, o también alaúde en portugués y laùt en catalán. Ya en el siglo IX, es mucho más notoria la forma hacia atrás del clavijero, de una manera mas angulada con el mástil y el agregado de clavijeros laterales con cuerdas dobles para ser tocadas con plectro. En el siglo XIII el laúd se incorpora a la vida de los cristianos y dos siglos después ya había adquirido las características del clásico laúd europeo, menos robusto en su conjunto pero quizás mas versátil en la ejecución que los modelos anteriores. A los ejemplares mas antiguos con tres pares de cuerdas y una sencilla, se le agregaran mas adelante otros con seis cuerdas dobles siendo siempre la prima sencilla. La evolución en la forma de tocar el instrumento también sufrió variaciones. Con la supresión del plectro, el laúd pasó entonces a ser ejecutado con los dedos. También se modificó la posición del instrumento en la forma de ser ejecutado, que al principio era de forma horizontal y luego pasó a ser de un ángulo mas cerrado. Estos detalles se puede apreciar en los diversos cuadros de época, como en el “Retablo de San Giobbe” de Giovanni Bellini (c.1480), hoy en la Galería de la Academia, Venecia, y también en la obra del mismo autor denominada “Retablo Barbarigo” (1488), cuyo nombre alude al Dogo (Dux) Agostino Barbárigo, y que hoy se encuentra en la Iglesia de San Pietro Martire, en Venecia. También se pueden encontrar referencias al laúd en la literatura, como por ejemplo en el “Libro del buen amor” (c.1330) del Arcipreste de Hita: el corpudo laúd que tiene el punto a la trisca........ En Francia aparece por primera vez en el “Roman de la rose” (c.1276), el uso frecuente de voces como luc, lucq, luit, lus, leud, leut y lehut, todas ellas alusivas al laúd. Algunos detalles acerca de la construcción del laúd se pueden apreciar en un bosquejo debido a Henry Arnault de Zwolle (1440), que se encuentra en la Biblioteca

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Nacional de París. En esta obra se pueden observar distintas relaciones matemáticas entre las distancias de las barras, el puente, la roseta y el tamaño de la tapa. En 1571, un grabado en la portada del “Livre d´airs de cour”, obra de Adrian Le Roy, nos muestra un laúd a once cuerdas. Pese a todo llevo algunos años mas definir una grafía para el laúd. En Inglaterra, William Drummond, publica en 1616, sus “Poemas” en los cuales hace referencia al instrumento: My lute be as thou wast when thou didst grow...... Perrine publica (c.1698) un “Livre de musique pour le Lut.....”. El laúd pictórico Otros cuadros en donde aparece el instrumento son dignos de mención y allí se pueden observar distintas formas del laúd barroco, como por ejemplo en “Los pequeños músicos” (1626) obra de Frans Hals, “El Dúo” (1628) de Hendrick Terbrugghen, donde se puede apreciar un laúd de gran cantidad de cuerdas, “Muchacha tocando el laúd” (1626) de Orazio Gentileschi. Además en un óleo sobre lienzo del pintor nacido en Bergamo, Evaristo Baschenis, denominado “Naturaleza muerta con instrumentos de música” (c.1650), se puede observar una teorba y dos laúdes, uno tenor y otro soprano. El Laud de Vivaldi Las partituras de las obras dedicadas al conde Wrtby, tienen por protagonista al laúd al que Vivaldi denomina leuto y cuya notación en clave de sol debe entenderse como a la octava inferior, dice Cesare Fertonani. Por otra parte, Michael Talbot opina que éstos tríos se parecen en realidad mas a sonatas para solo, ya que el violín simplemente dobla las partes del laúd o bien presenta una línea simplificada, similar a los violínes de “ripieno” de los conciertos, o su papel está limitado a una discreta parte central. El procedimiento por el cual los arcos doblan a un instrumento de cuerdas frotadas, en este caso el laúd, es una forma que había sido empleada con anterioridad, como lo testimonian los “Novi Capricci Armonici Musicali” opus V (Bolonia-1674) de Giovanni Battista Granata o años mas tarde, en obras para el laúd, de autores al norte de los Alpes como F. Hinterleithner (Wiener Lauthen-Konzert1699), Wenzel Ludwig von Radolt en 1701, y Johann Georg Weichenberger en 1710. Ahora bien, la notación en clave de sol para el laúd, representa un problema de identificación del instrumento, ya que en los documentos de la época no se registra la existencia de un laúd soprano, en grado de sonar en un registro tan agudo para alcanzar un re5. “En Italia, en la primera mitad del siglo XVII el término leuto indica arciliuto (archilaúd), de trece o catorce cuerdas acordado en sol, mientras era casi desconocido el llamado laúd barroco francés a once o trece cuerdas acordado en re menor”, dice Cesare Fertonani. Detalles de las obras Sonata en Do Mayor para violín, laúd y bajo continuo RV 82: 1. Allegro non molto 2. Larghetto lento 3. Allegro. Fuente: Turín I-Tn: Foá 40, cc. 6-9 Sonata en sol menor para violín, Laud y bajo continuo RV 85. 1. Andante molto 2. Larghetto 3. Allegro. Fuente: Turín I-Tn: Foá 40, cc. 2-5 Curiosamente estas dos sonatas en trío, fueron escritas todas en tres movimientos, aproximándose a la forma rápido-lento-rápido de los conciertos. Vivaldi, para los conciertos de cámara, emplea a por los menos tres instrumentos solistas. Concierto en Re Mayor para dos violines, laúd y bajo continuo RV 93. 1. Allegro giusto 2. Largo 3. Allegro. Fuente: Turín I-Tn: Giordano 35, cc. 297-302 Bibliografía

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-- Cesare Fertonani, La Musica Strumentale di Antonio Vivaldi, Leo S. Olschki Editore, 1998. (Studi di Musica Veneta-Quaderni Vivaldiani n. 9) -- Walter Kolneder, Guia de Vivaldi, Alianza Editorial, Madrid, 1989. -- Michael Talbot, Vivaldi, Alianza Editorial, Madrid, 1990. -- Michael Stegemann, Vivaldi, Hamburg, Rowohlt, 1985. -- Marion Kaminski, Venecia - Arte y Arquitectura, Konemann, Koln (Colonia) 1999, Barcelona 2000. -- Ramón Andrés, Diccionario de Instrumentos Musicales. Biblograf-VOX, Barcelona 1995. -- Andreas Prater-Hermann Bauer, La Pintura del Barroco, Taschen, Koln (Colonia) 1997. -- Robert Spencer, Antonio Vivaldi-The Complete Works for the Italian Lute of his Period, en el disco Grammofon AB BIS-CD-290, 1985. -- Peter Holman, Vivaldi-Music for Lute and Mandolin, en el disco Hyperion CDA66160, 1987. -- Roger Tellard, Vivaldi-L´Ouvre complet pour Luth, en el disco Auvidis-Astree E8587, 1996. -- Marie Madeleine Krynen, D.Gaultier-La Retorique Des Dieux, en el disco AuvidisAstree E-7778, 1989. Este texto fue publicado el 10.10.2003

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Walter Quevedo Jul 27th, 2007 by elsalvadormusic

Walter Quevedo-Osegueda Guitarrista Clásico Inició sus estudios guitarrísticos y musicales en 1983 al ingresar ese año al Bachillerato en Artes del CENAR y paralelamente comienza a estudiar guitarra con el Prof. José Cándido Morales, discípulo de Agustín Barrios Mangoré. http://elsalvadormusic.podbean.com/…

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elsalvadormusic » Walter Quevedo

Hizo su debut en 1985 en el Teatro Nacional, en el marco de la celebración del “Primer centenario de nacimiento de Agustín Barrios Mangoré”. En 1987 viaja becado por la Fundación FULBRIGHT a proseguir estudios superiores de música y guitarra en el “CALIFORNIA INSTITUTE OF THE ARTS” en Valencia, California en Estados Unidos, de donde obtiene la Licenciatura en Música con especialidad en Guitarra Clásica. Allí estudió bajo la supervisión del reconocido maestro Norteamericano Stuart Fox. Además tuvo la oportunidad de estudiar con David Leisner al mismo tiempo que participó de las clases maestras impartidas por Cristopher Parkening (EE.UU.), Eduardo Fernández (Uruguay), David Starobin (EE.UU.), Dusan Bogdanovic (Serbia) y fue uno de los 8 elegidos de la costa oeste Norteamericana para participar en la clase maestra del gran guitarrista británico Julian Bream, en 1991. También ha recibido clases con el destacado guitarrista cubano Aldo Rodríguez. Como solista invitado junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de El Salvador ha presentado los siguientes conciertos para guitarra y orquesta: Fantasía para un Gentilhombre de Joaquín Rodrigo, Concierto del Sur de Manuel Ponce, Concierto para Guitarra y pequeña Orquesta de Heitor Villalobos, Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. En Julio de 1999 llevó a cabo el estreno del “Concierto para Guitarra y Orquesta (1998)” de Manuel Carcache (El Salvador) junto con la Sinfónica de El Salvador bajo la dirección de Marlos Nobre (Brasil). Se presentó en Washington, DC. (EE.UU.) patrocinado por la sociedad “Friends for El Salvador”, en Mayo de 1998 y en Febrero de 1999 fue invitado como solista a participar al “II Festival de música nueva” en el conservatorio de San Juan, Puerto Rico, donde además dicta una clase maestra para los alumnos del Conservatorio. Ha presentado recitales en las diez ediciones del “Festival Internacional de Música Contemporánea de El Salvador” (1996-97-98-99-2000-03-04-05-06-07). En Enero de 2003 año llevo acabo el estreno del “Concierto para guitarra #2” de German Cáceres (El Salvador) junto a la Orquesta de Cámara de San Pedro Sula dirigida por José Iglesia Garnot de Cuba. En Octubre de 2003 re-estrenó el “Concierto para guitarra #1” de German Cáceres con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba en el teatro Amadeo Roldan de la Habana, German Cáceres director, el mismo concierto fue repetido en el Teatro Nacional de Honduras en Tegucigalpa, en Abril de 2004 con la Sinfónica Nacional de Honduras dirigida por German Cáceres. También en el 2004 y junto a la Orquesta de Cámara de San Pedro Sula dirigida por José Iglesias estrena las obras para Guitarra y Orquesta de Cámara del compositor popular Hondureño Francisco Carranza. En Noviembre de 2004 fue invitado a ejecutar el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con la “Camerata Bach” de Nicaragua en las ciudades de Managua, León y Granada. En Febrero de 2005 ofrece recital de música de autores contemporáneos latinoamericanos asociados al “Colegio Latinoamericano de Compositores de Música de Arte”en el auditorio de la escuela de música de la UNAM en México DF. En Marzo de 2006 lleva a cabo el re-estreno del primer concierto escrito en Centroamérica para Guitarra y Orquesta “Concierto en Sol Mayor” de Luis Abraham Delgadillo, Nicaragüense, escrito en 1951, junto a la 2/5 http://elsalvadormusic.podbean.com/…

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Orquesta “Concierto en Sol Mayor” de Luis Abraham Delgadillo, Nicaragüense, escrito en 1951, junto a la Sinfónica de El Salvador dirigida por German Cáceres en el Teatro Rubén Darío de Managua, Nicaragua. Desde 1995 desarrolla una intensa actividad al frente de la “Orquesta de Guitarras de la Fundación María Escalón de Núñez” como director de la misma al frente de la cual se ha presentado en casi todo El Salvador y en Junio de 2003 condujo a la Orquesta de Guitarras de la Fundación María Escalón de Núñez en un exitoso recital en la sala Tutto Diffent de la escuela municipal de Música de San Pedro Sula. Su repertorio abarca todos los periodos musicales históricos, desde el Renacimiento hasta el Contemporáneo, habiendo estrenado y ejecutado obras recientes de compositores salvadoreños y extranjeros. Se ha presentado junto a artistas como la flautista barroca Els Spanhove (Bélgica) y el compositor y flautista Daniel Kessner (EE.UU.). Junto al grupo Música Antigua de El Salvador fue invitado al II Festival de las Misiones de Chiquitos de Música Barroca y Renacentista. Fue incluido como ejecutante en el CD “Música contemporánea del Caribe y Centroamérica II”, (1997) interpretando la obra del compositor salvadoreño Manuel Carcache, editado por la Universidad de Puerto Rico. En Febrero de 2007 lanza su primer CD “Piezas Íntimas” que incluye obras de Leo Brouwer, Julián Orbón, A. B. Mangoré y de los salvadoreños Rafael Olmedo, Domingo Santos y German Cáceres. A partir de 2005 es Editor encargado del proyecto “Cuadernos de música salvadoreña” de la Dirección Nacional de Publicaciones del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes CONCULTURA. Ha compuesto música para incidental para Cine, Teatro y Animación, mas recientemente para las obras “Ruth de Moab” de Waldo Chávez Velasco “Guadalupe la Rosa de los vientos” de Tatiana de la Ossa y “Las Hogueras de Itaca” de David Escobar Galindo.

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Sojo, Vicente Emilio (1887-1974 Venezuela) Friday, 16 September, 2005

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(b Guatire, 8 Dec 1887; d Caracas, 11 Aug 1974). Venezuelan composer and conductor. He studied in Guatire with Régulo Rico and then, in 1910, took composition lessons with Primo Moschini in Caracas. In 1921 he was appointed professor of theory at the Escuela Nacional de Música, of which he was made director in 1936; there he taught almost all of the Venezuelan composers who came to maturity in the years 1930 to 1960. He co-founded and directed the Orfeón Lamas and the Venezuela SO (1930), and encouraged the production of new works for both groups. After 1935 he devoted his energies almost exclusively to the music school and the Venezuela SO and wrote very little music. His music, though influenced by Impressionism, is rooted in Venezuelan folklore; he collected and published a large number of traditional songs, and a few of his guitar works have become standard repertoire. 1982 saw the foundation of the Instituto Vicente Emilio Sojo, which is devoted to musicological research and which publishes scores, monographs on Venezuelan music and the Revista musical de Venezuela, a scholarly periodical.

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Works Choral: Misa coral, boy altos, TB, org (1915); Misa cromática, solo vv, chorus, orch, 1922; Palabras de Cristo en el Calvario, solo vv, chorus, orch, 1925; Requiem in memoriam patris patriae, male vv, orch, org, 1929; Misa breve, solo vv, low chorus, orch, 1930–33; Misa a cappella, 4vv, 1935; Hodie nos fulgebit lux, cant., solo vv, chorus, orch, 1935; Misa a S Cecilia, solo vv, chorus, orch, 1953; many motets and other sacred and secular pieces Other works: Str Qt, D, 1913; songs; many guitar pieces ALEJANDRO ENRIQUE PLANCHART: 'Vicente Emilio Sojo', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

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ENRIC GRANADOS I CAMPIÑA

(1867-1916)

[Català]

• Sobre Enric Granados: Biografía: Los primeros años La Academia Pujol Trabajar para subsistir La etapa Parisina Familia Granados-Gal La capacidad didáctica de Granados La plenitud vital El estreno de Goyescas, la Gran guerra y sus consecuencias • Obra: Música para piano Música de cámara Música para orquesta Música vocal Música escénica

• Fuentes e información adicional: Comentarios sobre la vida y la obra de Granados Honores y condecoraciones Libros sobre Granados Links Bibliografía Otros Músicos Modernistas Catalanes

Obra: Biografía: Música para piano:

-Clotilde (mazurca) -Elvira (mazurca) -A la antigua (bourrée) -Carta de amor -Valses poéticos -Carezza (vals) -Valse de concert -Exquise (vals gitano) -Minuetto de la felicidad -El amor de la Virgen -Impresions de viaje -Seis marchas militares (de las que dos son para cuatro manos) -Rapsodia aragonesa -Capricho español -A la cubana -Moresca -Danza lenta -Jácara (danza) -En la aldea (ocho piezas para cuatro manos) -Danza gitana -Canción y danza -Danzas para cantar y bailar -Doce danzas españolas (1890 Para piano, tres orquestadas por Joan Lamote de Grignon): •Galante •Orientale •Fandango •Villanesca •Andaluza •Rondalla aragonesa •Valenciana •Sardana •Romántica •Melancólica •Arabesca •Bolero -Seis piezas sobre cantos populares españoles -Escenas románticas (1903 ocho piezas):

Los primeros años: Nace en Lleida el 27 de Julio de 1867. Sus padres fueron Calixto Granados y Enriqueta Campiña. Él era capitán del ejército, de origen cubano, que poco tiempo después de haber nacido Enric, fue nombrado gobernador militar en Santa Cruz de Tenerife. Esto hace que el primer entorno de la niñez del futuro maestro, tal y como le gustaba recordar muchos años después, fuese un pequeño huerto de naranjos y limoneros que veía desde la ventana de su casa y el aroma de la flor del azahar. Solía decir de estos primeros años que entonces vivía en un verdadero paraíso. Un día el padre sufrió una caída del caballo mientras cabalgaba y aquello trajo como consecuencia que la familia se trasladara a Barcelona. Estamos en 1874 y el pequeño Enric tiene siete años. Sus padres ya se habían dado cuenta que el chico reaccionaba de una manera especial al oir música y disfrutaba con ella de una manera inusual en una persona de su edad. Un compañero de su padre era el capitán Josep Junceda, al comentarle el hecho, se ofreció a darle las primeras lecciones de solfeo. El chico progresó rápidamente y pronto se hizo patente la necesidad de buscarle un profesor de piano pues el pequeño Granados demostraba una vocación innata por la música. Formaba parte entonces de la Escolania de la Merced y allá el maestro Francesc Xavier Jurnet aceptó darle clases. Al cabo de poco tiempo, Jurnet estaba muy satisfecho de los progresos de su alumno al que enseñaba absolutamente todo lo que el sabía. Quizás la muerte reciente de su padre (que causó un gran desconsuelo en el pequeño) despertó en él la responsabilidad, al ser uno de los hermanos mayores de la numerosa familia, y le estimuló para dar todo lo que pudiera de sí mismo. El hecho es que estudiaba hasta diez horas diarias, con la ayuda de su madre, repasando una y otra vez todas las piezas que Jurnet le había podido enseñar. También a menudo tocaba para los amigos y conocidos que los visitaban para escuchar al "niño prodigio", tal y como le denominaba un joven pianista llamado Picó, que venía muy asiduamente. Fue este quien habló a su

•Mazurca •Berceuse •Alegretto •Mazurca •Allegro appassionato •Epílogo -Escenas poéticas (dos series) -Libro de horas -Bocetos (1912): •Despertar del cazador •El hada y el niño •Vals muy lento •La campana de la tarde -Cuentos de la juventud -Escenas infantiles -Allegro de concierto (1903) -Allegro apassionato -Fantasía -Paisaje -Romeo y Julieta -Goyescas (1911 - Suite para piano - seis piezas posteriormente orquestadas): •Los requiebros •Coloquio en la reja •Duo de amor •Quejas o La maja y el ruiseñor •El amor y la muerte (balada) •Epílogo, serenata del espectro -Obras fáciles para la educación del sentimiento -Seis estudios expresivos en forma de piezas fáciles -Dos impromptus -Impromptu y barcarola -El pelele -A la pradera -El crepúsculo -Ni así la distingue -El tango de los ojos verdes

Música de cámara:

-Sonata para violín y piano -Sonata para violoncelo y piano -Trio para piano, violín i violoncelo -Cuarteto para dos violines, viola y violoncelo -Romanza (cuarteto de cuerda) -Serenata (dos violines y piano) -Quinteto para piano y cuerda -Andante (violín y piano) -Primera romanza (violín y piano) -Madrigal (violoncelo y piano) -Trova (violoncelo y piano) -Oriental (oboe y cuerda) -Escena religiosa (violín, organo, piano y timbal) -Tres preludios

Música para orquesta: -Dante o La Divina Comedia (1908 - poema sinfónico) -La nit del mort (La noche del muerto 1912 - suite) -Elisenda (1912 - suite) -Navidad -Suite oriental

madre de las cualidades que veía en el pequeño Granados y le hizo ver la necesidad imperiosa de ir a visitar el maestro Pujol. La Academia Pujol: En aquella época Joan *Baptista Pujol era considerado el mejor profesor de piano de Barcelona. Bajo su dirección estudiaran, entre otros, Albéniz, Malats y Vidiella. Con el tiempo, entre estos tres y Granados arraigó una profunda amistad y admiración compartidas. "La Academia Pujol" era la forja de esta escuela catalana para pianistas y allí se presentó un buen día la señora Granados con su hijo para ver al director. Este pidió al joven Granados que tocase alguna pieza. No sabemos qué tocó el joven Granados, pero debía de hacerlo muy bien, porque no fue necesario insistir más porque inmediatamente Pujol accedió a tenerlo como alumno. Entre ambos nació una total compenetración. Granados aprendió todo y más con una avidez y unas dotes innatas que no pasaron desapercibidas al maestro. Pujol pensó inmediatamente en la presentación del aventajado alumno a uno de los famosos concursos de la Academia para pianistas noveles, una de los hitos para jóvenes revelaciones. Dijo a su pupilo que se aprendiera la Sonata en sol menor de Schumann, para lo cual Granados trabajó en cuerpo y alma. Era el año 1882 y tenía quince años al presentarse al concurso. Como no podía ser de otra manera, le otorgaron el primer premio. Según solía comentar con posterioridad esta *Sonata era la primera obra "decente" que interpretaba. Trabajo para subsistir: Para poder ayudar al sustento de su casa (diez personas que estaban con cargo a su madre, entre hijos y nietos), Granados se buscó trabajo consiguiendo un puesto de pianista en el "Café de las delicias", que más tarde cambió el nombre por el de "Lion d'Or", entreteniendo con música a los clientes, cosa que era corriente en los locales elegantes de la ciudad. Ganaba cien pesetas al mes. También trabajó un tiempo en un café de la calle Hospital, el "Café *Filipino", donde acompañaba a los espontáneos que salían a cantar o a tocar instrumentos diversos, como podían ser el violín, la trompeta, etc. Más adelante, además, dio clases a los hijos de Eduardo Conde, que era el propietario de los almacenes "El Siglo", gracias a la intervención de su hermano Zoe que hizo de mediador y a la Sonata de Schumann, que interpretó a manera de prueba para el Sr. Conde, quien quedó impresionado por la genialidad del joven maestro. Paralelamente, escribe sus primeras composiciones. Sus famosas Doce danzas españolas datan de 1883, hecho que le gustaba recalcar años después cuando fueron conocidas por el público. Este mismo año tiene una importancia trascendental para su carrera de compositor, puesto que profundiza sus conocimientos musicales de la mano de Felip Pedrell, el musicólogo y pedagogo más importante del momento en Catalunya. Finalmente había encontrado el gran maestro que su personalidad reclamaba para lanzarse con los más sólidos conocimientos a la fama y reconocimientos que le estaban esperando en todos los ambientes musicales. La etapa Parisina: Eduardo Conde era, además, un buen melómano, que comprendió

-Suite sobre cantos gallegos (cinco tiempos) -Llegenda de la fada (Leyenda del hada) -Marcha de los vencidos -Torrijos -Danza gitana -Serenata -Esbozos de dos conciertos y una sinfonía -Interludio de Goyescas (1916 última obra)

Música vocal:

-Canciones amatorias (1915 para voz y piano - texto, F. Periquet): •Descúbrase el secreto •Mañanica era •Mira que soy niña •Gracia mía •Iban al pinar •No lloráis ojuelos -Tonadillas (1910): •Amor y odio •Callejeo •El majo discreto •El majo tímido •El mirar de la maja •El tra-la-la y el punteado •La maja de Goya •La Maja Dolorosa I, II, III •Ay majo de mi vida! •Oh muerte cruel •De aquel majo amante •Las currutacas modestas •Si al retiro me llevas •El majo olvidado -Boires baixes (Nieblas bajas) -L'ocell profeta (El pájaro profeta - texto: Condesa del Castellà) -Elegia eterna i Lo rey y'l juglar (Elegia eterna y El rey i el juglar - texto: Apel·les Mestres) -Cançoneta (Cancioncilla) -Canción del pestillón -Cançó de Janer (Canción de Enero) -Cant de les estrelles (Canto de las estrellas; coro, organo y piano)

Música escénica:

-Maria del Carmen (1898 Opera - texto: Josep Feliu i Codina) -Goyescas (1916 - Opera texto: F. Periquet) -Ovillejos -Miel de la Alcarria -Blancaflor (texto: Adrià Gual) -Petrarca -Picarol (1901) -Follet (Fauno - 1903) -Gaziel (1906) -Liliana, (1911 - texto: Apel·les Mestres)

desde el primer momento la valía de Granados, autoproclamandose mecenas suyo incondicionalmente. Conde pensó que le hacía falta una estancia en París, inexcusable en aquellos tiempos para seguir las nuevas tendencias musicales. Conde se hizo cargo del desplazamiento y de todos los gastos por el tiempo que hiciera falta, y así fue como Granados con veinte años, se sitúa en París. Allá pasó de todo. Poco tiempo después de llegar contrajo unas fiebres tifoideas, de las que tardó tres meses en curarse totalmente. Esto va impedirle matricularse en el Conservatorio, pero estudió por libre en el curso Schaller. Es muy posible que este aparente inconveniente resultara a la larga beneficioso, puesto que de esta manera su temperamento de artista no estaba sujeto a horarios inoportunos. En París coincidió con el que seria gran pianista Ricard Viñes, también leridano, excompañero de la Academia Pujol. Convivieron durante una buena parte de su estancia en el "Hotel de Cologne et d'Espagne". Gracias a Viñes conocemos muchas anécdotas de este período. Otro compañero inseparable de aquellos tiempos era Malats, ninguno de los tres se perdía las lecciones de Charles de Bériot, que seguían con verdadera vehemencia. Pero después, como buena juventud, se divertían todo lo que podían. Los escritos de Viñes dan constancia de que aquellos tiempos serían los más felices de la juventud de los tres. Los alumnos del Conservatorio daban sus audiciones en la "Salle Erard" y allí Granados y Viñes tocaron juntos públicamente por primera vez, bien piezas para dos pianos, o piezas de Chopin, Schumann, Grieg y Bizet. Pese a que estudiaban muchas horas al día, también frecuentaban los Conciertos *Lamoreux, la "Comédie Française" y pedaleaban por París en un inverosímil triciclo que habían alquilado. También Granados se aficionó a la pintura, puesto que cenaba los domingos en casa de Francesc Miralles, muy cotizado ya, (habían sido vecinos de pequeños en la Rambla de Catalunya), donde curioseaba entre las pinturas y los caballetes. Más adelante, estas incursiones servirían para idear algunos bocetos para sus obras. Esta etapa se acabó en julio de 1889. Musicalmente, con toda seguridad Granados aprendió en este periodo todo lol que le faltaba saber para acabar de desarrollar su personalidad, que ya desde entonces eclosiona sin limitaciones y lo hace ya con obras de mayor envergadura por las que debía ser conocido por el gran público. A partir del retorno a Barcelona es ya un gran pianista y se dedica igualmente a la composición. La familia Granados-Gal: Profesionalmente, Granados interpretó el primer concierto importante en el "Teatro Lírico" el 19 de abril de 1890, el primero una serie de recitales que tenían como finalidad darse a conocer. Emprende una gira por una serie de ciudades de Catalunya y también en Madrid, con muy buen pie. Pero pronto dio a su vida un giro especial. Conoce a Empar Galo Llobera, que era hija de un pequeño industrial. Granados no perdió demasiado tiempo, porque en junio de 1893 se casaron en la Iglesia de la Merced de Barcelona y en julio del año siguiente nació su primer hijo, a quien pusieron el nombre de Eduard en honor de su benefactor el Sr. Eduardo Conde. Después vinieron más, Solita, Enric, Víctor, Natàlia y Paquito el último, que nació en 1901. Una familia que Granados amaba entrañablemente. Entonces debe compaginar la vida familiar con la profesional. Las

familias más vinculadas desde siempre a los Granados, serían especialmente los Conde, Miró, Pi i Sunyer y Andreu, que serían sus segundos mecenas. Las hijas de este último, Carme, Madronita y Paquita fueron sus discípulas aventajadas en la carrera de piano. Dedicó buena parte del tiempo a la composición y a la familia ya que estuvo un largo periodo sin dar conciertos. En este periodo trabaja en la ópera Maria del Carmen, (estrenada en el Teatro Circo de Parish de Madrid en 1898), la Serenata para dos violines, un Trío para violin, violoncelo y piano, la Carta de amor, dedicada a Amparo y la suite Valses Poéticos, dedicada a Joaquim Malats. Con respecto a su obra más popular Goyescas, en principio sería una recopilación de piezas inspiradas en Goya y su entorno, interpretadas durante mucho tiempo como una suite pianística. En vista del éxito que tenían, su amigo Ernest Schelling le sugirió hacer una versión para ópera, pero no se terminará hasta 1913, cuando el maestro estaba en el nivel más alto de la fama. Durante un largo periodo de tiempo, Granados vive la vida familiar, que combina con la composición, prodigándose menos en ofrecer conciertos. Aparece nuevamente cara al público en noviembre de 1895, dónde toca la Rapsodia española del maestro Albéniz, en un concierto especialmente regionalista, además de memorable por la cantidad de personalidades que reunió. Estaban entre otros Albéniz, Nicolau y Morera. Podemos situar en este momento la consagración definitiva del maestro. Entre los años 1896 y 1897 participa en unas audiciones de sonatas con el violinista belga Mathieu Crickboom, integrándose en el cuarteto del mismo nombre, fundado por el violinista. Junto con Pau Casals serían los primeros virtuosos invitados. También funda el 1899 la "Sociedad de Conciertos Clásicos". La intensa actividad se resintió una temporada, impidiéndole acabar unas oposiciones a una plaza de profesor del conservatorio de Madrid. La capacidad didáctica de Granados: En 1901 crea la "Academia Granados", primero en la calle Fontanella y posteriormente en la calle Girona chaflán Caspe. Esto causó un gran disgusto a Crickboom, pues la colaboración de Granados en su cuarteto se resintió, al emplear Granados mucho tiempo en la docencia. Las peculiaridades de la escuela eran la atención desde el primer día a la posición del brazo, la muñeca y los dedos, atención especial en el pedal - del que llegó a escribir el cuaderno didáctico "Método teórico práctico para el uso de los pedales del piano" -, evitar que se adquiriera el más pequeño vicio y si el alumno procedía de otra escuela, empezar desde el principio. También hacía repetir insistentemente los Ejercicios para cinco dedos, de Bériot, a sus discípulos, pues los consideraba ideales como precalentamiento. Él mismo decía que los practicaba siempre antes de tocar. Persona muy sensible, enseñaba con paciencia, miraba de no enfadarse, era demasiado complaciente según Boladeres. Más de una vez en plena lección, pidiendo disculpas al alumno, anotaba una idea o un pasaje que en aquel momento se le había ocurrido o incluso lo interpretaba. Esta labor pronto fue conocida y traspasó fronteras, pues Granados era muy válido por la docencia. Sobre esta cuestión, anotamos lo que dice Henri Collarín en "Les Maîtres de la Musique": "El doble talento de Granados para enseñar virtuosismo y composición se agrandó y se desarrolló de tal manera, que llegó a ser la coronación

precoz de una gloria realmente mundial". De la Academia salieron gran cantidad de artistas de la talla de Mercè Moner, Anna March, Paquita Madriguera (más tarde la mujer del guitarrista Andrés Segovia), Ferran Vía, Franck Marshall, Juli Pons, Baltasar Samper, Ricard Vives, Josep y Empar Iturbi, Josep Caminals y un largo etcétera. Con la prematura muerte de Granados el 1916, no se acabó ni mucho menos la Academia, pues Franck Marshall asumió con éxito la dirección definitiva, puesto que Eduard, un hijo del maestro, estuvo sólo tres años al frente. Desgraciadamente murió a los treinta y cuatro años de unas fiebres tifoideas. Sólo entonces pasó a denominarse "Academia Marshall" (nombre que mantiene actualmente). Este supo transmitir perfectamente a sus alumnos lo mismo que Granados le había enseñado. Nombres como Alicia de Larrocha, Rosa Sabater, María Vilardell, Carlota Garriga, Joan Tuesta y muchos otros, bebieron en las fuentes que el maestro había abierto. De la "Academia Granados", surgió lo que posteriormente se denominó "Escuela Granados", pues por la técnica y los planteamientos que enseñaba podemos decir que, junto con Isaac Albéniz, fue el creador de la moderna escuela catalana de piano. La plenitud vital: La actividad musical de Granados coincidió con el triunfo del modernismo. Su armonía refinada estaba al servicio de una estética romántica con influencias de Schumann y de Listz. Su música está impregnada de un quehacer señorial y una elegancia desbordante, sin fisuras. Interpretando al piano era sobrio, sin ninguna arrogancia en el gesto ni en la figura, lejos de amaneramientos, sin innecesarios balanceos sobre el teclado, sino que permanecía recto y serio con la cabeza bien alta. Su sensibilidad personal la transportaba al piano. Su amigo y mecenas, el doctor Andreu, le financió en 1912 la sala de conciertos de la Avenida del Tibidabo 18, que era donde hacía que sus alumnos tuvieran su primer contacto cara al público. Entre sus alumnas estaba Conxita Bahía, una joven que en principio estudió el piano con bastante lucimiento, pero en la que Granados descubrió unas dotes extraordinarias para el canto. Consideró ineludible que dejara el piano y se dedicara exclusivamente a su estudio, pues vio que sería imperdonable no hacerlo. La alumna hizo caso del maestro y llegó a desarrollar una extraordinaria carrera musical. El 1 de abril de 1911 se estrenó en la Salle Pleyel de París "Goyescas" que todavía era una suite para piano, con un gran éxito. El Sr. Pleyel le pidió repetir el concierto cuatro días después, repitiéndose el gran éxito. Entusiasmado, le regaló el piano de gran cola dónde había tocado los dos conciertos. Este piano se conserva en el Centro de Documentación Musical de la Generalitat de Catalunya. Desde aquel momento Goyescas acaparó especial atención en los ámbitos musicales. Joaquim Malats, Alfred Cortot, Edouard Risler y otros artistas la mencionan en su correspondencia. En una carta dirigida a Joaquím Malats, Granados había reseñado: "Goyescas es el pago a mis esfuerzos por llegar; dicen que he llegado. En Goyescas he encontrado toda mi personalidad; me enamoré de la psicología de Goya y de su paleta, por tanto de su maja, señora; de su majo aristocrático, de él y de la duquesa de Alba; de sus pendencias, de sus amores, de sus requiebros. Aquel blanco rosa de sus mejillas,

contrastando con las blondas y terciopelo negro con alamares… aquellos cuerpos de cintura cimbreante, manos de nácar y carmín posadas sobre azabaches; me han trastornado, Joaquín. En fin tu verás si mi música suena a color de aquel". Ernest Schelling ya hacía tiempo que le había sugerido la puesta en escena de la obra. Al fin y al cabo hizo que finalmente Granados madurara la idea, y se decidiera a hacerlo, poniéndose a orquestar de inmediato. Paralelamente, se encargó el libreto a Fernando Periquet, antiguo colaborador con el texto de las canciones de Tonadillas. Sabemos que la obra fue orquestada entre Barcelona y Vilassar de Mar, en una casa que había alquilado. A finales del 1913 quedó la obra lista. Hechos los pertinentes trámites, la obra debía estrenarse en la Ópera de París en los primeros meses de 1915, tal y como confirmaba entusiasmado su director M. Jacques Roucher en una misiva de fecha 22 de junio de 1914. Aquel estreno debía ser la consagración mundial del artista. Todo iba sobre ruedas. El estreno de Goyescas, la Gran guerra y sus consecuencias: Pero estalló la guerra europea en el mismo año y aquello cambiaba los planes trazados para el estreno de Goyescas, que ya no podía ser en París tal y como estaba programado. Entonces Schelling se movió rápidamente y buscando el momento oportuno y las personas adecuadas, siendo él parte interesada, y siempre solícito con su amigo, consiguió que el Metropolitan Opera House de Nueva York, la incluyera en su programa para la temporada 1915-1916. Además coincidiría allá con Pau Casals, a quien se le pidió que hiciera los primeros ensayos con la orquesta. Vivió con nerviosismo el cambio de planes, pues efectivamente no era el momento más apropiado para hacerse a la mar. "En este viaje dejaré la piel", había exclamado en broma en algún momento. Finalmente Granados y Amparo zarpan del muelle de Barcelona en noviembre de 1915 en el barco "Montevideo" dónde va también el guitarrista Miguel Llovet, cosa que les permitirá hacer la travesía más entretenida hablando de cosas de Barcelona. Hacen escala en Cádiz y el 30 del mismo mes salen definitivamente hacia alta mar. Por una carta que Granados escribió a sus hijos al llegar a Nueva York, sabemos que los paró un crucero de guerra francés, el "Cassard", incidente que no tuvo ninguna importancia, pero que consiguió intranquilizar al pasaje. Una vez pasado el momento de nerviosismo, Granados exclamó con su proverbial sentido del humor: "Si nos vuelven a parar, bajo!". En a la misma carta describe el viaje: "…debíamos estar 10 días y hemos estado 15. Unas cuántas horas de calma y el resto un temporal que no se acababa nunca. Creíamos que no os volveríamos a ver. Una tarde, vuestra madre y yo, nos abrazamos y rezamos para que Dios os guiara…". Llegaron a Nueva York el 15 de diciembre. Rápidamente empieza los ensayos con la orquesta, con la cual, tal y cómo estaba previsto Pau Casals ya había trabajado. Antes del estreno, el 23 de enero ofreció un concierto con el famoso violonchelista en la sociedad "The friends of Music". Graba algunos rollos de pianola para la compañía Aeolian, además de acudir a todos los lugares dónde es invitado. El hecho de tener un artista europeo en aquel momento en Norteamérica era un lujo y le sometían a todo tipo de halagos. Pocos días antes del estreno el empresario consideró que a la obra le faltaba un interludio y así se lo comentó a Granados. En

una noche escribe el compositor la que debía ser su última obra y una de las más conocidas, pero no queda demasiado satisfecho. Se lo comenta a Casals: "He hecho una cosa de mala fe, vulgar, de cara al público. Me ha salido una jota!" La respuesta de Casals lo tranquiliza: "Perfecto –le dice-. No era aragonés, Goya?". Joan Alavedra escribirá más adelante: "… cada vez que Casals toca este interludio, con aquel suspiro de tristeza que acaba la obra, parece que diga "Adiós!" a su amigo. Finalmente llega el tan esperado día del estreno. Dirige la orquesta el maestro Gaetano Bavagnoli, el coro Giulio Setti y el vestuario y decorados están a cargo de Antonio Rovescalli. Los aplausos se prolongan aquella noche, pero el día siguiente parte de la crítica se lanza sobre él, acusándolo de presuntuoso y despreciando la obra, que más que una ópera, dicen, resulta un poema sinfónico "con una parte de canto más o menos feliz, adaptado a un libreto pobre". Otros hablando del "…nervio, de la poesía, el hechizo misterioso, la riqueza y el color , el movimiento, la habilidad en la composición polifónica, las estridencias…". El caso es que Goyescas se representó tan sólo cinco veces. Económicamente resultó catastrófico, pero esto no quitó protagonismo al personaje. Incluso fue invitado por el presidente Wilson a la Casa Blanca. Para atender la invitación se ve obligado a cambiar los pasajes a Europa. Por la prisa de volver con los hijos, que hace tres meses que no ven, toman pasajes en dos barcos: El "S.S. Rotterdam" (holandés), para ir de Nueva York hasta Falmouth, y el "Sussex" (británico), de Folkestone a Dieppe. El día 7 de marzo interpreta el concierto en la Casa Blanca y el día siguiente hay una comida en la Embajada española. Allá el embajador Juan Riaño le hace ver que es una temeridad viajar en un barco beligerante. Hay intentos de cambiar los billetes, pero ya no hay tiempo y así fue como poco después, el día 11 de marzo el matrimonio Granados zarpa de Nueva York. La despedida en el muelle fue impresionante. Fueron muchos amigos y artistas, entre ellos Shelling, Kreisler y Paderewski. Le hacen entrega de una copa de plata conmemorativa del acontecimiento, en la cual están grabadas las firmas de todos ellos y un pasaje de Goyescas, con cuatro mil cien dólares dentro. Llegan A Falmouth el día 19, y visitan Londres. El día 24 salen de Folkestone con el barco "Sussex", de la Compañía de Ferrocarriles del Estado Francés a las 13,15 horas. Dos horas después el barco es torpedeado por un submarino alemán. A tenor de lo que se puede leer en el "Boletín de información para España y América del Sur" del mes de junio de 1916, eran las 14,50 horas cuando se pararon los relojes de a bordo, lo que parece indicar la hora de la catástrofe. El barco fue partido por la mitad, y la proa desapareció rápidamente mientras la popa quedaba a la deriva, siendo posteriormente remolcada hasta Boulogne, según explicaron los supervivientes. El número de muertos se estima en unos ochenta, entre ellos el matrimonio Granados, los despojos de los cuales no se han encontrado nunca. En la parte remolcada que no se hundió estaba la cabina del matrimonio, con todo el equipaje. Todo hace pensar que, de haber estado allí en el momento del impacto, las cosas hubieran sido diferentes. Joan Alavedra explica que de todos los homenajes que se le hicieron, es especialmente emotivo el que organizó Pau Casals en el mismo Metropolitan donde Granados había saludado al público días antes. Actuaron junto con él, Kreisler, Paderewsyi, Maria Barrientos, Julia

Culp y el tenor McCormack. Como despedida, con gran respeto y todo el mundo en pie, Paderewski tocó a la memoria de Granados la Marcha fúnebre de Chopin, con todas las luces del teatro apagadas y con sólo un candelabro encendido cerca del piano. Granados murió pocos meses antes de cumplir 49 años. Su gran amigo Albéniz pocos días antes. Comentarios sobre la vida y la obra de Granados: • Ricard Viñes, compañero de estudios y gran amigo dice: "El carácter de Enric era de un optimismo y de una alegría tal, que en seguida la contagiava a los que le rodeaban, debido a sus ocurrencias y risas". • Dice Joan Alavedra: "Yo he creido siempre que Granados fue un hombre feliz. Y no me refiero a sus éxitos…, sinó a las emociones que le causaba una receptividad excepcional, que en él se traducía inmediatamente en musica… le fluye de manera natural… con sus grandes ojos soñadores, va por la calle escuchando música hasta el extremo que, con frecuencia debe pararse y escribir compases en los puños blancos de su camisa". • Dice su maestro Felip Pedrell en un escrito a "La Vanguardia": "Nuestras lecciones, de lecciones tenían bien poco; eran conversaciones, o menos todavía, charlas entre compañeros con más humor que consejos. Yo sentía que cuando hablábamos de problemas técnicos un tanto complicados, se cerraba en sí mismo muy concentrado; y en darme cuenta que la regla seca y fría no tenía cabida en su inteligencia, decidí no hablarle nunca jamás de reglas, resoluciones y jeroglificos técnicos, sino de gusto delicado y cultivado, no preocupándome de nada más, sólo de dirigir tan excepcional inteligencia." • Conxita Bahía decía: "Hay una manera de tocar, un estilo Granados". • El crítico parisiense G. Jean Aubry escribe al hacer la crítica del concierto dado en la Sala Pleyel el día 5 de abril de 1911: "Granados interpreta sus obras de manera desesperante para los mejores pianistas, y con una intención tal, que nadie las conoce muy bien si no se las ha oido tocar a él. Estoy convencido de que nos encontramos con lo mejor que la música de piano ha producido en España desde la muerte de Albéniz." • El pianista Edouard Risler habla de la "…intención de cada frase, el matiz de cada acento sin perder nunca la línea expresiva, el amplio contorno de la obra…" • Claude Debussy dijo de él: "Llevaba de una manera gentil una testa genial que se no puede olvidar fácilmente". • El músico y amigo Joaquim Nin era gran admirador de Granados: "… y me sedujo su exuberante imaginación…, su desconcierto improvisado, su nobleza…, sus grandes ojos siempre a punto de llorar, de risa, admirarse o sorprenderse de todo…" recoge Henri Collarín en su libro Albéniz y Granados. Honores y condecoraciones que se le otorgaron: • La Cruz de la Légion d'Honneur. (Francia) • Las Palmes de la Academia. (Francia) • La Placa de Comendador de la Orden Civil de Alfonso XII. (España)

• La Cruz de Caballero de la Orden de Carlos III. (España) • La medalla de plata de las artes y de las letras de The Hispanic

Society of América, en Nueva York antes del estreno de Goyescas el 16 de enero de 1916. (U.S.A.)

Texto de Ricard Comas i Figueras

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Bibliografía especifica sobre Enric Granados i Campiña Títol

Autor

La música i el Modernisme

Aviñoa, Xosé

Granados

Antoni Carreras i Granados

Barcelona filarmónica. La evolución musical de 1875 a 1925

Lamaña, L.

La música a Catalunya

Lamote de Grignon

Musique et musiciens français a Barcelone, musique et musiciens catalans à Paris Quasi un segle de simfonisme a Barcelona. Vol I: De l’orquestra Pau Casals a l'Orquestra Ciutat de Barcelona Síntesi històrica de la música catalana El rossinyol abatut. Enric Granados (1876-1916 una vida apassionada Història de la Música Catalana Gran enciclopedia catalana Academia Granados-Marshall: 100 años de escuela pianística en Barcelona

Lamote de Grignon

Martorell, Oriol

Publicat per Biblioteca de cultura catalana. Barcelona Ed.de Nou Art Thor, Barcelona Elzeviriana i Libr. Camí, S.A.. Barcelona Conferència mecanografiada ca.1937. Arxiu Sra. Empar Ranch, Valencia. Conferència mecanografiada, llegida a l'Institut Francés de Barcelona el 9-5-1935 Barcelona

Any 1985 1988 1927 ca. 1937 1935

1995

Martorell, Oriol i Valls Els llibres de la frontera. Sant Manel Cugat del V. Milton, John W.

Pagès editors - Lomarraco

2005

Valls, M. Varios autores

Editorial Tàber. Barcelona Enciclopedia catalana, S.A.

1969

Varios autores

Taller editorial Mateu

2000

Libros sobre Enric Granados

Otros Músicos Modernistas Catalanes: Isaac ALBÉNIZ i Pascual Enric GRANADOS i Campiña Joan LAMOTE DE GRIGNON i Bocquet Antoni Laporta i Astort APEL·LES MESTRES i Oñós Lluís MILLET i Pagès Enric MORERA i Viura Antoni NICOLAU i Parera Jaume Pahissa i Jo Felip Pedrell i Sabaté Josep Ribas i Gabriel Amadeu Vives i Roig

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ERNESTO MAYHUIRE concertista de guitarra clásica [email protected] Nace en Perú en 1975, realiza sus estudios en el conservatorio de Lima con Óscar Zamora y perfecciona su técnica con Abel Carlevaro y Luis Orlandini. En el año 2000 completa sus estudios de guitarra en el Conservatorio de Ferraz - Madrid, con Marisol Plaza e ingresa con el primer puesto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde estudia bajo la dirección de Gabriel Estarellas y José Miguel Moreno. Ha obtenido en los últimos años premios tan importantes en certámenes de guitarra como Premio "Andrés Segovia", 1999; 1º Premio en el Concurso Internacional Comarca del Condado, Jaén 2003; 1º Premio de Interpretación de Música Española - Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, Madrid 2003, entre otros.Mayhuire ha realizado conciertos con la Orquesta Sinfónica Nacional (Lima), Orquesta Sinfónica de Trujillo, en el Auditorio Nacional de Madrid, Ateneo de Madrid, Auditorio de la Casa Encendida, II Festival Iberoamericano de Guitarra en Marruecos, Conciertos y Clases organizados por el Instituto Cervantes, I Festival Iberoamericano de Guitarra, la Laguna en Canarias, Concierto Homenaje a Antón García Abril en el Auditorio del Real Conservatorio de Madrid, entre otros. Su actuación en el Auditorio Nacional de Madrid fue un acontecimiento memorable para la crítica y el público.. En enero de 2004 participa dentro del ciclo "Grande Talentos de la Música Contemporánea Española" organizado por el Instituto Cervantes de Moscú, en el Museo Pushkin, aclamado por el público. PERUAN-ITÀ © Copyright 2001- 2004 No part of this site may be reproduced or stored in a retrieval system. All rights reserved

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Eugenio Tobalina - Página del guitarrista Eugenio Tobalina Idioma Español English multiMenu 02

Menu Principal C. V. EUGENIO TOBALINA, guitarist. He was born in Bilbao. He studied at Juan Crisóstomo Arriaga Music Conservatory in Bilbao. David Russell and Leo Brower have been of paramount importance for his professional career. Throughout his whole career he has always been highly interested in contemporary music and those less frequent pieces of music composed for guitar between 19th and 20th centuries. His career covers not only performances such as solo recitals, concerts for guitar and orchestra, recitals with singers, chamber music and electronic music, but also first performances for both unknown repertories and pieces written and dedicated to him. http://www.tobalina.es/xphp/modules…

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dedicated to him. As a solo player he has performed with the Bilbao Symphony Orchestra (in 1987 conducted by Enrique García Asensio; in 1992 by Leo Brouwer and in 1996 by José Ramón Encinar), Córdoba Symphony Orchestra (1996 by Leo Brouwer), Basque Country Symphony Orchestra (1998 by Juan José Ocón), and Pablo Sarasate Symphony Orchestra from Pamplona (1998 by Jesús Mª Echevarría). He created Synaulia Trio (flute, viola and guitar) and he collaborated with numerous chamber ensembles (Cuarteto Pro Arte, Cuarteto Arkadius, Cuarteto de Cuerdas de La Habana, LIM, Grupo Instrumental de la Orquesta de Córdoba, LIEM, Grupo Instrumental y Laboratorio de Música Electroacústica de Vitoria-Gasteiz and Ostots Musika Taldea). He has also accompanied singers such as Alfonso Echeverría, Marta Knörr, María Folco, Itziar Martínez and Maite Arruabarrena. He has played in the most prestigious festivals and concert halls throughout Spain: Auditorio Nacional (Madrid, 1992), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 1996, 97, 98 and 99), Fundación Juan March (Madrid 1998 and 2002), Auditorio Manuel de Falla (Granada, 1990), Festival Córdoba Guitarra (1993, 96, 99 and 2002), Jornadas de Música del Siglo XX (Córdoba, 1999), Quincena Musical (Donostia 1994, 97 and 99), Musikaste (Rentería, 1995, 97, 98 and 2004), Festival de Música Española (León, 1994 and 2005), Festival de Música del Siglo XX (Bilbao, 1990, 93, 95 and 96), Museo Guggenheim (Bilbao, 1999 and 2005), Palacio Euskalduna (Bilbao, 2005), Ciclo de Música del Siglo XX and Jornadas de Música Electroacústica in Vitoria-Gasteiz,… Abroad he has played in Chile (1990 and 91), Venezuela (1990), Germany (1993), France (1994, 96 and 98), Italy (1996), Poland (2000), Hungary (2001) and Taiwan (2002). He has premiered pieces of music by numerous composers, such as Valentín Ruiz (1993 and 96), Ramón Lazkano (1993), Joseba Torre (1993), Antón Larrauri (1994), Manuel Seco de Arpe (1994), Carlos Villasol (1994), Antonio Lauzurika (1994 and 1995), Zuriñe F. Gerenabarrena (1996, 97 and 2000), José Mª Sánchez Verdú (1998), Gabriel Erkoreka (1998), Jesús Torres (1998), Sabin Salaberri (1998 and 2002), Sergio Gutiérrez (2003 and 2004), David del Puerto (2004 and 2006), Alfonso García de la Torre (2004), … He has recorded Hizpide (2002) with Synaulia Trio. He has collaborated in commercial recordings with Coro Universitario del País Vasco (1993), with LIM (Carmelo Bernaola, 1993; Compositores http://www.tobalina.es/xphp/modules…

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Eugenio Tobalina - Pagina del Guitarri…

Vasco (1993), with LIM (Carmelo Bernaola, 1993; Compositores Vascos Actuales 2nd Series, 1995, and 3rd Series, 1997) and with AIREAN (Homenaje a José de Azpiazu, 2000). Likewise, he has carried out recordings for RNE, RN de Venezuela, Radio Euskadi and TVE. He has published works in Opera Tres (Cinco piezas antiguas by Rafael Rodríguez Albert, 1999), in CM Ediciones Musicales (Llanto a Manolete by Jesús García Leoz, 2006), in Ediciones Tritó (For whom the bell tolls by Roberto Gerhard/Merion Bowen, 2006 and Seis estudios para guitarra by David del Puerto, 2007) and he has also publications sponsored by Festival Córdoba Guitarra in Ediciones La Posada (La música clásica para guitarra en el siglo XX, 2001 and Andrés Segovia, 2004) At present, he teaches guitar at Juan Crisóstomo Arriaga Music Conservatory in Bilbao.

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Eugenio Tobalina - [email protected] - Desarrollado por abarrots - Directorios

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Acerca de Eva Beneke Eva Beneke was born in Berlin/Germany where she took her first guitar lesson at the age of nine and also started learning the piano. At fourteen, she played the guitar and sang in a jazz-band she and her friends had founded. In 1997 she was First Prize-Winner at the International Guitar Festival "Chitarrissima" in Saluzzo, Italy: Premio Citta di Saluzzo. In November 2005 Eva was 2nd prize-winner at the International Guitar Competiton in Zwolle/ The Netherlands (1st prize not awarded). Eva started her studies with Prof. Martin Rennert at the Hochschule der Künste Berlin, the Berlin Arts University, where she received the diploma in music pedagogics in 2002. In 1999 she spent a study-term in Vienna, where she continued her trainig with Prof. Konrad Ragossnig at the Vienna University for Music and Dramatic Arts. In 2004 she was accepted for the prestigous solodiploma-program at the Franz Liszt College in Weimar where she studied with Prof. Thomas Müller-Pering. She completed her studies in Weimar with the Konzertexamen, the highest possible degree awarded to a performer (Solo-Artist-Diploma). In 2007 the University of South California, Los Angeles awarded her a full-tuition scholarship for her studies in the class of Prof. Scott Tennant. Masterclasses with Carlo Marchione, Pepe Romero, Oscar Gighlia, Abel Carlevaro, David Russel and Roland Dyens are completing her musical education. Eva received a scholarship from the Villa Musica Foundation in Mainz/Germany (2004) and thanks to her great interest in teaching the German Federal Ministry awarded her a scholarship in 2005 for her activities in developing new pedagogical concepts in music-teaching with elderly people. Being an ambitious chambermusician and soloist, she has been invited to numerous performances and festivals such as the Christopher-Summer-Festival (Vilnius, Lithuania), GuitarFestivals of Münster and Friedrichsrode (Germany) and the Musikfestspiele Mecklenburg-Vorpommern (2006). In Lima, Peru she gave a solo-recital and taught masterclasses in the 13th edtiton of its Festival Internacional de la gitarra (2005). In 2000 she was nominated to perform within the German Symphonic Orchestra (conductor Kent Nagano) at the Los Angeles Opera.

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Fabian Carrera - Guitarist

Fabian Carrera - Guitarist Home

Life St ory

CD

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CD music samples: Parazula Ojos Negros

FABIAN CARRERA

Zapateado Ecuatoriano

Concert ist a de Guit arra Clásica y Profesor de Guit arra

Vetas de Caoba Danza Brasilera Tam bores Shy ris

ESTUDIOS MUSICALES Y UNIVERSITARIOS

ECUADOR

...more info... • Conserv at orio Nacional de Música de Quit o Concertista de Guitarra Clásica y Profesor de Música (1 985-1 9 96) • Pont ificia Universidad Cat ólica del Ecuador (P.U.C.E.) Guit ar Thought s

Facultad de Linguistica y Literatura (1 9 86 -1 99 0)

"The Guit ar" ...a poem

ESTUDIOS GUITARRISTICOS

Phot o Album Videos

• Ulpiano Car rera Guitarrista Traditional Ecuatoriano (1 9 80-1 982 )

Concert Rev iews

• Terry Pazm iño Concertista Ecuatoriano de Guitarra Clásica (1 9 86-1 9 90) • Carlos Bonilla Ch. Com positor Ecuatoriano de Guitarra Clásica (1 99 0- 2 000) • Alirio Díaz Concertista Venezolano de Guitarr a Clásica (1 987 ) • Miguel Angel Girollet Concertista Argentino de Gu itarra Clásica (1 988) • Enric Madriguera Concertista de Estados Unidos de Guitarra Clásica (1 99 0) • José Angel Pérez Puentes Concertista Cubano de Guitarra Clásica (1 9 93 ) • Pepe Rom ero Concertista Español de Guitarra Clásica (2 004 )

EXPERIENCIA DOCENTE ECUADOR

• Profesor de Guitarra Clásica en el H. Consejo Provincial de Pichincha en

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Fabian Carrera - Guitarist Quito-Ecuador (1 990-2 002 ) • Profesor de Guitarra Clásica en la Posada de las Art es Kingman (1 9 97 -1 998) • Talleres sobre “Técnica y Ejercicios Aplicados en la Guitarr a Clásica” (1 992 -hasta la presente fecha) • Profesor par ticular de Guitarra Clásica (1 9 90-hasta la presente fecha)

ESTADOS UNIDOS

• Dictó una Clase Magistral sobre Guitarr a Latinoam ericana en la Towson Univ ersit y (2 003 ) • Director Ensam ble de Guitarras de la escuela prim aria Arlington (2 003 ) • Dictó una clase de div ersidad cultur al en el McCleland Art Cent er sobre m úsica del Ecuador . (Julio 2 006 Longv iew WA).

CONCIERTOS DE GUITARRA REALIZADOS ECUADOR

• Representó al Ecuador en el “2do. Fest ival Int ernacional de Guit arra ECUADOR 94” (May o de 1 99 4) • Varios Recitales de Guitarra para Radio y Telev isión del Ecuador • Participó en el “Encuent ro de Guit arrist as Ecuat orianos” organizado por el Distrito Metropolitano de Quito por “Agosto Mes de las Artes” (Agosto 1 9 95-1 9 96 ). • Solista Inv itado de la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, interpretando: “RAICES” Concier to para Guitarra y Orquesta. (May o de 1 99 6)

ESTADOS UNIDOS

•Solista Inv itado de la Sout hwest Washingt on Sy mphony, interpretando el Conciert o para Laud y Cuerdas en Re May or de Antonio Viv aldi, en el Auditorio R.A. Long de la ciudad de Longv iew, WA (May o del 2 006). • Conciertos de Guitarr a para el Int ernat ional Fest ival 2006 auspiciado por Ethnic Support Council; en la ciudad de Longv iew, WA (Junio 2 006 y 2 007 ). • Conciertos de Guitara para KLTV Telev isión. Longv iew WA (2 007 ). • The Balt imore Classical Guit ar Societ y (Ensam ble de Guitarr as), dirigido por el m aestro Ron Pearl. Museo de Art es de Balt imore Baltim ore, MD (Diciem bre del 2 003 ) • Festiv al “La Plaza Hispana” Celebrando el Mes de la Herencia Hispana en Fell’s Point (Baltim ore, MD) (Octubre del 2 003 y 2 004).

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Fabian Carrera - Guitarist • Conciertos de Guitarr a para niños en Port Discovery t he Children's Museum in Balt imore Baltim ore, MD (2 003 , 2 004 & 2 005) • Prim er Festiv al “Annapolis Lat in Fest ival” en el Susan Cam pbell Par k; Annapolis MD. (Septiem bre del 2 004). • Festiv al “Lat ino Fest 2003 y 2004” Patterson Park Baltim ore, MD (Junio del 2 004) • Apareció en ABC NEWS (Telev isión Canal 2 ) Baltim ore, Mary land (Octubre del 2 003 ) • Festiv al “La Plaza Lat ina” en hom enaje al Alcalde de la ciudad de Baltim ore Sr. Mar tin O’Malley Baltim ore, MD (Octubre del 2 002 ) • Concierto de Guitar ra Clásica en el Museo Corcoran de Washingt on, D.C. (May o del 2 002 ) • Concierto de Guitar ra Clásica dentro de la serie Jornadas Culturales “Ecuador en Est ados Unidos” New York City , NY (May o de 1 99 7 )

Copyright © 2007 Fabian Carrera and Electronic Studios. All rights reserv ed.

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Torróba, Federico Moreno (1891-1982 Spain) Sunday, 11 September, 2005

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Biography (b Madrid, 3 March 1891; d Madrid, 12 Sept 1982). Spanish composer, conductor and critic. He first studied music with his father, José Moreno Ballesteros, an organist and teacher at the Madrid Conservatory, and with whom he collaborated on his first zarzuela, Las decididas (1912). He later studied composition with Conrado del Campo at the Royal Conservatory, where his tone poem La ajorca de oro was first performed in 1918. In 1924 he married Pilar Larregla, the daughter of a Navarrese composer; the folk music of Navarra along with that of Castile was to serve as a major source of inspiration in his music. Although not a guitarist himself, in the 1920s his growing friendship with Segovia inspired him to begin writing for the guitar, and the resulting compositions such as Sonatina (1924) and Piezas características (1931) are among his finest works. He also established himself as a composer for the stage, and his zarzuela La mesonera de Tordesillas was first performed to critical acclaim in 1925, while his most famous zarzuela, Luisa Fernanda (1932), is a representative of the last flowering of the zarzuela grande. Between 1925 and 1935 he was active as a music critic for Madrid periodicals, especially Informaciones, and used this position and his brief term in the Second Republic’s five-member Junta Nacional de Música to promote greater government support for music. With the outbreak of the Civil War in 1936, Moreno Torroba retreated to Navarra with his family, avoiding involvement in the conflict. With the ascendancy of Franco he became one of the dominant figures in Spanish music, along with Turina and Rodrigo. Rejecting the European avant garde, they embraced a conservative nationalist aesthetic that was accepted in the new political environment. In 1946 he formed a zarzuela company that toured the Americas for two seasons (he had directed productions of his zarzuelas in Buenos Aires annually since 1934). In the 1950s Moreno Torroba’s satirical zarzuela Bienvenido, Mister Dolar (1954) reflected the growing political and military cooperation between the USA and Spain along with the influx of American capital and culture, while María Manuela (1957) became his most popular zarzuela of the decade. His output diminished as the public appeal of the zarzuela waned in the 1960s and his own work became increasingly seen as dated. Consequently, he devoted more time to conducting and recording, returning several times to Latin America to conduct performances of his own works. He continued to compose for the guitar, however, writing the Concierto de Castilla (1960) for Segovia, Homenaje a la seguidilla (1962) and Diálogos entre guitarra y orquesta (1977), among the best of his concertos. The two books of Castillos de España (1970 and 1978) for solo guitar are among his most notable successes in that genre. Among his last works is his second opera El poeta, first performed in 1980 with Plácido Domingo.

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Moreno Torroba was a major figure in Spanish music of the 20th century who flourished despite the political and social upheavals that surrounded him. His music has often been described as ‘castizo’, employing elements of folk and art music which are of distinctly Spanish ‘pure cast’. A nationalist, he believed that fidelity to Spain’s heritage, rather than imitation of foreign models, would lead to the universality of Spanish music. His musical palette was not limited to strict folklorism, and he acknowledged a wider musical influence through the works of Debussy, Ravel, Franck, Wagner and, in later years, Bartók. His accessible, lyrical style maintains a strong sense of tonality through the use of conventional forms while judiciously employing extended triadic harmonies, modality, remote modulations and colourful orchestration. His zarzuelas also draw upon expressly regional motifs and references to traditional and contemporary urban culture.

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Moreno Torroba held many prominent positions including Comisario del Teatro Zarzuela, director of the Compañía Lírica and, from 1974, president of the Sociedad General de Autores de España, through which he served as a cultural diplomat. He was elected as the director of the Academia de Bellas Artes de S Fernando in 1978, and died four years later at the age of 91. WALTER AARON CLARK, WILLIAM CRAIG KRAUSE: 'Federico Moreno Torroba', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

Works for Guitar Aires de La Mancha (Jeringosa) Andante from Sonatina Burgalesa Coplilla Fermosa Improvisando Jeringonza Jota Levantina La Pastora Madroños Melodia Molinera Nana (berceuse) Nocturno Nostalgia Perte Cerrada Prelude in E Puerto de Alcala Quien te puso petenera Seguidilla Toledo Toriha Trova Uallego el invierno Aires de La Mancha Coplilla Fandango La Pastora Seguidilla Ya llega el Invierno Estampas Amanecer Bailando un fandango charro Camino del molino Fiesta en el pueblo Juegos infantiles La boda La siega Remanso

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Piezas caracteristicas Albada (Allegro giocoso) Cancion (Lento) Los Mayos (Allegro non tanto) Oliveras (Allegretto) Panorama (Lento) Preambulo (Lento) Puertas de Madrid No. 01 - Puerta de Alcalá No. 02 - Puerta del Angel No. 03 - Puerta de Cerrada No. 04 - Puerta de Hiero No. 06 - Puerta de San Vicente No. 07 - Puerta de Toledo No. 08 - Puerta de Moros Siete Piezas de Album Aire Vasco Ay Malgueña Bolero Menorquin Chisperada Minueto del Majo Rumor de Copla Segoviana Sonata-Fantasía I. Lento-Allegretto II. Allegretto III. Allegro Sonatina I. Allegretto II. Andante III. Allegro Suite Castalana (Castillos de Espagna) No. 01 - Alcázar de Segovia (Llamada) No. 02 - Alba de Tormes (Trova) No. 03 - Montemayor Romance De Los Pinos No. 04 - Zafra (Fantasmas) No. 05 - Manzanares del Real (A la moça fermosa) No. 05 - Puerto de San Vincente No. 06 - Sigüenza (La Infanta Duerme) No. 07 - Simancas No. 08 - Turégano No. 09 - Torrija (Elegía) No. 10 - Calatrava No. 11 - Redaba No. 12 - Àlcañiz (Festiva) No. 13 - Javier (Evocacion) No. 14 - Olite Suite Castellãna No. 01 - Fandanguillo No. 02 - Arada No. 03 - Danza Triptico Festiva Pintoresca Romance

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Ferdinando Carulli De Wikipedia, la enciclopedia libre Saltar a navegación, búsqueda

Ferdinando Carulli Ferdinando Carulli (Nápoles, 9 de febrero de 1770 — París, 17 de febrero de 1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar este instrumento.

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1 Biografía 2 Su estancia en París 3 Obra 4 Enlaces externos

Biografía [editar] Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento. Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra.

Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras. Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841.

Su estancia en París [editar] La primera mitad del siglo XIX experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileño Dionisio Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió el guitarrista más prominente de la ciudad ocasionalmente rivalizando con Carcassi- hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa.

Obra [editar] Su éxito se basó en que fue el primer guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Asimismo trabajó con el guitarrero francés Lacote en el perfeccionamiento de la sonoridad del instrumento. Entre sus muchos trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes. Su pieza musical para guitarra titulada Los tres días (1830), describe los días de la revolución de París de 1830.

Enlaces externos [editar] Grabaciones de Ferdinando Carulli Partituras de Ferdinando Carulli Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Ferdinando_Carulli" Categorías: Compositores del clasicismo de Italia | Compositores del romanticismo de Italia | Guitarristas de Italia | Nacidos en 1770 | Fallecidos en 1841 Vistas • • • •

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05-10-2008

Música de categoría para Victoria

Martes 22 de m ayo de 2007

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M úsica de categoría para Victoria “Yo creo, por la calidad y relevancia de los músicos, debe ser uno de los conciertos de mayor categoría que se ofrecen en Victoria”. Así es de categórico Fernando Donoso al momento de hacer alusión al concierto que se efectuará este jueves 24 de mayo a las 20:00 hrs, en el Centro Cultural Waldo Orellana, denominada “Tertulia a tres guitarras”. La iniciativa, organizada por la Escuela de Artes de la Universidad Arturo Prat, en conjunto con la Municipalidad de Victoria, a través de su Departamento de Cultura, reunirá a tres virtuosos de las seis cuerdas: Alejandro Arroyo, Fernando Bravo, y Fernando Donoso, este último Director de la Escuela de Artes de la UNAP. Según indicó el maestro Donoso, para la ocasión han El maestro Fernando Bravo, será uno de los preparado un programa musical que recorrerá importantes importantes músicos que estarán presentes en la tertulia musical creaciones del periodo renacentista y de la época barroca, el cual se tiene contemplado tenga una extensión de una hora y quince minutos. Aprovechar la invitación

Pocas veces se tiene la oportunidad de presenciar y disfrutar de un evento de esta categoría en Victoria, y de manera absolutamente gratuita, por lo que desde ya la invitación está extendida a todas aquellas personas que “estén dispuestas”, a deleitarse con la mejor música clásica. Por lo mismo, reiteramos la invitación para este jueves 24 de mayo a las 20:00hrs. En el centro cultural Waldo Orellana. Los músicos

Respecto de la categoría y currículum de los músicos, sólo señalaremos sucintamente que Fernando Bravo realizó estudios de Postgrado sobre Música Contemporánea en el Conservatorio Superior de Barcelona y la Guildhall School of Music & Drama de Londres; actualmente integra la Orquesta Barroca del Instituto de Música de Santiago y el "Dúo de Guitarra y Piano" junto a su colega Mirtha Rojas. Alejandro Arroyo, en 1990 fue becado por el Conservatorio de Tarragona- España para continuar estudios de perfeccionamiento con la Maestra Maria Luisa Anido; Actualmente es académico de la Universidad de la Frontera de Temuco. Fernando Donoso Realizó Postgrado en el Conservatorio Superior de Barcelona España, con el maestro Jordi Codina i Torrecillas; Actualmente se desempeña como Director de la Escuela de Artes de la Universidad Arturo Prat Sede Victoria.

Copyright © Universidad Arturo Prat - Chile

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Fernando BRAVO DONOSO Fernando BRAVO DONOSO (Chile). Concertista, estudió en la Universidad de Chile e hizo sus posgrados en Barcelona y Londres. Con Neven Sulic conforma el "Dúo de Guitarras" fundado en 1975. Numerosos conciertos en América y Europa. Como compositor desarrolla las formas clásicas con temáticas del folklore chileno y compone música para teatro. Obras:

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Carulli, Fernando (1770-1841 Italy-France) Sunday, 11 September, 2005

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Biography (b Naples, 9 Feb 1770; d Paris, 14 Feb 1841). Italian guitarist and composer. He was born into a well-to-do family and was taught the rudiments of music by his cello teacher, a priest, though around the age of 16 his interest shifted decisively to the guitar. The leading Italian guitarist of his time, he moved to Paris some time after the birth of his son (1801) with his French-born wife Marie-Joséphine Boyer. The first indication of his presence outside Italy dates from around 1803, when Gombart of Augsburg brought out a handful of publications; other works were published in Paris and Vienna in 1806–7, principally by Leduc, Pleyel and Artaria, and in Hamburg (Böhme) and Milan (Monzino). From 1809 Carulli made Paris his permanent home, where he was at the centre of the phenomenon known as guitaromanie, establishing himself as a virtuoso, composer and teacher. According to contemporary music critics, Carulli was the first to reveal to Paris audiences what the guitar was capable of in terms of expressivity, timbre, harmony and virtuosity, and he brought about a change in taste and performing practice. Within a few years he also published dozens of the manuscripts which he had brought with him from Italy. The work which signalled his success more than any other was the Méthode complette op.27 (1810 or 1811), which was soon being reprinted repeatedly both in France and abroad, and for decades was the basic teaching work for entire generations of guitarists. For years he had practically no serious rival, except for his two fellow Italians Matteo Carcassi and Francesco Molino. His privileged position lasted at least until 1823, when Fernando Sor arrived in Paris. In 1826 he built and patented, together with the Paris instrument-maker René Lacote, an unusual, ten-string guitar, which he called a decacordo (popularized by Narciso Yepes in the 20th century), for which he also wrote a Méthode complete, op.293 (1826).

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A pioneer in the evolution of the six-string guitar and its use as a solo instrument, Carulli was one of the founders of the guitar’s modern expressive vocabulary. His guitar music displays elements borrowed from contemporary piano and violin writing, with virtuoso passages as unusual as they were technically demanding: rapid arpeggio figurations, rising phrases and scales in single or double lines along the entire length of the fingerboard, rapid passages in 3rds, 6ths and octaves (both broken and together), and the use of left-hand legato technique, glissandos and harmonics. Another important current in Carulli’s work as a composer was his programme music on pastoral, mythological, ‘meteorological’, military and political themes, e.g. the Sonata sentimentale (Napoleone il Grande) (1807), La Paix, pièce historique op.85 (1814), the divertimento La girafe à Paris op.306 (1827) and La prise d’Alger op.327 (1830). But compared with the work of other contemporary guitarist-composers the defining character of Carulli’s output is the strong showing of chamber music, which accounts for more than half of his total of 366 opus numbers. It is written for a variety of instrumental combinations – duos, trios and even quartets – which evoke a clientele very different from the stereotype of the lone amateur. Various songs and arias for soprano and guitar date from this Italian period. Carulli was tireless as a teacher: in addition to his Méthode op.27 and its successors, his most successful educational collections include L’utile et l’agréable op.114 (?1817), which contains the famous 24 Preludes, the Morceaux faciles op.120 (1817 or 1818) and the series

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entitled Un peu de tout op.276 (1825). Carulli also published a treatise on transcription, called L’harmonie appliquée à la guitare (1825), a unique document in guitar literature. Gustavo Carulli (b Livorno, 15 June 1801; d Boulogne-sur-mer, 27 Oct 1876), the son of Ferdinando, studied singing and composition with Paër and Isouard. Like his father, he was a guitarist and teacher and published a guitar Méthode, op.4 (Paris, 1825). He taught singing at the Paris Conservatoire, and wrote a Méthode de chant (Paris, 1838) dedicated to his friend Gilbert Duprez. He also made transcriptions and composed vocal and instrumental chamber works and a farsa on a libretto by Gaetano Rossi, I tre mariti (Milan, 1825), which was performed at La Scala on 18 March 1825. After pursuing a career as an opera composer in France with no success, he lived in London from 1845 for a few years and then retired to Boulogne, where he continued to teach singing and harmony until his death. One of his pupils was the organist Alexandre Guilmant.

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Mario Torta: 'Ferdinando Carulli, Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

Works for Guitar 24 pieces 29 Pieces 6 Preludes Allegretto Amour Andante Andante Autant qu'il m'en souvient Duet in g Duo in G I Duo in G II I. 18 duos brillants et faciles pour deux guitares II. 18 duos brillants et faciles pour deux guitares IV rondeaux pour la guitarre Je revenais de mon village L'angelus L'inquietude La coquette du village La lanterne magique La mere et l'amant La petite mendiante Larghetto espressivo Le bon pasteur Le Nid et la Rose Le petit doigt Lento in E minor Les trois ages du troubadour Moderato Mosaique des morceaux favoris de l'opéra Les huguenots des G. Meyerbeer Nocturne de salon Ouverture aus der Oper Die heimliche Ehe Musik von Cimarosa Für Guitarre und Flöte eingerichtet Ouverture aus der Oper Iphigenia in Aulis Musik von Gluck für Guitarre und Flöte eingerichtet Partie I-IV - Grand recueil pour la guitare contenant 48 preludes et 24 morceaus Polonaise Prelude in A minor Rondeau pour 2 guitarres Rondo Rondo Recueil Rossini collection des ouvertures arrangées pour violon & guitarre No. 2 Cenerentola Sarabande Scherzo Siciliana Solo pour guitare Study Theme et variations Tondo in G major Trois divertissements pour guitare et flûte ou violon sur des motifs des Huguenots de

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Meyerbeer Vals allegretto Lessons / Exercises Guitar school, öfversättning efter den nyaste omarbetade upplagen af C. F. Bock Lesson and Exercises by Carulli Op. 241 Neue praktische Guitarre Schule Op. 002 L'Orage - Sonate Sentimentale pour Guitare Op. 004 Trois duos pour guitarre et violon Op. 005 Largo Rondo Sonata Op. 007 Serenade pour deux guitarres Op. 009 Trois Walzes pour la guitarre Op. 016 Sonate Adagio Sonate Moderato Sonate Rondo Op. 027 Duo concertant pour le violon et guitare Op. 028 Heft II - Meisterwerke für zwei Gitarren Op. 034 I - Meisterwerke für zwei Gitarren II - Meisterwerke für zwei Gitarren No. 02 - Duo Op. 072 Troisieme Divertissement pour les commencans Op. 073 Fandango Danse Espagnole Op. 085 Paix Op. 089 Trois duos pour deux guitarre Op. 096 No. 02 - Serenade D No. 03 - Serenade G Sérénade favorite A dur Op. 102 Fantaisie pour violon et guitare sur un air national anglais Op. 109 No. 01 - Sérénade pour guitarre et flûte No. 02 - Sérénade pour guitarre et flûte Op. 124 No. 12 - Rondo

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Op. 128 Six petits duos nocturnes pour deux guitarres I Six petits duos nocturnes pour deux guitarres II Op. 141 Polonaise Op. 143 No. 02 - Trois nocturnes concertans pour deux guitares No. 03 - Trois nocturnes concertans pour deux guitares Op. 146 Trois petits duos Op. 155 Andante varié et Rondeau aus der Sonate in As dur - Op.26 von L. van Beethoven Op. 166 Trois airs variés pour deux guitarres Op. 189 I Trois duos nocturnes pour pianoforte et guitare composés par Gustave et Ferd. Carulli Op. 191 Trois petits duos pour flûte et guitarre Op. 197 Fantaisie avec variations sur des airs de La gazza ladra de Rossini Op. 209 Trois divertissements à l'espagnole pour la guitarre Op. 211 18 petits morceaux, faciles et progressives Op. 218 Nocturne brillant et non difficile pour deux guitarres Op. 246 Poco Allegretto Op. 264 Morceaux progressifs pour la guitare à l'usage des commençants Op. 306 La Girafe a Paris Op. 317 No. 02 - Divertissement Op. 320 No. 02 - Sei Andanti Op. 330 La Marseillaise variée pour la guitare Op. 331 Les trois jours pièce analogue aux événemens de trois mémorables journées 27, 28 et 29. juillet 1830 Op. 333 Grand recueil de morceaux progressifs pour la guitare Ie partie Op. 337 Fantaisie pour flûte et guitare sur deux motifs du Pirate , de Bellini

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Op. 364 Ma Normandie romance , de Fréderic Bérat

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Sor, Fernando (1778-1839 Spain) Sunday, 11 September, 2005

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Biography

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(b Barcelona, bap. 14 Feb 1778; d Paris, 10 July 1839). Catalan composer and guitarist. He was educated at the choir school of the monastery of Montserrat, and then attended the military academy in Barcelona. His opera Telemaco was produced at the Teatro de la S Cruz, Barcelona, in 1796. In 1799 he moved to Madrid, and from then until 1808 he held administrative sinecures in Barcelona and the vicinity of Málaga, making occasional visits to Madrid. During this period he composed symphonies, string quartets, a motet and many boleros and seguidillas boleras for voice with guitar or piano accompaniment. Some of his works for solo guitar were probably also written at this time. Sor fought against the French during the invasion of 1808 and composed patriotic songs, of which Vivir en cadenas and Venid, vencedores (both with words by J.B. Arriaza) became famous. But in about 1810, like many Spanish intellectuals, he accepted an administrative post under the French. When the French retreated in 1813, he was obliged to leave Spain, and went to Paris.

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In 1815 Sor moved to London, publishing there 11 sets of three Italian ariettas for voice and piano, of which the Repository of Arts wrote (1 March 1820): ‘Mr. Sor's vocal compositions have gained such favour that a new set of arietts, from his pen, causes almost as much sensation as the publication of a new novel by the author of Waverley’. At this time he also published vocal duets and two English songs, as well as pieces for piano solo, piano duet and solo guitar. Four of his ballets were produced in London between 1821 and 1823, the most successful of which was Cendrillon. At its première the famous dancer Maria Mercandotti achieved her first big success in England. Cendrillon was danced at the Paris Opéra over 100 times and chosen for the grand opening of the Bol'shoy Theatre in Moscow in 1823. Sor went to Russia in that year with the ballerina Félicité Hullin, who danced the title role in the Moscow production. In 1826 he returned to Paris, publishing there immediately six guitar compositions probably written while he was in Russia and later his Méthode pour la guitare (1830) and further compositions for the instrument. He continued to teach and play the guitar until his death. Sor achieved fame as a concert performer on the guitar and is best known for his more than 65 compositions for that instrument, which form an important part of the classical guitar repertory. He took from Moretti the idea of playing on the guitar not merely chords but music in parts, and acknowledged his debt to Haydn and Mozart in matters of style. His Méthode has been called ‘easily the most remarkable book on guitar technique ever written’ (Grunfeld, 182). As well as his guitar compositions, his songs and ballet music were admired throughout Europe. His vocal music influenced his guitar music, above all in its treatment of melody. Brian Jeffery: 'Fernando Sor', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

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Air Varie pour la Guitar Jagdstueck La Candeur - Petite Reverie March from Cendrillon March from Cinderella Minuet 1 Minuet 2 Minuet 3 Minuet 4 Theme Varie pour la Guitar Variations on a Theme of Mozart

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2nd Guitar Fantasia Introduction Rondo Allegretto Deux Etudes de la Méthode en Do Majeur - Andante C en Do majeur C Estudios Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Estudio No. Etudes Etude No Etude No Etude No Etude No Etude No Etude No Etude No Etude No Etude No

01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19

11 in E minor 13 in B flat major 16 in D minor 17 in C major 18 in D major 19 in A major 2 in A major 20 in A minor 8 in C major

Op. 01 - Six Divertimentos 1st Set 1 Divertimento I - Andante 2 Waltz Allegretto 3 Larghetto 4 Andante 5 Theme & Variations Andante Sostenuto 6 Marcia Op. 02 - Six Divertimentos 2nd Set 1 Tempo di Minuetto 2 Waltz 3 Andantino 4 Tempo di Minuetto 5 Waltz 6 Siciliana

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Op. 03 (Complete) 1 Varied Air 2 Theme, Variations 3 Minuet in G Op. 04 - 2nd Guitar Fantasia (Complete) Op. 05 - Six Petites Pieces 1 Menuet 2 Valse 3 Menuet 4 Allegro 5 Andante Largo 6 Op. 06 Study 03 Study 04 Study 05 Study 06 Study 07 Study 08 Study 09 Study 10 Study 11 Study 12

in in in in in in in in in in

E/Em G Allegretto C Andante A Allegro D Allegro C Andantino Dm Andante C Moderato - Maestoso Em/E Allegro Moderato A Andante

Op. 07 Deuxième Fantaisie Op. 08 - Six Divertimentos 3rd Set 1 Menuetto 2 Walze 3 Andantino 4 Allegretto Scherzoso 5 Marcia 6 Walze Op. 09 Var.Theme by Mozart Op. 10 Fantaisie Op. 11 - 2 Var Themes & 12 Menuets Menuet 01 in G Andante Menuet 02 in Gm Andante Menuet 03 in G Maestoso Menuet 04 in D Andante expressivo Menuet 05 in D Andante Maestoso Menuet 06 in A Andante Maestoso Menuet 07 in Am Andante Menuet 08 in A Andante con moto Menuet 09 in Em Andante Menuet 10 in E Andante con moto Menuet 11 in F Menuet 12 in B Flat Andante Varied Theme I in C Andante Varied Theme II in F 6th to F Op. 12 Quatrième Fantaisie Op. 13 - Six Divertimentos 4th Set

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Tempo di Minuetto Waltz Andantino Cantabile Andante Pastorale March

Op. 14 Grande Solo in D Major Op. 15 1 Les Folies D'Espagne 2 Minueto 3 Sonata Seconda pour la Guitare 4 Thème Varié pour la Guitare Op. 16 - Cinquième Fantaisie (Complete) Cinquième Fantaisie - Introduction Cinquième Fantaisie - Theme, Variations, Coda Op. 17 - Six Valtzes 1 Walze 2 Walze 3 Walze 4 Walze 5 Walze 6 Walze Op. 18 - Six Valtzes 1 Walze 2 Walze 3 Walze 4 Walze 5 Walze 6 Walze Op. 19 - Six Airs Choisis de l'Opera de Mozart Il Flauto Magico 1 Marche Religieuse 2 Fuggite o voi beltá fallace 3 Giu fan ritorno i Geny amici 4 O dolce harmonia 5 Se potesse un suono &c 6 Coeur - Grand Isi grand'Osiri Op. 20 - Introduction and Theme Varie Introduction Theme Varie Op. 21 La Despedida (“Les Adieux”) Op. 22 - Grande Sonate (Complete) Adagio Allegro Minuetto Rondo Alegreta Op. 23 - Cinquième Divertissement 01 Valse 02 Allegretto 03 Valse 04 Allegretto 05 Minuet 06 Andante 07 Valse

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08 Allegretto ma non troppo 09 Minuet 10 Allemande Op. 24 - Huit Petite Pieces 1 Menuet Andantino lento 2 Menuet 3 Allegretto 4 Menuet Andante 5 Menuet Andante 6 Menuet Andante 7 Allegretto 8 Menuet Andante Op. 25 - Deuxième Grande Sonate (Complete) Alegro Andanto Minueto Theme Op. 26 Introduction & Var. on "Que ne suis-je la fougère!" Op. 27 Variations on “Gentil housard” Op. 28 Introduction et Variations sur l'Air: Marlbroug Op. 29 Study 13 Study 14 Study 15 Study 16 Study 17 Study 18 Study 19 Study 20 Study 21 Study 22 Study 23 Study 24

in in in in in in in in in in in in

B Flat Andante Lento F Andante Moderato A Andantino A Minor Lento assai C Allegro Moderato Em Andante E D 6th to D. Moderato D Natural Harmonics Lento E Flat Andantino G Allegretto Em

Op. 30 Septième Fantaisie Op. 31 - 24 No.01 Leçon No.02 Leçon No.03 Leçon No.04 Leçon No.05 Leçon No.06 Leçon No.07 Leçon No.08 Leçon No.09 Leçon No.10 Leçon No.11 Leçon No.12 Leçon No.13 Leçon No.14 Leçon No.15 Leçon No.16 Leçon No.17 Leçon No.18 Leçon No.19 Leçon

Progressive Lessons I in C, Andante. 2/4 II in Am, Andante 2/4 III in D, Allegretto moderato 6/8 IV in B Minor, Andante 2/4 V in G, Major, Andantino 4/4 VI in E Minor, 4/4 VII in E, Allegretto 2/4 VIII in A Maj/Min, Andante 2/4 IX in C, Allegretto. 6/8 X in D Major, Cantabile. 3/4 XI in F, Moderato. 6/8 XII in D Minor, Andante. 4/4 XIII in C Major, Andante. 3/4 XIV in G Major, Andantino. 2/4 XV in D Major. 3/8 XVI in D Minor, Moderato. 2/4 XVII in C Major. 2/4 XVIII in B Minor, Moderato. 6/8 XIX in A, Andante. 2/4

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No.20 No.21 No.22 No.23 No.24

Leçon Leçon Leçon Leçon Leçon

Op. 32 No.1 in No.2 in No.3 in No.4 in No.5 in No.6 in

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XX in A minor, Andante allegro. 4/4 XXI in F, Andantino cantabile. 3/4 XXII in B Flat Major, Tempo di marcia. Moderato. 4/4 XXIII in E Major, Mouvement de priere religieuse. 2/2 XXIV in E Major, Allegretto moderato. 6/8

- Six Little Easy Pieces E Andantino E Waltz D/Dm Andante Pastorale D Mazurka Em Andante Em Galop

Op. 33 - Trois Pièces de Société No.1 Moderato cantablile No.2 Andante No.3 Sicilienne Op. 34 - L'Encouragement (Complete) Catabile Theme & Variations Waltz Op. 35 - 24 Very Easy Lessons Study #01 in C Major, Andante. 4/4 Study #02 in C Major, Andantino. 3/8 Study #03 in A Minor, Larghetto. 3/4 Study #04 in G Major, 3/4 Study #05 in G Major, Allegretto. 2/4 Study #06 in D Major 2/4 Study #07 in E Minor, Andante. 12/8 Study #08 in E Major, Allegretto. 3/8 Study #10 in F Major, 2/4 Study #11 in D Minor, Allegretto. 2/4 Study #12 in F, Andantino moderato. 6/8 Study #13 in C, Andante. 2/4 Study #14 in C/A Minor, Andante. 2/2 Study #15 in A Major, Allegretto. 2/4 Study #16 in D Minor, Moderato. 3/4 Study #17 in D, Moderato. 4/4 Study #18 in E Minor, Andantino. 2/4 Study #19 in C Major, Moderato Study #20 in A Major, Tempo di minuetto. 3/4 Study #21 in A Major, Andante. 2/4 Study #22 in B Minor, 3/4 Study #23 in E Major, Andante. 2/4 Study #24 in E Minor, Allegro moderato. 4/4 Op. 36 - Trois Pièces de Société No.1 No.2 No.3 Op. 37 Serenade Op. 38 - Divertissement Andante Divertissement Valse Op. 39 - Six Walzes No. 1 No. 2 No. 3

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No. 4 No. 5 No. 6 Op. 40 Fantasia: Intro. & Var. on "Ye banks and braes" Op. 41 - Les Deux Amis (Complete) Introduction - Andante Largo Theme & Variations Op. 42 - Six Petites Pieces 1 Cantabile 2 Valse 3 Andantino 4 Valse 5 Moderato 6 Valse Op. 43 - Mes Ennuis Six Bagatelles 1 Andantino 2 Allegretto 3 Andante Cantabile 4 Mazurka 5 Andante 6 Valse Op. 44 - 24 Little Pieces No. 01 in C 4/4 Andante No. 02 in C 2/4 Allegretto No. 03 in C 3/4 Andantino No. 04 in C 2/4 Allegretto Moderato No. 05 in C 3/8 Andantino No. 06 in G 3/4 Moderato No. 07 in G 2/4 Andante Allegro No. 08 in G 2/4 Allegretto No. 09 in G 4/4 Andantino No. 10 in G 6/8 Allegretto No. 11 in E Minor 4/4 Andante No. 12 in E Minor 6/8 Andantino No. 13 in E Minor 3/8 Allegretto No. 14 in D 3/4 Tempo di minuetto moderato No. 15 in D 2/4 Andante No. 16 in D 2/4 Andante No. 17 in D Minor 3/4 Cantabile No. 18 in D Major 4/4 Marche No. 19 in D 6/8 Allegretto No. 20 in A 2/4 Andantino No. 21 in A 3/4 Andante No. 22 in A Minor 2/4 Andantino No. 23 in A Minor 6/8 Allegro moderato No. 24 in A 3/8 Valse Op. 44 bis - Six Valses Facile Valse 1 Valse 2 Valse 3 Valse 4 Valse 5 Valse 6 Op. 45 - Voyons si c'est ça 1 Andantino 2 Allegretto 3 Andante 4 Valse

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5 Andante 6 Op. 46 - Souvenir d'Amitié, Fantasie (Complete) Allegretto Andante Moderato Andantino Op. 47 - Six Petite Pieces Progressives 1 Andante 2 Allegretto 3 Andante 4 Allegretto 5 Cantabile 6 Valse Op. 48 - Est-ce bien ça? 1 Marche 2 Valse 3 Menuet avec Variations 4 Valse 5 6 Rondeau Allegretto Op. 49 - Divertissement Militaire (Complete) Allegretto & Trio Andante Marche & Trio Op. 50 - Le Calme, Caprice Le Calme, Caprice Op. 51 - a la bonne heure, Six Valses 1 Valse 2 Valse 3 Valse 4 Valse 5 Valse 6 Valse Op. 52 Fantaisie Villageoise Op. 53 Le premier pas vers moi Petit Op. 54 Morceau de Concert Op. 54 bis Fantaisie Op. 55 - Trois Duos Facile et Progressifs No.1 No.2 No.3 Op. 56 Souvenirs d'une Soirée à Berlin Op. 57 - Six Valses et un Galop Galop Valse No1 Valse No2 Valse No3

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Valse No4 Valse No5 Valse No6 Op. 58 Fantaisie Op. 59 Fantaisie Elegiaque Op. 60 - 25 Progressive Lessons No. 01 in C 4/4 No. 02 in C 3/4 No. 03 in C 4/4 No. 04 in C Minor 3/4 No. 05 in A minor/Maj 6/8 No. 06 in C 2/4 No. 07 in C 3/8 No. 08 in C 4/4 No. 09 in C 4/4 No. 10 in C 4/4 No. 11 in G 6/8 Allegretto No. 12 in G 2/4 No. 13 in C 2/4 No. 14 in E Minor 3/4 No. 15 in E 6/8 Allegro No. 16 in G 2/4 Andantino No. 17 in C 2/4 Allegro Moderato No. 18 in A Minor 4/4 No. 19 in G 6/8 No. 20 in B Minor 2/4 No. 21 in C 6/8 Allegretto No. 22 in E Minor 2/4 Allegretto moderato No. 23 in A 2/4 Andantino No. 24 in D Minor 4/4 Allegro moderato No. 25 in D (Harmonics) 6/8 Andante cantabile. 6th to D Op. 61 - Trois Petits Divertissements No.1 No.2 No.3 Op. 62 Divertissement pour deux Gitares Op. 63 - Souvenir de Russie (Complete) Allegretto Introduction - Andante Moderato Theme - Cantabile Variations 1-9

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Fiestas, Música y Danzas Sección del blog de GOLPE TIERRA, Red Peruana de Cultura

jueves 28 de febrero de 2008

Festival Jóvenes Talentos de la Guitarra peruana Archivo del blog ▼ 2008 (29) ▼ abril (3) Misa a Félix Pasache 20 de abril 3:0 0 PM. Callejó... Tradiciones de Chiclayo al festival folklórico de ... Programación del I Festival del Cajón peruano ► marzo (24) ► febrero (2)

Enlaces de interés Cajón peruano Charango Perú

Lunes 21: Leonardo Cossío. Gonzalo Medina Solano, Aarón Alfonso Alva, Celín Sergio García. LEONARDO ABRAHAM COSSÍO LUNALeonardo Cossío (1984) empezó a tocar la guitarra a los nueve años de edad. A los trece años ingreso en primer puesto en el orden de méritos a la especialidad de guitarra clásica en el Conservatorio Nacional de Música, donde estudia con el profesor Óscar Zamora. Desde entonces, por su destacado rendimiento académico el CNM le otorga una beca de estudios. Desde el año 2006 realiza estudios con el maestro Ricardo Barreda. Al mismo tiempo recibe clases de Laúd e interpretación de música antigua con la maestra María Eugenia Codina. A los quince años realizó su primer recital como solista. En el año 2003 ofreció un recital en la iglesia San José el Viejo (Guatemala). Ha participado en cursillos y clases maestras tales como Pablo Márquez, Lorenzo Micheli, Ernesto Mayhuire, Frank Bungarten, Jesús Castro Balbi, Luis Orlandini, Tom Patterson etc. También ha participado en el Festival Nacional de Guitarra Tacna 2001, y en festivales internacionales como Musicampus 2007 (Córdoba-Argentina) y el III Seminario Internacional de Guitarra (Ibagué-Colombia).

GONZALO MARTÍN MEDINA SOLANOGuitarrista Arequipeño (1980); inicia su carrera artística a la edad de 16 años; autodidacta en su estilo e impulsador de las diferentes melodías de la música peruana autóctona. Ingresó a la Universidad Nacional de San Agustín en la especialidad de música. Recibió clases de los maestros Alejandro Dávila, Jorge Herrera Santander, Manuelcha Prado, Miguel Mansilla Guevara, Raúl García Zárate y asistió a clases maestras de Óscar Zamora y Luis Malca. En julio de 2000 participó en el I Festival Nacional de Guitarra Clásica, en homenaje a "Federico Gerdes" (Tacna). Asimismo, participó en elXIII Festival Internacional de Guitarra del ICPNA, en el año 2002; en el I Festival Internacional de Guitarra Arequipa 2003, 2005 y 2006. Entre sus reconocimientos, se encuentra la obtención del 2º puesto en el I Concurso de Guitarra 2003 organizado por la Alianza Francesa y la http://golpetierramusicaydanzas.blogs…

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Fiestas, Música y Danzas: Festival Jóv…

Escuela de Artes de la UNSA el día 6 de noviembre de 2003; primer puesto en el II Concurso de Guitarra 2004 (Alianza Francesa y la Escuela de Artes UNSA); Y ganó el Primer Puesto en el Concurso de Guitarra Arequipeña organizado por el concejo distrital de Cayma y Centro Cultural Chuklla en julio de 2006.

AARÓN ALVANació en Lima. Inició sus estudios de guitarra clásica con el profesor Omar Vargas. Posteriormente, en 2002 ingresó al Conservatorio Nacional de Música, estudiando con el maestro Claudio Tello. Ha recibido clases maestras de los guitarristas Luis Orlandini (Chile), Sergio Natali (Argentina), Carlos Groisman (Argentina), Ernesto Mayhuire (Perú), Diana Kalvite (Alemania), Eva Beneke (Alemania) y Miguel Bonachea (Cuba). Durante el año 2006 recibió clases de guitarra clásica con Ernesto Mayhuire. Se ha presentado en conciertos como solista y como integrante del Conjunto de Guitarras del Conservatorio. Actualmente estudia en la sección superior del CNM bajo la dirección del maestro Eduardo Suárez.

CELÍN SERGIO GARCÍA ESPINOZAInicia sus estudios de Pedagogía y Guitarra, con el maestro Eleodoro Mori, en la Escuela de Música "Zoltan Kodaly". Luego ingresó al Conservatorio Nacional de Música, a la especialidad de Educación Musical, optando luego por la especialidad de Guitarra en la que cursa actualmente el octavo ciclo, bajo la tutela del maestro Ricardo Barreda Buckingham. Asimismo, ha participado en diversos conciertos organizados por el Conservatorio Nacional de Música como solista, en ensamble y en conjunto; además, ha participado en clases maestras con los maestros Scott Borg, Luis Orlandini, Frank Bungarten y Ernesto Mayhuire. Recientemente, integró la delegación peruana que participó en el Tercer Seminario Iberoamericano de Guitarra 2007 realizado en Ibagué - Colombia, que contó con la participación del maestro Manuel Barrueco.

PROGRAMAS LEONARDO COSSÍO-Estudio Op.29 N.17 Fernando Sor (1778-1839)Reverie Op.19 Giulio Regondi (1822-1872)-Due Canzoni Lidie Nuccio D'angelo (1946) GONZALO MARTÍN MEDINA SOLANO Qashua de Chuschi - Manuelcha PradoYanahuara (Pampeña arequipeña) Arreglo de Gonzalo MedinaPajarillo Errante Arreglo de Raúl García ZárateMi franqueza (Huayno del Centro) Arreglo de Raúl García Zárate AARÓN ALVA Suite Antigua: Preludio - Guido SantorsolaVariaciones sobre un tema de Paisiello - Fernando Sor CELÍN SERGIO GARCÍA ESPINOZA 1. Homenaje a Toulouse-Lautrec Eduardo Sainz de la Maza (1903-1982)2. Tonadilla sobre el nombre de http://golpetierramusicaydanzas.blogs…

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Fiestas, Música y Danzas: Festival Jóv…

Andrés Segovia Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968)3. Preludio y danza - Julián Orbón (1925-1991) Auditorio ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120). 7:30 p.m. INGRESO LIBRE

(La nota de prensa pertenece a los organizadores. La hizo llegar Marcela Cornejo, suscrita a la red. Difundida a la red el 20 de enero de 2008, con fines estrictamente culturales) Publicado por Golpe Tier r a en 16:56

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, en una c Francisco de Asís Tárrega Eixea nació en Vila-real, el 21 de Noviembre de 1852asa situada junto al santuario de San Pascual Baylón. Su padre, Francisco Tárrega Tirado, y su madre, Antonia Eixea Broch, trabajaban como caseros para las Madres Clarisas. Debido a la ocupación de sus padres, el pequeño Francisco era cuidado por una asistenta. En cierto momento, Francisco se escapó de su cuidadora, cayendo a un canal de riego cercano a la casa. Esto le causó un fuerte shock que dañó sus ojos para siempre. Su padre pensó que Francisco podría perder completamente la vista, de manera que se trasladaron a Castellón para que asistiera a clases de música y, en caso de quedar ciego, pudiera ganarse la vida tocando algún instrumento. Fue curiosamente un músico ciego, Eugeni Ruiz, quien impartió a Tárrega sus primeras lecciones musicales. Y otro ciego, Manuel Gonzalez, también conocido por "El cego de la Marina" fue quien lo inició en el mundo de la guitarra. Este se ganaba la vida tocando dicho instrumento, y sabía muy bien todos los trucos para animar la generosidad del público, secretos que enseñó al joven Tárrega. En 1862, el famoso concertista Julián Arcas dió un concierto en Castellón y tuvo la oportunidad de escuchar tocar al joven. Quedó tan impresionado por su habilidad que recomendó a su padre que lo enviara a Barcelona para mejorar sus estudios musicales. De este modo, Tárrega se desplazó a esta cuidad, pero pronto abandonó la casa de los familiares en donde residía y se unió a un grupo de jovenes músicos, tocando en tabernas y cafeterías para ganar algún dinero, en lugar de asistir al conservatorio. Su padre se enteró de esto, y fue a Barcelona para traer a Tárrega de vuelta a casa. La situación económica fuerza a Tárrega a contribuir a los ingresos familiares, de manera que tras varios conciertos en pueblos vecinos, consigue una plaza como pianista en el Casino de Burriana. Durante este tiempo, alterna su trabajo de pianista con una valiente defensa de la guitarra. Un rico hombre de negocios, Antonio Canesa, costea un viaje de Tárrega a Madrid para mejorar sus conocimientos en el Conservatorio Nacional de Música. Cuando llega allí, lo hace llevando su primera guitarra de calidad, fabricada por Antonio Torres, de Sevilla, y que se convertirá en su preferida para siempre. Los años de estudiante son difíciles. El piano es el instrumento de moda, mientras que la guitarra ha perdido su anterior prestigio, cayendo a lo

más bajo en la escala de instrumentos. Siendo considerada inapropiada para los conciertos, su papel estaba reducido al de mero acompañamiento de cantantes. Fue en el mismo Conservatorio Nacional de Música donde, habiendo visto la gran calidad de Tárrega con la guitarra en un concierto, su profesor Arrieta lo abrazó y le dijo: "La guitarra te necesita, y tu has nacido para ella". Desde ese preciso instante, abandona su carrera de piano y se concentra exclusivamente en su instrumento preferido. Durante el invierno de 1880, Tárrega sustituye a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoce a su futura esposa, Maria Rizo. Su fama comienza a crecer y su sentimiento interpretativo cautiva a las audiencias. En 1881 se desplaza a Francia. Después de un maravilloso concierto en Lyon, llega a Paris donde conoce a los personajes más importantes de la época. Actúa en varios teatros, siendo invitado a tocar para la Reina de España, Isabel II, y prosigue su viaje hacia Londres. De allí vuelve a Novelda para contraer matrimonio con su prometida Maria Rizo. La nueva familia se traslada a Madrid, donde su primera hija, Maria Josefa, nace y, al poco, fallece. Después se establecen en Barcelona, y desde ahí viajan a multitud de lugares para ofrecer sus conciertos. Es el periodo de madurez musical de Tárrega. Realiza frecuentes giras: Perpiñán (Francia), Cádiz (España), Niza (Francia), Mallorca (España), París, Valencia, .... En Valencia conoce a una dama que influiría en su carrera: Conxa Martinez, rica viuda que lo toma bajo su protección artística, prestándole a él y su familia una casa en Sant Gervasi (Barcelona). Allí es donde Tárrega compone la mayoría de sus más famosas obras maestras. De vuelta de un viaje a Granada escribe el trémolo "Recuerdos de la Alhambra", y estando en Algeria le llega la inspiración para componer "Danza Mora". Allí conoce al compositor Saint-Saens y más tarde, en Sevilla, escribe la mayoría de sus "Estudios", dedicando a su querido amigo y compositor Bretón la bella composición "Capricho Arabe". Sin embargo, Tárrega no se sentía satisfecho con el sonido que estaba obteniendo de su guitarra y, a los 50 años, en 1902, decide jugarse su propio prestigio y comienza a cortar sus uñas poco a poco hasta hacerlas casi desaparecer bajo la piel de los dedos, que se endurece hasta obtener ese dulce sonido característico de su escuela. Continúa sus grandes conciertos: Bilbao en España, Génova, Milán, Florencia, Nápoles y Roma en Italia. En este país demuestra su incomparable maestría, tal como reflejan las crónicas, haciendo multitud de amigos y admiradores. Pero incluso la fama no puede cambiar la personalidad de Tárrega. Hombre sensible y cariñoso, sigue abriendo las puertas de su casa a todos sus amigos sin tener en cuenta su condición social. Tárrega era una persona tímida que prefería los conciertos de ambiente familiar, con un reducido número de asistentes, a los grandes teatros. Esta forma de ser le hizo gastar la mayoría del dinero que había ganado, hasta el punto que su hermano Vicente fue quien ayudó a salir adelante a la familia dando clases de guitarra a los alumnos de Tárrega cuando éste se hallaba de gira. Pero la suerte no está del lado de Tárrega y en Enero de 1906 una hemiplegia deja paralítica la mitad izquierda de su cuerpo. La recuperación fue lenta y penosa. La larga enfermedad vació las arcas familiares, y sus muchos amigos demostraron que lo eran devolviéndole los favores que les había hecho Tárrega en tiempos mejores. Así,

organizan una serie de conciertos bimensuales, las "Audicions Tárrega", en las que sus amigos pagaban al maestro por sus interpretaciones. Tárrega se recupera e inicia de nuevo sus giras. En Octubre de 1908 siente nostalgia y vuelve a Castellón. De ahí se desplaza a Novelda en 1909, volviendo a Valencia, Cullera y Alcoi para ofrecer algunos conciertos. En Picanya compone su última obra, "Oremus", fechada el 2 de Diciembre. El 3 de Diciembre se siente mal y vuelve a Barcelona, permaneciendo en su casa de la calle Valencia hasta el 15 de Diciembre de 1909 de madrugada, en que fallece. Sus restos reposan en el cementerio de Castellón, en donde puede visitarse su panteón.

Gal

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Tárrega, Francisco (1854-1909 Spain) Sunday, 11 September, 2005

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Biography (b Villarreal, Castellón, 21 Nov 1852; d Barcelona, 15 Dec 1909). Spanish guitarist and composer. When he began the study of the classical guitar with Julian Arcas in 1862, the instrument was at a low ebb throughout Europe, overshadowed by the piano. Tárrega's father insisted that the boy study the piano as well, and he became accomplished on both instruments at an early age. In 1869 he had the good fortune to acquire an unusually loud and resonant guitar designed and constructed by Antonio Torres, the famous luthier, then living in Seville. With this superior instrument Tárrega was to prepare the way for the rebirth of the guitar in the 20th century. He entered the Madrid Conservatory in 1874, and received a thorough grounding in theory, harmony and the piano. By 1877 he was earning his living as a music teacher and concert guitarist; he gave recitals in Paris and London in 1880, and was hailed as ‘the Sarasate of the guitar’. He married María Josepha Rizo in 1881 and they settled in Barcelona in 1885. Within a few years he displayed a repertory that included, besides his own compositions in the smaller forms, piano works by Mendelssohn, Gottschalk, Thalberg and others arranged for the guitar. The Spanish ‘nationalist’ composers, Albéniz and Granados, were his friends; many of their works were first transcribed for the guitar by him. He also adapted movements from Beethoven's piano sonatas (including the Largo of op.7, the Adagio and Allegretto from the ‘Moonlight’ Sonata) and half a dozen preludes of Chopin. During the years 1885–1903, Tárrega gave concerts throughout Spain. He toured Italy in 1903. At the height of his fame, in 1906, he suffered a paralysis of the right side from which he never fully recovered. He did, however, appear publicly, and to loud applause, in 1909.

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Tárrega's influence on the 20th century, through pupils who included Emilio Pujol, Maria Rita Brondi and Josefina Robledo, has been tremendous. His compositions for solo guitar, not all of which have been published, comprise approximately 78 original works and 120 transcriptions; he also made 21 transcriptions for two guitars. Among his most famous solos are Recuerdos de la Alhambra (a tremolo study), Capricho árabe and Danza mora. Thomas F. Heck: 'Francisco y Eixea Tárrega', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

Works for Guitar 12 Studies for guitar Adelita Alborada Andalusian Dance Andante (Mozart, Wolfgang A.) Au soir Ave Maria (Bach, , J.S.)

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» Giuliani, Mauro (1781 » Yang, Xuefei (b. 1977 » Dyens, Roland (b. 1955

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Biedny Valbuena (Japanesse Polka) Cajita de Musica Canzonetta from Quartet Opus 12 Capricho Arabe Danza Mora Danza odalisca El Columpio El pobre valbuena El Ratón Endecha Endecha Oremus (Prelude in D minor) Estudio brillainte de Alard Estudio de Velocidad Estudio en arpegios Estudio en forma de Minuetto Estudio en mi (E) Estudio Inspirado de J. B. Cramer Estudio No. 2 Estudios petit minuet Estudios sobre un tema de Mendelssohn Estudios sobre un tema de Wagner Etude in Em Etude in the form of minuet Étude sur une gigue de J.-S. Bach Fanfare Fantasia de marina (Arrieta) Fantasia on themes from La Traviata Gran Jota Gran Vals Isabel La Alborada La Cartagenera La Mariposa La Paloma Lagrima Las dos Hermanitas Malagueña Manchegas Maria (Gavotte) Marieta Mariposa Mazurka Mazurka Op.33 No.4 (Chopin, Frédéric) Minuet Minuet (Händel, Georg) Minuet by F. Schubert Minuetto Nocturne Op.9 No.2 (Chopin, Frédéric) Opere per chitarra by Verdi Oremus Paquito Pavana Pepita Prelude in A Prelude in D Prelude in D minor Prelude No. 1 (D minor) Prelude No. 2 (A Minor) Prelude No. 3 (G major) Prelude No. 4 (E major) Prelude No. 5 (E major) Prelude No. 6 Prelude No. 7 Prelude No. 8 Prelude No. 9 Preludio en mi mayor Preludio en re mayor(1)

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Preludio en re mayor(2) Preludio inpromptu Recuerdos de la Alhambra Romance (Schumann, Robert A) Rosita, Polka Scherzo de la sonate Op.2 No.2 (Beethoven, Ludwig van) Sueño Sueño (Mazurka Conchita) Tango Tango dor Pasa Tango dor Passa The Carnival of Venice Two Sisters Vals en la mayor Vals en re mayor Vals las dos hermanas Vals sobre un tema de Strauss Valse in D minor Variations on a jota theme Variations on the Carnival of Venice Venetian boat song Opus 28 - Chopin Preludes Preludio No. 04 Preludio No. 06 Preludio No. 07 Preludio No. 11 Preludio No. 15 Preludio No. 20

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Biography

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Frederick Noad

Guitarist, lutenist, author and teacher, Frederick Noad grew up in England. Originally trained on the violin and piano he took up the guitar in his early teens. After graduating from Oxford he came to California in 1957 to organize a story department for the J. Arthur Rank Organization in Hollywood. When the film company suffered some setbacks and had to curtail its U.S. plans Noad decided to stay on. Soon after he was offered a job playing the guitar, which had become a favourite avocation, and he began to teach and to write for the instrument as well. Thus began a long and happy (if unexpected) musical career. At this time he studied composition with Mario Castelnuovo-Tedesco at the latter's home in Beverly Hills and attended master classes of Andres Segovia and Julian Bream as a performer. Noad's first book, "Playing The Guitar" became a paperback best seller in the sixties, and this success lead to a succession of further instruction books and anthologies (listed below). In 1966 Noad launched the award winning TV series "Guitar with Frederick Noad" for PBS The programs were enthusiastically received from coast to coast, and were credited with introducing 100,000 new players to the instrument. The currently running educational television.series is a colour remake of the original with the benefit of the latest electronic techniques . Noad has been a faculty member of the University of California, Irvine, and the California Institute of the Arts. He has performed as a soloist, as part of a duet team, in concert with a lyric tenor and also as a continuo player in early opera. In addition to the guitar he plays the lute and theorbo. Fred Noad died, unexpectedly, on September 13, 2001

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06-10-2008

Gabriel Estarellas Nacido en Palma de Mallorca, Gabriel Estarellas está considerado como el heredero de la escuela española de la guitarra. Con casi 200 estrenos mundiales, 17 discos grabados y varias composiciones, como sus conocidos "Diez Estudios de Virtuosismo" , Gabriel Estarellas es un punto de referencia del instrumento. En 2004 se le concedió el Premio Trujamán , el más importante de guitarra a nivel nacional y que se otorga por el conjunto de su trayectoria. Ha ganado numerosos concursos internacionales, entre los que destacan el "Viotti" en Italia, "Ramírez" en Santiago de Compostela y el "Francisco Tárrega" en Benicasim. Ha actuado en relevantes Festivales Internacionales, entre los que destacamos los de Stresa, París, Santander, Pollensa, Alicante, Santiago de Compostela, "Andrés Segovia" en Madrid, Córdoba, Puerto Rico, Cuba y Texas Music Festival. Ha actuado como solista con la English Chamber Orchestra, London Mozart Players, Orquesta de Cámara de París, Orquesta Nacional de España, Orquesta de la RTVE , Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Comunidad de Madrid, Filarmónica de Minsk, Nacional de Cuba, Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, Camerata de Houston, Orquesta Reina Sofía, Filarmónica de Galicia, Sinfónicas de Málaga, Murcia, Castilla y León, Baleares, Orquesta de Cámara Española, etc. bajo la dirección de Enrique García Asensio, Odón Alonso, Leo Brouwer, Uros Lajovic, Christian Florea, Aldo Ceccato, José Collado, Arturo Tamayo, Leo Krämer, Víctor Pablo Pérez, Edmon Colomer, Antoni Ros Marbá, David Parry, Salvador Brotons, Manuel Galduf, José de Eusebio, entre otros. Ha dado recitales por toda Europa, Centro-América, Asia y Estados Unidos. Ha colaborado estrechamente con casi todos los grandes compositores españoles del siglo XX, que le han dedicado y escrito específicamente para él. Entre sus estrenos mundiales destacan el Concierto de Benicasim de Leo Brouwer, Concierto del Agua de Tomás Marco, Concierto de Gibralfaro de Antón García Abril, Concierto Poético de Claudio Prieto, Música de Corte de Alexandre Tansman, Concierto de Bellver de Valentín Ruiz, Concierto Cervantino de Gabriel Fernández Álvez y el Concertante de Xavier Benguerel. Ha grabado numerosos discos de compositores actuales, entre los que destacan la integral para guitarra sola y guitarra y orquesta de Antón García Abril; integrales de Tomás Marco, Claudio Prieto, Ángel Barrios, Bernardo Juliá y Gabriel Fernández Álvez, así como obras de Luis de Pablo, Cristóbal Halffter, Goffredo Petrasi, Miguel Alonso, Agustín Bertomeu, Carmelo A. Bernaola, José Luis Turina , Antón Larrauri, Salvador Brotons, etc. Es Catedrático de Guitarra del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

http://www.gabrielestarellas.com/pag…

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Gabriel Estarellas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Gabriel Estarellas De Wikipedia, la enciclopedia libre Gabriel Estarellas guitarrista clásico nacido en Palma de Mallorca es uno de los mejores interpretes actuales. Su primer acercamiento a la guitarra fue a los 10 años cuando iba al colegio La Salle en la misma ciudad donde nació. Ha ganado numerosos premios, entre ellos; Premio Trujaman (reconocimiento a una carrera), Viotti en Italia, Premio Ramírez en Santiago de Compostela y Francisco Tárrega en Benicasim. También ha contado con el apoyo de importantes compositores como Leo Brouwer, Antón García Abril, Alexandre Tansman... Formaciones con las que ha actuado: ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

English Chamber Orchestra London Mozart Players Orquesta de Cámara de París Orquesta Sinfónica de Puerto Rico Orquesta Nacional de España Orquesta de la Radio Televisión Española Orquesta Sinfónica de Madrid Orquesta Reina Sofía Orquesta de Cámara Española

Actualmente es catedrático de guitarra del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Contenido ■ 1 Discografía y composiciones ■ 1.1 Discos ■ 1.2 Composiciones ■ 2 Enlaces externos

Discografía y composiciones Ha grabado 17 discos y compuesto numerosas obras como "Diez estudios de virtuosismo"

Discos ■ Manuel Moreno-Buendía: Integral de Guitarra y Orquesta ■ Tomás Marco: Concierto del Agua

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Gabriel Estarellas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Claudio Prieto: Obra para Guitarra Seis Sonatinas para Guitarra Obras para guitarra de Bernardo Juliá Música Contemporánea Española e Italiana para Guitarra Ángel Barrios: Obra completa para guitarra Antón García Abril: Integral de los conciertos para guitarra y orquesta Gabriel Fernández Alvez: Obra completa para guitarra Antón García Abril: Obra integral para guitarra sola Tomás Marco: Obra completa para guitarra sola La guitarra española 1991 "SONATAS"

Composiciones ■ ■ ■ ■

Diez estudios de virtuosismo Homenaje a Marcel Proust Fantasía para una dama Seis sonatinas

Enlaces externos Página oficial (http://www.gabrielestarellas.com/) (en castellano e inglés) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Estarellas" Categorías: Guitarristas de España | Músicos de las Islas Baleares ■ Esta página fue modificada por última vez el 10:03, 18 ago 2007. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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Classicalguitar.nl - View article - Villa-Lobos, Heitor (1887-1959 Brazil)

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Villa-Lobos, Heitor (1887-1959 Brazil) Friday, 16 September, 2005

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Advertisement "There is a fundamental difference between the way one pronounces names in Spanish and Portuguese (actually Brazilian......., although technically the language is Portuguese I myself always say that I speak BRAZILIAN....and the diplomats usually like the distinction.) Anyway, Villa-Lobos was a carioca, from Rio de Janeiro, where one speak the most "Brazilian Portuguese" imaginable. "The correct way to pronounce it is: "Vila - Veelah (where the lsounds just like an l in, say, love or life and the a is open mouthed, so to speak) Lobos- like it reads but where the final s sounds like a slight whistle." Brazilian pianist Ricardo Peres

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The "wolf" in Villa-Lobos apparently comes from an originally Spanish surname, so it probably relates to a European animal. But as Villa-Lobos felt so strong an identity as a Brazilian, he was probably aware of the beautiful animal pictured above, the Lobo-Guará, or Maned Wolf. This animal is threatened with extinction; Brazil's zoos and various Government and environmental groups are working to re-introduce wolves into their natural habitat.

» Marschner, Heinrich (1795 ...

Heitor Villa-Lobos was born in Rio de Janeiro on March 5, 1887. Learning music from his father, who was a widely-read, highly-cultured amateur of music (and a librarian[1] ), Villa Lobos by the turn of the century had turned himself into a professional musician. He earned his living as a cafe musician; his instrument was the cello.

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Taruma Falls, Amazonia State In 1905 Villa-Lobos made the first of his trips to Brazil's northeastern states, to collect folk music. Such trips would continue in the future, though VillaLobos spun a web of mystery around them; his own testimony of adventures with the cannibal tribes of the North-East is not always trustworthy. [2]Afterwards, he studied at the National Institute of Music in Rio de Janeiro, though his compositional style never conformed to any academic norms. His music remained always personal and idiosyncratic. As Villa-Lobos himself said many years later: "My music is natural, like a waterfall." Also: "One foot in the academy and you are changed for the worst!" [3] After another ethno-musicological trip to the Amazonian interior in 1912, Villa-Lobos returned to Rio de Janeiro. There, on November 13, 1915, he turned the city on its ear with a concert of his new music. By 1923, he had attracted enough official favour to win a government grant to study in Paris. On his return in 1930, Villa-Lobos was made director of music education in Rio de Janeiro. Thus began Villa-Lobos' glorious second career: pedagogue of music for his country. He designed a complete system of musical instruction for generations of Brazilians, based upon

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» Cottin, Alfred (1863 » Hidrobo, Homero (1939 » Bonilla-Chavez, Carlos (192...

» Jie, Li (b. 1981- China) » Bach, Johann Sebastian (168... » Giuliani, Mauro (1781 » Yang, Xuefei (b. 1977 » Dyens, Roland (b. 1955

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13-09-2008

Classicalguitar.nl - View article - Villa-Lobos, Heitor (1887-1959 Brazil)

Brazil's rich musical culture, and rooted in a deep and always explicit patriotism. He composed choral music for huge choirs of school children, often adaptations of folk material. His legacy in the Brazil of today, even amongst new generations brought up with the samba-schools or MTV, is a strong feeling of pride and love, intertwined with similar feelings for their country. This is surprising, considering that this is a "classical" composer dead now for more than 35 years; a North American parallel would be hard to find.

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In 1944, Villa Lobos made a trip to the United States to conduct his works, to critical and even some popular acclaim. Important new works were commissioned by American orchestras, and he even wrote a movie score for Hollywood, for the interesting 1945 film The Green Mansions. The 1940's were a period of triumph on an international scale. As a composer and conductor of his own music, Villa Lobos was lionized from Los Angeles to New York to Paris. In spite of his world travels, his home was always in Rio de Janeiro. There he died, on November 17, 1959. One side at least of the character of Villa-Lobos the man is apparent in the many pictures that remain: so often in candid snaps Villa-Lobos has a cigar in one hand, and a glass of what seems likely to be strong drink in the other. He's usually smiling, probably at an amusing story he's just concocted about his trips up-river. Julian Bream, master interpreter of Villa-Lobos' guitar music, gives this personal reminiscence [4]: "Villa-Lobos was larger than life, quite extraordinary. He didn't seem to be a composer. He wore loud checked shirts, smoked a cigar, and always kept the radio on, listening to the news or light music or whatever. Villa-Lobos wasn't refined in the intellectual sense, but he had a great heart."

© 1997-8 Dean Frey. Text Copied from http://www.rdpl.org/villa/biog.html a web site that is no longer maintained

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[1] His father worked at the National Library in Rio de Janeiro. See Lisa M. Peppercorn's article "VillaLobos, father and son," in her Villa Lobos: collected studies, 1992, p. 28. I'm collecting, for my kids' eventual use, the names of great people whose parents were librarians. So far I have Villa Lobos, the amusing Canadian novelist Farley Mowat, Canadian broadcaster Peter Gzowski and Microsoft co-founder Paul Allen. (Picture: the National Library in Rio de Janeiro.) [2] For the lowdown on just what Villa Lobos was up to in the jungle, see Lisa M. Peppercorn's article "Villa-Lobos's Brazilian excursions," in her Villa Lobos: collected studies, 1992, p. 25. Her conclusion: "He was a courageous man, enterprising, energetic and audacious, an indefatigable, venturesome person all through his life. It is not impossible that he undertook at least part of these trips about which he boasted." [3] As quoted in R. Gustafson's lovely remembrance of the last decade of Villa Lobos' life, "Villa-Lobos and the man-eating flower: a memoir." Musical Quarterly, 75:1-11, Spring 1991. The quotes are from p. 1 and p. 2. [4] Quoted in Crampton, R., "Peace in limitations..", Vol. 322, Economist, 01-11-1992, pp 85.

Works for Guitar Complete Works for guitar (from Wikipedia)

Suite Populaire Bresilienne (1912) I. Mazurka-chôro II. Scottish-chôro III. Valsa-chôro IV. Gavota-chôro V. Chôrinho Valse-chôro (19??) Choro No. 1 (Choro Tipico) (1920) 12 Etudes (1929)

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13-09-2008

Classicalguitar.nl - View article - Villa-Lobos, Heitor (1887-1959 Brazil)

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5 Preludes (1940) I. Homage to the Brazilian sertanejo II. Homage to the carioca hustler II. Homage to Bach IV. Homage to the Brazilian Indian V. Homage to social life Concerto pour guitare et petit orchestre (1951)

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13-09-2008

Heitor Villa-Lobos De Wikipedia, la enciclopedia libre Saltar a navegación, búsqueda Heitor Villa-Lobos (5 de marzo de 1887 - 17 de noviembre de 1959), fue un notable compositor brasileño. Heitor Villa-Lobos, también conocido como Hector Villa-Lobos en la ortografía de su época, nació en Río de Janeiro. Recibió cierta instrucción musical de su padre, quien fue un gran lector, notable músico aficionado y bibliotecario. Ya antes de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. En 1905 Villa-Lobos hizo el primero de sus viajes a los estados nororientales de Brasil, recabando información sobre la música folclórica de esos territorios. El propio VillaLobos creó un cierto halo de misterio alrededor de estos viajes. Para algunos, su narración de aventuras con tribus caníbales del noreste no es digna de confianza. A continuación, estudió en el Instituto Nacional de Música en Río de Janeiro, si bien su estilo compositivo nunca se encasilló en ninguna norma académica. Su música siguió siempre siendo personal e idiosincrática. Como Villa-Lobos dijo muchos años más tarde: "Mi música es natural, como una cascada". También dijo: " Un pie en la academia y usted cambia para peor". Después de otros viajes etno-musicales al interior de la cuenca del Amazonas en 1912, Villa-Lobos retornó a Río de Janeiro. Allí, el 13 de Noviembre de 1915, presentó un concierto de su nueva música. En 1923, debido a sus méritos ganó una beca del gobierno para estudiar en Paris. A su retorno en 1930, Villa-Lobos fue nombrado director de la educación musical en Río de Janeiro. Así comenzó Villa-Lobos una segunda carrera como pedagogo de la música de su país. Diseño un sistema completo de instrucción musical para generaciones de brasileños, basado en la rica cultura musical de Brasil y arraigado en un profundo y siempre explícito patriotismo. Compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Su herencia en el Brasil de hoy, uniforme entre las nuevas generaciones, es planteada con la escuela de samba como una fuerte sensación de orgullo y amor entrelazadas con sentimientos similares para su país. Resulta sorprendente si se considera que estamos hablando de un compositor clásico fallecido hace más de 40 años. Una de sus cantantes favoritas fue la soprano brasileña Bidu Sayão, con quien tuvo una relación artística de treinta y ocho años. En 1944, Villa-Lobos hizo un viaje a los Estados Unidos donde fue apreciado como director y como crítico. Algunas orquestas americanas le encargaron nuevos trabajos importantes, e incluso escribió en 1959 la música de una película de Hollywood titulada Green Mansions, dirigida por el famoso actor Mel Ferrer y protagonizada por el mismo Ferrer y Audrey Hepburn. Los años 40 fueron un período de triunfo en la escena internacional. Como compositor y director de

su propia música, Villa-Lobos fue agasajado en importantes ciudades como Los Angeles, New York y París. A pesar de sus viajes por el mundo, su hogar siempre estuvo en Río de Janeiro, donde murió en 1959. Heitor Villa-Lobos fue sepultado en el cementerio Sao Joao Batistade en Rio de Janeiro. Según todas las biografías "oficiales", Villa-Lobos era estéril y no tuvo descendencia. La película brasilera "Villa-Lobos Uma Vida de Paixao" (2000), hace especial énfasis en este tema, cuando en respuesta a la pregunta que un conocido (Joaquin) formula a Villa-Lobos, en sentido de "Si él queria tanto a los niños, ¿por qué no tuvo los suyos?", él responde: "Cosas de la Vida". La verdadera respuesta es otra: Villa-Lobos SÍ tuvo una hija. La misma que nació en Alemania en 1935 y que con 71 años vive actualmente en Bolivia. Este hecho representado documentariamente en el Congreso (Conferencia) Internacional Heitor Villa-Lobos, celebrado el año 2002 en Paris-Francia, ha sido deliberadamente ocultado por los interesados en mantener al maestro estéril, y seguir así beneficiándose (hasta el año 2030) de los réditos que reporta "su legado" en derechos de autor (Para mayores referencias, remitirse a Ronald Paz, email: [email protected])

Tabla de contenidos [ocultar] • • • • • • • • • • • • • •

1 Música 2 Bachianas Brasileiras 3 Chorus 4 Conciertos 5 Sinfonías 6 Otros trabajos Orquestales (incluyendo partituras de ballet) 7 Música de Cámara 8 Cuartetos de Cuerdas 9 Óperas 10 Ballets 11 Música de Cine 12 Obras para Guitarra 13 Música para Piano 14 Enlaces externos

Música [editar] Villa-Lobos fue un compositor notoriamente prolífico. Muchos trabajos son arreglos de obras anteriores. Especialmente en sus últimos años, Villa-Lobos realizó gran número de recomposiciones. Las obras que a continuación se mencionan representan su herencia musical. Excepto los trabajos perdidos, su música está muy difundida en el mundo por las grabaciones

existentes, y los conciertos que se realizan. Incluso la sinfonías, ahora están disponibles en una grabación integral -ver http://www.rdpl.org/villa/stuttgart.html. Las excepciones incluyen el Nonetto y las óperas. Entre las obras más populares de Villa-Lobos están las Bachianas Brasileiras. La Número 5 es una de la más conocidas; escrita para voz y ocho violoncelos, no es infrecuente que sea interpretada en muchas otras combinaciones instrumentales. Siguiendo con sus obras podemos citar la música para guitarra como los Preludios, Estudios y los Choros (el Choro Número 1 es muy popular). También es importante mencionar la serie Cuarteto de cuerdas.

Bachianas Brasileiras [editar] • • • • • • • • •

No. 1 para 8 violoncelos (1932) No. 2 para orquesta de cámara (1933) No. 3 para piano y orquesta (1934) No. 4 para piano (1930-40); orquestada en 1942 No. 5 para voz y 8 violoncelos (1938) No. 6 para flauta y fagot (1938) No. 7 para orquesta (1942) No. 8 para orquesta (1944) No. 9 para coro u orquesta de cuerdas (1944)

Chorus [editar] • • • • • • • • • • • • • • • •

Introducción a los Chorus para guitarra y orquesta (1929) No. 1 para guitarra (1920) No. 2 para flauta y clarinete (1921) No. 3 para coro masculino e instrumentos de viento (1925) No. 4 para 3 corno y trombóm (1926) No. 5 para piano (1926) "Alma Brasilera" No. 6 para orquesta (1926) No. 7 para vientos, violín y violoncelo (1924) No. 8 para gran orquesta y 2 pianos (1925) No. 9 para orquesta (1929) No. 10 para coro y orquesta (1925) "Rasga o Coraçao" No. 11 para piano y orquesta (1928) No. 12 para orquesta (1929) No. 13 para 2 orquestas y banda (1929) - perdido No. 14 para orquesta, banda y coro (1928) - perdido Chorus bis, para violín y violoncello (1928)

Conciertos [editar] • • • • • •

Suite para Piano y Orquesta (1913) Concierto para violoncello no. 1 (1915) Momoprécoce, fantasía para piano y orquesta (1921) Fantasía de Movimientos Mixtos, para violín y orquesta (1921) Ciranda de Siete Notas para fagot y orquesta de cuerdas (1933) Concierto para Piano no. 1 (1945)

• • • • • • • • • • • •

Concierto para Piano no. 2 (1948) Concierto para Piano no. 3 (1952-57) Concierto para Piano no. 4 (1952) Concierto para Piano no. 5 (1954) Fantasía para saxofón soprano, tres cornos y cuerdas (1948) Concierto para Guitarra (1951) Concierto para arpa (1953) Concierto violoncelo no. 2 (1953) Fantasía para violoncelo y Orquesta Concierto para Armónica Concierto Grosso para cuartetos de viento y ensemble de viento (1959) Choros no. 11 y Bachianas no. 3 son también obras concertantes para piano y orquesta

Sinfonías [editar] • • • • • • • • • • • •

No. 1 O Imprevisto, El imprevisto (1920) No. 2 Ascenção, la Ascensión (1917) No. 3 A Guerra, La Guerra (1919) No. 4 A Vitória, La Victoria (1919) No. 5 A Paz, La Paz (1920) - Perdido No. 6 Montanhas do Brasil, Montañas de Brasil (1944) No. 7 (1945) No. 8 (1950) No. 9 (1951) No. 10 Sumé Pater Patrium, Amerindia (1952) No. 11 (1955) No. 12 (1957)

Otros trabajos Orquestales (incluyendo partituras de ballet) [editar] • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Tédio de Alvorada, poema sinfónico (1916) Naufrágio de Kleonicos, poema sinfónico (1916) Dancas Africanas (1916) Sinfonietta no. 1 (1916) Iára (1917) Amazonas, ballet y poema sinfónico (1917) Uirapuru, ballet (1917) Dança Frenética (1918) Dança dos Mosquitos (1922) Francette et Piá (1928, orch. 1958) Rudepoema (1926, orch. 1932) O Papagaio do moleque, La cometa del moleque, un episodio sinfónico (1932) Caixinha de Boas Festas, poema sinfónico y ballet (1932) Evolução dos Aeroplanos (1932) Dança da terra, ballet (1939) Mandú-Cárárá, Profane Cantata / Ballet de Niños para coro mixto, coro de niños y orquesta (1940) Suite Saudade da Juventude nr. 1 (1940) Madonna, poema sinfónico (1945)

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Sinfonietta no. 2 (1947) Erosão, Erosión, poema sinfónico (1950) Rudá, poema sinfónico y ballet (1951) Ouverture de L'Homme Tel (1952) Alvorada na Floresta Tropical, obertura (1953) Odisséia de uma raça, poema sinfónico (1953) Génesis, poema sinfónico y ballet (1954) Emperor Jones, un ballet (1956) Fantasía en Tres Movimientos (en forma de choros)(1958) Suite no. 1 para orquesta de cámara (1959) Suite no. 2 para orquesta de cámara (1959)

Música de Cámara [editar] • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Sonata-fantasía no. 1 para violin y piano, Desesperanza (1913) Sonata-fantasía no. 2 para violin y piano (1914) Sonata para violin y piano no. 3 (1920) Trío para piano y cuerdas no. 1 (1911) Trío para piano y cuerdas no. 2 (1915) Trío para piano y cuerdas no. 3 (1918) Sextuor Mystique, para flauta, oboe, saxofón, arpa, celesta y guitarra (1917) Cuarteto Simbólico, para flauta, saxofón alto, arpa, celesta y voces femeninas (1921) Trío para oboe, clarinete y fagot (1921) Nonetto, Impressão rápida de todo o Brasil, Una impresión rápida de todo el Brasil (1923) Quinteto em forma de choros, para flauta, oboe, clarinete, corno inglés o corno y fagot (1928) Cuarteto, para flauta, oboe, clarinete y fagot (1928) Assobio a Jato (El silbido del surtidor) para flauta y violoncello (1930) Distribuição de Flores para flauta y guitarra (1937) Trío para violin, viola y violoncello (1945) Divagaçāo para violoncello, piano y percusión baja (ad lib.) (1946) Dúo para violin y viola (1946) Fantasía concertante para piano, clarinete y fagot (1953) Dúo para oboe y fagot (1957) Quinteto instrumental, para flauta, violin, viola, violoncello y arpa (1957) Fantasía Concertante para 16 o 32 violoncellos (1958) Choros no. 2,3,4,7 y Bachianas 1&6 son escritas para varios instrumentos en estilo camerístico.

Cuartetos de Cuerdas [editar] • • • • • • •

No. 1 (1915) No. 2 (1915) No. 3 (1917) No. 4 (1917) No. 5 (1931) No. 6 (1938) No. 7 (1942)

• • • • • • • • • • •

No. 8 (1944) No. 9 (1945) No. 10 (1946) No. 11 (1948) No. 12 (1950) No. 13 (1951) No. 14 (1953) No. 15 (1954) No. 16 (1955) No. 17 (1957) Las obras cortas son todas perteneciente al 18º. cuarteto.

Óperas [editar] • • • •

Izaht (1914) Magdalena (1948) Yerma (1955) Hija de las nubes (1957)

Ballets [editar] •

ver: Otros trabajos orquestales

Música de Cine [editar] • •

Descobrimento do Brasil (1938) Green Mansions (1959) - (adaptada como obra de concierto "Bosque del Amazonas")

Obras para Guitarra [editar] • • • • •

Choros no. 1 (1920) Suite popular Brasileira (1928) Doce Estudios (1929) Cinco Preludios (1940) Concierto para Guitarra (1951)

Música para Piano [editar] • • • • • • • • • •

Ibericarabe (1914) Ondulando (1914) Danças Características Africanas (1915) Suite floral (1918) Historias da carochinha (1919) A Lenda do Caboclo (1920) Carnaval das crianças (1920) Prole do Bébé, primera serie (1920) Prole do Bébé, segunda serie (1921) Prole do Bébé, tercera serie (1926) - Perdida

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A Fiandeira (1921) Rudêpoema (1921-26) Sul America (1925) Cirandinhas (1925) Cirandas (1926) Saudades das Selvas Brasileiras (1927) Bachianas Brasileiras no. 4 (1930-40) Francette et Pià (1932) Valsa da dor (1932) Guía Prático (1932-49) Ciclo brasileiro (1936-37) o Plantío do caboclo, El sembradio del campesino o Impressões seresteiras, Las impresiones de un músico de serenatas o Festa no sertão, Fiesta en el desierto o Dança do Indio Branco, La danza del indio blanco As Três Marias (1939) New York Sky-Line Melody (1939) Poema Singelo (1942) Homenage a Chopin (1949)

Suite para Israel Valenzuela

Enlaces externos [editar] • • • • • •

Museo de Villa-Lobos - http://www.museuvillalobos.org.br/index0.htm CD-ROM de Vida y Obra de Heitor Villa-Lobos (en portugués) http://www.ln.co.br Website de Heitor Villa-Lobos - http://www.rdpl.org/villa Website de Villa-Lobos - http://villa-lobos.blogspot.com Pagina de referencia de música popular brasilera y de Villa-Lobos http://www.geocities.com/Vienna/Opera/9223/ Gavota http://www.musica.ufrn.br/gravacoes/escudeiro230703/GavotaChoro%20-%20Villa-Lobos.mp3

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Heitor_Villa-Lobos" Categorías: Compositores del siglo XX de música clásica | Compositores de Brasil | Nacidos en 1887 | Fallecidos en 1959 | Cariocas Vistas • • • •

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En la obra de Maurice J. Summerfield (tercera edición 1992, Ashley Mark Publishing Company), se ofrece una interesante hipótesis sobre el origen de la guitarra española. Summerfield opina que debe descender de los instrumentos romanos tanbur o cithara, llevados a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C. Esta teoría se opone frontalmente a la convencional, que dice que el antecesor directo de la guitarra es el ud, instrumento llevado a España por los moros después de la invasión de España durante el siglo VIII. En las siguientes líneas se establece una pequeña polémica basada en parte en la información publicada por el Museo de Prado de Madrid.

Hay evidencias de que un instrumento de cuatro cuerdas parecido a la guitarra fue tocado por los Hititas (quienes ocuparon una región ahora conocida como Asia Menor y Siria) cerca del año 1400 a.C. Este instrumento se caracterizaba por sus lados suaves y curvos una de las primeras características básicas de cualquier instrumento identificable como predecesor de la guitarra. Los griegos también fabricaron un instrumento similar que fue luego modificado por los romanos. Ambas versiones parecen carecer de los lados curvos. Lo que es interesante aquí es que esa cithara romana apareció en España siglos antes de la invasión morisca.

A pesar de esto, se ha interpretado que el primer instrumento parecido a la guitarra que apareció en España lo hizo sólo después de esta invasión con la introducción de ud arábico en el Sur. Pero con la introducción de la cithara romana siglos antes, podemos decir que a pesar de la influencia del ud en el desarrollo de la guitarra no es su verdadero antecesor. De acuerdo con esta teoría la guitarra española derivó del tanbur de los Hititas, a la kithara con "k" de los griegos y finalmente a la cithara con "c" de los romanos.

Sin embargo, es posible que después de la llegado de los moros a España, la cithara romana y el ud arábico se hubieran mezclado e influenciado mutuamente durante varios siglos. Sin embargo no hay una documentación específica acerca de esto, pudiera ser que los constructores de uds y citharas hubieran visto el trabajo de los otros, extendido a través de las presentaciones de los trovadores viajeros. Por el año 1200 d.C. la guitarra de cuatro cuerdas había evolucionado en dos variedades: la guitarra morisca, que tenía un fondo redondeado, un mástil ancho y varias incisiones en la tapa para la salida del sonido, y la guitarra latina, que se parece más a la guitarra moderna con una sola boca y un mástil más estrecho.

A finales del siglo XV la vihuela nació añadiendo dobles cuerdas e incrementado su tamaño. Era un instrumento de cuerda pulsada con un mástil más largo (la longitud vibrante de las cuerdas era de 72 a 79 cm.) con diez u once trastes y seis órdenes. La vihuela se convirtió en el instrumento preferido de las corte española y portuguesa y mantuvo su popularidad hasta finales del siglo XVII, cuando los instrumentos orquestales y de teclado

se volvieron más populares.

Aunque la guitarra existió simultaneamente durante este periodo, la vihuela y el laud la ensombrecieron hasta finales del siglo XVII, cuando se añadieron demasiadas cuerdas al laud y era muy dificil de tocar y afinar. Por otra parte también la vihuela fue reemplazada lentamente por la guitarra de cinco o seis cuerdas (las cuales tenían siete y nueve cuerdas respectivamente: una cuerda aguda simple y tres o cuatro órdenes - o pares - de cuerdas). Fue probablemente la adición del quinto orden a finales del siglo XVI lo que dió a la guitarra más flexibilidad y ámbito sonoro y así aprovechó el potencial del repertorio que le habían legado sus ascendentes.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. (Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás). Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas. En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustin Caro,nManuel Gonzalez, Antonio de Lorca, Manuel Guiterrez y otros constructores europeos incluyendo a Rene Lacote y a Johann Staufer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Staufer, vienés, tiene una reputación legendaria. En su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a los Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer interprete de los conciertos de Paganini. Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas. Hacia 1850, la guitarra se preparó para el más importante desarrollo que hubiera tenido desde sus comienzos: el trabajo de Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julian Arcas y sus propias y brillantes intuiciones, Torres refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos asi como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra estaba preparda tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental. Aunque ha habido más descubrimientos en la construcción de la guitarra, desde mediados

del siglo XIX nuestra guitarra moderna conserva la mayoría de lo que fue descubierto hace casi 150 años. Nadie puede decir que haya llegado el fin de la evolución de la guitarra, pero hasta ahora la mayoría de las mejores guitarras desde el punto de vista del volumen, proyección, transparencia y belleza del tono han sido construidas por los grandes guitarreros Torres, Ramirez y Arias a partir de la se

Agustín Barrios

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"Al igual que Bach siguiera escribiendo una música barroca soberbia hasta el mismo año de su muerte... Barrios escribía una música romántica exquisita mucho después de que hubiera pasado el romanticismo en Europa. En Barrios se produce también cierto tipo de innovación en el lenguaje armónico del siglo XIX que sólo puede efectuarse desde un punto posterior en el tiempo, fuera de época" - Leo Brouwer "... como guitarrista y compositor, Barrios es el mejor de todos, independientemente del gusto musical. Su música está mejor hecha, es más poética... ¡es mejor en todo!. Y es todas esas cosas de un modo intemporal. Asi que yo creo que es un compositor más importante que Sor o Giuliani, y más importante (para la guitarra) que Villa - Lobos." - John Williams

Agustín Barrios (Agustín Pío Barrios "Mangoré") Agustín Barrios, nació el 5 de mayo de 1885 en el pequeño pueblo de San Juan Bautista de las Misiones, Paraguay. Miembro de una numerosa familia de 8 niños donde cada miembro de la familia tocaba por lo menos un instrumento. Recibió su educación primaria en un colegio Jesuita donde utilizaba su guitarra para el estudio de armonía. A la edad de 13 años fue descubierto por quien fue su primer profesor formal, Gustavo Sosa Escalada, un dedicado guitarrista y profesor del instrumento, quien estudio con Juan Alais. Sosa inicia al pequeño Agustín con los métodos de Sor y Aguado, y empieza a tocar piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Este mismo año es reconocido como niño prodigio y recibe una beca al Colegio Nacional en Asunción, donde además de música, se destaca en matemáticas, periodismo y literatura. Barrios también estudia caligrafía y era un talentoso artista gráfico.

Barrios amaba la cultura, una vez dijo "Una persona no puede ser un guitarrista sin haberse bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la lengua nativa de Paraguay. Entendía Francés, Inglés y Alemán, además que le interesaba la filosofía, poesía y teología. Musicalmente, era un gran improvisador, según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de manera completamente espontánea, muchas veces en concierto. Su inusual creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra. Lamentablemente muchos de los manuscritos se han perdido. En su música podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica permitió a Barrios de componer en varios estilos: barroco,

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Agustín Barrios

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clásico, romántico y descriptivo. La música de Barrios se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso. Él compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas onomatopéyicas que describen objetos temas histórico culturales. Barrios también interpretaba gran cantidad de música popular, y una gran cantidad de sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba y zapateado.

Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Costa Rica, y El Salvador. También dio conciertos continuamente en Chile, Méjico, Guatemala, Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y Trinidad. Barrios dio conciertos incesantemente desde 1906 hasta su muerte. En los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. Fue en un concierto en Bruselas que incluyó la primera trascripción y ejecución pública de la Suite para Laúd Nº 1 de Bach. El evento recibió muchas críticas.

En 1932 empezó a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe Guaraní que peleó ante la conquista española). Barrios fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus obras sólo sobreviven en estas grabaciones que datan de años anteriores a 1910 y otros cuantos entre 1912 y mediados de 1920. Barrios muere muy pobre un 7 de agosto de 1944 en Salvador.

SU OBRA:

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Agustín Barrios

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Entre sus obras más importantes en orden cronológico: Souvenir d’un Reve (Un Sueño en la Floresta) (1918), Romanza en imitación al violoncelo (Pagina d’Album) (1919), Mazurca Apassionata (1919), La Catedral (1921), Preludio en Sol (1921), Valses Op. 8 (1923), Danza Paraguaya (1924), Choro de Saudade (1929), Julia Florida (1938), Una Limosna por Amor a Dios (1944).

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Lorenzo Micheli (b. 1975, Italy) Thursday, 12 April, 2007 Hailed by the musical critics as “virtuoso extraordinaire” (Nice Matin), “absolutely astonishing” (Fort Worth Star-Telegram), “prodigious talent” (Soundboard), Lorenzo Micheli is today one of the most active Italian guitarists in the world. A student of Paola Coppi in Milan, Frédéric Zigante in Lausanne and Oscar Ghiglia in Siena and Basel, he graduated with full marks from both the Conservatory of Trieste and the Musik-Akademie of Basel. Since winning the first prize in some of the most prestigious guitar competitions (Gargnano, 1996; Alessandria, 1997; Guitar Foundation of America, 1999), Lorenzo Micheli has taken up a busy concert career throughout the world, performing regularly—both as a soloist and with orchestra—in many European countries (Italy, Switzerland, Greece, Spain, Austria, Ireland, Germany, the UK, France, Croatia, Finland, Norway, Estonia, Turkey, Poland, Slovenia) and all over the US and Canada, as well as in Africa, Asia and Latin America. As a researcher and scholar, he has written articles and contributions for a number of music journals, including “Il Fronimo”, “Classical Guitar” and “Guitar Forum”. His editorial projects – notably the unpublished works by Mario Castelnuovo-Tedesco, and the complete Sonatas for solo guitar by Viennese romantic composer Ferdinand Rebay – are published by Bèrben, and Philomele. He gives masterclasses at universities and music festivals throughout North America and Europe, and he has made recordings for radio and TV in three continents. Since 2002, in addition to several other chamber music commitments (especially with the early music ensemble Conserto Vago, as a theorbo and baroque guitar player), he has been performing worldwide with Matteo Mela. Their guitar duo was welcomed by The Washington Post as “extraordinarily sensitive, with effortless command and an almost unbearable delicacy of touch: nothing less than rapturous - profound and unforgettable musicianship of the highest order”. His several recordings include the music of Dionisio Aguado (Stradivarius), the Three Quartets, op. 19, by the French composer François de Fossa (Stradivarius), the complete guitar Concertos by Mario Castelnuovo-Tedesco (Brilliant), the live video Live at Texas Tech University (Mel Bay), a selection of guitar music by Castelnuovo-Tedesco (Naxos), the complete works by Miguel Llobet (Naxos), and an anthology of chamber works by Mauro Giuliani (2 CD, Amadeus). Together with Matteo Mela, he recorded the Duos Concertants by Antoine de Lhoyer (Naxos), an anthology of 20th Century Masterpieces for two guitars (Pomegranate), and a CD of Italian XVII Century music for baroque guitar, archlute and theorbo (Stradivarius). Lorenzo is Guitar Professor at the Conservatory of Aosta, in the Italian Alps region. For further informations, please visit Lorenzomicheli.com and Soloduo.it. COMPLETE DISCOGRAPHY

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Solaria/Matteo Mela & Lorenzo Micheli, Guitars/CD Pomegranate (2007) Antoine de Lhoyer: Duos Concertants op. 31 & 34/Lorenzo Micheli & Matteo Mela, Guitars/CD NAXOS 8.570146 (2007) Incontri con la chitarra. Matteo Mela e Lorenzo Micheli in concerto/Matteo Mela & Lorenzo Micheli, Guitars/DVD La Guitarra 01(2006) Astor Piazzolla: Complete Guitar Music/Matteo Mela, Guitar;Per Arne Glorvigen, Bandoneon;Lorenzo Micheli Guitar;Ivan Rabaglia, Violin;I Solisti di Parma/CD Stradivarius 33715 (2006) Mario Castelnuovo-Tedesco: Complete Guitar Concertos/Lorenzo Micheli & Massimo Felici, Guitars;Orchestra Sinfonica Abruzzese;Michael Summers, Conductor/CD Brilliant Classics 7615 (2005) François de Fossa: Trois Quatuors op. 19/Matteo Mela & Lorenzo Micheli, Guitars;Ivan Rabaglia, Violin;Enrico Bronzi, Cello/CD Stradivarius 33678 (2004)

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Miguel Llobet: Complete works/Lorenzo Micheli, Guitar/CD NAXOS 8.557351 (2004)

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Lorenzo Micheli in concert. Live at Texas Tech University/Lorenzo Micheli, Guitar/VHS Mel Bay 99787 (2001)

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Guitar Recital: Music by Mario Castelnuovo-Tedesco/Lorenzo Micheli, Guitar/CD NAXOS 8.554831 (2000) Dionisio Aguado: Guitar works/Lorenzo Micheli, Guitar/CD Stradivarius 33563 (2000)

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Romero, Pepe (b. 1944- Spain) Thursday, 15 September, 2005

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Biography Pepe Romero is one of the greatest virtuosos ever who have played the guitar. His dazzling technique and pure sound is simply amazing. Celebrated worldwide for his thrilling interpretations and flawless technique, guitarist Pepe Romero is constantly in demand for his solo recitals and performances with orchestra. His contributions to the field of classical

Born on March 8, 1944, in Málaga, Spain, Pepe Romero is the second son of "The Royal Family of the Guitar", The Romeros. His father, the legendary Celedonio Romero, was his only guitar teacher. His first professiona

His most recent recording, Songs My Father Taught Me, is a performance of his father's favorite and original compositions. Soon to be released is a set of Boccherini quintets for guitar and string quartet, recorded for U

A recording with I Musici was completed in summer, 1991, and in spring 1992, he recorded on laser disc with Neville Marriner and the Academy-of-St.-Martin-in-the-Fields Concierto de Aranjuez and selected solo works

His Majesty, King Juan Carlos I of Spain, knighted Pepe Romero and his brothers, Celin and Angel into the Order of "Isabel la Catolica". The official ceremony of this high honor took place at the University of Southern C

As a soloist, Pepe Romero has appeared in the United States with the Philadelphia, Cleveland, Chicago, Houston, Pittsburgh, Boston, San Francisco and Dallas Symphony Orchestras, as well as the Orpheus Chamber Or

With his father and brothers, Pepe Romero helped establish The Romeros Quartet as the leading classical guitar ensemble in the world. As a member of The Romeros, he has been invited to play at the White House, ha Pepe Romero is dedicated to passing along his knowledge of the guitar; among his many students and first-prize winners of international guitar competitions. He has been Professor of Guitar at several universities and [This biography was taken from www.peperomero.com]

Albums Songs My Father Taught Me Celedonio Romero - Poet of the Guitar Concierto de Aranjuez Noches de España Famous Spanish Guitar Music Corazón español Jeux interdits Boccherini Guitar Quintets Giuliani: Complete Guitar Concertos Guitar Solos

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IRENE GOMEZ [Artist]

Thanks to her amazing career as an musician through countries like France, Germany, Sw itzerland, Spain, The Check Republic, USA and Colombia, Irene Gómez represents a true standpoint in the music and in the guitar w orld. She started her music guitar studies at a very early age at the “Conservatorio de Música de la Universidad Nacional “(National University Musical Conservatory) w ith the master Gentil Montaña. She became the first guitarist to graduate Suma Cum Laude from the National University of Colombia under master Ramiro Isaza´s guidance (R.I.P) and in France she w on the Golden Medal in Guitar in an unanimous fashion and Golden Medal in Chamber Music of the "Claude Debussy" Conservatorium at Saint Germain in Laye, France, where she studied w ith the Spanish master Javier Quevedo. She also obtained the First Prize of Improvement tow ards Perfection. In France she additionally, studied w ith the master Alberto Ponce at École Normale de Musique and w ith the Uruguayan master Betho Davezak at the Paris Conservatory XV. She has taken part in incidental music, namely in the French film "L'homme sur le quais". Her CD "Guitarra para un atardecer" (Guitar for a Suncast) w hich w as released in 2001 was praised by the specialized critique and general audience. As a researcher Irene Gómez obtained the Mention "Trés Bien" for her w ork "Manuel María Ponce: Une Vie Une Oeuvre" conferred by the Saint Germain Conservatory at Laye in France and during the First Festival of Arts and Letters at Eastfield College in Dallas, Texas she received a Special Aw ard for her participation as a concert player and a conference speaker, on the composers Agustín Barrios and H. Villalobos. Irene Gómez has also undertaken a research w ork that has been exposed during conferences at different guitar related events. She has been the National University Symphonic Orchestra Music Department and Bogotá Philharmonic Orchestra soloist . Since her return to Colombia in 1998, Irene Gómez has been dedicated to promoting a guitarist culture by joining various university institutions. Right now, Irene Gómez is a professor at the National University of Colombia, at the “Academia Superior de Artes de Bogotá “(Superior Academy of Arts of Bogotá) and at the School of Music of the “Juan N. Corpas” University. She is as w ell the artistic director at a foundation

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IRENE GOMEZ [Artist]

named alter her. "Irene Gómez is an artist of an exquisite sensitivity and a pristine intelligence. The sonorousness springing from her guitar is a crystal from the purest quality with a delicate technique, elegance and an emotion w hich she puts at the Music World service" Javier Hinojosa Specialist in Old Music Schola Cantorum of Paris

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Bach, Johann Sebastian (1685-1750 Germany) Sunday, 11 September, 2005

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Biography Bach was born on the 21st of March 1685 in Eisenach, Germany. His father had begun to teach the young Johann the violin and he went to the home of his brother to receive lessons on the clavichord. At 15, his fine soprano voice secured him free tuition at St. Michaels Church in Luneberg. Bach also studied the work of Bohm, organist at Luneberg, and practiced the violin, clavichord and organ often all night long. In 1703, he joined the Weimar court orchestra. In 1704, he became organist at Arnstadt. In 1707, he became the organist at Muhlhausen. On October 17, he married Maria Barbara Bach, his cousin, who bore him 7 children. In 1708, he played before the Duke at Weimar and was made the court organist. In 1717, he became Kapellmeister to Prince Leopold of Anhalt at Kothen, and composed much orchestral and chamber music there. In 1721, Bach married Anna Magdalene Wulken who bore him 13 children, 9 of them sons, of whom only 2 survived him. Bach died on the 28th of July 1750 in Leipzig. He was little known as a composer during his life and very few of his works had been published. In 1829, Mendelssohn took up Bach's cause and introduced his music to Europe with a performance of the St. Matthew Passion.

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Now let us to the bagpipes sound O Sacred head now wounded Orchestral Suite #3 Polonaise Prelude Preludio en Do Schaff's Mit Mir, Gott Sheep may safly graze Sleepers Awake from Cantata 140

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BWV 995 - Lute Suite No. 3 in G minor see BWV 1011 - Suite No 5 in C minor for Solo Cello BWV 996 - Lute Suite No. 1 in E minor Prelude Allemande Courante Sarabande Bourrée Gigue BWV 997 - Lute Suite No. 2 in C minor Prelude Fuga Sarabande Gigue Double BWV 998 - Prelude, Fugue and Allegro Prelude Fugue Allegro BWV 999 - Prelude for Lute in C minor BVW 1000 - Fugue in G minor BWV 1001 - Sonata for No. 1 in G minor for Solo Violin Adagio Fuga Siciliana Presto BWV 1002 - Partita No. 1 in B minor for Solo Violin Allemanda -Double Corrente - Double ( Presto ) Sarabande - Double Tempo di Borea - Double BWV 1003 - Sonata No. 2 in A minor for Solo Violin Grave Fuga Andante Allegro BWV 1004 - Partita No. 2 in D minor for Solo Violin Allemanda Corrente Sarabanda Giga Ciaconna BWV 1005 - Sonata No. 3 in C major for Solo Violin

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Adagio Fuga Largo Allegro Assai BWV 1006 - Partita No. 3 in E major for Solo Violin (also BWV 1006a for Lute) Preludio Loure Gavotte en Rondeau Menuett I & II Bourrée Gigue BWV 1006a - Lute Suite No. 4 in E major see BWV 1006 - Partita No. 3 in E major for Solo Violin BWV 1007 - Suite No 1 in G major for Solo Cello Prelude Allemande Courante Sarabande Menuet I & II Gigue BWV 1008 - Suite No 2 in D minor for Solo Cello Prelude Allemande Courante Sarabande Menuet I & II Gigue BWV 1009 - Suite No 3 in C major for Solo Cello Prelude Allemande Courante Sarabande Bouree(sic) I & II Gigue BWV 1010 - Suite No 4 in E-flat major for Solo Cello Preludium Allemande Courante Sarabande Bouree(sic) I & II Gigue BWV 1011 - Suite No 5 in C minor for Solo Cello (also BWV 995 for Lute) Prelude Allemande Courante Sarabande Gavotte I & II Gigue BWV 1012 - Suite No 6 in D major for Solo Cello Prelude Allemande Courante Sarabande Gavotte I & II Gigue BWV 1013 - Partita in A minor for Solo Flute Allemande Corrente

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Sarabande Bourrée Anglaise BWV 1066 Bourrée I Bourrée II Courante Forlane Gavotte I Gavotte II Minuet I Minuet II Passepied I Passepied II BWV 1068 - Orchestral suite No.03 Air on G string BWV 163 Aria BWV 578 Little Fugue in G minor BWV 772 Invention No.01 BWV 777 Invention No.06 BWV 780 Invention No.09 BWV 783 Invention No.12 Cantata No.140 Wachet auf Cantata No.147 Jesu joy of mans desiring French Suite No.4 Allemande

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Jorge Cardoso - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Jorge Cardoso De Wikipedia, la enciclopedia libre Jorge Cardoso es un compositor, guitarrista clásico y médico nacido en 1949 en la ciudad de Posadas, Argentina (provincia de Misiones). Se graduó como Profesor Superior de Guitarra en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y realizó sus estudios de medicina en la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina) en 1973. Es fundador y director de la Orquesta de Cámara de Guitarras de Madrid. Ha dado conciertos en Alemania, Argentina, Austria, Bélgica, Canadá, Chile, Costa Rica, Cuba, Checoslovaquia, España, EE. UU., Finlandia, Francia, Holanda, Honduras, Italia, Japón, Luxemburgo, Marruecos, Paraguay, Polonia, Portugal, Rusia, Suecia, Suiza, Turquía y Ucrania, participando habitualmente en festivales internacionales y en programas de radio y televisión. Ha transcrito y compuesto unas 400 obras para guitarra, entre las cuales figuran obras de carácter folclórico de diferentes países sudamericanos, del Renacimiento y Barroco, entre otras.

Enlaces externos ■ Página Web de Jorge Cardoso (http://monsite.wanadoo.fr/jorgecardoso/) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Jorge_Cardoso" Categorías: Compositores clásicos del siglo XX de Argentina | Guitarristas de Argentina | Guitarristas clásicos | Nacidos en 1949 | Posadeños ■ Esta página fue modificada por última vez el 14:30, 17 sep 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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Teatro Nacional de Costa Rica

Ha ofrecido clases magistrales y conciertos en importantes festivales de Guitarra entre los que cabe mencionar los festivales de Cuba; Argentina; Suiza; Panamá; Honduras; Colombia; Guatemala; Costa Rica; Liechtenstein; Austria; República Checa; República Eslovaca; Martinica; Francia (Paris); Grecia (Volos); “ Jacinto e Ignacio Guerrero” Madrid, España; “Mikulov”, República Checa; “Sain Die des Vosques”, Francia; “Weikersheim” Alemania; “Bellas Artes” México. A lo largo de su carrera ha actuado en países de Europa, Asia y América entre los que cabe mencionar a Alemania, Austria, Liechtenstein, Costa Rica, Guatemala, México, Argentina, Italia, Francia, España, Martinica, Bahamas, República Checa, Eslovaquia, Polonia, Hungría, Rusia, Bulgaria, Suiza, Grecia, Corea ,China, Panamá , Honduras, Colombia y Ecuador entre otros. Asimismo ha ofrecido conciertos como solista con todas las orquestas Sinfónicas de Cuba, así como con numerosas Orquestas Sinfónicas en el extranjero; además ha grabado programas para la Radio y la Televisión de Cuba y el extranjero. La prensa y la crítica se ha hecho eco de sus magníficas presentaciones con frases como: ...”excelente músico”...”técnica perfecta”...”su interpretación nos recuerda la época de oro de Segovia”...”la reencarnación de Barrios”.”Zamora es (Cuba) uno de los más importantes guitarristas clásicos del revistas Nació el 24 de diciembre de 1966 en la ciudad de Colón, provincia de presente” Ha ofrecido entrevistas para Matanzas, Cuba. Su acercamiento a la música se produce influenciado por su especializadas en la guitarra como Le Cahiers de la Guitare de Francia, Guitarra Aktuel, de Alemania, Guitarra & Laute padre que tocaba el tres, instrumento típico de Cuba, y así, a los 11 años, de Alemania y Classical Guitar de Londres, Inglaterra entre comenzó sus primeros estudios de guitarra en la Escuela Provincial de Arte de Matanzas, con el profesor Julio Pérez. Ya en 1981 comienza los estudios de otras. nivel medio en la Escuela Nacional de Arte de La Habana, graduándose en música el año 1985, en la especialidad de guitarra bajo la tutela del Maestro

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Teatro Nacional de Costa Rica

música el año 1985, en la especialidad de guitarra bajo la tutela del Maestro Aldo Rodríguez. Desde entonces comienza una fructífera labor artística y docente. Ha sido ganador y merecedor de importantes premios y menciones especiales de reconocimiento en destacados concursos internacionales de guitarra como son el “Festival y Concurso Internacional de Guitarra” (Cuba); “Concurso Internacional de Guitarra de Alessandría” (Italia); “Concurso Internacional de Guitarra Manuel M Ponce” (México); “Concurso Internacional de Guitarra Otoño Sileciano” (Polonia); “Concurso Isaac Albéniz” (Cuba); “Concurso Internacional de Guitarra” (Jalapa, México); “Concurso Internacional de Guitarra de Radio France” (Paris, Francia). “Concurso Internacional de Guitarra René Bartola” (Marseille, Francia).

José Angel Navarro nació el 1ro. de Octubre en Güines, un pueblo del sur de la provincia La Habana, Cuba. Se crió en el seno de una familia sencilla con una cultura elemental y en donde no hay ningún miembro vinculado a la música. Sin embargo, desde pequeño tuvo inclinaciones a la música y al arte en general, pues de manera institiva escuchaba el Jazz y la música clásica juntamente con la instrumental. Desde muy temprano sintió la necesidad de hacer sonar instrumentos musicales que fueron siendo sus juguetes preferidos en su infancia humilde. De manera auditiva iba imitando las melodías que escuchaba en la Radio y despúes en la Televisión.Estas provenían principalmente de seriales ynovelas que le daban la posibilidad de escucharlas con relativa frecuencia y poderlas recordar para después intentar repetirlas en los instrumentos que estaban a su disposición. Generalmente se inclinaba a los melódicos como el saxofón, acordeón, piano y guitarra ... claro, que estos eran juguetes al inicio hasta que finalmente llegó a sus manos la primera guitarra de “verdad” alrededor de los ocho años de edad. En un pueblo de campo es muy difícil encontrar instrumentos de confección industrial especializada como los de viento. Por tanto, una guitarra era más probable porque son usadas en la música tradicional campesina y en Güines habían algunas agrupaciones de este tipo. Su pueblo natal es uno de los más reconocidos en Cuba por la tradición de música folklórica y por la existencia en la historia de excelentes e importantes músicos güineros que han trascendido internacionalmente. De escuchar con regularidad los sonidos de los tambores ceremoniales y tradicionales se fue formando en él un gusto especial por esta polirítmia pero con la peculiaridad de que no le era atractivo (Cuba) ejecutar los tambores. Es por ello que cuando comienza a familiarizarme con la guitarra, aparece la inquietud de trasponer esos sonidos y ritmos en las De manera autodidacta fue perfeccionando una seis cuerdas. metodología que hoy se ve plasmada en sus obras sobre el tema afrocubano. Estudió Ingeniería Civil en la Universidad, a pesar de sus inclinaciones musicales y artísticas no le fue posible estudiar música ya que no existía ninguna escuela vecina a su localidad y además se necesitaba algún aval para el ingreso a éstas. No obstante siguió identificado con los movimientos culturales que se desarrollaban en las escuelas como eran las Bandas, los festivales de las enseñanzas Primaria, Secundaria, PreUniversitaria y Universitaria, permitiéndole conocer a personas activas en estos trabajos que me fueron dando sus experiencias y consejos. No es hasta el año 1992 que comienza a trabajar como profesional en la música, gracias al maestro Leo Brouwer (guitarrista y compositor) que al escuchar sus obras en un cassette consideró que debía ingresar al Centro Nacional de Música de Concierto como guitarristA concertista. A partir de entonces comienza su carrera internacional cuando en el año 1993 le proponen un contrato discográfico para hacer su primer CD "MIEL", que lo lanzó al mundo de los Festivales

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Teatro Nacional de Costa Rica Internacionales de Guitarra. Durante doce años ha estado ejerciendo y brindando su trabajo, naciendo nuevos CD como: "SALE EBÁ ASHÉ", "MANO CON FUSA", "RETOVERSIONES", "ROUND TRIP", "AFRO 6 ual" , "BEYOND", "CONNECTED", "MY METAL HEART" y "HEAVENLY DREAMS" En este momento Navarro se encuentra grabando su nuevo proyecto discográfico que se llamará: "Third Eye". En la actualidad vive en los Estados Unidos de América, en Miami, continuando con su carrera artística y con el mayor deseo de mostrar su música a todo el pueblo americano y al mundo en general.

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Classicalguitar.nl - View article - Kueffner, Joseph (1776 - 1856, Germany)

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Kueffner, Joseph (1776 - 1856, Germany) Wednesday, 10 September, 2008 Joseph Kueffner was born March 31, 1776 in Wuerzburg. His father, Wilhelm Kueffner, was the the leader of the Wuerzburg court orchestra. When Joseph was 7 years old he began to learn the violin. In 1791 he started to study philosophy and law. He had his first concert as soloist in a "winter concert" with his violin in 1792. In 1794 he started his musical education with "concertmaster" Lorenz Schmitt. Since 1797 Kueffner was a member as violinist with the Würzburg court orchestra. In 1802, when Würzburg became part of Bavaria, he became bandmaster with a Bavarian Army regiment and was assigned to take charge of military music. So he startet his compositions and arrangements for "Harmoniemusik", which were very well accepted.

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Advertisement Since 1804 he was again member of the Wuerzburg court orchestra but also he had his position as military bandmaster. In 1814 the court orchester was closed and Kueffner was retired. Since this time he only worked as composer. His "Harmoniemusik" became famous in France and the Netherlands. During several journeys in Paris and Bruxelles he had personal distinctions. In this time he also wrote many pieces for guitar but also many trios for two instruments and guitar. It is unknown when and where he had his first contact with the guitar. He composed seven symphonies, a quintet for flute and strings, (at least one) string quartet (his opus 178), a viola concerto, and a horn quintet (op. 66).

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His live was very changeful and he often to fight for his survival. He died at 9.9. 1856 in Wuerzburg.

» Cottin, Alfred (1863 » Hidrobo, Homero (1939 » Bonilla-Chavez, Carlos (192...

Only some compositions for guitar, which are very easy and for beginners, are today in use.

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JOÃO PERNAMBUCO- O POETA DO VIOLÃO

João Teixeira Guimarães nasceu em Jatobá, sertão pernambucano, em 02/11/1883 e faleceu no Rio de Janeiro em16/10/1947. Com uma muda de roupas, seu violão e muitos sonhos, desembarcou João, aos vinte anos de idade, na então capital da República. Trabalhava como ferreiro em jornadas de até dezesseis horas diárias. O pouco tempo que lhe restava era dedicado ao violão. Para os seus amigos e admiradores, em número sempre crescente, contava e cantava coisas de sua terra, daí o apelido de João Pernambuco. Já em 1908 era considerado um dos bambas do Choro, ao lado de nomes como Quincas Laranjeiras, Ernani Figueiredo, Zé Cavaquinho e Satiro Bilhar. Paralelamente ao Choro, desenvolvia seu trabalho nas canções regionais através de composições suas e de violeiros e cantadores nordestinos. João Pernambuco também cantava e cantava bem. Nas cordas, além do violão que manejava com maestria e no qual desenvolveu uma técnica peculiar, era hábil na viola. Compôs mais de cem músicas entre choros, valsas, jongos, maxixes, emboladas, toadas, cocos, prelúdios e estudos. Suas composições mais conhecidas são Luar do Sertão(parceria com Catulo da Paixão Cearense) e Sons de Carrilhões. É a obra deste grande homem, grande em estatura (1,84 m) e em caráter e que traz em seu apelido o compromisso com o seu povo que iremos agora focalizar. Esta obra possui duas vertentes bem distintas: a violonística e a sertaneja. A Canção Sertaneja foi consolidada a partir da aceitação popular da toada Caboca de Caxangá, de João Pernambuco e Catulo da Paixão Cearense e da importância que teve a participação de João Pernambuco apresentando canções folclóricas no Ciclo de Conferencias sobre Temas Folclóricos organizado por Afonso Arinos de Mello Franco e realizado em São Paulo em 18/12/1915. João Pernambuco organizava grupos cujos integrantes usavam trajes típicos e adotavam nomes de famosos cantadores nordestinos como p.ex: Grupo Caxangá, Troupe Sertaneja e Trio Viriato Correia/ Storni/ Pernambuco. Participou também,entre 1919 e 1922, do conjunto Oito Batutas que mais tarde alcançaria fama ao excursionar pela Europa. Antes disto Arnaldo Guinle financiou uma excursão deste conjunto pelo interior dos estados do Rio de Janeiro, Minas Gerais e São Paulo e ao Nordeste, com o intuito de recolher material folclórico. A presença de João, já reconhecido como autoridade no assunto, foi de fundamental importância nesta empreitada. Graças a influencia de João Pernambuco, vieram ao Rio de Janeiro na década de vinte do século passado os conjuntos Turunas Pernambucanos, Turunas da Mauricéia e A Voz do Sertão. Com estes conjuntos vieram músicos maravilhosos que alcançaram grande projeção por aqui, como foi o caso de Luperce Miranda, Augusto Calheiros, Jararaca e Ratinho. O cego Manoel de Lima e Jaime Florence, mais conhecido como Meira. O sucesso destes grupos acabou por influenciar grupos formados no Rio como o Bando dos Tangarás(Integrado por Noel Rosa, Almirante e João de Barro dentre outros), e em São Paulo principalmente, onde a partir de 1927 viveu a canção sertaneja o seu apogeu, que duraria até 1935. Surgiram então os Turunas Paulistas, os Batutas Paulistas, o Conjunto

Verde-Amarelo, os Chorões Sertanejos, a Orquestra Colbaz e o Sexteto Bertorino Alma. Os interpretes mais representativos desta fase foram Paraguassú, Raul Torres, Jaime Redondo, Januário de Oliveira, Stefana de Macedo e Elsie Houston-Péret. Integrava estes grupos uma geração de músicos do mais alto nível como Gaó, Alberto Marino, Atílio Granny, Zezinho do Banjo(que seria conhecido depois como Zé Carioca), Jonas Aragão, José Sampaio, Aymoré, Nestor Amaral e Garoto. Como retribuição àquele que tanto fez pela divulgação desta música, foi justamente em São Paulo que João Pernambuco gravou a parte mais expressiva(em qualidade e em quantidade) de sua obra em ambas vertentes. Nestas gravações foi acompanhado com extrema competência por Zezinho(Zé Carioca) e teve em Stefana de Macedo uma graciosa intérprete de suas músicas. A santíssima trindade dos precursores do violão brasileiro é constituída por Quincas Laranjeiras, João Pernambuco e Levino Albano da Conceição e a obra violonística de João era de tal densidade e profundidade que a ela assim Villa-Lobos se manifestou: “...Bach não se envergonharia em assinar os estudos de João Pernambuco como sendo seus...”. O renomado musicólogo Mozart de Araújo não fez por menos: “João Pernambuco está para o violão assim como Ernesto Nazareth está para o Piano”. Reza a lenda que o notável Agustín Barrios numa de suas vindas ao Rio de Janeiro emocionou-se ao ver João tocar e dedicoulhe o seu Choro da Saudade. A edição em partituras de várias músicas de João Pernambuco,através do esforço do grande violonista Turíbio Santos, acabou por despertar o interesse de muitos violonistas sobre esta obra. Em pouco tempo, estas peças seriam obrigatórias no repertório violonístico. Importantes na divulgação desta obra foram os trabalhos “Caio César interpreta João Pernambuco,vol 1”; “João Pernambuco, o Poeta do Violão” e “Descobrindo João Pernambuco”, estes dois últimos devidos a Leandro Carvalho. Por ocasião do centenário de João, a Funarte produziu um LP com Antonio Adolfo e o Nó em Pingo Dagua, uma biografia “João Pernambuco-Arte de Um Povo” de José de Souza Leal e Artur Luiz Barbosa e um caderno de musicas com arranjos de Maurício Carrilho e Antonio Adolfo. João Pernambuco possuía muitos amigos, como Quincas, Patrício Teixeira, Rogério Guimarães, Zé Cavaquinho, Levino Albano, Aymoré, Armando Neves, Donga e Pixinguinha, Meira, Luperce Miranda , Almirante, Villa-Lobos,Dilermando Reis, enfim, uma lista interminável! Mas não se deve esquecer a importância que João teve na formação artística de um gênio de nossa música chamado Pixinguinha. Amigos desde 1912, Donga, Pixinguinha(este com quatorze anos) e João moravam numa república na rua do Riachuelo 268. Era de lá que saia nos carnavais o Grupo Caxangá e foi também nesta época que produziram Sabia, Os Três Companheiros e Estou Voltando. Estiveram juntos de 1914 até 1919 no Caxangá e de 1919 até 1922 nos Oito Batutas, que nesta fase era um conjunto predominantemente sertanejo. De 1928 até 1935 morou João Pernambuco no casarão da Av. Mem de Sá 81, onde funcionava uma republica que abrigava, em sua maioria, a músicos e jogadores de futebol. Lá João organizava animadas e concorridas rodas de choro que contavam com a participação de Donga, Pixinguinha, Patrício Teixeira, Rogério Guimarães e, ocasionalmente, Villa-Lobos. Foi também neste lugar que João conheceu, por intermédio de seu amigo Levino, um então jovem e promissor violonista chamado Dilermando Reis. João Pernambuco foi reverenciado por grandes violonistas como Garoto, Baden Powell,

Paulinho Nogueira, Rafael Rabello e hoje em dia suas músicas são executadas por violonistas de várias nacionalidades.

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Juan Antonio Sánchez Biografía | Discografía

Fechas: Berlín, 7 de septiembre de 1965 Daniel Delgado Años activos: Manuel Meriño Elizabeth Morris

Género: Fusión latinoamericana Grupos: Entrama Terra Nova Sitio: w w w .juanantoniosanchez.scd.cl

En

el

universo

de

la

fusión

latinoamericana

hay un

guitarrista inteligente, el tercero tras la línea que marcan Antonio Restucci y Alberto Cumplido, y se llama Juan Antonio Sánchez. Es conocido entre el círculo de cultores de la música de raíz, la trova y las mixturas estilísticas de fin de siglo, como Chicoria. Y si Restucci llegó a la fusión desde la guitarra folclórica y Cumplido desde la guitarra clásica, Sánchez lo hizo desde ambos frentes, demostrando ser un versátil intérprete y al mismo tiempo un imaginativo compositor de nueva música popular chilena.

Para 1974 su familia debió salir expulsada del país, rumbo a Buenos Aires. Sánchez tenía ocho años y la motivación de conocer el folclor latinoamericano desde la primera fila. Participó en grupos de raíz tocando quena, flauta traversa y guitarra criolla, motivado igualmente por chilenos y argentinos, e inspirado en la misma razón por la Nueva Canción Chilena y la Nueva Trova Cubana. En 1981 regresó a Chile siendo un adolescente y tuvo por fin contacto musical con chilenos: en el colegio Francisco de Miranda tocó con unos jóvenes Ángel Parra y Javiera Parra. Poco después Sánchez dejaba la calle y las peñas escolares para ingresar al conservatorio y estudiar composición y guitarra clásica con Oscar Ohlsen.

El mundo de los rasgueos populares y arpegios doctos tenían un peso específico similar para un guitarrista que al comenzar la siguiente década se integraba a su primer conjunto musical fuerte: el trío de cámara y música popular Terra Nova (1993-96). Fue creado en la Universidad de Chile junto al cellista

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MúsicaPopular.cl cámara y música popular Terra Nova (1993-96). Fue creado en la Universidad de Chile junto al cellista Rodrigo Peje Durán (luego integrante de la Orquesta Sinfónica de Concepción) y el flautista Leo Baeza, su director. El trío grabó La noche mágica (1995) e impulsó la ambivalencia de Sánchez.

Entonces la travesía de Chicoria en la música de fusión ganó el respeto de los más distintos músicos. Tocó para Patricio Manns, Mariela González, Francesca Ancarola y Magdalena Matthey. Acompañó al dueto de charangos de Horacio Durán e Italo Pedrotti, la reunión de Santiago del Nuevo Extremo y a quien sería su músico más influyente en la música instrumental: el mandolinista Antonio Restucci. Juntos tocaron en 1999 en el Festival Guitarras del Mundo celebrado en Buenos Aires.

En 1997 fue miembro fundador de su segundo conjunto esencial: Entrama, una de las banderas de la nueva música de fusión. Para este ensamble multinstrumental Sánchez compuso parte del repertorio temprano ("Mediterránea", "Tangos de hielo", "Surtren", "El plazo del Ángel"), incluidas en Entrama (1998). Luego escribió "Nemayogok" para el disco Centro (2001), cuyo concierto de lanzamiento sería la última vez de Sánchez junto a Entrama.

En 2000 editó su primer álbum solista, Local 47, un trabajo de mezclas de música latinoamericana y música flamenca con el que obtuvo el premio Altazor 2002 por "Tonada en sepia". Se unió como guitarrista a sucesivos festivales Entre Cuerdas, oganizados por Alberto Cumplido y gestó el proyecto "salterio y guitarra", con Pancho Amenábar, editó el manual Piezas esenciales para guitarra (2002) y su segundo álbum, Soyob ré (2003), inspirado en una canción de Luis Advis. Son los pasos más recientes de Juan Antonio Chicoria Sánchez, un músico abierto y sensible, un nombre, un pseudónimo y un sonido de la fusión latinoamericana.

—Iñigo Díaz. Foto: archivo de Francesca Ancarola.

Local 47 (2000 - Autoedición) Soyobré (2003 - Fondart)

(EPs, antologías de éxitos, grabaciones en vivo, DVDs, reediciones)

(Compilados de varios artistas)

Música de este lado del sur, vol 4 (---- - Sello Azul) Música de este lado del sur, vol 2 (1995 - Sello Azul) Música de este lado del sur, vol 3 (1996 - Sello Azul)

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Julian Bream - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Julian Bream De Wikipedia, la enciclopedia libre Julian Bream, nacido el 15 de julio de 1933, es un guitarrista británico y laudista. Nació en Londres y fue criado en un ambiente muy musical. Su padre tocaba jazz en la guitarra y el joven Julian quedó impresionado al oír la forma de tocar de Django Reinhardt. Fue alentado a tocar el piano y la guitarra (aunque usando un plectro). Cuando cumplió once años, su padre le regaló una guitarra clásica. Se convirtió en un prodigio infantil, al ganar a los 12 años un premio en una exhibición infantil por tocar el piano, dándole oportunidad de estudiar piano y cello en el Royal College of Music. Tuvo su debut en un recital de guitarra en Cheltenham en 1947 a los 13 años. En 1951 hizo su debut en el Wigmore Hall en Londres. Después de su reclutamiento en el servicio nacional, regresó a su ajetreada carrera, tocando alrededor del mundo, incluyendo giras anuales por los EUA y Europa las cuales duraron varios años. Tomó parte de un recital en el Wigmore Hall con el laúd en 1952 y desde ese momento realizó un gran trabajo trayendo a la luz música escrita para ese instrumento. En 1960 se creó el Julian Bream Consort (Consorcio Julian Bream), un ensamble instrumental de época con Bream como laudista. Esta agrupación lideró un despertar del interés en la música de la Época Isabelina. En 1984 tuvo un grave accidente de automóvil, el cual lo lesionó gravemente. Tuvo que realizar un gran esfuerzo para recuperar su habilidad técnica. El repertorio de Bream es sumamente amplio, desde transcripciones del siglo XVII, pasando por un gran número piezas de Bach arregladas para guitarra, piezas populares españolas, hasta música contemporánea escrita expresamente para el instrumento, mucha de la cual fue escrita tomándolo como máxima inspiración. Varios compositores trabajaron con el, y entre los que le dedicaron piezas están: Malcolm Arnold, Benjamin Britten, Leo Brouwer, Peter Racine Fricker, Hans Werner Henze, Humphrey Searle, Toru Takemitsu, Michael Tippett y William Walton. El Nocturnal de Britten es una de las obras más famosas e importantes en el repertorio de la guitarra clásica, y fue escrita inspirándose totalmente en Julian. Se trata de una inusual serie de variaciones sobre el tema Come Heavy Sleep de John Dowland (el cual se toca en su forma original casi al final de la pieza). Bream ha tenido parte en algunas colaboraciones exitosas, inluyendo su trabajo con Peter Pears en música Isabelina para laúd y voz, y dos discos de dúo de guitarra con John Williams.

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Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Julian_Bream" Categorías: Guitarristas clásicos | Guitarristas del Reino Unido | Nacidos en 1933 ■ Esta página fue modificada por última vez el 15:52, 25 ago 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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musicians from the province of Mendoza, Argentina, have dedicated themselves to the worthy endeavor of promoting Nuevo (new) Tango, focusing on the music of the late bandoneon master and composer, Astor Piazzolla. Observing Piazzolla's original arrangements and instrumentation, they play primarily Piazzolla's compositions from the 1970's and 1980's. Bandó has performed with famous tango orchestras, such us Macifesta, Tango y Punto, among others. In 2003, sponsored by the Astor Piazzolla Foundation, they premiered Piazzolla's operita Maria de Buenos Aires, in Mendoza. Bandó has played in numerous theaters throughout Argentina and also in New York City, Chicago, and Washington DC.

Bruno Cavallaro, violín Rodolfo Zanetti, bandoneón Federico Diaz, electric guitar Jorge Mansilla, piano Germán Montenegro, bass

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Carolina Jaurena, dancer

Influenced by her parents, Marga and Raul, Carolina, from an early age wished to perform. She has formal training in ballet, Latin ballroom dancing, salsa, and flamenco, but decided to specialize in Argentine tango. She recently marked a milestone in her professional career when she was the featured dancer in the Sidney Pollack film Random Hearts. She won First Place in a dance contest on the very popular Spanish-language TV program, Sabado Gigante. This year she

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Kazuhito Yamashita - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Kazuhito Yamashita De Wikipedia, la enciclopedia libre Kazuhito Yamashita (山下 和仁 Yamashita Kazuhito ? ), [25 de marzo de 1961, Nagasaki, Japón] es un guitarrista clásico.

Biografía Empezó su acercamiento a la guitarra, gracias a su padre, a los ocho años; a los once ya ganaba sus primeros concursos. En 1978, hizo su debut en Japón un año después en Paris y posteriormente en América en el Toronto Guitar Festival. Ha colaborado con la Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica NHK, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Orquesta de RTVE y The Tokyo String Quartet. Además se graduó en Economía e Ingeniería en la Universidad de Nagasaki.

Carrera Es un instrumentista de gran fama dentro y fuera de su país y con una técnica impresionante que hace que pueda tocar piezas de una gran complejidad. Aunque es un gran profesional ha sido criticado por la excesiva velocidad con que toca algunas piezas y por ser de expresividad plana, por ello, es raro verle realizando conciertos fuera de Japón donde es venerado.

Discografía Su discografía cuenta con más de 75 discos, de los cuales solo unos pocos han sido editados en Europa. También ha realizado arreglos de obras como Cuadros de una exposición de Modest Músorgski, El pájaro de fuego de Stravinski, Scherezade de Rimski-Kórsakov, Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Dvořák o Las cuatro estaciones de Vivaldi. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Kazuhito_Yamashita" Categorías: Guitarristas clásicos | Nacidos en 1961 | Guitarristas de Japón ■ Esta página fue modificada por última vez el 23:38, 29 may 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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La vida de Heitor Villa-Lobos

Nace en Río de Janeiro (Brasil) el 5 de marzo de 1887. Comienza a estudiar violonchelo y música con su padre, músico aficionado. Despues continuará sus estudios de violonchelo con Benno Niederberger en el Instituto Nacional de Música de Río de Janeiro al tiempo que se negaba sistemáticamente a recibir lecciones en las áreas teóricas de la música. En 1905 comienza un viaje por Brasil que duraría 7 años. Durante este viaje se gana la vida tocando el violonchelo en cines, teatros y otros locales, consiguiendo ya en 1915 popularizar su música en las salas de conciertos. En 1923 se traslada a Europa en 1923 para realizar una gira de conciertos, obteniendo gran éxito con sus obras. En este viaje entabla amistad con Varèse. De regreso a Brasil en 1930, vuelca sus esfuerzos en popularizar la música clásica entre la ciudadanía brasileña, llegando a ser en 1932 Director de Educación Musical de Brasil. Fundador del la Academia Brasileña de Música en 1945, muere en Río de Janeiro el 17 de noviembre de 1959 a los 72 años. Su funeral se celebra con los honores de un hombre de estado.

Las obras de Heitor Villa-Lobos

Su música, lamentablemente, fue mejor comprendida en Europa que en Brasil debido a su vanguardismo llegando a alcanzar gran popularidad también en Estados Unidos. En sus composiciones se denota la espontaneidad y carácter improvisatorio que tanto le gustaba a Villa-Lobos, pero precisamente este estilo fue para el compositor un arma de doble filo porque dio pie a que lo tacharan de falta de profundidad y de conocimientos.

No obstante, su música presenta un gran colorido instrumental, al que añade a partir de 1920 el estilo del folklore brasileño siendo esta la época de las Bac

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Abajo encontrará la imagen en su contexto original en la página: guitarra.artelinkado.com/guitarra/protesis.htm

Por Oscar López Rogado

Este artículo es una pequeña introducción al mundo de las "prótesis". ¡Qué palabra tan fea! Estos artilugios no son inventos de nuestros días sino que ya los laudistas usaban elementos externos al instrumento para buscar una posición adecuada. Hoy en día han evolucionado y cada vez son más los profesionales que los usan en las grandes salas de conciertos. Desde hace 5 años uso una de estas prótesis y he querido compartir mi experiencia con vosotros además de hablaros de otros sistemas que se han inventado con mayor o menor éxito. El cuerpo, la postura y las dolencias de los guitarristas Dicen que si miramos bien las manos de una persona podemos saber su profesión. En el caso de los intérpretes profesionales en general podemos llegar a ver "marcas" que atestiguan un esfuerzo y trabajo técnico. Así, encontraremos músicos con manos musculosas en exceso, hombros irregulares, cuellos llenos de moratones, mentón irregular, etc. Este aspecto a menudo pasa desapercibido para los que escuchan y llega a ser un suplicio para algunos intérpretes que en el peor de los casos tienen que dejar de tocar su amado instrumento. En el caso de los guitarristas es facilísimo descubrirnos a simple vista pues somos los únicos "gatos" con una sola garra afilada :-) Pero ¿si nos preguntan por nuestras dolencias? Además de las tenidinitis en los dedos, manos y muñeca que levante la mano el que no ha sufrido durante algún momento de su vida como guitarrística dolores de espalda. Supongo que casi todos. Este hecho es debido a la tensión reiterada sobre las articulaciones de la columna vertebral y sus tejidos blandos. Para prevenir estas dolencias es fundamental tener una buena postura basada en la relajación de espalda, hombros y brazos además de una adecuada sujeción del instrumento. Para prevenir la aparición de estas molestias es conveniente

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Biografías del Jazz: Laurindo Almeida

BIOGRAFÍA

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GUITARRA

El primer profesor de música de Laurindo Almeida fue su madre (una pianista). Pero la guitarra de su hermana le atraía más y pronto decidió que ese sería su instrumento. Desde el principio se vio claro que iba a ser un gran guitarrista. Su carrera comenzó en 1936 cuando decidió actuar a bordo del trasatlántico brasileño Cuyaba. De esa forma visitó Europa donde tuvo la oportunidad de oír tocar a Django Reinhardt en París. De vuelta a Brasil, Almeida comenzó a trabajar en la Radio Mayrink Veiga en Río de Janeiro. En esta emisora conoció a Garoto con quien formo un dúo de guitarra llamado Cordas Quentes. Este dúo participo en numerosas grabaciones a finales de los años30. En 1947 hizo una gira a EE.UU. con la banda de Carmen Miranda y se estableció en Holywood temporalmente donde trabajó como músico para películas y como concertista solo con la violinista Elizabeth Waldo. Compuso música para algunas películas. Pronto su interés por el jazz le condujo a la orquesta de Stan Kenton donde actuó como solista durante 3 años. Unos años mas tarde se estableció en Los Ángeles donde comenzó su increíble carrera de grabación. Almeida ganó 2 Oscars y diez Grammy. Muchos críticos le consideran como el pionero de la Bossa Nova, reivindicando que "Brazilliance", grabado con Bud Shank, introdujo este genero en Estados Unidos mucho antes de que Stan Getz & Charlie Byrd comenzaran con la locura por la Bossa Nova con "Jazz Samba". Otros hechos importantes en la carrera de Almeida fue la grabación realizada en 1966 de el "Concierto de Copacabana" de Gnattali y el "Concierto de guitarra" de Villalobos así como sus conciertos alrededor de todo el mundo con el Modern Jazz Quartet a mediados de los años 70. Laurindo Almeida siempre

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LAURINDO ALMEIDA

NOMBRE REAL: LAURINDO ALMEIDA

NACIDO EN: MIRACATÚ (SAO PAULOBRASIL)

FECHA NACIMIENTO: SEPTIEMBRE

1917.

2

FALLECIDO EN: LOS ÁNGELES (CALIFORNIA)

29-09-2008

Biografías del Jazz: Laurindo Almeida

ha sido un guitarrista sin fronteras. En su adolescencia luchó en Sao Paulo en la guerra civil y siempre tuvo una dura opinión política. Su actitud revolucionaria está perfectamente expresada en su música. Rechazó la etiqueta de guitarra clásica, brasileña o jazz - el tocó todos los estilos con el mismo éxito. Sus trabajos son numerosos ya que compuso música para más de 800 películas, entre las que destacan "El viejo y el mar" basada en la novela de E. Hemingway y también participo en varias series de televisión y grabó numerosos LPs y CDs.

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FECHA FALLECIMIENTO: 1995. 26 JULIO

PAGINA WEB OFICIAL

Mis discos de Laurindo Almeida -No DisponibleBibliografía consultada: El Gran Jazz. Ediciones del Prado. Autor: Juan Claudio Cifuentes. A|B|C|D|E|F|G|H|I|J|K|L|M|N|Ñ|O|P|Q|R|S|T|U|V|W|X|Y|Z

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Leo Brouwer - Compositor y Director de orquesta. Su Obra es un firme compromiso con los ideales de la Revolución Cubana. Editado por BlogClasico | | Biografias, Neo-Romantica, Otros Clasicos | 1 comentarios »

otros clasicos Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 13 años atraído por el sonido flamenco

Leo Brouwer (1939) Juan Leovigildo Brouwer conocido como Leo Brouwer (1939) es un compositor, guitarrista y director de orquesta cubano.Comenzó a

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tocar la guitarra a la edad de 13 años atraído por el sonido flamenco y motivado por su padre, que era doctor y guitarrista aficionado. Su primer maestro real fue Isaac Nicola quien fue alumno de Emilio Pujol, y a su vez este fue alumno de Francisco Tárrega. Dió su primer recital a la edad de 17 años; aunque para este tiempo sus composiciones ya empezaron a llamar la atención. Preludio (1956) y Fuga (1959), ambas con influencia de Bartok y de Stravinsky, son muestra de su temprana comprensión de música no propia de la guitarra. Viaja a Estados Unidos para estudiar música en la universidad de Hartford y posteriormente en la Juilliard School, donde Stefan Wolpe le enseña composición. Las primeras obras de Brouwer representan su contexto cubano y muestran la influencia de la música afrocubana y su estilo rítmico.Un buen ejemplo de este periodo es el Elogio de la Danza. Aunque es para guitarra sola, su segundo movimiento es un tributo a los Ballets Rusos (clara conexión con Stravinsky) siendo además este coreografiado. Le siguieron trabajos como su Sonograma I donde se refleja el uso de la incertidumbre, Canticum (1968), cuya primera parte representa el proceso por el cual un insecto adulto emerge del capullo e incidentalmente, incorpora un inusual cambio de afinación en la sexta cuerda a Mi BemolLa espiral eterna (1971), Concierto para guitarra no. 1, Parábola (1973), y Tarantos (1974). Este periodo incorpora el uso del serialismo, el dodecafonismo y los modos seriales abiertos que en la época se consideraban avante garde y que en parte son inspiración de compositores que escuchaba con predilección como Luigi Nono y Iannis Xenakis. Temprano en su carrera Brouwer compuso sus Estudios simples 1-20 para ampliar los requerimientos técnicos de la ejecución en la guitarra. Con estos estudios Brouwer produjo sin duda una obra mayor en el desarrollo de la técnica en la guitarra, haciéndolos no solo técnicamente demandantes sino también altamente musicales. Así como composiciones originales para guitarra, Brouwer es un ávido arreglista de otros compositores como Elite Syncopations y The Entertainer de Scott Joplin, o Fool on the Hill de The Beatles (Lennon/McCartney) entre muchas otras que ha arreglado para guitarra sola. Brouwer ha ocupado varios cargos oficiales en Cuba, incluyendo el de director del instituto de Cine del departamento de música de Cuba.

Su Música: Entre sus obras encontramos gran cantidad de piezas para guitarra, varios conciertos y más de cuarenta obras musicales para cine. Leo Brouwer tiene una activa participación en la organización del Concurso y Festival Internacional de Guitarra de la Habana. Es además fundador del Grupo de Experimentación Sonora ICAIC. Su obra va más allá del mero espíritu nacionalista, es también el reflejo de un firme compromiso con los ideales y pensamientos de la Revolución Cubana. Músicos como los estadounidenses Charles Ives y John Cage, el italiano Luigi Nono o el alemán H. W. Henze, influyen de forma decisiva en su obra, y lo conducen hacia un nuevo estilo de composición, la música aleatoria. Además de música para películas, podemos señalar: Sonogramas I para piano, Sonogramas II para orquesta, Cantigas del tiempo nuevo para piano, arpa, dos percusionistas, coro infantil y actores, Homenaje a Mingus para jazz y orquesta; varios conciertos para guitarra y orquesta, Homenaje a Falla, Tarantos; Metáfora del amor y un Concierto para violín y orquesta. Actualmente es director de la orquesta de Córdoba (España).Su último periodo es prácticamente minimalista, nunca yendo tan lejos como Steve Reich, pero una exploración de este estilo es evidente. Brouwer lo describe como el desarrollo de un sistema modular. El Decameron Negro (1981) probablemente el primero en este estilo la Sonata (1990), Paisaje cubano con campanas (1996)y Hika (1996) en memoria del compositor japonés Toru Takemitsu es la más reciente.

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Hacia la década de los 50, la guitarra comienza en Cuba un nuevo periodo y Leo , a partir de entonces, será su figura central. Su obra puede ser dividida en tres fases que no están marcadas de forma brusca: La primera, , puede ser llamada de nacionalista. Estamos en el periodo en el que Leo va de lo nacional y propio a lo continental latinoamericano; y por ese camino a lo internacional. Muchos compositores latinoamericanos comenzaron sus carreras, a partir de la segunda mitad del XX, como ardientes nacionalistas y se sintieron responsables de llevar a cabo una reconciliación entre las técnicas más avanzadas del modernismo europeo y los elementos melódicos y rítmicos propios del folclore de su país.Tal era el caso de compositores como Hector Villalobos, Carlos Chavez, y Alberto Ginastera. Leo, en cambio, define a su música como música de fusión de modelos culturales de lo culto y lo popular , algo que puede pertenecer legítimamente al pos-modernismo. Nunca se ha planteado la dicotomía entre música popular y culta.Se caracteriza fundamentalmente por el manejo de formas musicales tradicionales como sonatas, variaciones , suites y por la utilización de de concepciones armónicas con raíces tonales.Aun cuando su ambiente cultural no fue popular de raíz , en sus obras siempre están presentes los elementos populares , hasta en las obras más elaboradas,quizás precisamente por la distancia. De él puede decirse que hizo del mundo una representación suya , de ahí que haya integrado sus visiones, sus vivencias , su cultura histórica , con la raíz misma de su obra. Brouwer, parte de su cultura afrocubana mágica y ritual. El rito africano en cuanto a música y danza se refiere, contiene un factor repetitivo de células que llevan a la catarsis. Este sistema, a su vez, se encuentra en la esencia de la corriente minimalista actual....

Leo Brouwer "Prelude" Simple Etude Nº 6 Leo Brouwer Simple Etude #6 for Guitar Performed by guitarist Raymond Lohengrin.

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El origen de esa célula compositiva tiene sus raíces en estilos lingüísticos de origen africano o afrocubano. Así como el inglés es agudo , el yoruba es llano o esdrújulo. Por eso parece que muchas obras se repiten pero realmente lo que se repite son sus células compositivas o raíces Una vez formado como guitarrista , Brouwer , se inicia como compositor con el único objetivo de rellenar los huecos vacíos del repertorio guitarrístico.En el año 1956 estrena su primera gran obra: un preludio en el que logra un contrapunto del tres criollo. Un ejemplo de esto sería "Pieza sin título":Nuestra música popular adolece de estas debilidades formales , de las texturas,del desarrollo temático , contrapuntístico , y se hace fuerte en valores rítmicos, y quizás en un segundo plano, en valores de tipo armónico. Luego entonces, para mi era más importante contar con la fuerza del elemento rítmico, y buscar nuevos lenguajes en los demás formantes: no supeditar formantes; de ahí que algunas de esta cosas puedan tener valor

Toccatta - Leo Brouwer Del Mar College Guitar Quartet performing Toccatta by Leo Brouwer for the University of Texas Brownsville Guitar Competition.

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Discos Compositor: Leo Brouwer

John Williams (Guitarra)

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• V. Fleming rueda Lo que el viento se llevó.. • Steinbeck publica la novela Las uvas de la ira. • J. Rodrigo compone el Concierto de Aranjuez que se estrenará una año después. • Hahn y Strassmann realizan la fisión de los núcleos del uranio y del torio. • La Pan-American realiza vuelos regulares entre EE UU y Europa.

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• Con la toma de Madrid por los nacionales termina la guerra civil española. • Alemania ocupa Checoslovaquia. • Los alemanes invaden Polonia; Gran Bretaña y Francia declaran la guerra a Alemania. • Los soviéticos invaden Finlandia. • Chaplin rueda El gran dictador. • G. Greene publica la novela El poder y la gloria. • Hemingway publica la novela Por quién doblan las campanas. • Jung publica la obra psicológica La interpretación de la personalidad. • Se descubren en Francia las pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux.

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Jie, Li (b. 1981- China) Friday, 10 February, 2006

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Li Jie

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Classicalguitar.nl - View article - Jie, Li (b. 1981- China)

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Biography She began to study classical guitar at the age of 11 under the teaching of Prof. Chen Zhi. One year later, she attended the program "Classical Guitar's Technique and Performance" of CCTV. In 1995, she was enrolled in attached Middle school of Central Conservatory of Music. In 2000, she was admitted to the CCM. She has joined much international intercommunication and highly appraised by many celebrated masters,such as Prof.Michael Levin of The Royal college of Music, John Williams, Alexander Sergei Ramirez, Lachine Suzuki, and so on. Especially, Irma Costamzo of Argentina highly appreciated Li's performance. He commented that I belive i can appreciate your concerts on the world stage. As expected, Li Jie won the 2nd International Guitar Competition in Hong Kong in Aug.1998. The assembly of three girls, Li Jie Wang Yameng, and Chen Shanshan, was named as "God's Favored Girls,super trio" Their consummate skills and enthusiastic style were warmly welcomed at Beijing Music Hall and other concert all over China. Instrument~ Double Top Master spruce 644mm /2006 [This biography is copied from: http://www.almaguitar.com/] [Wikipedia Article on Li Jie: http://en.wikipedia.org/wiki/Li_Jie]

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Li Jie (guitar player) - Wikipedia, the free encyclopedia

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Li Jie (guitar player) From Wikipedia, the free encyclopedia

Li Jie People's Republic of China

Classical Occupation(s) Guitarist Instrument(s) Guitar Years active fl. ca. 2000 -present Shine Horn, Alma Guitar Four Angels Quartet Profile on Alma Guitar (http://www.almaguitar.com/enghtmlboard/board.php? func=view&dbname=engguitarist&pagecount=&uniqno=2834&no=4&subno=1&searchtype=TITLE&keywd=) Notable instrument(s) Alma Guitar

Li Jie (Chinese: 李潔; pinyin: Lǐ Jié; b. 1981) is a Chinese classical guitar virtuosa.

Contents ■ ■ ■ ■

1 Biography 2 Discography 3 Video 4 External links

Biography She began studying the classical guitar at the age of 11 (Chinese age) under Professor Chen Zhi (陳志). One year later, she appeared as a performer on the television program "Classical Guitar's Technique and Performance" of China's official national television station CCTV. In 1995, she enrolled into the Middle School (high school) of the prestigious Central Conservatory of Music (CCM) in China. In 2000, she was admitted to the CCM. She has received tremendous international attention and has highly praised by many celebrated masters, such as Professor Michael Levin of The Royal college of Music, John Williams, Alexander Sergei Ramirez, and Lachine Suzuki, to name a few.

http://en.wikipedia.org/wiki/Li_Jie_(guitar_player)

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Li Jie (guitar player) - Wikipedia, the free encyclopedia

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Irma Costanzo of Argentina especially appreciates highly Li's performance. She said: "I believe I will appreciate your concerts on the world stage." To no one's surprise, Li Jie won the 2nd International Guitar Competition in Hong Kong in August 1998. Li Jie was among the group of three girls, consisting of Li Jie, Wang Yameng, and Chen Shanshan, named "God's Favored Girls - Super Trio". Their consummate skills and enthusiastic style were warmly welcomed at Beijing Music Hall and other concerts all over China. She has also performed in a quartet formation (Four Angels (http://www.almaguitar.com/htmlboard/board.php? func=view&dbname=notice&pagecount=&uniqno=2875&no=93&subno=1&searchtype=TITLE&keywd=) with Wang Yameng, Su Meng, Chen Shanshan. Videos of Li Jie's impressive performances of highly difficult classical and contemporary pieces from the VCD Classical Guitar Masterpieces (http://www.shinemusic.cn/gb/Product/ProductDetail.aspx? ProductId=145) can be found possibly without permission on Youtube.com.

Discography ■ Classical Guitar by Lie Jie (http://www.shinemusic.cn/gb/Product/ProductDetail.aspx? ProductId=147) 2002 (Shine Horn (http://www.shinemusic.cn) , 先恒) (altern. (http://216.19.69.190/classical/big5/guitarist/asia/lijie/cd/classical_guitar.html) ) ■ Guitar Concert in Korea (http://www.almaguitar.com/gallery/board.php? func=view&dbname=dvdcd_gall&pagecount=&no=3&subno=1) by Four Angels (http://www.almaguitar.com/htmlboard/board.php? func=view&dbname=notice&pagecount=&uniqno=2875&no=93&subno=1&searchtype=TITLE&keywd Quartet, 2006 (Alma Guitar)

Video ■ Classical Guitar Masterpieces Playing, 古典吉他名曲指导 (http://www.shinemusic.cn/gb/Product/ProductDetail.aspx?ProductId=145) Performance: Li Jie Pedagogue: Chen Zhi (Shine Horn (http://www.shinemusic.cn) , 先恒) (VCD, cover (http://images.dangdang.com/images/8841120.jpg) back (http://www.geocities.com/taiwangs/Video/200310DVD/VCD/ChenChi.1.jpg) ) ■ Guitar Concert in Korea (http://www.almaguitar.com/gallery/engboard.php? func=view&dbname=engdvdcd_gall&pagecount=&uniqno=3470&no=2&subno=1) by Four Angels (http://www.almaguitar.com/htmlboard/board.php? func=view&dbname=notice&pagecount=&uniqno=2875&no=93&subno=1&searchtype=TITLE&keywd Quartet, 2006, DVD (Alma Guitar)

External links ■ Biography (http://www.almaguitar.com/enghtmlboard/board.php? func=view&dbname=engguitarist&pagecount=&uniqno=2834&no=4&subno=1&searchtype=TITLE&ke (http://www.almaguitar.com)

http://en.wikipedia.org/wiki/Li_Jie_(guitar_player)

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Li Jie (guitar player) - Wikipedia, the free encyclopedia

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■ playing paganini's 24th caprice (http://video.google.com/videoplay?docid=1994835504362469704) Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/Li_Jie_(guitar_player)" Categories: Chinese classical guitarists | 1981 births | Living people | Female classical musicians | People's Republic of China musicians ■ This page was last modified on 13 September 2008, at 04:48. ■ All text is available under the terms of the GNU Free Documentation License. (See Copyrights for details.) Wikipedia® is a registered trademark of the Wikimedia Foundation, Inc., a U.S. registered 501(c) (3) tax-deductible nonprofit charity.

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Liona Boyd Biografia - En Espanol - Biography in Spanish

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Mon, Sep 29, 2008, 8:44 pm "Every child is an artist. The problem is how to remain an artist once he grows up." Pablo Picasso (1881 - 1973) email address

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Liona Boyd - Biografia Biography Articles & Editorials Releases Fun facts Newsletter Liona Boyd - Life Links Wallpaper Guest book Guitars for sale Contact On-Line Store MULTIMEDIA

Liona Boyd, conocida como "La Primera Dama de la Guitarra" ha introducido a millones alrededor del mundo el arte de la guitarra clasica, a traves de sus conciertos, especiales de televisión y veinte grabaciones. Su abuela viene de Linares, la ciudad en la cual nació Andrés Segovia, y su padre creció en Bilbao, pero Liona Maria nació en Londres, Inglaterra. Ella llegó a Canada a la edad de 8 años y dió su primer concierto en la flauta dulce como parte de una competencia de talento llevada a cabo en un buque transatlántico. A la edad de 14 años pidió a sus padres una guitarra como regalo de Navidad. Despues de escuchar un concierto del gran guitarrista Inglés Julian Bream, Liona estaba determinada a dominar el instrumento. Siendo aun una adolescente tomó clases privadas con Eli Kassner, Narciso Yepes, Alirio Diaz, Julian Bream y el legendario guitarrista Andrés Segovia que escribió " Puedo predecir que Liona tendra una magnifica carrera".

Audio Clips Liona Boyd completó una Licenciatura en Artes con especialidad en Interpretacion en La Universidad de Toronto de donde se graduó con honores y ganó el primer lugar en la Competencia de Música Nacional Canadiense. despues de dos años de estudio privado con Alexandre Lagoya en Paris, Liona regresó a Norte America y grabó su primer album para Discos Boot/London. Despues de su debut en el Auditorio de Recitales del Carnegie en Nueva York, El New York Times alabó su "chispa para la brillantez "

Video Clips Personal Photo Gallery Paintings EN ESPANOL Biografia Resenas Trivia PRESS KIT Reviews Awards Private Concerts Collaborations Charity Events TV Appearances

Liona ha dado conciertos alrededor del mundo y ha tenido la oportunidad de tocar para docenas de lideres mundiales como la Familia Real Britanica, El Rey y Reina de España, Los Presidentes de Estados Unidos y México, los primeros ministros de Canada , Francia y Gran Bretaña y el Canciller de Alemania, asi como para las Reuniones Cumbre y las reuniones de los miembros del Tratado del Atlántico Norte. Al ser invitada por el Alcalde de Moscu Gavrill Popov, Liona se convirtió en la primera Canadiense que se presentó en el Kremlin cuando tocó en la exclusiva Gala de Año Nuevo, y fue la primera en tocar en la nueva Casa de Opera Bastilla en Paris. La música de su guitarra llenó auditorios de conciertos desde Tokyo, Hong Kong, Beijing, Bangkok, Nueva

Biography

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Liona Boyd Biografia - En Espanol - Biography in Spanish

Discography

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Delhi, Edinburgo, Paris, Auckland, Frankfurt, Santiago, Rio, Bogota, y Londres a Copehagen, Lisboa y México. Liona hizó sentir su presencia musical en Norte America haciendo conciertos en las principales ciudades y muy a menudo trabajando con orquestas sinfónicas como La Boston Pops. Ella ha grabado con Sir Andrew Davis y the English Chamber Orchestra, Yo, Yo , Ma, Georges Zamfir y Michael Kamen. Rompiendo con la tradición clasica ella salió de gira con Gordon Lightfoot y Tracy Chapman, y grabó con Chet Atkins, Eric Clapton, David Gilmore y Roger Whittaker. Ha sido invitada especial en infinidad de programas americanos de television como The Tonight Show, Today Show, Nightline y Entertainment Tonight. Una carrera altamente exitosa en Discos CBS/Sony trajó su música a una vasta audiencia internacional. El Canberra Times en Australia escribió " una interpretación hermosa que deja sin aliento, la interpretacion mejor llevada a cabo musicalmente con una técnica impecable que jamás haya escuchado de un guitarrista". En sus programas Liona siempre incluye composiciónes originales de su repertorio asi como música compuesta especialmente para ella. Su música fue escuchada en la pelicula para 20th Century Fox "A Walk in the Clouds" que ganó un premio Golden Globe por mejor guión musical, el film de Hemmingway "A Dream of White Elephants" y en la pelicula de Disney "A Kid in King Arthur`s Court". Los talentos virtuosos de Liona han resultado en cinco Discos de Oro y tres de Platino, cinco premios Juno ( que es el equivalente de el Grammy en Canada ), cuatro grados honorarios, y la Orden de Canada. Ha sido ganadora cinco veces de la encuesta en la revista Guitar Player como mejor guitarrista clasica y ha sido introducida en La Galeria de Grandes. CBC produjó varios especiales de una hora incluyendo " Romancing The Guitar ", "The Life and Times of Liona Boyd" y "Opening Night". La autobiografía de Liona "In my own Key - My life in Love and Music" se convirtió en un best seller, y sus videos son vistos frecuentemente en los canales Classical Arts Showcase y PBS. Recientemente Liona decidió perseguir su pasión por la cultura Latina y su amor por el lenguaje Español. Combinó ritmos populares latinos con la música de la guitarra romantica española en su mas reciente CD titulado "Camino Latino/Latin Journey. Producido por Richard Fortin, este disco tiene intervenciónes extraordinarias por parte de Al Di Meola, Steve Morse, Jesse Cook, Strunz and Farah, Johaness Linstead, Pavlo, Luis Villegas y el cantante latino Innis. " Al vivir en México siendo una adolescente me enamoré del pais, de la gente, del baile, la comida y por supuesto de la música! Cada vez que mis giras me llevan a Sur o Centro America siento una comunicación especial con mis espectadores". Ahora ademas de tocar sola y en conciertos con orquestas, Liona ha estado de gira con un grupo "nuevo latino" y con el invitado especial, Pavlo. Liona escribió "La música contribuye profundamente a la riqueza y belleza de nuestra experiencia de vida. Me siento muy afortunada de poder compartir este maravilloso lenguaje internacional con la gente alrededor del mundo". Liona vivio 13 anos en California desde donde mantenia una apretada agenda de grabaciónes y giras.Acabo de mudarse a Miami, Florida. Traducción gracias a Antonio Garcia Vizcaya

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Liona Boyd Biografia - En Espanol - Biography in Spanish

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: sono aperte le iscrizioni per l'anno 2007

Luigi Legnani Da Wikipedia, l'enciclopedia libera. Vai a: Navigazione, cerca

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Luigi Rinaldo Legnani (Ferrara, 7 novembre 1790 - Ravenna, 5 agosto 1877) è stato un chitarrista e compositore italiano.

[modifica] Biografia Nacque a Ferrara nel 1790 ma la sua famiglia si trasferì a Ravenna nel 1799, dove morì nel 1877. Studiò musica e chitarra a Ravenna. Esordì come tenore al teatro vecchio di Ravenna nel 1807 a soli 17 anni, ma il vero successo arrivò il 20 giugno 1819, quando si esibì al ridotto della Scala di Milano come chitarrista. Suonò con Niccolò Paganini e Franz Liszt. Fu definito "il Paganini della chitarra".

[modifica] Composizioni •

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Op. 10 - Scherzo consiste in un tema con quattro variazioni. (In una nota il compositore scrisse: "Le quattro variazioni vanno suonate con la sola mano sinistra") Op. 16 - Tema con Variazioni Op. 19 - Fantasia Op. 20 - 36 Capricci (1882) Op. 32 - Potpourri and Caprice Op. 34 - Gran Capriccio Op. 61 - Gran Fantasia Op. 202- Andante and Allegro from William Tell Op. 204 - Rondoletto Scherzoso Op. 224 - Introduzione, Tema e Variazioni Cinque Walzer

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Legnani, Luigi Rinaldo (1790-1877 Italy) Sunday, 11 September, 2005

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Biography

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(b Ferrara, 7 Nov 1790; d Ravenna, 5 Aug 1877). Italian guitarist, instrument maker and composer. Although trained from his earliest years as an orchestral string player, Legnani devoted himself to singing and especially to the guitar. He made his début as a tenor in Ravenna in 1807, and appeared there again from 1820 to 1826 in operas by Rossini, Pacini and Donizetti. He launched his career as a concert guitarist in Milan in 1819. In 1822 he appeared in Vienna with such sensational success that he was considered the worthy successor to Mauro Giuliani (who had left Vienna in 1819 to return to Italy). This city received Legnani with much praise again in 1833 and 1839.

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In the intervening years, besides touring Italy, Germany and Switzerland as a guitarist, Legnani struck up a friendship with Paganini, who considered him ‘the leading player of the guitar’. They planned to play together as a duo in a series of accademie to be held in Turin (stipulating three contracts, for 7, 16 and 23 August 1836); but, probably owing to Paganini’s poor state of health, these were cancelled by mutual agreement on 30 October that year (the rescissory deed is in US-Wc). Contrary to what some biographers have reported, there is as yet no evidence to affirm that Legnani and Paganini appeared together in public. In about 1850 Legnani retired to spend his remaining years in Ravenna constructing fine guitars and violins. His famous ‘Legnani model’ guitar, with a screw-adjusted neck, was widely copied by guitar makers in central Europe between about 1830 and 1880 (notably by J.G. Staufer of Vienna). Legnani composed over 250 works, which were published principally by Ricordi (Milan), Cipriani (Florence), Artaria, Cappi & Diabelli, Leidesdorf, Weinberger (Vienna), André (Offenbach am Main), B. Schotts Söhne (Mainz), Meissonnier, Pacini and Richault (Paris). They include works for solo guitar (a method, fantasias, potpourris, capriccios, variations on well-known operatic themes, cavatinas etc.), duets for flute and guitar and a concerto for guitar and orchestra (of which only the parts for guitar, first violin, viola and bass have survived). Of particular interest are the Variations concertantes sur un thême original de Rossini op.28 for guitar and piano, composed in collaboration with Marcus Leidesdorf (1787– 1840) and also published in a version for guitar and piano with string quartet accompaniment.

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Most Viewed Articles » Jie, Li (b. 1981- China)

GIUSEPPE GAZZELLONI: 'Luigi Legnani', Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed [1/29/2007])

Works for Guitar

» Bach, Johann Sebastian (168... » Giuliani, Mauro (1781 » Yang, Xuefei (b. 1977 » Dyens, Roland (b. 1955

Mazurka in A

Next Events Op. 19 Fantasia

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Op. 20 36 Caprices

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Op. 250 01 Caprice Op. 64 Introduzione, Tema, Variazone e Finale

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13-09-2008

Luis Orlandini's Biography

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Luis Orlandini Born in 1964 in Santiago of Chile, he studied at the Arts Faculty of the University of Chile with Professor Ernesto Quezada. In 1987 he obtains a scolarship from the German government to study with Professor Eliot Fisk, at the Superior School of Music of Colonia, Germany. He also attended classes with Hopkinson Smith and Oscar Ghiglia and Eduardo Fernández's masterclass.

Versión en ESPAÑOL

In Chile he has traveled throughout the country, giving Concerts and performing with National Orchestras. In 1989 he obtained the First Prize at the International Music Competition in München, Germany. From that moment on, he began a brilliant, successful international career. He has performed in important Concert Halls, among them: Berlin, Rome, Venice, Paris, Madrid (Reina Sofía Arts Center), Rotterdam (De Doelen), Danzig, München (Herkules Saal), Geneva, Moscow (Tchaikowsky Conservatory), Tokyo, Houston, London (Wigmore Hall and Purcell Room), La Habana, Montevideo, Buenos Aires (Colon Theatre), Lima. He has also performed with orchestras from Peru, Argentina, Uruguay, Ecuador, Poland, Germany, Italy and Spain. Mr. Orlandini has recorded for many German radios. He has recorded with companies such as Koch-Schwann (Joaquín Rodrigo's music), CPO (complete cicle of Rossinianas by Mauro Giuliani and the Integral of Fantasies by Fernando Sor) and for ARTE NOVA the Concierto de Aranjuez by Joaquín Rodrigo, togheter with Philarmonic Orchestra of Gran Canaria, Spain. The left photo corresponds to a live presentation of the "Concierto de Aranjuez", with the Philarmonic Orchestra of Gran Canaria, in Spain, 1996. In Chile he has recorded as soloist and with chamber groups: Guitar Duets with Oscar Ohlsen and with the "Cuarteto de Guitarras de Chile". He has premiered more than 45 works of Chilean composers, many of them composed by his own request. He has performed with artists from different countries and at present he plays with the "Cuarteto de Guitarras de Chile". Luis Orlandini has newly recorded the "Concierto de Aranjuez", as part of a CD that also includes the "Madrigal" and "Andaluz" concertos, all composed by Joaquín Rodrigo. In this recording he plays togheter with the Symphonic Orchestra of Chile, conducted by master David del Pino Klinge. His penultimate recording "Simpay" was nominated for the Altazor Prize 2004. In 1996 he was awarded with the Critic Award from the Arts Critic Circle and the Trajectory Award from the Chilean Society for Composers Rights. In 1999 he was awarded with "Domingo Santa Cruz" Award from the Chiean Academy of Arts. The "Cuarteto de Guitarras de Chile", integrated by Luis Orlandini, was nominated for the 2002 Altazor Prize, in the cathegory Musical Arts - Serious Music Concert. Actually he has an intense career as soloist, besides being a Professor at the Arts Faculty of University of Chile and the Catholic University of Chile.

If you want to contact Mr. Orlandini, please click here Site optimized for 800x600 pixels. Comments or suggestions to the webmaster

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At a glance: Ponce, Manuel María (1882-1948 Mexico)

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Biography Ponce was born in Zacatecas, Mexico. He spent his early career composing, conducting, teaching, and writing music criticism in Mexico. He moved to Paris in the 1920s and after studying with the French composer Paul Dukas , Ponce abandoned the genteel salon-music style then prevalent in Mexico, and began applying an impressionistic idiom to works with concise structures and skilled counterpoint. Later on, he developed a nationalistic style in which he expressed his Mexican origins. Ponce was a very close friend of guitarist Andres Segovia, for whom he wrote almost all of his guitar music. His guitar works in this style became standards in the modern guitar repertoire. His other compositions include orchestral, chamber, and piano music and songs, the most famous of which is Estrellita (1914).

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Works for Guitar Allegro in A major

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At a glance: Webern, Anton (1883-1945 Austria)

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13-09-2008

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Biography Austrian composer and conductor. Early tuition from his mother, a pianist. (Most of his works were written in her memory.) Studied at Klagenfurt with Edwin Komauer, composing first works in 1899. Entered Vienna Univ. 1902, studying musicology with Guido Adler. Studied comp. with Pfitzner but became pupil of Schoenberg 1904-8. Ed. works of 15th-cent. Dutch composer Heinrich Isaak. Became close friend of Berg. Was operetta cond. at Bad Ischl (1908), Teplitz (1910), Danzig (1910-11), Stettin (1911-12), and Prague 1917. In Vienna 1918-22 was active in Schoenberg's Soc. for Private Perfs., and cond. Vienna workers' sym. concerts 1922-34. Cond. and mus. adviser, Austrian Radio 1927-38. Visited London 5 times to conduct for BBC (1929, 1932, 1933, 1935, 1936). Music proscribed by Nazis as ‘cultural Bolshevism’ although Webern was sympathetic to their cause (as is reflected in texts of his cantatas). Worked as publisher's proof-reader during war. Accidentally shot by Amer. sentry, 1945.

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13-09-2008

05-10-2008

Manuel María Ponce Cuéllar - Wikipedi…

Manuel María Ponce Cuéllar De Wikipedia, la enciclopedia libre (Redirigido desde Manuel M. Ponce) Manuel María Ponce Cuéllar (Fresnillo, Zacatecas, 8 de diciembre, 1882 - 24 de abril, 1948), fue un músico y compositor mexicano.

Contenido 1 Biografía 2 Música 2.1 Música para guitarra 2.2 Obras para piano 2.3 Canciones 2.4 Música de Cámara 2.5 Orquesta 2.5.1 Conciertos 2.6 Óperas 3 Enlaces externos

Biografía Manuel M. Ponce nació en Fresnillo, Zacatecas, aunque vivió su infancia en la ciudad de Aguascalientes. De vocación musical declarada desde su infancia, en 1901 ingresó al Conservatorio Nacional de Música, permaneciendo ahí hasta 1903. En 1904, fue a estudiar cursos superiores a la Escuela de Música de Bolonia, en Italia. Posteriormente viajó a Alemania, donde estudió entre 1906 y 1908, regresando finalmente a México, dedicándose a la docencia de piano e historia de la música. Compositor controvertido, se dedicó a crear una obra musical basada en temas del folklore mexicano, combinándolos con el estilo romántico europeo de su época. Entre sus obras, una de las que lo hizo famoso alrededor del mundo fue la canción Estrellita de la cual no recibió ningún centavo ya que, por negligencia, ni él ni su disquera registró la obra a su nombre. La fama llegó, pero no la fortuna. Hoy en día, "Estrellita" (no confundir con "Liitle, Twinkle Star") es erróneamente considerada una melodía de dominio público. Compuso para varios instrumentos, y dominó especialmente la guitarra gracias a la amistad que sostuvo con el http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_…

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05-10-2008

Manuel María Ponce Cuéllar - Wikipedi…

guitarrista español D. Andrés Segovia. Fue el primer compositor mexicano cuya música tuvo proyección internacional, y su nombre fue ampliamente conocido en el extranjero. Recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 1947. Murió un año después y su cuerpo fue sepultado en la Rotonda de los Hombres Ilustres en el Panteón de Dolores de la Ciudad de México.

Música Ponce escribió música para instumentos, música de cámara y orquesta. Sus obras conocidas para piano y guitarra son mucho más numerosas que para otros instrumentos.

Música para guitarra La música para guitarra es un parte esencial del repertorio instrumental de Ponce, y sus obras más conocidas son Variaciones y Fuga sobre 'La Folia' (1929) y Sonatina meridional (1939). También escribió un concierto para guitarra Concierto del sur dedicado a su viejo amigo y virtuoso de la guitarra Andrés Segovia. El guitarrista y compositor mexicano Miguel Alcazar hizo un trabajo de investigación recopilando en un libro y alrrededor de seis CD´s la obra completa para guitarra de Manuel M. Ponce. Sonata mexicana (1925) Suite Antigua en Am Thème varié et Finale (1926) Sonata III (1927) Sonata clásica (1928) Sonata romántica (1929) Variations and Fugue on 'La Folia' (1929) Homenaje a Tárrega (1932) Sonatina meridional (1939)

Obras para piano De acuerdo a testimonios orales y la prensa de la época, parece que el compositor era también excelente pianista. Intermezzo Balada Mexicana Mazurcas'23' Concierto romántico Scherzino a Debussy Scherzino mexicano Estudios de concierto Elegía de la ausencia Tema mexicano variado Suite cubana Gavota http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_…

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Manuel María Ponce Cuéllar - Wikipedi…

Rapsodia mexicana no.1 y 2 Scherzino maya Rapsodia cubana Deux etudes pour piano Danzas Mexicanas'4' Sonata allegro Sonata Allegro Scherzo

Canciones Ponce interactuó con muchos cantantes mexicanos importantes. Entre sus obras, se encuentran Estrellita (1912) A la orilla de un palmar Serenata mexicana Marchita el alma La pajarera Una multitud más Tal vez Necesito Lejos de ti Lejos de ti II Cuiden su vida Si alguna vez Que lejos ando Si algún ser Yo mismo no comprendo Isaura de mi amor Por ti mi corazón Marchita el alma Por ti mujer Soñó mi mente loca Tú Aleluya Rayando el sol Cerca de ti Serenata mexicana

Música de Cámara Trio romántico, para violin, cello y piano. Trio para violin, viola y cello. http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_…

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Manuel María Ponce Cuéllar - Wikipedi…

Canción de otoño, para violin y piano. Sonata, para cello y piano. Sonata, par guitarra y clavecín. Sonata breve, para violin y piano ---scherzino para violin y piano

Orquesta Chapultepec Cantos y danzas de los antiguos mexicanos Instantáneas mexicanas Poema elegíaco Ferial Conciertos Concerto romántico para piano y orquesta Concierto del sur para guitarra y orquesta (1941) Concierto para violín y orquesta

Óperas El patio florido, inconclusa Cira, ópera en dos actos. Se desconoce el paradero de la partitura.'

Enlaces externos Biografía de Manuel M. Ponce (http://tierra.free-people.net/artes/musica-biografia-manuel-ponce.php) Gavota de Manuel M. Ponce (http://www.plazadelasartes.com.mx/media/mxrm0001_05.ram) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Mar%C3%ADa_Ponce_Cu%C3%A9llar" Categorías: Compositores clásicos del siglo XX de México | Zacatecanos | Nacidos en 1882 | Fallecidos en 1948 | Compositores de ópera de México Esta página fue modificada por última vez el 21:54, 30 ago 2008. Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_…

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28 de enero, 2004

Marcos Puña prepara un concierto de guitarra clásica (La Paz - Bolivia.com)

De cuna orureña, el eximio guitarrista ofrecerá su arte al público paceño en el Teatro Municipal de Cámara, el jueves 29 y viernes 30 de enero. La cita será a las 19:30 Hrs. La entrada costará Bs. 15 el evento es auspiciado por la Embajada del Uruguay. Marcos Puña Primer Premio en el Concurso de Interpretación Musical "César Cortinas" (Montevideo, Noviembre 2003). Primer Premio en el Concurso de Selección de Juventudes Musicales del Uruguay (Montevideo, 1996). Primer Premio en el Concurso Nacional de Guitarra Clásica de Bolivia (Tarija, 1994), entre otros galardones. Nació en Oruro, Bolivia en 1977. Estudió guitarra con Gentaro Takada y otras disciplinas musicales con Julio Cabezas en Bolivia, perfeccionándose luego en Montevideo, Uruguay con los eminentes maestros Abel Carlevaro y Eduardo Fernández. A su vez, cursó estudios en el Conservatorio Municipal de Música de Montevideo, en la cátedra del maestro Mario Payssé, graduándose como Profesor de Guitarra. Durante sus estudios recibió el asesoramiento de Gunther Vilar y Piraí Vaca (en Bolivia), de los maestros Alirio Diaz (en Venezuela) y Eduardo Baranzano (en Uruguay); Becado por la fundación "Arnoldo Schwimmer" realizó cursos de perfeccionamiento con el Maestro Eduardo Isaac (en Argentina). Dió su primer concierto en 1993, habiendo actuando en las principales salas y teatros de Bolivia (La Paz, Cochabamba, Santa Cruz, Oruro, Sucre, Tarija y Potosí) y en el exterior en Venezuela (Caracas), Chile (Santiago y Concepción), Perú (Lima, Arequipa), Argentina (Buenos Aires, Pergamino) y Uruguay (Montevideo, San José, Rivera, Pando y Canelones). Participando además en diversos festivales nacionales e internacionales de guitarra: Festival "Alirio Diaz" (Caracas), Festival "Ciudad de Montevideo", Festival ICPNA (Perú), Festival "Abril en Tarija", Festival "Alfredo Domínguez" (La Paz), entre otros. Ha sido solista invitado de la Orquesta Sinfónica Municipal Cochabamba y de la Orquesta de Cámara del Conservatorio Nacional de Música de La Paz. A la fecha tiene realizadas dos grabaciones, de música barroca y latinoamericana (Cochabamba, 1995) y de música española (Montevideo, 1998). Ha sido profesor de guitarra, lenguaje y apreciación musical en escuelas estatales de música de Montevideo y Canelones (Uruguay), ha dictado seminarios y clases magistrales en

importantes instituciones y eventos musicales de Bolivia y el exterior. En varias ocasiones fué miembro del jurado del "Concurso Nacional de Guitarra" de Bolivia. Con el fin de potenciar este género en su país, ha creado y conducido programas de radio y Televisión dedicados a la guitarra clásica, en Mozart F.M. y Canal 11 T.V.U. de Cochabamba, ciudad en la cual actualmente reside, impartiendo cursos particulares de guitarra clásica, desempeñándose como profesor de guitarra en la Academia Nacional de Música "Man Césped", de apreciación musical en la Carrera de Ingeniería de sonido de la Universidad Técnica Privada, además de ser Director de la Sociedad Guitarrística "Amigos del Diapasón" (que fundó en 2001). Programa • Francisco Tárrega Capricho árabe • Juan Sebastián Bach Primera Suite original para Cello (BWV 1007) Preludio Allemanda Courante Sarabanda Minuetos I y II Giga • INTERMEDIO • Abel Carlevaro Campo Milonga Oriental • Leo Brouwer Elogio de la Danza • Federico Moreno Torroba Madroños • Joaquín Turina Sevillana

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Giuliani, Mauro (1781-1829 Italy) Sunday, 11 September, 2005

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Biography (b Bisceglie, nr Bari, 27 July 1781; d Naples, 8 May 1829). Italian guitar virtuoso and composer. He studied the cello and counterpoint, but the six-string guitar became his principal instrument early in life. As there were many fine guitarists in Italy at the beginning of the 19th century (Agliati, Carulli, Gragnani, Nava etc.), but little public interest in music other than opera, Giuliani, like many skilled Italian instrumentalists, moved north to make a living. He settled in Vienna in 1806 and quickly became famous as the greatest living guitarist and also as a notable composer, to the chagrin of resident Viennese talents such as Simon Molitor and Alois Wolf. In April 1808 Giuliani gave the première of his guitar concerto with full orchestral accompaniment, op.30, to great public acclaim (AMZ, x, 1807–8, col.538). Thereafter he led the classical guitar movement in Vienna, teaching, performing and composing a rich repertory for the guitar (nearly 150 works with opus number, 70 without). His guitar compositions were notated on the treble clef in the new manner which, unlike violin notation, always distinguished the parts of the music – melody, bass, inner voices – through the careful use of note stem directions and rests. Giuliani played the cello in the première of Beethoven’s Seventh Symphony (8 December 1813) in the company of Vienna’s most famous artists, including Hummel, Mayseder and Spohr, with whom he appeared publicly on many subsequent occasions. He became a ‘virtuoso onorario di camera’ to Empress Marie-Louise, Napoleon’s second wife, in about 1814. He returned to Italy in 1819, heavily in debt, living first in Rome (c1820–23) and finally in Naples, where he was patronized by the nobility at the court of the Kingdom of the Two Sicilies until his death. Towards the end of his life he was renowned for performances on the lyre guitar. Giuliani had two talented children, Michel (b Barletta, 17 May 1801; d Paris, 8 October 1867), who became a noted ‘professeur de chant’, succeeding Manuel Garcia at the Paris Conservatoire, and Emilia (b Vienna, 1813; d ?after 1840), a famous guitar virtuoso who wrote a well-known set of preludes for guitar op.46.

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Studio per la Chitarra Six Variations. Three Rondos. Six Variations on "Nel cor più non mi sento". New Rondo in imitation of the sound of the bells of Bologna. Eight Variations.

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13-09-2008

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Op. 7: Six Variations on a theme from the ballet "Die feindlichen Volksstämme". Op. 8: Three Rondos. Op. 9: Six Variations. Op. 10: Amusements. Op. 11: Caprice. Op. 12: Twelve Monferrine. Op. 14: Six Progressive Rondos. Op. 15: Sonata. Op. 16b: Pieces from the ballet "Il Barbiere di Siviglia". Op. 17: Three Rondos. Op. 18: First Potpourri. Op. 20: Six Variations on an original theme. Op. 21: Twelve waltzes. Op. 22: Twelve new Wald-Ländler. Op. 24b:Fourteen National Dances and Three Marches. Op. 26: Potpourri. Op. 28: Potpourri. Op. 29: Divertissements. Op. 31: Troisième Grand Potpourri. Op. 32: Six Easy Variations. Op. 33: Twelve Ecossaises. Op. 34: Six Variations. Op. 37: Divertimenti. Op. 38: Six variations on "a Schisserl und a Reindl". Op. 40: Divertimenti. Op. 41: Niaiserie d'enfant varié. Op. 42: Quatrième Potpourri. Op. 43: Les Variétés Amusantes ou Dépôt de pièces faciles. Op. 44: Twelve Ländler. Op. 45: Six variations on "Folies d'Espagne". Op. 46: Choix de mes fleurs chéries ou Le Bouquet Emblématique. Op. 47: Twelve easy variations on an Austrian national air. Op. 48: Esercizio. Op. 49: Six variations on "I bin a Kohlbauern Bub". Op. 50: Le Papillon. Op. 51:XVIII Lecons Progressives. Op. 54:Les Variétés Amusantes ou Recueil de pièces faciles. Op. 56: Divertimenti. Op. 57: 12 Walzer. Op. 58: Six Ländlers, six walses et six Ecossaises. Op. 59: Recueil de pièces faciles et agréables. Op. 60: XI Variazioni per Chitarra sul Tema originale Russo. Op. 61: Grande Ouverture. Op. 62: Six variations on an original theme. Op. 64: Six variations on the Russian air "Poschaluite sudarina". Op. 70: Variations (from Guitar Concerto op. 70). Op. 71: Three sonatinas. Op. 72: Eight variations on a duet from the opera "Jeannot et Colin". Op. 73: Bagatelles. Op. 78: Divertissements. Op. 83: Six preludes. Op. 87: Six variations on "Di tanti palpiti" from Rossini's Tancredi. Op. 88: Grandes Variations sur la romance favorite de l'Opéra Fanchon. Op. 90: 12 Walzer. Op. 91: Variations on "La Sentinelle". Op. 96: Trois sonates brillantes, faciles et agréables. Op. 97: Variations on "Ich bin liederlich - Du bist liederlich". Op. 98: Studi dilettevoli. Op. 99: Variations on "Das ist alles eins, ob wir Geld haben oder keins". Op. 100: Etudes instructives. Op. 101: Variations on "Deh! calma, o ciel" from Rossini's Otello. Op. 102: Variations on "Nume perdonami, se in tal instante" from Generali's I Baccanali di Roma. Op. 103: Variations on a favourite waltz. Op. 104: Variations on "Partant pour la Syrie". Op. 105: Variations on a romance from the opera Liebe und Ruhm. Op. 106: Divertissement. Op. 107: Variations on a theme of Handel ["The harmonious blacksmith"].

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Classicalguitar.nl - View article - Giuliani, Mauro (1781-1829 Italy)

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Op. 108: Potpourri Nazionale Romano. Op. 109: La Caccia, Gran Rondò. Op. 110: Variations on a march by Cherubini. Op. 111: Le Ore d'Apollo. Op. 112: Sei Grande Variazioni. Op. 113: Fughetta. Op. 114: Variations on a theme by Carafa. Op. 118: Six variations. Op. 119: Rossiniane no. 1 Op. 120: Rossiniane no. 2 Op. 121: Rossiniane no. 3 Op. 122: Rossiniane no. 4 Op. 123: Rossiniane no. 5 Op. 124: Rossiniane no. 6 Op. 125: Six Irish national airs . Op. 128: Variations on "Io ti vidi e t'adorai" by Pacini. Op. 139: 24 Primi Lezioni, Parte Prima. Opp. 140-145: Six sets of variations on Neapolitan popular melodies. Op. 147: La Tersicore del Nord. Op. 147b: Variations on "Tengo più di trent'un anni". Op. 148: Giulianate. Op. 150: Gran Sonata Eroica.

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Francisco Tarrega Fernando Sor Andrés Segovia Jose Feliciano Christopher Parkening John Williams Julian Bream Carl Volk












Marcos Vinicius Lynn Harting-Ware Sharon Wayne Andrew York Sharon Isbin David Tanenbaum Eliot Fisk Nigel North Pepe Romero

Further Classical Guitar Resources

Fernando Sor The Spaniard Fernando Sor (1778-1839) was one of the greatest of the composers for the classical guitar. In addition to many "serious" works for one or two guitars, he composed a large number of studies intended for players of lesser virtuosity. Untold numbers of students have worked their way through these studies, which satisfy the elusive goal of providing memorable pieces that, at

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the same time, enhance the skill and knowledge of the practitioner. Andrés Segovia selected a set of twenty of those studies, each emphasizing a particular aspect of technique, and these are now some of the best known of Sor's works. Versions of those studies have been reworked and edited for the MIDI format by Ray Izumi on The Guitarist site.


Twenty Studies by Fernando Sor in MIDI format




Fernando Sor Tablature




Sor's Estudio Opus 6 Number 5 sheet music




The Works of Ferdinando Sor Complete works of Sor in Midi. Not all works are complete; the site is still adding, but there's a lot there. It's not in English, but it's easy to navigate




Fernando Sor works are listed in 63 opus numbers. These range in style and forms such as Duets, Theme and Variations, Fantasies, Waltzes, Sonatas and groups of Studies.




More on Fernando Sor

The book Fernando Sor, Composer and Guitarist by Brian Jeffery, published by Tecla, is a fulllength biography of him, with a complete and detailed bibliography of Sor's many compositions (which include a great many for voice or for other instruments). The book was first published in 1977 and is acknowledged today as the standard biography of Sor. A new edition appeared in 1994.

Andrés Segovia Andrés Segovia (1893-1987) is considered to be the father of the modern classical gutiar movement by most modern scholars. Many feel, that without his efforts, the classical guitar would still be considered a lowly bar instrument, played only by peasants. Segovia's quest to elevate the guitar to a prominant position in the

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music world, began at the early age of four. His uncle used to sing songs to him and pretend to strum an imaginary guitar in his lap. Luckily for us, there was a luthier nearby and Segovia took an instant liking to the guitar. Although discouraged by his family (according to them he should play a "real" instrument), he continued to pursure his studies of the guitar. He set a goal for the guitar and himself early in life. It was, to bring Guitar studies to every university in the world, have the guitar played throughout the world, on every major stage, just as the piano and violin were, and lastly, to pass on his love of the guitar to generations to follow. He considerd himself to be the messenger that would complete this impossible quest. He succeeded in all respects. In 1928 Segovia made his American debut in New York City. Before long, composers like Heitor Villa-Lobos even began to compose original pieces specifically for the guitar. Segovia himself began transposing the classical canon for the guitar as well, most notably his notoriously difficult translation of Bach's Chaconne, as well as many transcriptions of lute and harpsichord music. In addition to recording and performing, Segovia spent the remainder of his life and career successfully influencing the authorities at conservatories, academies, and universities to include the guitar in their instruction programs with the same emphasis given the violin, cello and piano; his early struggles were recounted in his 1983 memoir Andres Segovia: An Autobiography of the Years 1893-1920. He died in 1987

Dionisio Aguado (1784-1849) was one of the greatest virtusoso performers on the guitar of the 19th century. This web page aims to fill a gap that appears to exist having regard to the life and works of this brilliant Spanish virtuoso of the 19th century. See also Guitar History entry Francisco Tarrega (1852-1909) As an instrument of classical music, the guitar came to prominence largely through the efforts of this Spanish composer





More on Francisco Tarrega More on his part in guitar history Adelita by Francisco Tarrega (tablature) Tarrega: Bar & Tremolo Study

Emilio Pujol (1886-1980) is considered by many as the leading spokesman for twentieth century guitar pedagogy Mario Castelnuovo Tedesco (1895-1968) was historically the founder of an important group of modern composers, Italian and not, who took an interest in the guitar. He was one of the most creative and versatile composers of our century Heitor Villa Lobos (1881-1959) "Villa-Lobos was larger than life, quite extraordinary. He didn't seem to be a composer. He wore loud checked shirts, smoked a cigar, and always kept the radio on, listening to the news or light music or whatever. Villa-Lobos wasn't refined in the intellectual sense, but he had a great heart" (Julian Bream, master interpreter of Villa-Lobos' guitar music, gave this

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personal reminiscence)

Jose Feliciano Six-time Grammy Award winning artist, acclaimed by critics throughout the world as "the greatest living guitarist". Jose's guitar work is legendary. For over 30 years he has been "instrumental" in dignifying the acoustic guitar by bringing it to a level of acceptance rivaled by few in the industry. Soul, pop, rock, jazz, classical - in English Spanish and Italian, Jose has delighted people worldwide with his inimitable style. Honored by Guitar player Magazine, he is in their "Gallery of the Greats"; his hands are 'enbronzed' in Madame Tussaud's in London and Billboard Magazine has bestowed a Lifetime Achievement Award on the man whose life has been the guitar. Jose has recorded over 60 albums in his impressive career. Still humble with all the successes he has had, Jose feels that his career is just beginning and that he has just started to share his talents with the world. more... Jose Feliciano Official Site

Christopher Parkening (1947-) has been one of the premiere classical guitarists for the past twenty-five years. He has recieved three Grammy nominations for best classical performance and he holds an Honorary Doctorate in music from Montana State University; where he teaches a master class each summer. Mr. Parkening has inherited the legacy of Andrés Segovia, who was the father of the modern classical guitar movement. He continues to inspire and awe audiences around the world with his technical brilliance and musicianship both. Performing over 80 concerts a year

Interview with Classical Guitar Virtuoso Christopher Parkening. Student and friend to the legendary Andrés Segovia, he gives us some valuable insights into developing the right skills early on. In the words of Segovia, "Christopher Parkening is a great artist. He is one of the most brilliant guitarists in the world" Official Christopher Parkening Home Page

John Williams (1941- ) John Williams was born in Australia in 1941. He began to learn the guitar at the age of four, receiving lessons from his father. When the family moved to London in 1952, he met and studied with Segovia, and on his recommendation entered the Accademia Musicale di Siena in Italy, where he studied on a scholarship for five years. At the request of his fellow students, he received the unprecedented honour of giving the first complete solo recital by a student of any instrument. Back in England he attended the Royal College of Music, where he studied piano and music theory.

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Julian Bream Proclaimed by many students of classical music as the premier guitar and lute virtuoso of the 20th century, Julian Bream was born in London in 1933. After studying at the Royal College of Music, he made his public debut in 1950, quickly winning fame for his technique and mastery of a wide range of musical styles. In 1960, he founded the Julian Bream Consort, an ensemble of original instrument virtuosi which enjoyed astounding success in their chosen oeuvre, greatly revitalizing interest in the music of the Elizabethan era.

Laurindo Almeida (1917-1995) Brazilian guitarist, composer & arranger. He refused to stick to classical, Brazilian or jazz guitar - he played everything with equal success. It is rather dissapointing to discover that this great guitarist and composer is today relatively unknown in Brazil, while in USA in Europe he is considered one of the greatest guitarists of all times. His work is unbelievable - he composed music for over 800 movies & TV series and recorded numerous LPs and CDs.

Carl Volk - Guitarist I started taking classical guitar lessons at age ten. I was eleven when I saw Andrés Segovia in concert - I was inspired and started taking my lessons more seriously. Eventually I entered the University of New Mexico school of music and took master classes from the head of the guitar department, Hector Garcia, one of the prominent Cuban guitarists who left Cuba during the Castro-lead revolution of the late fifties.

I performed at a number of restaurants in Santa Fe and also studied Flamenco techniques. As well as being influenced by the great classical guitarists (Andrés Segovia, John Williams, Julian Bream, Carlos Barbosa-Lima, Sharon Isbin and others), I am a great lover of jazz music and inspired by musicians like John McLaughlin, Larry Coryell, Pat Metheny and Bill Evans.

This site has a great collection of links to Musicians: a cross-section of Classical, Jazz and Acoustic Guitarists and Composers. It also links to many other guitar resources on the Web

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Francisco Tarrega Fernando Sor Andrés Segovia Jose Feliciano Christopher Parkening John Williams

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Paul's Guitar Museum

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by luthier Paul Chabot

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MIGUEL BONACHEA (GUITARRA) Nació en Santa Clara, Cuba. Decano del Conservatorio “Antonio María Valencia” del Instituto de Bellas Artes de Cali, Colombia y miembro del Consejo de Música del Valle del Cauca. Es graduado de la Escuela Nacional de Música y del Instituto Superior de Artes de La Habana, Cuba. Fundador del Taller de Música Electroacústica del Ministeiro de Cultura de Cuba. Como guitarrista concertista ha actuado en Bélgica, Bulgaria, Estado Unidos, Checoslovaquia, Ecuador, Martinica, México, Colombia y Cuba. Ha sido solista invitado de la Orquesta Estatal de Cámara de Zílina (Slovakia), las orquestas sinfónicas de Pleven y de Shummen (Bulgaria), la Orquesta Sinfónica del Valle (Colombia) y de las orquesta cubanas Orquesta Sinfónica Nacional, "Música Eerna” (orquesta de cuerdas), Camerata “Brindis de Sala”, Orquestas Sinfónica de Matanzas y Orquesta Sinfónica de Oiente. Entre los festivales en que ha participado se destacan los siguientes: Festival Internacional de Música Electroacústica de Varadero, Festival de Música Contemporánea de La Habana, Encuentro Mundial de la Guitarra de Martinica, Festival Interpodium de Bratislava, Festival Internacional de Artes de Tunja, Festival de Guitarra de Eszetergoon y Festival Internacional de Guitarra de La Habana, Festival Internacional de Artes de Cali. Como profesor ha desarrollado una amplia labor tanto en la actividad docente permanente en la Escuela Nacional de Música de Cuba -donde fue Jefe de la

Cátedra de Guitarra- en el Instituto Superior de Arte de La Habana y en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, así como a través de talleres, clases magistrales y seminarios.

26-09-2008

Napoléon Coste - Wikipedia, la enciclo…

Napoléon Coste De Wikipedia, la enciclopedia libre Napoléon Coste (28 de junio, 1805 Amondans, (Doubs), Francia – 17 de febrero, 1883) fue un Guitarrista y compositor francés.

Napoléon Coste

Coste nació en Amondans (Doubs), Francia, cerca de Besançon. Fue su madre, que era buena ejecutante, quien le enseñó a tocar la guitarra. Como adolescente se convirtió en maestro del instrumento y dando muchos conciertos en Franche-Comté. En 1829, a la edad de 24 años, se trasladó a París donde estudió bajo la tutela de Fernando Sor estableciéndose rápidamente como el guitarrista virtuoso líder en Francia. Y aunque la demanda de guitarristas estaba en declive, consiguió cierta estabilidad financiera que le permitió publicar su música a sus expensas, al no encontrar un editor que quisiera hacerlo. La fractura de un brazo en un accidente en 1863 puso prematuro fin a su carrera como ejecutante. Contrató a un asistente y continuó enseñando y componiendo para guitarra. A la muerte de Sor publicó el método original para guitarra de éste bajo el título "Méthode complète pour la Guitare par Ferdinand Sor, rédigée et augmentée [reedigitado y aumentado] de nombreux exemples et leçons par N. Coste". Napoleón Coste tenía un interés especial por tocar en guitarras de siete cuerdas. Es además conocido por ser uno de los primeros compositores en trasncribir la música para guitarra del siglo XVII de tablatura, a notación musical moderna. Murió a la edad de 77 años dejando un significativo catálogo de obras originales.

Napoléon Coste (1805-1883) con una de sus guitarras de siete cuerdas (arpa de Lacôte), una cítara del siglo XVIII, una pequeña terz-guitar, y una guitarra extra grande.

Información general Nacimiento

28 de junio de 1805

Muerte

17 de febrero de 1883

Ocupaciones

Guitarrista y compositor

Instrumentos

Guitarra

Contenido 1 Lista de obras http://es.wikipedia.org/wiki/Napol%C…

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Napoléon Coste - Wikipedia, la enciclo…

1.1 Obras publicadas con número de opus 1.2 Obras sin número de opus (sno) 2 Referencias 2.1 Bibliografía 2.2 Enlaces externos

Lista de obras Obras publicadas con número de opus Op. 2 : Variations et Finale...sur un motif favori de la Famille Suisse de Weigl ("Variaciones y final... sobre un tema favorito de la familia suiza de Weigl") Op. 3 : 2 Quadrilles de Contredances ("2 cuadrillas de contradanzas") Op. 4 : Fantasie...Composée sur un motif du « Balle d'Armide » ("Fantasía ... compuesta con un tema de « Balle d'Armide »") Op. 5 : Souvenirs de Flandres ("Recuerdos de Flandres") Op. 6 : Fantaisie de Concert ("Fantasía de concierto") Op. 7 : 16 Valses Favorites de Johann Strauss ("16 valses favoritos de Johann Strauss") Op. 9 : Divertissement sur « Lucia di Lammermoor » ("Divertimento sobre la ópera Lucia di Lammermoor") Op. 11 : Grand Caprice Op. 12 : Rondeau de Concert Op. 13 : Caprice sur … La Cachucha Op. 14 : Deuxième Polonaise Op. 15 : Le Tournoi Fantaisie Chevaleresque Op. 16 : Fantaisie sur deux Motifs de la « Norma » Op. 17 : La Vallée d'Ornans Op. 18 : Les Bords du Rhin Op. 19 : Delfzil Op. 19b : La Romanesca Op. 20 : Le Zuyderzée Op. 21 : Les Cloches Op. 22 : Meulan Op. 23 : Les soirées d'Auteuil Op. 24 : Grand Solo Op. 27 : Le Passage des Alpes Op. 28b : Fantaisie Symphonique Op. 29 : La Chasse des Sylphes Op. 30 : Grande Serenade Op. 31 : Le Départ, fantaisie dramatique Op. 33 : Mazurka http://es.wikipedia.org/wiki/Napol%C…

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Op. 38 : 25 Etudes de genre Op. 39 : Andante et Minuet Op. 41 : Feuilles d'Automne Op. 42 : La Ronde de Mai Op. 43 : Marche Funèbre et Rondeau Op. 44 : Andante et Polonaise (Souvenirs du Jura) Op. 45 : Divagation Op. 46 : Valse Favorite Op. 47 : La Source du Lyson Op. 48 : Quatre Marches Op. 49 : Six Préludes Op. 50 : Adagio et Divertissements Op. 51 : Récréation du Guitariste Op. 52 : Le Livre d'or du Guitariste Op. 53 : Six Pieces Originales (Reverie, Rondeau, 2 Menuets, Scherzo, & Etude) Obras sin número de opus (sno) Sno : Meditation de nuit Sno : Andante et Allegro Sno : Divertissement Sno : Introduction et Variations sur un motif de Rossini Sno : Berceuse Sno : Kleines Tonstück Sno : Pastorale Sno : Valse en ré majeur Sno : Valse en la majeur Sno : Valse des Roses

Referencias Bibliografía Sadie, S. (ed.) (1980) The New Grove Dictionary of Music & Musicians, [vol. #4 ]

Enlaces externos Biografía resumida de Napoléon Coste (http://www.naxos.com/composerinfo/233.htm) en el sitio de Naxos.com. Napoléon Coste (1805-1883) (http://www.delcamp.net/auteurs/es/4_romantique/coste_es.html) biografía y lista de composiciones en Delcamp.net. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Napol%C3%A9on_Coste" http://es.wikipedia.org/wiki/Napol%C…

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Categorías: Compositores de Francia | Compositores del romanticismo | Guitarristas clásicos | Nacidos en 1805 | Fallecidos en 1883 Esta página fue modificada por última vez el 12:34, 3 jun 2008. Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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Narciso Yepes - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Narciso Yepes De Wikipedia, la enciclopedia libre Narciso Yepes, (Lorca, Región de Murcia, 14 de noviembre de 1927 - † Murcia, 3 de mayo de 1997). Guitarrista clásico español. Está considerado como uno de los principales concertistas mundiales del siglo XX. Yepes fue un maestro de la guitarra clásica. Cuando cumplió los 13 años comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia, con Vicente Asencio (famoso pianista de la época) En 1947 reprodujo el Concierto de Aranjuez (del maestro Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta. En 1952 rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra Romance (anónimo), que fue pieza musical de la película Juegos prohibidos. En 1964 Yepes crea la guitarra de 10 cuerdas, que obtenía sonidos armónicos por simpatía, y que facilitaba tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd). En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szummakowska, con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en accidente), Ignacio Yepes (director de orquesta) y Ana Yepes (bailarina). A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud. Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones. Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático.

Contenido ■ 1 Distinciones ■ 2 Discografía ■ 2.1 Para guitarra y orquesta ■ 2.2 Solo guitarra ■ 3 Véase también ■ 4 Grabaciones ■ 4.1 Concierto de Aranjuez de Rodrigo ■ 4.2 Concierto de Homenaje de Andrés Segovia en 1987 ■ 4.2.1 Fantasía para un gentilhombre de Rodrigo ■ 4.2.2 Concierto nº 1 en Re mayor, op. 99 de Castelnuovo-Tedesco ■ 4.2.3 Concierto del Sur de Ponce ■ 4.2.4 Recuerdos de la Alhambra ■ 5 Enlaces externos

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Distinciones ■ 1964 ■ ■ ■ 1977 ■ ■ ■ 1978 ■ ■ 1984 ■ ■ 1985 ■ ■ 1986 ■ ■ ■ ■ 1987 ■

Hijo Predilecto de la Ciudad de Lorca Laurel de Murcia Doctor Honoris Causa por la Universidad de Murcia Académico de Número y Honor de la Real Academia de Alfonso X El Sabio de Murcia Hijo Predilecto de Murcia Premio de la Sociedad General de Autores de España Premio de Radiotelevisión Española Consejero del Consejo Superior de Cultura y Bellas Artes Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Medalla de Oro de Lorca Premio Nacional de Música de España.

Discografía Para guitarra y orquesta 1. Salvador Bacarisse: "Concertino in the minor". Ernesto Halffter: "Concierto para guitarra y orquesta". Con la Orquesta sinfónica de RTVE, Odón Alonso. 2. Mauricio Ohana: "Tres gráficos". 3. A. Ruiz Pipó: "Tablas". 4. Con la Orquesta sinfónica de Londres, Rafael Frühbeck de Burgos. 5. Joaquín Rodrigo: "Concierto de Aranjuez" y "Fantasía para un Gentilhombre". Con la Orquesta sinfónica de RTVE, Odón Alonso. 6. Manuel Palau: "Concierto levantino". Con la Orquesta nacional, Odón Alonso. 7. Antonio Vivaldi: "Concierto en RE mayor"; Manuel Palau: "Concierto levantino". Con la Orquesta nacional, Odón Alonso. 8. Antonio Vivaldi: "Conciertos para guitarra, laud y mandolinas", con Paul Kuentz dirigiendo la Chamber Orchestra.

Solo guitarra 1. Cinco siglos de guitarra: 1. L. de Milan: "Seis pavanas". 2. L. de Narváez: "Canción del emperador y diferencias". 3. Diego Pisador: "Pavana y Villanesca". 4. G.Sanz: "Suite española". 5. Antonio Soler: "Dos Sonatas". 6. Isaac Albéniz: "Malagueña". 7. Fault: "Homenaje a Debussy". 8. Ernesto Halffter: "Madrigal".

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2. 3. 4. 5.

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9. Federico Moreno Torroba: "Madroños". 10. Xavier Montsalvatge: "Habanera". 11. Ohana: "Tiento". Fernando Sor: "24 estudios". H. Villa Lobos: "12 estudios y 5 preludios" J. S. Bach: "Preludio", "Chacona en RE menor", "Zarabanda y Doble"; S.L.Weiss: "Fantasía en MI menor y Suite en MI mayor". Música iberoamericana: 1. H. Ayala: "Suite". 2. Bacarisse: "Suite". 3. Poulenc: Zarabanda. 4. Asencio: "Homenajes". 5. Gombau: "Tres piezas de la Belle Époque".

Véase también ■ Segovia y Yepes

Grabaciones Concierto de Aranjuez de Rodrigo 1º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=ZlR7v6t3o5k) 2º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=RxwceLlaODM) 3º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=OwBrv20CZDA)

Concierto de Homenaje de Andrés Segovia en 1987 Discurso de Homenaje de Segovia (http://www.youtube.com/watch?v=CywVT7QZ9XE) Entrevista de Yepes (http://es.youtube.com/watch?v=l7bmarzVqYo) Fantasía para un gentilhombre de Rodrigo 1º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=_JAsA078XBY) 2º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=ZCUkYSdCoTg) 3º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=ydZ57vkTWr0) 4º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=2L--xXEck84) Concierto nº 1 en Re mayor, op. 99 de Castelnuovo-Tedesco 1º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=Xo2poeK6KU0)

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2º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=9CadypCdHec) 3º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=e7j4XKjwuy4) Concierto del Sur de Ponce 1º Mov. (a) (http://www.youtube.com/watch?v=3i33sPMmgsk) 1º Mov. (b) (http://www.youtube.com/watch?v=RgeD0KSPaVU) 2º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=0fNsj03Immk) 3º Mov. (http://www.youtube.com/watch?v=uVq__o-QU4Y) Recuerdos de la Alhambra [1] (http://es.youtube.com/watch?v=RLHR8zaEsA8)

Enlaces externos ■ Fundación Internacional José Guillermo Carrillo (http://www.fundacionjoseguillermocarrillo.com/sitio/musclasica_narciso_yepes.php) ■ Narciso Yepes en el recuerdo (http://servicios.laverdad.es/ababol/pg070428/suscr/nec10.htm) , Antonio Díaz Bautista. ■ Narciso Yepes y su legado olvidado (http://canales.laverdad.es/ababol/pg070224/suscr/nec8.htm) .

■ ■ ■

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Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Narciso_Yepes" Categorías: Guitarristas de España | Guitarristas clásicos | Músicos de la Región de Murcia | Murcianos | Lorquinos | Nacidos en 1927 | Fallecidos en 1997 ■ Esta página fue modificada por última vez el 20:56, 28 sep 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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Oscar Ghiglia (Leghorn 1876 - Florence 1945). Biography.

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Oscar Ghiglia (Leghorn 1876 - Florence 1945) Oscar Ghiglia was born in Leghorn in 1876. Following his father's death, he spent his adolescence working part time for a low wage. From the end of the 90’s he studied at the ateliers of Manaresi and Guglielmo Micheli where he made lasting friendships with Llewelyn Lloyd, Anthony De Witt and Modigliani. The prolific correspondence between Ghiglia and Modì in 1901, during the latter's trips to Capri and Venice, bear witness to their close friendship and their mutual desire to escape from the restrictions of the cultural scene of Leghorn. Encouraged by Giovanni Fattori, in 1900 Ghiglia decided to enrol at the Scuola Libera del Nudo. In 1901 Ghiglia made his debut at the Venice International Exhibition with a Self Portrait. This was followed by exhibitions at the "Primaverile Fiorentina" (1903) and again at the Biennial (1903) where he impressed critics with the uneasy ‘Ritratto’ (Portrait). In 1904 he exhibited at the Secession at Palazzo Corsini winning over critics and public alike. Florentine circles at the beginning of the century were intellectually stimulating and this enabled Ghiglia to meet the "Leonardo" magazine group, (Papini, Ojetti, Ardengo Soffici) and, through Costetti and Cimento, study the Symbolist themes of Bocklin and Von Stuck in great depth. It was thanks to Soffici, who had returned from Paris in 1903, that Ghiglia became interested in the French Neo-traditionalists such as Vallotton, Vuillard and Denis, (that he had already seen at the exhibitions of the French artists at Venice between 1905 and 1907). They were to influence his style between 1906 and 1911, with very bright colour, spread over simplified backgrounds defined by sharp outlines - "Donna che scrive" (Woman Writing), 1908, "Camicia bianca" (The White Shirt), 1909, "La signora Ojetti al piano" (Signora Ojetti at the piano), 1910 -. The decisive meeting with Gustavo Sforni took place in 1909. He was a collector of paintings by Cézanne, Van Gogh, Degas, Utrillo and Fattori, a painter in his own right and, for many years, Ghiglia’s patron. It was through Sforni that Ghiglia was able to study Cézanne’s work in detail and to gradually blend the Tuscan "macchia" and the geometric pictorial structure of Cézanne - "Anfora e zucca" (Amphora and Pumpkin), 1912-13; "La sedia rossa" (The Red Chair), 1913; "Sforni e Ghiglia", 1914 -. With the First Romagnola Biennial of Art held at Faenza in 1908, Ghiglia practically stopped exhibiting and was only to start exhibiting regularly again in the 20's. In 1914 he returned home to Castiglioncello where, whilst not abandoning portrait painting (executed mainly in the early 20th century) he increasingly concentrated on interiors and still lives and experimented with that charming rich colour scheme - "Natura morta con violino, brocca e frutta" (Still Life with Violin, Jug and Fruit), 1915 - that led to him being compared with the Swedish artist Larssen. Gradually, Ghiglia turned his back on traditional canons of art and this decision, whilst not marring his relations with the critics, led to there being less demand for his work and worse financial problems. In 1920 he took part in the collective exhibition "Arte Italiana Contemporanea" organised by Ugo Ojetti at the Pesaro Gallery in Milan. In 1926 he exhibited at the historic "Prima Mostra del Novecento Italiano". The last part of his life was spent increasingly in solitude concentrating on painting with increasingly sophisticated and intimate tones. He died in Florence in 1945. Written by: Gioela Massagli - Translated by: Catherine Biggerstaff © Galleria d'Arte Bacci di Capaci - Lucca - Italy © Galleria d'Arte Bacci di Capaci - via del Battistero 15 - 55100 Lucca Italy - Tel. +39 0583 953659 - P.I. 01513000461

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Rafael Scarfullery - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Rafael Scarfullery De Wikipedia, la enciclopedia libre Rafael Scarfullery, Guitarrista clásico dominicano, compositor y director de orquesta. Ha logrado fama Internacional. Profesor de Sweet Briar College, Lynchburg College y Randolph College en Virgina EUA. Ha impartido clases en la Universidad autónoma de Santo Domingo,Conservatorio Nacional de Música (en República Dominicana) y Shenandoach University.

Rafael Scarfullery Imagen:Rafaelscarfullery.jpg Información general Origen San Pedro de Macorís, República Dominicana) Ocupaciones Guitarrista, Compositor, Profesor Instrumentos Guitarra Artistas relacionados Rafael Landestoy Sitio web http://www.rafaelscarfullery.com

Ha sido merecedor de varios premios en su país y en el exterior por sus conciertos, composiciones. Ha tocado en Su país, Estados Unidos, Puerto Rico, Haití, Turquía, Canadá y Venezuela. Ha organizado varios festivales en la República Dominicana. Entre sus interpretaciones, resaltan obras para guitarra del compositor dominicano Rafael Landestoy, del brasileño Heitor Villa-Lobos, el alemán Johan Sebastian Bach y el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Nació en San Pedro de Macorís donde comenzó sus estudios en la guitarra y música. Además estudió en el Brooklyn College de la Universidad de Nueva York e hizo doctorado en Artes Musicales en la Universidad de Shernandoah en Virginia (EUA). Salió de su país debido a la situación de su música en el mismo, pero ha llevado sus raíces consigo siempre.

Discografía Herta's Garden: Guitar Music for Quiet Moment (El Jardín de Herta: Música de Guitarra para Momentos Tranquilos) Imagen:Herta.jpg ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

1. Stargazing (Mirando las Estrellas) 2. Cloud's Path (Camino de las Nubes) 3. Swaying Branch (Rama Meciéndose) 4. Radiant Afternoon (Tarde Radiante) 5. Saturday Evening (Sábado en la tarde) 6. Dream (Sueño) 7. Gentle Breeze (Briza Gentil) 8. Cloudy Sky (Cielo Nublado) 9. Playful Tree (Árbol Juguetón)

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10 Under a Tree (Bajo un Árbol) 11. Leaves' Journey (Viaje de las Hojas) 12. Lovely Walk (Bella Caminata) 13. Sunset (Puesta del Sol) 14. Ondulating Tree (Árbol Ondulante) 15. Under The Rain ( Bajo la Lluvia) 16. Sunny Midday (Mediodía Soleado) 17. Peaceful Rest (Descanso Pacífico)

Sweet Hour of Prayer: Sacred Music Selections for the Guitar (Dulce Oración:) Imagen:Oracion.jpg ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

1. Rock of Ages (Roca eterna) 2. Near My God, to Thee (Más cerca, Oh Dios de Ti) 3. Let All Mortal Flesh Keep Silence (Que todo ser Humano Guarde Silencio) 4. Now I Belong to Jesus (Con sin Igual Amor) 5. Morning Has Broken (La Mañana ha Llegado) 6. Nearer, Still Nearer (Cerca más Cerca) 7. Face to Face (Cara a Cara) 8. Wondrous Love (Maravilloso Amor) 9. God Will Take Care of You (Dios Cuidará de Ti) 10. Hear our Prayer, o Lord (Escucha Nuestra Oración) 11. Sweet Hour of Prayer (Dulce Oración) 12. More Love to Thee (Yo Quiero Amarte Más) 13. We Gather Together (Aquí Reunidos) 14. Just As I Am (Tal Como Soy) 15. Wonderful Peace (Oh, Cantámelas Otra Vez) 16. Have Thine Own Way, Lord (Cúmplase, Oh Cristo, Tu Voluntad) 17. Not I, But Christ (No Yo, Sino El) 18. Fairest Lord Jesus (Precioso Salvador)

Guitar Music from the dominican Republic: Compositions by Rafael (Ballumba) Landestoy Imagen:Dominicana.jpg ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■ ■

1. Sencillo (Vals Criollo) 2. Vals en Mi 3. Criolla en La menor 4. Preludio 5. Preludio No. 2 6. vals en La menor 7. Mazurka 8. Pueblerino 9. Mini-vals 10. Fantasía

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Enlaces externos Web Oficial (http://www.rafaelscarfullery.com)

Referencias Sonido Clásico de los Boleros Dominicanos (http://www.ecolatino.com/sp/stories/022806/not_022806A30.shtml) Videos en Creative Guitar (http://www.creativeguitar.org/videos/guitarist/rafael-scarfullery) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Scarfullery" Categorías: Dominicanos | Compositores de la República Dominicana | Músicos de República Dominicana | Guitarristas de República Dominicana ■ Esta página fue modificada por última vez el 21:37, 15 ago 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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29-09-2008

05-10-2008

Biography

Born in San Juan, Puerto Rico, Dr. Renaldo Guadalupe Álamo is getting well known in the guitar world not only as a classical guitar performer, but as a composer as well. His CD Incógnita, which includes some of his compositions, has received good critics among important figures in the classical guitar world. Jorge Morel says: “It is a joy to listen to this recording. Mr. Guadalupe has chosen a very attractive program for his new CD, including works of great quality. His interpretation of all the pieces here are played with the quality that these composers deserve. Splendid Performance!” Competing, he won the Third place at the 10th Carrefour Mondiale de la Guitare, Martinique, December 1992; and the Second Prize at the 2erne Prix d’Interprétation des Caraïbes, May 1995. He has played in different parts of Puerto Rico, the United States, México, Venezuela, Martinica and Spain. He was Artist Director, Organizer, and Coordinator of the team that presented the 1st Guitar Festival at Ponce, Puerto Rico in October 2006. Mr. Guadalupe holds a Doctor of Musical Arts in Guitar Performance from the Frost School of Music of the University of Miami. His doctoral dissertation A Compilation of Selected Callisthenic Exercises Designed to Address Specific Technical Aspects in Guitar Performance is considered as a great contribution to the classical guitar world in which he discusses issues like the need of working certain technical exercises for the mechanical improvement of the hands, avoiding serious illnesses such as the Carpal Tunnel Syndrome, and others. He has studied with important artists such as Leonardo Egúrbida, Manuel Barrueco, David Russell, Roland Dyens, Alirio Díaz, Abel Carlevaro, Norbert Kraft, Antigoni Goni, Ricardo Cobo, Ana María Rosado, Iván Rijos, Carlos Barbosa Lima, Juan Mercadal, René González, Thomas Patterson, and Pepe Romero. He has not only been a well-educated classical guitarist, he has also moved on and explored flamenco guitar studying with Paco Serrano at Córdoba, Spain. He also played for two years with Antonio Santaella Flamenco Dance Company, and taught flamenco guitar at Casa España in San Juan, Puerto Rico. He has taught at the University of Arizona, University of Miami, University of Puerto Rico, Puerto Rico Music Conservatory, and at the Interamerican University of Puerto Rico, among other music institutions. He is currently a faculty member of The Hartt School, Community Division and The Hartford Music Conservatory. Renaldo is also a classical, popular, flamenco, spanish, and latin guitarist in venues and restaurants in the Hartford, Connecticut area, where he currently resides.

Nacido en San Juan, Puerto Rico, Renaldo Guadalupe se está dando a conocer en el mundo de la guitarra clásica no solamente como ejecutante, sino también como compositor. Su disco Incógnita, el cual incluye algunas de sus composiciones, ha recibido muy buenas críticas de importantes figuras en el ámbito de la guitarra clásica. El Maestro Jorge Morel exclama: “It is a joy to listen to this recording. Mr. Guadalupe has chosen a very attractive program for his new CD, including works of great quality. His interpretation of all the pieces here are played with the quality that these composers deserve. Splendid Performance!”. Compitiendo, ganó el Tercer lugar en la décima Carrefour Mondiale de la Guitare en Martinica, en diciembre de 1992. También ganó el Segundo Lugar en la 2erne Prix d’Interprétation des Caraïbes, celebrado también en Martinica en mayo de 1995. Guadalupe ha tocado en diferentes partes de Puerto Rico, Estados Unidos, México, Venezuela, Martinica y España. Fue Director Artístico, Organizador, y Coordinador del Primer Festival de Guitarra Clásica en Ponce, Puerto Rico celebrado en octubre 2006. Renaldo Guadalupe posee un Doctorado en Artes Musicales en Ejecución en Guitarra de Frost School of Music de la Universidad de Miami. Su tesis doctoral A Compilation of Selected Callisthenic Exercises Designed to Address Specific Technical Aspects in Guitar Performance está considerada como una importante contribución a la literatura técnica de la guitarra clásica, ya que en la misma discute la necesidad de trabajar ciertos ejercicios técnicos para el mejoramiento motor de las manos, así como para evitar lesiones serias como lo son el Síndrome del Túnel Carpal, la Tendonitis, entre otros. Renaldo ha estudiado con importantes artistas como Leonardo Egúrbida, Manuel Barrueco, David Russell, Roland Dyens, Alirio Díaz, Abel Carlevaro, Norbert Kraft, Antigoni Goni, Ricardo Cobo, Ana María Rosado, Iván Rijos, Carlos Barbosa Lima, Juan Mercadal, René González, Thomas Patterson, y Pepe Romero. Como guitarrista, no solamente posee una excelente formación en la guitarra clásica, sino que también ha explorado la guitarra flamenca tomando cursos con Paco Serrano en Córdoba, España. También tocó con la Compañía de Baile Flamenco de Antonio Santaella, y enseñó guitarra flemanca en Casa España en San Juan, Puerto Rico.

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Biography Guadalupe ha enseñado en la Universidad de Arizona, en la Universidad de Miami, en la Universidad de Puerto Rico, el Conservatorio de Música de Puerto Rico, y la Universidad Interamericana de Puerto Rico, entre otras instituciones. Actualmente es profesor de guitarra en la División de la Comunidad de The Hartt School, en la Universidad de Hartford, y en el Conservatorio de Música de Hartford. Renaldo también toca música clásica, popular, flamenca y latina en eventos y restaurantes en el área de Hartford, Connecticut, donde actualmente reside. [Home] [Biography] [Discography] [Book] [Gallery] [Guitar Duo] [Calendar] [Press Kit] [Contact]

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Romilio Orellana - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Romilio Orellana De Wikipedia, la enciclopedia libre Romilio Orellana (Santiago de Chile, Septiembre de 1970) guitarrista clásico chileno.

Biografia Nació en Santiago de Chile en Septiembre de 1970. Sus estudios de Guitarra los realizó en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile con el profesor Ernesto Quezada, titulándose con la más alta distinción. Ha participado en clases magistrales y seminarios con los laudistas Hopkinson Smith, Eduardo Egüez y la guitarrista belga Raphaella Smits. Ganó por cinco años consecutivos la beca “Amigos del Teatro Municipal”, otorgada a músicos jóvenes sobresalientes. En 1993 y 1994, obtuvo el Primer Premio del Concurso “Jóvenes Talentos”, organizado por el Centro de Extensión Artístico y Cultural de la Universidad de Chile, premio que consistió en tocar como solista acompañado de la Orquesta Sinfónica de Chile en sus conciertos aniversario números 53 y 54. Ha sido galardonado en importantes concursos internacionales de Romilio Orellana guitarra. En 1994 ganó el Primer Premio del IX Concurso Internacional de Guitarra “Alirio Díaz” realizado en Caracas, Venezuela; “Mención Especial” en el Primer Concurso Internacional “Agustín Barrios Mangoré” en Asunción, Paraguay; en 1996 obtiene el Primer Premio del Segundo Concurso Internacional de Guitarra “Liliana Pérez Corey” en Santiago de Chile; en el año 2000 obtiene el Premio Especial a la mejor Interpretación de la obra de Francisco Tárrega en la XXXIV versión del prestigioso Certamen Internacional de Guitarra “Francisco Tárrega” en Benicasim, España. En el año 2002 obtiene el 2ª Premio del XXXVI Certamen Internacional de Guitarra “Francisco Tárrega”. Ha tocado en importantes festivales de guitarra como el Festival de Agosto en Caracas, Venezuela; Festival Rodrigo Riera en Barquisimeto, Venezuela; Festival Internacional de Guitarra de Viña del Mar, Chile; Festival de Guitarra de San Juan, Argentina y Festival de Agosto de la Universidad de Indiana, EE. UU., entre otros. Como solista y con agrupaciones de cámara, ha tocado en Brasil, Paraguay, Uruguay, Colombia, Argentina, Venezuela, Costa Rica, México, España, Alemania, Suiza, Rusia, Portugal, Nueva Zelanda y Tailandia. Ha sido elegido miembro de importantes delegaciones artísticas de Chile, como la Expolisboa 98, Feria Internacional de Hannover, Feria Internacional del Libro de Guadalajara y Aniversario Número 50 de la ascensión al trono del Rey de Tailandia. Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica de Chile, Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, Orquesta de la Comunidad de Madrid (España), Orquesta Sinfónica de Maracaibo (Venezuela), Orquesta de la Provincia de San Luis (Argentina) y Orquesta Sinfónica Europea Mediterránea (España). Ha estrenado en Chile el “Concierto Nº2” de Mario Castelnuovo-Tedesco con la Orquesta Sinfónica de Chile y “Artículo de Concierto” de Nino García para guitarra solista y Orquesta de Cámara. Esta obra

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Romilio Orellana - Wikipedia, la enciclopedia libre

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fue escrita especialmente para Romilio Orellana, quien la estrenó el año 2002 también con la Orquesta Sinfónica de Chile. Su disco “Artículo de Concierto” obtuvo la aprobación unánime del público y de la crítica especializada. Ha realizado actuaciones para Radio y Televisión, incluyendo la Radio y Televisión Española y Radio Nacional de España. El 25 de Febrero de 2004 hizo su debut en Londres, en el Royal Festival Hall, con el estreno de Liederkoncert del compositor Angelo Gilardino, obra para dos guitarras y orquesta de cámara, junto al guitarrista italiano Sante Tursi, miembros de la Orquesta de Cámara Inglesa y el director Benjamin Wallfisch. En Noviembre de 2004 tocará en el Teatro Municipal, junto a la Orquesta Filarmónica de Santiago, el Concierto Nº1 Op.30 en La Mayor de Mauro Giuliani. Desde 1996 es académico de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. A partir de 2004 se desempeña también como académico y Jefe de la Cátedra de Guitarra del Conservatorio de la Universidad Mayor. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Romilio_Orellana" Categorías: Guitarristas clásicos | Nacidos en 1970 | Santiaguinos | Guitarristas de Chile ■ Esta página fue modificada por última vez el 02:04, 10 abr 2008. ■ Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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03-10-2008

Siegfried Behrend: Information from …

Artist:

Siegfried Behrend Born November 19, 1933 in Berlin Died 1991

Biography A self-taught guitarist, Behrend studied piano, composition and conducting at The Klindworth-Scharwenka Conservatory. He debuted in Leipzig in 1952 and went on to make many world tours. His speciality is in avant-garde music, and several composers, including Becker and Penderecki have written works for him. He is known for his smooth technique and for his inclusion in his repertoire of popular pieces. He is the most important German guitarist of his time. ~ Lynn Vought, All Music Guide

Discography

Rodrigo: Concierto de Aranjuez; CastelnuovoTedesco: Guitar Concerto No. 1

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Siegfried Behrend: Information from …

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Classicalguitar.nl - View article - Yang, Xuefei (b. 1977- China)

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Yang, Xuefei (b. 1977- China) Thursday, 15 September, 2005

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Xuefei Yang is the foremost Chinese Classical guitarist, and a rare female guitarist who enjoys an International career. Xuefei Yang has since childhood been a pioneering spirit. She was the first guitarist in China to enter a music school and later to graduate from the Central Conservatory of Music in Beijing with a B.A degree; The first guitarist from her country to study classical guitar in the west; and the first guitarist as well as the first Chinese student ever to receive an international scholarship from the Associated Board of The Royal Schools of Music for her postgraduate study at Royal Academy of Music.

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Born in Beijing, she began playing the guitar at the age of seven and took formal tuition at ten from Chen Zhi. Soon after, she made her first public appearance at the First China International Guitar Festival. Immediately she gained such acclaim that the Spanish Ambassador in China presented her with a handmade concert guitar. During her school years, she played extensively in China, Hong Kong, Macau, Spain, and Australia and gave concert tours in Taiwan, Japan and Portugal. When she was 11 she won 2nd prize in the Beijing Senior Guitar competition being the only child competitor. She received the 'Silver Sail' award from the Mayor of Beijing as one of the 10 best students from Beijing. When playing in Tokyo the following year, she was given a special award by the Guitar Alliance of Japan, and the celebrated Japanese luthier Masaru Kohno presented her with one of his concert guitars. The composer Rodrigo attended her debut concert in Madrid when she was 14. A few years later, John Williams left his own Smallman guitar to her after listening to her playing. She has also appeared on numerous radio and television broadcasts in China and abroad.

» Kueffner, Joseph (1776 » Marschner, Heinrich (1795 ... » Cottin, Alfred (1863 » Hidrobo, Homero (1939 » Bonilla-Chavez, Carlos (192...

Most Viewed Articles » Jie, Li (b. 1981- China) » Bach, Johann Sebastian (168... » Giuliani, Mauro (1781 » Yang, Xuefei (b. 1977 » Dyens, Roland (b. 1955

Since 2000, she has been in England studying with Michael Lewin, John Mills and Timothy Walker at the Royal Academy of Music. From where, she graduated with distinction, She won the Dorothy Grinstead Prize for a recital at Fairfield Hall, Croydon, and received the Principal¡¦s prize for exceptional all-round studentship achieving a Recital Diploma, and was awarded the dip RAM - the highest performance award conferred by the Royal Academy of Music. Xuefei Yang has given concerts throughout the UK, Europe, Asia and the United States, at prestigious venues including the Wigmore Hall, Purcell Room, Queen Elizabeth Hall in London as well as Philharmonie Berlin, Musikhalle Hamburg, National Concert Hall Taipei, Hong Kong City Hall, Esplanade Singapore, Beijing Concert Hall, Herbst Theatre San Francisco and Concertgebouw Amsterdam etc. In 2003 she performed in 54 concerts for the "Night of the Proms" Tour throughout Europe to an estimated audience of 800,000. She has also broadcast on numerous radio and television programs in different countries, including and a successful

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13-09-2008

Classicalguitar.nl - View article - Yang, Xuefei (b. 1977- China)

performance on Radio 3 as part of the BBC Proms. As soloist she has performed with China Broadcasting Orchestra, Guangzhou Symphony Orchestra, RAM Symphony Orchestra, Hungarian Symphony Orchestra, Darwin Symphony Orchestra, Symphony Orchestra Il Novecento, City Chamber Orchestra of Hong Kong and a performance of Rodrigo's concerto with the BBC Concert Orchestra. Future engagements include recital tours in Asia, UK, USA and Europe, and touring as soloist with English Chamber Orchestra, Hong Kong Philharmonic Orchestra, Toledo Philharmonic of Spain and Northern Sinfonia Orchestra of UK.

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Albums Si ji (2005) Night of the Proms (2003) Classical Guitar by Xuefei Yang (1997)

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13-09-2008

20-11-2008

Baden Powell

Baden Powell

Baden Powell de Aquino nasceu em Varre-Sai, no Norte fluminense, em 6 de agosto de 1937. Seu pai, Lilo de Aquino, militante do esc otismo, deu-lhe o nome do general britânico fundador do movimento. Ainda em 1937, a família - Seu Lilo, Dona Adelina, Baden e a irmã, Vera (o irmão mais velho, Jackson, já havia morrido) - mudou-se para o Rio, indo morar primeiro em Vila Isabel, depois na Saúde e logo em São Cristóvão, onde Baden Powell passou toda a infância e a adolescênc ia. Aos 8 anos, foi estudar violão c om Jaime Florence, o Meira dos regionais de Benedito Lac erda e Canhoto. Na Escola Nac ional de Música, estudou teoria musical, harmonia e composição. Aos 10 anos, havia venc ido o programa Papel Carbono, de Renato Murc e, porta de entrada para o rádio. Aos 15, munido de uma autorização do Juizado de Menores, era músico profissional. Em 1962, c onhece Vinícius de Moraes, c om quem formaria uma das mais importantes parcerias da músic a popular brasileira (outro parc eiro fundamental seria Paulo César Pinheiro, c o-autor de Lapinha, a música vencedora da I Bienal do Samba, em 1969). Naquele ano de 1962, Baden iria pela primeira vez à Europa, onde se tornaria o artista brasileiro de maior prestígio e c hegaria a permanecer, às vezes, até cinco anos, apresentando-se e gravando em vários países. Falec eu em 26 de setembro de 2000. Moacyr Andrade A História da Músic a Brasileira Por Seus Autores e Intérpretes SESC/TV Cultura

Apelo Berimbau Bocochê Canto de Iemanjá Canto de Ossanha Canto de Pedra Preta Canto de Xangô Consolação Formosa

Labareda Refém da solidão Samba em prelúdio Samba triste Tempo de amor [Samba do Veloso] Tempo feliz Tristeza e solidão Última forma Velho amigo

Esc ute uma amostra do trabalho: Tempo feliz (Baden Powell e Vinícius de Moraes) Com Baden Powell

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Baden Powell Atenção: para ouvir a amostra você prec isa do RealPlayer (gratuito) instalado em seu computador. Pegue-o na seção de informátic a do Terra, clicando aqui.

CDs Recomendados pelos MPBNet: Baden Powell (Box com 13 CD´s) A Música Brasileira Deste Século Por Seus Autores e Intérpretes O Universo Musical de Baden Powell (2 CDs) Solitude on Guitar A Benção Baden Powell (Duplo) Baden: Live à Bruxelles Baden Plays Vinicius Afro-Sambas Baden Powell e Filhos ao Vivo Memories Le Monde Musical de Baden Powell Baden Powell ao Vivo no Rio Jazz Club Rio das Valsas Tempo de Música Seresta Brasileira Live in Montreux Canto on Guitar De Rio a Paris Afro-Sambas [Mônica Salmaso e Paulo Bellinati] Nova Série: Baden Powell

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20-11-2008

Baden Powell

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Baltazar Benítez

Nació en Uruguay, donde empezó a tocar la guitarra cuando tenía 12 años. En 1966 continuó sus estudios con Abel Carlevaro, profesor en el Conservatorio de Música Nacional en Montevideo. Dos años más tarde Baltazar Benítez empezó su carrera profesional con éxito; fue elegido por las 'Jeunesses Musicales' de su país nativo para dar una serie de conciertos.. En 1969, obtuvo el primer premio en un concurso organizado por la radio Uruguaya. A esto le siguieron numerosos conciertos importantes, incluidas algunas actuaciones en radio y televisión, donde Baltazar Benítez interpretó un repertoio extremadamente diverso: entre otros, conciertos con orquesta como el de Mario Castelnuovo-Tedesco y el mundialmente famoso 'Concierto de Aranjuez' de Joaquín Rodrigo. Un año más tarde, ganó aún otro concurso uruguayo, organizado por el Centro Cultural de Música y en el mismo año recibió una beca del instituto cultural español para estudiar en Santiago de Compostela con Andres Segovia. De nuevo un año después, en 1971, Baltazar Benítez ganó el primer premio del concurso internacional anual de guitarra en Santiago de Compostela. Al año siguiente fue enviado por su país como delegado oficial, al 26 Congreso Mundial de las 'Jeunesses Musicales', que se celebró en Augsburg, Alemania. Allí fue aclamado por su forma de tocar, particularmente por su interpretación de música Sudamericana. Después de esto, in 1973, ganó el primer premio en el 7º Concurso Internacional "Tárrega" celebrado en Benicasim (Spain). Su primer disco apareció en 1976, dedicado a la música Latinoamericana. En él incluyó la primera grabación del 'Theme, Variations and Fughetta' sobre un tema de Antonio Cabezón, de Manuel Maria Ponce. Como resultado de su investigación musical, Baltazar Benítez dispuso su espléndido sentimiento para música barroca Europea en 1980 cuando apareció su segundo álbum. Una interpretación muy buena de la famosa 'Suite in e-minor' de J.S. Bach, y unas 'Sonatas' de Domenico Scarlatti (todas transcritas y arregladas por Benítez) que fueron muy bien recibidas, no sólo por guitarristas, por el mundo musical en general. En 1984 grabó otro L.P. de música Latinoamericana, con obras exclusivamente compuestas por Astor Piazzolla. Baltazar Benítez dedicó este álbum a Piazzolla, el que contiene - además de Five pieces para guitarra también grabó varias obras que Benítez transcribió para guitarra. En 1985 hizo una gira por Sudamérica, junto al músico y compositor argentino Astor Piazzolla. En Montevideo (Uruguay) el 23 de Diciembre de 1985, actuaron juntos en el estreno latinoamericano del 'Concierto para Bandoneón, Guitarra y Orquesta' de Astor Piazzolla.

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.: Vicente Amigo :. Estilos Flamenco (Genérico), Flamenco (Moderno) Nacido 1967. Guadalcanal (Sevilla) (España) Especialidad Guitarra

Biografía de Vicente Amigo... Guadalcanal (Sevilla), 1967. Guitarrista. Vive en Córdoba desde los cinco años y en esta ciudad se ha formado. "Dice mi madre que de chiquillo cogía el palo de la fregona y me ponía a tocar. Yo no me acuerdo, como tampoco de una guitarra de plástico que me compraron de juguete. Sí me acuerdo, como de un sueño, que escuché a Paco de Lucía, siendo tan pequeño que posiblemente estuviera todavía en mi pueblo. Es extraño porque estaba yo demasiado pequeño. Me quedé alusinao, y a partir de aquí, pues yo qué sé. Un día vi a un vecino mío que tocaba la guitarra allí en el césped y fue cuando me enamoré totalmente". Muy joven comenzó a trabajar en el grupo de Manolo Sanlúcar, con quien completó su aprendizaje. Cuando inició su carrera en solitario formó con El Pele una pareja irrepetible, por el profundo entendimiento que había entre cante y toque. "Es necesario conocerse más allá del puro cante para acompañar bien", afirma. Por fin se separó del cantaor para dedicarse casi e... [ + información ]

Discografía de Vicente Amigo 4

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Ciudad de Las Ideas, 2002 BMG Music Spain, S.A. Discografía. CD

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FLAMENCO: Biografía - Vicente Amigo - Guitarrista

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Biografía - Vicente Amigo - Guitarrista

Revista "La Flamenca"

. .

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Vicente Amigo nació en 1967 en Guadalcanal, Sevilla, y se crió en Córdoba. Trabajó diez años con el gran guitarrista Manolo Sanlucar. Ha colaborado en las grabaciones de Miguel Bosé, Carmen Linares, Monolo Sanlúcar y Alejandro Sanz, entre otros. En 1990 junto al Pele, Vicente Amigo actuó como artista invitado en los conciertos de la gira española de David Bowie.

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FLAMENCO: Biografía - Vicente Amigo - Guitarrista

En 1991 nace su primer disco para Sony "De mi corazón al aire", donde ya se destaca como gran guitarrista y confirmándose como tal. Este disco es reconocido con los premios "Icaro", de Diario 16 y 'El Ojo critico" de RNE. Vicente Amigo y Paco de Lucía hicieron su particular revolución de los claveles en Lisboa, con el concierto Maestres de la Guitarra celebrado en 1993. Los dos fueron elegidos para poner alma flamenca al evento sevillano Leyendas de la guitarra.

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ayudando a construir el primer centro terapéutico para mujeres adolescentes con consumo problemático de drogas. Por favor haz clic sobre la imagen para ingresar, así podrás ayudar y ver quienes ya han colaborado. Cada pixel tiene un valor de $ 3.000 solamente.

En noviembre de 1995 se edita su segundo álbum para Sony, "Vivencias imaginadas", donde técnica, corazón e inteligencia son su fuerte. Se confirma como músico fundamental en una generación de guitarristas, pródiga de talentos deslumbrantes. Con "Poeta", Vicente Amigo se alzó con los premios al mejor autor flamenco y mejor compositor flamenco, otorgados por la AIE y SGAE, en la II Edición de los Premios de la Música, 1997. En 1998 se lanza el CD del gran cantaor José Mercé, "Del amanecer..", compuesto e interpretado a la guitarra por Vicente Amigo, que está cosechando éxitos sin precedentes en el mundo del flamenco. Por este álbum opta Vicente Amigo ese año al premio mejor autor flamenco de los Premios de la Mœsica.

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Flamenco en Dinamarca La trayectoria internacional de Vicente Amigo es impresionante. Ha participado en los festivales más importantes, entre los que cabe destacar el Heineken Festival 95 de Río de Janeiro, junto a Milton Nascimiento y Wagner Tiso, el Festival Martinica 92, con Stanley Jordan, el Midem de Cannes, en varias de sus ediciones, siendo la ultima la de 1999, en la que compartió cartel con John Mc Laughlin, entre otros. Ha realizado numerosas giras por Europa, visitando Francia, Italia, Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza y Dinamarca, y por América en Brasil, México y Cuba.. Así como otros paises como Japón, Turquía, Marruecos, Túnez y, Chile en octubre de 2005. En estos años de debate entre pureza y renovación en el flamenco. Amigo crea una música que parte de los palos clásicos, pero que trasciende para ofrecer un mundo personal, lleno de modernidad en el más positivo de los sentidos, pues es profundamente flamenco. Arriesga en la investigación y recreación de nuevas formas originales, que le llevan incluso a mezclar palos de distinto ritmo un el mismo tema, con una naturalidad apabullante. De gran capacidad técnica, su toque es pulcro y preciso, templado y sereno, recreando la belleza con su lenguaje claro y dejando oir los silencios.

Flamenco en España (28) Flamenco en Estados Unidos Flamenco en Francia (2) Flamenco en Frutillar (2) Flamenco en Inglaterra Flamenco en México (1) Flamenco en Osorno (1) Flamenco en Puerto Montt Flamenco en Puerto Varas Flamenco en Quilpué (1) Flamenco en Santiago Flamenco en Talca (9) Flamenco en Turquía (1) Flamenco en Valdivia (4) Flamenco en Valparaíso Flamenco en Viña del Mar Flash Flamenco (8)

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José Manuel Ramos "El Oruco" Bailaor José Mercé - Cantaor La China - Bailaora Macarena Vergara - Bailaora Manolo Sanlucar - Guitarrista Natalia García-Huidobro Bailaora Pablo Garay - Bailaor Paco de Lucía - Guitarrista Pilar Marchena - Cantaora Lírica Pía Villar - Bailaora Sara Baras - Bailaora Serranito - Guitarrista Soledad Bustamante Susana Diaz - Bailaora Tomatito - Guitarrista Vicente Amigo - Guitarrista

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Flamenco La Triada Flamenco Latidos - Concepción Flamenco Triana - Viña del Mar Flamenco Vivo Gente Flamenca - Talca José Luis Sobarzo La Casa de los Jordá La Fragua Luna Calé Manuel El Gitano Paloma Montoya Patio Flamenco Rocío González - Concepción Sangre Mestiza Santa Rosa de los Vientos Puerto Varas Viviana Medina - Concepción

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Biografia de Grieg, Edvard | Vida de G…

Biografía de Grieg, Edvard Noruega, Europa Compositor noruego. Biografía: (Bergen, Noruega, 1843-id., 1907) Compositor noruego. La música escandinava tiene en el noruego Edvard Grieg una de sus primeras figuras internacionales. Formado en Leipzig en la tradición sinfónica alemana, su obra se desvincula de los principios de esta escuela de composición para buscar su inspiración en el folclor de su tierra natal.

Notable virtuos o del pian o, como compos itor Eduard Grieg s upo

Aunque en la mayor parte de sus composiciones evita citar de manera literal

con jugar elemen tos del folclor n oruego con las técn icas

melodías populares, su música las recrea con sorprendente habilidad. El contacto con su

compos itivas modern as .

compatriota, y también compositor, Rikard Nordraak alentó en él este temprano interés por los cantos y las danzas tradicionales de su tierra. Ambos fueron los fundadores de la Sociedad Euterpe, creada para promover la música nacional escandinava, pero la prematura muerte de Nordraak en 1866 dejó a Grieg como único impulsor y responsable del proyecto. La creación de una Academia de M úsica Noruega en 1867 dio mayor impulso a la labor de protección y difusión de la cultura musical autóctona. M ientras tanto, Grieg había ido haciéndose un nombre como compositor fuera de las fronteras de su patria: de 1869 data el estreno en Copenhague, con el propio compositor como solista, de una de sus obras más célebres, el Concierto para piano y orquesta en la menor. Pocos años más tarde, en 1875, la composición de la música de escena para el Peer Gynt de Henrik Ibsen, divulgada en todo el mundo a través de dos suites de concierto, lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo. Paradójicamente, Grieg compuso esta partitura con desgana y nunca la tuvo en demasiada estima. M ás que en esta obra, la originalidad de su estilo se aprecia mejor en los diez volúmenes de Piezas líricas para piano que publicó a lo largo de treinta y cuatro años: breves y melancólicas, de un sutil nacionalismo, le han valido el calificativo de Chopin del Norte.

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Biografia de Grieg, Edvard | Vida de G…

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Yúzef POWRÓZHNIAK

La guitarra desde A hasta Z Józef Powrozniak. Gitarren-Lexikon. Berlin, Neue Music, 1988

Ante usted la traducción del libro de Júzef Powrózhniak publicado en 1988 en la República Democrática Alemana en el alemán. Nuestras adiciones, ilustraciones y notas son marcadas por el asterisco *. © Traducción: Oleg Bogdáshich, Ivana Romina Altamirano (corrección), 2007 [email protected]

A Abbatessa, Giovannis Battista, n. en Bitonto, vivía en el s. XVII; un guitarrista y compositor italiano, editaba para la guitarra española algunos libros de las tabulaturas con la grabación de letras de los acordes: “Corona di naghi fiori overo nuova intavolatura di chitarra alla spagnola” (La corona de las flores hermosas en la tabularura nueva para la guitarra española, 1627, Venecia). En 1635 en Orvieto ha publicado en la grabación de letras y en 1652 en el Roma-Lucca “Cespuglio di vartii fiori. Overo intavolatura di chitarra alla spagnola” (El entrelazado de las flores de todo género, la tabularura para la guitarra española). A Ludovico Monza en Milano ha publicado “Ghirlanda di varii fiori, overo intavolatura di chitarra alla spagnola” (La guirnalda de las flores de todo género, la tabularura para la guitarra española”).

* J. Abercrombie Abercrombie, Jhon, n. 16/12/1944 en Portchester (el estado de Nueva York); un guitarrista y compositor americano de jazz, desde 15 años comenzó a tocar la guitarra. En 1962-1966 del estudiaba el colegio musical en Berkeley. Comenzó la carrera en el conjunto de jazz de Johnny Smiths como el guitarrista de jazz; participaba en la gira con Jeremy Steig, Gil Evans, Billy Gobham etc. A. tocaba tanto la guitarra acústica como eléctrica. Ha escrito las placas numerosas (“Characters“), con cuarteto propio (“Arcade“, 1979; “The Abercrombie Quartet”), en dúo con el guitarrista Ralph Towner y en otros grupos.

Abloniz, Miguel, n. 29/05/1917 en Cairo (Egipto); un guitarrista, pedagogo y compositor italiano, aprendía la teoría musical (principalmente la armonía), el piano y el violín, más tarde a tocar la guitarra en la clase de Emilio Pujol y Juan de Moral en el conservatorio en Barcelona. Allí A., con el estilo clásico, bajo la dirección de Matilda Cuervas se ha puesto al corriente también del estilo flamenco. En 1948 en Edinburgh se ha encontrado con Andrés Segovia cuya interpretación le ha producido a él una impresión fuerte. De la juventud temprana A. daba los conciertos, al principio en la radio de Cairo y más tarde, después del traslado a Milano, en Italia y en otros países de Europa. Él interpretaba las obras de los compositores modernos dirigentes para la guitarra, tales como Ponce, Turina, Villa Lobos, CatelnuovoTedesco, Segovia, Llobet, y las composiciones propias. En Milano en 1953 ha fundado propia escuela de la guitarra clásica y también realizaba trabajos en otros conservatorios. Los guitarristas italianos Aldo Minella y Paolo Pilia son sus alumnos. Cada verano A. dirige la clase para los guitarristas especialmente dotados en la escuela americana musical del colegio Ithaca en el estado de Nueva York. Ha publicado una gran cantidad los artículos en la revista inglesa “Guitar News” que se publica en Chetenham. Estos artículos teoréticos y metódicos hasta ahora representan una dirección excelente para tocar la guitarra clásica. El trabajo creador propio de A. incluye más de 350 obras publicadas por las editoriales italianas: Berben, Ricordi, Metron y otros. A. se ocupa también de la fabricación de las guitarras; entre él y el artesano de guitarra conocido italiano Antonio Monzino hay una cooperación estrecha. Después de las consultas con A. Monzino, apoyándose en

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los cálculos matemáticos, ha creado el modelo óptimo de la guitarra. Abreu, Antonio, n. en 1750; m. en 1820; un guitarrista portugués, era un virtuoso de este instrumento. En 1799 ha aparecido el trabajo de 3 volúmenes “Escuela para tocar con perfección la guitarra de cinco y seis órdenes” . En este tiempo fue introducida la sexta cuerda, la más baja; hasta este tiempo la guitarra tenía 5 cuerdas. Durante 17801820 fueron publicadas algunas de sus composiciones para la guitarra.

doctor de la musicología y la teoría musical. Con el trabajo musical-pedagógico también como el solista conduce la actividad activa de concierto. Augustine, Albert, n. en 1900 en los EEUU, m. 18/04/1967; un maestro de guitarra y productor de las cuerdas de nailon americano, las primeras en el mundo. Según el consejo de A. Segovia ha elaborado y perfeccionaba el proceso de la producción de las cuerdas de nailon que resultó seguro y realizó su producción. Como el maestro de guitarra ha dejado después de sí algunos instrumentos excelentes, en que tocan los hombres conocidos de arte, en particular, la cantante brasilena Olga Koelo.

* Sergio Abreu Abreu (Rebello), Sergio, n. 05/06/1948 en Río de Janeiro y Eduardo, n. 19/09/1949 en Río de Janeiro, los hermanos; los guitarristas brasilenos, aprendían a tocar de su abuelo Antonio Rebelo y desde 1960 de la guitarrista argentina Adolfina Raitzin Távora, la alumna de A. Segovia. Después de su debut en 1963 en Río de Janeiro los dos con gran éxito daban los conciertos en países distintos como los solistas y en el dúo. En su repertorio hay las obras originales para la guitarra y las obras maestras de la música en la transcripción para 2 instrumentos (Vivaldi, Scarlatti, Ravel, Albeniz, Granados, Santorsola etc.) En 1967 Sergio А. mereció el 1 premio en la competición internacional de la guitarra arreglada por la radio y televisión Francesa en París.

* P. Agafoshin Agafoshin, Piotr Spiridonovich, n. en 1874 en el alud Pirogovo del distrito Spásskoye de la provincia de Riazán, m. en 1950 en Moscú; un guitarrista y pedagogo soviético, al principio aprendía a tocar la guitarra de 7 cuerdas, sin embargo más tarde, se ha interesado por la guitarra de 6 cuerdas. A. ha adquirido una gran fama por la popularización de este instrumento en Rusia, también como el virtuoso y el pedagogo. Él ha escrito “La escuela de la guitarra de 6 cuerdas” (la editorial “Muzgiz”, 1962) y los tratamientos de guitarra de las numerosas obras de los clásicos de la guitarra de 6 cuerdas.

Abril, Mario, n. en 1942 en La Havana (Cuba); un guitarrista y pedagogo americano, en la infancia aprendía a tocar el piano y el violín. Más tarde conoció un conocido guitarrista cubano Ektor García que le daba las lecciones para tocar la guitarra. A. estudiaba en la universidad en Albuquerque y, además, visitaba las conferencias de J. Bream. En la universidad en Tallahassee (el estado de Florida) ha adquirido el grado de

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* D. Aguado Aguado Garcнa, Dionisio, n. 08/04/1784 en Madrid, m. 20/12/1849 en Madrid; un guitarrista y compositor español, ha recibido las lecciones de la música del padre Bazilio (llamado en el siglo Miguel García). Después de qué A. se ha establecido en la hacienda en Fuenlabrada, cerca Aránjues, se ha consagrado por completo a la guitarra. Desde 1826 pasó algunos años en París, donde daba numerosos conciertos. Allí ha encontrado a otro guitarrista español Fernando Sor, y la amistad con que le ligaba a él toda su vida. Desde 1838 hasta la muerte A. Vivía en Madrid. Junto con F. Sor elaboraban la escuela nueva de la guitarra española. A. fue primero quién se dirigió a la interpretación por el modo de uña y se hacía un pionero de esta técnica de la interpretación. Junto a la interpretación a la guitarra utilizaba la base especial, el así llamado tripedisono, del que apuntalaba la guitarra. A. ha expuesto los principios del arte en la escuela que ha aparecido en 1825, de la interpretación a la guitarra “El método de la interpretación a la guitarra”, que fue reeditada más tarde varias veces y publicada en 1968 en Italia (la editorial Berben, Ancona) en el tratamiento del guitarrista conocido M. Gangi. Sus composiciones más conocidas son: “La colección de los estudios para la guitarra” (Madrid, 1820), “Tres rondos brillantes” (Madrid, 1822), “La colección de los andantes, los valses y los minuetes”, “Variaciones brillantes”, “Fandango con las variaciones”, “Cuatro piezas de ejercicios” (París). A. fue también un autor de los estudios y numerosas piezas cortas del carácter de ejercicios.

Adame, Rafael, n. 11/09/1906 en Jalisco (México); un guitarrista y compositor mejicano, aprendia a tocar al violonchelo y la guitarra en el conservatorio Estatal en México; luego él mismo daba lecciones en ella. Fue el primero de los compositores de América Latina que ha escrito “Concierto para la guitarra con la orquesta” en cuyo estreno en México participaba en calidad del solista. Entre sus composiciones para la guitarra están “Concertino para la guitarra con la orquesta”, y también una serie de las composiciones pedagógicas. Adrovicz, Istvan, n. en 1950 en Budapest; un guitarrista y pedagogo húngaro, en 12 años se ocupaba de la guitarra a Lázló SzendreyKarper y en 1971 ha cursado los estudios en el conservatorio en Budapest. Luego estudiaba a E. Morray, J. Bisantyn, M. Beltran del Río, A. Borgése y C. Cotsiolis. A. daba los conciertos en Hungria, Yugoslavia, Austria, Polonia, la Unión Soviética y Brasil. Enseña en el conservatorio “Zoltan-Kodaly” en Debrecen. Asioli, Francesco, vivía en el s. XVII; un guitarrista y compositor italiano, funcionaba en Reggio nel Emilia y estudiaba la interpretación de la guitarra en el Colegio en Parma. En 1674 en Modena ha publicado “Los scherzo iniciales para la guitarra” y en 1676 en Bolonia ha publicado la colección “Las armonías armoniosas sobre la guitarra española”, en la cual la suite de baile (el alemán, la zarabanda, el ballet, el guigue, la aria, el preludio, el capricho) y “Sonata y Fuga” son escritas en una tabulatura italiana. Asriel, Andre, n. 22/02/1922 en Viena; un compositor alemán, vive en el RDA. En 19351938 él estudiaba en el conservatorio Vienés, ha emigrado en 1938 a Inglaterra y en 1946 se ha trasladado a Berlin; estudiaba en el conservatorio en Berlín-Charlottenburg, en 1950-1951 continuaba el estudio en la clase para los músicos especialmente dotados, aprendía la composición en la academia de los artes del RDA a Hans Eisler. Desde 1968 da clases en calidad del profesor en el instituto musical “Hans Eisler” en Berlin. La música de A. Se caracteriza por el brillo y el contraste de las imágenes. El compositor utiliza los instrumentos raramente aplicados

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en la música moderna: la guitarra, el piano de cola (“El sueco – vendedor de los billetes de lotería”, 1958), clavecín (“El hierro vivo”), los instrumentos de viento antiguos – “El traje de carnaval”, 1958, la película de muñeca; “Los autos nupcial de Lorence” ( “Los autos del divorcio”), 1959) etc., presta una gran atención a la música popular. El trabajo creador del compositor incluye las composiciones sinfónicos, de cámara y la música para canto. Entre las composiciones para la guitarra están: “Suite para la guitarra solo”, “Baroque in blue“ ; “Música pequeña de jazz para la guitarra","Preludio y Tocata para la guitarra solo”, también “Variaciones para la flauta y la guitarra”, “3 blues en la forma del canón para 3 guitarras” (son publicados en la editorial “Empresa Popular Gofmeister”, Leipzig). Aikas, Kari, n. en 1949 en Finlandia; el guitarrista finlandés, ha recibido la formación musical por la clase de la guitarra de I. Putilin en la academia de Sibelius en Helsinki, que terminó en 1974. Luego continuaba el estudio a Barbosa-Lima y Aitoki Balez en Suecia. En la competición Internacional de la radio y la televisión Francesa en 1974 en París ha dividido el 2° puesto con la guitarrista argentina María Izabella Siewers. A. daba los conciertos en Finlandia e Inglaterra (Londres, Manchester). Aimon, Pamfil Leopold Fransua, n. 04/10/1779 en L’Isle el Vaucluse, m. 02/02/1866 en París; el guitarrista, violinista y compositor de ópera francés, ha recibido las lecciones de la música de su padre, que como el violonchelista estuvo al servicio del conde de Rantzau. Desde su temprana juventud A. manifestó el talento estético insólito; él tocaba el violín virtuosamente y magistralmente la guitarra. En 17 años se hizo el director de la orquesta teatral en Marsella. A. ha escrito varios cuartetos para violín, dúos para el violín y la guitarra, también para el violín y el violonchelo, y varias óperas. Acosta (Escobar), Idelfonso, n. 24/01/1939 en Mantanzas; el guitarrista cubano, aprendió a tocar la guitarra independientemente, estudiaba la composición a F. Smith en el

instituto del arte. Debutó en 1961 como el guitarrista que da conciertos. Hoy A. es el dirigente de la clase de la guitarra en la escuela musical de Aniceto Díaz en Mantanzas. Se considera como uno de los guitarristas más importantes cubanos de la generación menor. El repertorio de concierto abarca las obras de los siglos XVI – XIX, también la música moderna de guitarra. A. se ocupa también de la música popular y toca en los conjuntos de jazz distintos. De sus composiciones, entre las demás, la más conocida es “Fantasía de concierto para la guitarra y la orquesta de los instrumentos de arco” (1962). Varias veces hacía una gira artística en Europa (Praga, Varsovia, Vroclav, Moscú, Roma, Budapest, Sofia, Madrid). Akíshina, Liudmila Vasilevna, n. en 1926 en Moscú; la giutarrista y pedagoga soviética, estudiaba en 1944–1949. En la escuela musical “La Revolución De Octubre” en la clase de la guitarra a P. Agafoshin. Luego daba clases de la guitarra y dirigía el conjunto de los instrumentos populares en la ciudad Elektrostal. En 1951–1953 trabajaba como guitarrista en el teatro Dramático en Moscú. En la actualidad da clases de la guitarra en la escuela musical de I. Dunaiévsky. Aksiónov (Aksenov), Semión Nikoláyevich, n. en 1784 en Riazán, m. 30/05/1853 en Loshka; el guitarrista ruso, tocaba la guitarra de 7 cuerdas, fue alumno del excelente guitarrista A. Sijra que le dedicó numerosas composiciones. A. escribió algunas composiciones para la guitarra (incluso – “Fantasía a los temas de las canciones popular rusas”) y tradujo a la lengua rusa “La escuela para la guitarra clásica” de I. Held rehecha para la guitarra de 7 cuerdas y la completó (1819). Aktins, Bertram; el guitarrista y pedagogo moderno canadiense, recibió la formación inicial musical del violín. Bajo la influencia de la interpretación de A. Segovia renunció al violín y en Nueva York a W. Fodena 2 años estudiaba la guitarra clásica. Luego un año estudiaba a L. Walker en Viena y 3 años a E. Puhol en París. Después del regreso a casa algún tiempo fue allí la única autoridad de la guitarra clásica. Ha enseñado el círculo

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importante de los alumnos capaces que dan clases en las escuelas en Toronto y otras ciudades de Canadá. Aleksandrov, Nikolay Ivanovich, n. 11/12/1818, m. 24/12/1884 en San Petersburgo; el guitarrista ruso, el oficial de la guardia y el propietario de tierras. A. era uno de los alumnos más dotados de A. Sijra, daba los conciertos en los salones aristocráticos, donde cumplía principalmente las obras de su profesor, también composiciones propias para la guitarra. Ellas constan de 10 folletos, incluyendo 4 folletos “Estudios y preludios”. A. también transcribía las composiciones de F. Shubert para la guitarra de 7 cuerdas. d'Alessio, Gregory; el guitarrista moderno americano, el empleado de V. Bobri en la redacción de la revista “The Guitar Review”, da los conciertos en Nueva York y en otras ciudades de los EEUU.

* I. Albéniz Albéniz, Isaac, n. 29/05/1860 en Camprodón (prov. Gerona), m. 18/05/1909 en Cambo-lesBains (dep. Pyrénées-Atlantiques, Francia); el compositor español y pianista español, comenzaba como el pianista niño-prodigio, desde 1870 estudiaba en el conservatorio en Madrid, desde 1873 en Leipzig a S. Judassohn y K. Reinecke; en 1880 se ha encontrado con F. List, con quién acabó su estudio. Ya en 1872 en América del Norte y América del Sur daba numerosos conciertos. Desde 1883 hasta 1885 vivía en Barcelona, donde a F.Pedrell estudiaba a componer en el estilo nacional español, luego vivía en Londres (1890-1893). Desde 1902 vivía en París. Son conocidas, ante todo, sus obras de piano, que son transcriptas por muchos

guitarristas notables y hoy son la parte del repertorio constante de la guitarra: “Suite Española”, “Canciones de España”, “Recuerdos del viaje”, “Piezas características”, “Seis bailes españoles”.

* H. Albert Albert Henry, n. 16/07/1870 en Wurzburg, m. de 12/03/1950 en Gauting; el guitarrista, compositor y pedagogo alemán, al principio estudiaba tocar el violín, el piano y la trompa; intervenía como el músico de orquesta en Suecia, Rusia y en Suiza. Comenzó a estudiar tocar la guitarra en 1894 bajo la influencia del guitarrista italiano Silvio Negri y poco tiempo después se apoderó de la interpretación solo. Desde 1895 vivía en Munich. De allá emprendía numerosas giras y daba los conciertos junto con su hijacantante. A. ha fundado el cuarteto famoso que consiste en 4 guitarras con los distintos timbres. Su mérito el más grande fue el interés que ha acrecentado por la guitarra en Alemania gracias a su actividad animada de concierto, también gracias a su trabajo creador pedagógico y de composición. Él ha elaborado el sistema propio de los ejercicios para la interpretación de la guitarra en las etapas distintas de la enseñanza. Sus trabajos más importantes son: “El curso moderno de enseñanza de la interpretación artística de la guitarra en 4 partes”; “La música para la guitarra y el laúd” (11 folletos); “Llos estudios para la guitarra solo” (3 folletos); “La guitarra en doméstico y la música de cámara hace 100 años” (cerca de 30 folletos); “Las composiciones para 2, 3 y 4 guitarras” (4 folletos).

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mejicana de las XIX y XX siglos se publicaban por la universidad Veracruzana y la Liga de los compositores.

* El patio de los Leones en la Alhambra Alhambra: la cerradura-fortaleza en Granada (España). Fue construida en el s. XIV por los moros como la residencia de sus reyes, la obra maestra de la arquitectura mauritana. Sus patios internos y las galerías cubiertas, rodeadas por las columnas del mármol blanco, las cascadas de las fuentes adornadas por la multitud de ornamentos son los modelos más convincentes del arte mauritana. La belleza de esta construcción inspiró a Fr. Tárrega a escribir una de las miniaturas más hechiceras en la literatura para la guitarra – “Recuerdos de la Alhambra”. Él dedicó esta composición, que simultáneamente es el ejercicio excelente de la técnica del trémolo, a su amigo, al guitarrista francés Alfred Kottin. Anualmente aquí se realizan algunos conciertos, en los cuales toman la parte los guitarristas conocidos, incluso A. Segovia. Alcazar, Miguel, n. en 1942 en México; el guitarrista y compositor mejicano, estudiaba la guitarra y el laúd del barroco, también la musicología y la composición en el instituto musical en Clevelend, en el Conservatorio nacional musical en México y en la Universidad Veracruzana. A. es el presidente de la Liga de los compositores de México. Daba los conciertos en algunos países de Europa Occidental y Oriental. Su ópera “La mujer y su sombra“ según el libreto de P. Claudel por primera vez fue puesto en México 12/04/1981. A. ha tratado 1.560 composiciones de los manuscritos para la guitarra del barroco en la biblioteca Nacional de México. Sus tratamientos de la música

* L. Almejda Almeida, Laurindo, n. 02/09/1917 en Santos (Brasil), m. 26/07/1995 en Los Ángeles (EEUU); el guitarrista brasileno, comenzó a tocar la guitarra en a los 12 años bajo la dirección de la madre y ya un año después con gran éxito apareció en escena. Luego seguían los conciertos, la grabación a las placas, la intervención en la radio en los países de América Latina y en Europa, donde él provocó una gran admiración por su interpretación. En 1947 en Los Ángeles le “ha abierto” Stan Kenton, el dirigente del grupo de jazz, que firmó con él el contrato para la grabación a la placa y la intervención en la radio con la música de jazz. Desde 1952 A. se considera uno de guitarristas de jazz que conducen en los EEUU, pero se queda, con todo eso, fiel en las propensiones a la guitarra clásica. Con Bud Shank en 1954 creó el estilo de jazz la bossa-nova, desde 1963 forma parte de “El cuarteto moderno de jazz”, además, hizo la gira con el grupo “LosAngeles Four“ (en particular, en 1980 en Berlin). A. vivía en Sherman Oaks (California) y era el propietario de la firma de la grabación en placas de discos “Dobre Records”. alto-guitarra: la guitarra de 6 cuerdas con la mensura reducida y el régimen: d g c1 f1 a1 d2. Alfonso, Francisco Antonio, n. 15/10/1908 en Alicante, m. 06/01/1940 en La Havana; el guitarrista y pedagogo español, en 6 años aprendió a tocar la guitarra en el estilo del flamenco y más tarde, según el consejo de E. Pujol, por el método de Fr. Tárrega. A la edad de 12 años dio el primer concierto en

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Barcelona; 6 años después con un gran éxito hizo las giras artísticas por Europa Occidental. En 1928 se hizo el profesor de la guitarra en Buenos Aires, de donde salía a las giras artísticas en América Latina. Más tarde volvió a Europa y varias veces daba los conciertos en los países escandinavos y en la URSS. Como el representante del estilo de Sor y Tárrega A. tocaba con sonido hermoso sin efectos excesivos. La muerte prematura interrumpió su carrera insólita. A. publicaba algunas de sus composiciones para la guitarra, cuya parte escribió en la placa.

* N. Alfonso Alfonso, Nicolas, n. 06/12/1918 en Santander (España), m. 02/10/2001; el guitarrista y pedagogo español. Estudiaba la música en Madrid y Barcelona, después de esto con éxito daba los conciertos en España y otros países de Europa, en 1950 se trasladó a Bélgica, donde recibió el puesto del profesor de la clase de la guitarra en el conservatorio Real de Bruselas y en la Academia musical en Uccle.

A. intervenía a menudo como el solista o en el dúo de las guitarras junto con su esposa Ilsa А. (n. 15/02/1933) y con un gran éxito emprendió algunas giras artísticas a Francia, Polonia, la URSS, Checoslovaquia y Japón. El autor de “La escuela de la guitarra en 2 partes” (la editorial de B. Shott) y numerosas composiciones originales (“Bolero”, “Jotilla”, “El vito”, “Seguidillas” fueron publicadas en 1957 en Madrid) y los tratamientos para la guitarra. Los compositores conocidos de

guitarra Rodrigo, Moreno-Torroba, Solares, Barbier etc. le han dedicado algunas de sus composiciones. Amador, Efrain, n. 15/06/1947 en La Havana; el guitarrista cubano, estudiaba en el conservatiorio “Amadeo Roldán”, luego en la Escuela nacional de las artes. Sus profesores fueron Isaac Nicola y Leo Brower. A. acabó el estudio en 1970 e intervenía con los conciertos en Cuba y África. En 1979 en la IV Competición Internacional en Caracas (Venezuela) dividió el puesto con A. Dias. Hizo una gira artística en 1980 en Europa, donde estaba de visita en Bratislava (Checoslovaquia de entonces) y en algunas ciudades de la República Popular Polaca. A. se ocupa también de la composición. Ha escrito, entre otras obras, “Suite para el cacique” para la guitarra, también composiciones para el piano y otros instrumentos. Es el profesor de la clase de la guitarra, publicó 2 manuales didácticos para la guitarra.

* H. Ambrosius Ambrosius, Herman, n. 25/07/1897 en el Hamburgo, m. 25/10/1983 en Engen (la región Hegau, la RFA); el compositor alemán. A. recibió la formación musical al principio en Leipzig, luego estudiaba la composición en Berlin en la clase para los músicos especialmente dotados a H. Pfitzner y simultáneamente estudiaba musicología. Durante muchos años A. Fue el redactor musical en la radio en Leipzig y el profesor de la teoría musical en el conservatorio. Desde 1945 vivía en Engen (Hegau), donde trabajaba en calidad del maestro privado de la música y el director de orquesta de coro. El extenso trabajo creador de composición incluye 13 sinfonías, 20 conciertos para los distintos instrumentos, las suites, algunas obras para la orquesta de cámara y la

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orquesta de las mandolinas, las obras para la guitarra solo (“Sonata en mi mayor”; “Sonatinas en la mayor y en sol mayor”; “Suites en la mayor, do mayor, sol mayor”; 2 invenciones etc.), para la orquesta de las guitarras y 2 conciertos para la guitarra y la orquesta. Amici, Antonio (seudónimo Toto), n. en 1864 en Roma, m. en 1934 en Roma; el guitarrista y pedagogo italiano, emprendía las giras artísticas a Francia y los EEUU, también a Rusia, donde intervenía con los cantantes conocidos Gigli, Titto Ruffo, Shalyapin etc. Durante 16 años A. fue el director artístico del teatro cortesano en Moscú. Amon, Johann Andreas, n. en 1763 en Bamberg, m. 29/03/1825 en Walterstein (Baviera); el guitarrista y compositor alemán, siendo niño cantaba en el coro y tomaba las lecciones de la guitarra y más tarde de la trompa. En 1781 se trasladó a Inglaterra donde varias veces daba los conciertos con su profesor Punto. Daba los conciertos en Francia (París, Estrasburgo etc.), en las ciudades de Europa Occidental. Con interpretación excelente en la guitarra y la trompa atrajo la atención de Haydns y Mozart. Su participación como el solista en los conciertos con estos maestros reforzaban aún más su gloria. Desde 1789 daba las lecciones de la interpretación a la guitarra y al piano en Heilbronn, y en 1817 se hizo el director de orquesta del príncipe de Walterstein. Las numerosas composiciones, escritas para la guitarra – las obras para el instrumento solo y la música de cámara con la participación de la guitarra – todavía junto a su vida salían en las editoriales alemanas. ángel-guitarra: vea angélica. angélica: el laúd pequeño una especie del theorbe en el régimen diatónico, tenía 16 – 17 cuerdas: 8 de bajo (C D E F G A H c) y 8 – 9 finas (d e f g a h c1 d1 d2). Angelis, Claudio de, n. en 1931 en Roma; el guitarrista y pedagogo italiano, al principio estudiaba la guitarra a C. Proakis en la Academia Chigiana en Siena, luego en los cursos especiales a A. Segovia y A. Diasa;

en 1956 ocupó el 1° puesto en la competición Internacional de la guitarra clásica en Bolonia. En la competición Internacional de la guitarra clásica y la vuhuela, que pasaba bajo la presidencia de E. Pujol, A. fue otorgado el diploma por la música para la guitarra y vuhuela. A. es el profesor en el Centro cultural y de guitarra en Roma y el dirigente de la sección de enseñanza de la guitarra en el liceo musical de I. Rosatti en Roma, también el director artístico del conservatorio de F. Cilea en Reggio di Calabria. El repertorio de concierto contiene como las composiciones de Milano, Frecsobaldi, J. S. Bah tanto las obras modernas para la guitarra – de Villa-Lobos, Tansman, Castelnuovo-Tedesco, Albeniz, Duarte etc.

Andrónov, Lev Filípovich, n. 09/05/1926 en Leningrado, m. 20/04/1980 en Leningrado; el guitarrista soviético. A los 10 años comenzó a estudiar a tocar la guitarra en el Palacio de los pioneros de Leningrado en la clase del músico ampliamente instruido y el pedagogoguitarrista destacado V. I. Jáshnev. Más tarde se ocupaba al guitarrista conocido soviético P. I. Isákov. Muchos años después (en 1977), siendo el artista que se ha formado, А. por correspondencia ha acabado la formación musical en el conservatorio de Leningrado (en la clase del profesor A. B. Shálov). А. comenzó la actividad de concierto regular en 1948. Durante 1973 – 1978 ha escrito a las placas, entre otros, “Concierto en sol mayor” de Boris Asáfiev para la guitarra y la orquesta de cámara, las sonatas de Paganini, también las composiciones de los maestros españoles. A. fue laureado de VI competición Internacional en los cuadros de los festivales de la juventud y los estudiantes en Moscú.

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* “La Interpretación de Andrónov era distinguida por el tono fuerte llenado, el pulso brillante y estable en los pasajes virtuosos, la posesión libre para la rítmica ejercitada ornamental (que es inherente a la música española popular y profesional), la nobleza de la entonación ». I.Rajskin, de la reseña al disco con la grabación de L. Andrónov (del sitio http://abc-guitar.narod.ru/index.htm) Anelli, Giuseppe, n. en Turin, vivía en el final del s. XVIII – el comienzo del s. XIX; el guitarrista, cantante y compositor italiano. Un rato en calidad del pedagogo y el solista la guitarra estaba al servicio de la duquesa Paulina Borghese, luego se ha trasladado a Londres y aún más tarde – en Clifton y Bath, donde tenía gran estimación como el profesor de la guitarra y canto, también como el solista de concierto. A. ha escrito la escuela “Método nuevo de la guitarra” (“New method for the guitar“) y la historia de la guitarra, que fueron publicadas en Bristol. Además, escribía los artículos para la prensa musical, editaba cerca de 300 canciones acompañado de la guitarra, 20 cuartetos y tercetos con la participación de la guitarra, 2 oberturas para la guitarra solo, la sonata para la flauta y la guitarra, 2 dúos de las guitarra y 30 composiciones solo.

Juan Carlos А., durante algunos años (desde 1923) publicaba la revista “La guitarra”. A. estudiaba la guitarra a D. Pratt y Miguel Llobet. Desde 1925 en el dúo con M. Llobet varias veces daba los conciertos en Buenos Aires y otras ciudades de Argentina. En 1952 intervenía en el Wigmore-Hall1 en Londres y en los 60 años en la URSS, donde ella daba los conciertos y realizaba los cursos metódicos para los profesores de la guitarra. Su interpretación difiere por la técnica deslumbradora y la melodía. Más tarde fué la profesora en el Conservatorio estatal musical en Buenos Aires. Ha tratado algunas canciones populares de Argentina, que han salido en la editorial “Antigua casa Nuсez”; más tarde ha hecho las numerosas grabaciones de discos.

* M. Llobet, E. Pujol, Juan Carlos Anido, M. L. Anido y Domingo Pratt en la casa de Anido, 1919. “...el 7 de mayo de 1918, a los 11 años de edad, en el Salón "La Argentina", de Buenos Aires, donde habían debutado sucesivamente Miguel Llobet, Regino Sáinz de La Maza y Emilio Pujol. Más tarde lo hicieron también Andrés Segovia, Josefina Robledo, Domingo Prat, Agustín Barrios... El programa fue el siguiente: * M. L. Anido Anido, María Luisa, el nombre completo – Isabel María Luisa Anido Gonsales, n. 26/01/1907 en Moron (cerca de Buenos Aires), m. 04/06/1996 en Tarragón (España); la guitarrista y pedagoga argentina. Su padre,

I Parte Minueto en re.......Sor Andante....... Sor Wigmore-Hall – la sala de conciertos londinense; se utiliza para los conciertos de la música de cámara. Se ha abierto en 1901. 1

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Mariposa (estudio)...... Tárrega Mazurka n °2...... Tárrega Estudio en La....... Damas Alborada (Cajita de música)...... Tárrega Danza mora........ Tárrega Scherzo, vals........Llobet II Parte Rêverie Op. 15 n° 17........Schumann Claro de luna.................Beethoven Escenas pintorescas (N. del E.)......Massenet Variaciones...............Vieux temps Marcha fúnebre (Sonata Op. 15)......Chopin Canzonetta (del cuarteto)......Mendelssohn Serenata española...............Malats (del sitio http://guitarrasweb.com/marialuisaanido/curri.htm)

* Anna Amalija Anna Amalia, n. 24/10/1739 en Weimar, m. 10/04/1807 en Weimar; la duquesa SachsenWeimar, estudió tocar la guitarra durante el viaje a Italia y se hacía una gran protectora de este instrumento en Alemania; hacía propaganda de la música de guitarra en los círculos cortesanos donde el instrumento con el tiempo se hizo muy popular. A. ha escrito algunas obras para la guitarra sola. Anzaghi, Luidzhi Orest, n. en 1903 en Milán, m. en 1963 en Milán; el guitarrista, violinista y pedagogo italiano, el autor de algunos materiales didácticos para la guitarra: “Método completo de la teoría y la práctica”, “50 ejercicio”, “24 ejercicios por la técnica de guitarra”, “Guitarrista-virtuoso”, “Antología de la guitarra” (3 folletos); “Guitarra en el acompañamiento” etc. Todos estos trabajos

son publicados por la editorial “Ricordi” (Milán). apinado (ital.): el golpe semejante al rasqueado por los dedos pulgar e indice cerca del mástil cerca del agujero resonante. El pulgar por los movimientos rayados toca (como si se mueve con facilidad por su superficie interna) 3-4 cuerdas de baso, el índice se mueve en la dirección del pulgar por 3-4 cuerdas altas. apoyando: la variedad del golpe junto a la interpretación a la guitarra, junto a que se golpean por las cuerdas por los dedos de la mano derecha. El dedo después de la extracción del sonido llega hasta la cuerda vecina y se “apoya” en ella. Aravantinos, n. cerca de 1900, m. en 1942 en Cairo; el guitarrista y pedagogo egipcio, en la juventud vivía en Rusia, de donde en 1900 ha llegado a Egipto y aquí daba clases de la guitarra, la mandolina y la flauta. A. fue partidario del método italiano antíguo, junto a que el pulgar izquierdo se utiliza para pegar contra las cuerdas y la mano derecha se pone con la inclinación a las cuerdas. A. se considera como uno de los primeros profesores de la guitarra en Egipto; hasta ello la guitarra clásica en Egipto fue poco conocida. Los guitarristas que llegaron aquí más tarde (M. Abloniz, A. Lagoya) hicieron aquí popular el método de Tárrega. En la actualidad en este país hay algunos pedagogos-guitarristas entre cuales los más conocidos son Diamantopoulos en Cairo y Sideridis en Alejandría. Argollo, Joano Pires; el guitarrista y pedagogo brasileño moderno, en 1967 en la escuela musical en Sergipe ha fundado la sección de la guitarra y la dirigía. De este establecimiento de enseñanza han salido tales alumnos, como Turibio Santos, María Libia San Marcos y Antonio Carlos Barbosa Lima que luego fueron invitados a dar clases en esta escuela. Arenas Rodriguez: vea Rodriguez Arenas.

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Arisa, Jorge, n. en 1939 en Granada; el guitarrista español, estudiaba la guitarra en el conservatorio Real en Granada, donde en 1953 se ha diplomado con distinción. En 1957 continuaba el estudio en el Conservatorio Real en Madrid bajo la dirección de Regino Sainz de la Masa y luego en los cursos de la maestría a A. Segovia en Academias Chigiana en Siena. Gracias a la beca de la ciudad de Granada tomaba parte en las competiciones Internacionales de la interpretación de la música española bajo la presidencia de Segovia en Santiago de Compostela. A. pertenece a los guitarristas españoles jefes. El repertorio abarca tanto las composiciones clásicas de los estilos y épocas distintos (de Visée, J. S. Bah, F. Sor, D.Scarlatti, Fr. Tárrega etc.) como las composiciones modernas para la guitarra (I. Albeniz, A. Barrios etc.).

editoriales españolas han publicado aproximadamente 80 composiciones y tratamientos de A., principalmente las variaciones, preludios y distintos bailes. Arnold, Johann Gottfried, n. 01/02/1773 en Niederhall (cerca de Ohringen), m. 26/07/1806 en Francoforte (Main); el guitarrista, virtuoso-violonchelista y compositor alemán, estudiaba a M. Willmanns y B. Romberg, ha emprendido algunas giras artísticas (a Suiza y otros paises). A. fue el músico en el teatro en Francoforte (Main) (desde 1797). Ha escrito los conciertos instrumentales, también las composiciones numerosas para la guitarra solo, para la guitarra con otros instrumentos, editaba las colecciones de las canciones con el acompañamiento de la guitarra. arpeado: esp. antiguo arpegio. arpegio: (ital. “semejante a tocar al arpa”), arpegg., arpeado, harpeggio: la ejecución de los acordes que se funda en lo que los sonidos separados del acorde se extraen por turno por uno o todos los dedos de la mano derecha, principalmente en la consecuencia más o menos rápida, desde las cuerdas más bajas hasta las altas. Se señala por la línea vertical tortuosa ante el acorde. Las flechas indican la dirección del golpe por los dedos.

* J. Arcas Arcas, Julian, n. 25/10/1832 en María (prov.Almeria), m. 18/02/1882 en Antequera (prov. Málaga); el guitarrista español, el representante excelente del estilo del flamenco, el autor de los tratamientos de las danzas populares y las miniaturas en el estilo clásico, ha conseguido grandes éxitos como el virtuoso durante las giras artísticas en España, Europa Media e Inglaterra. “El profesor del Conservatorio Real” (Madrid) – tal era uno de los títulos que a A. fue otorgado por sus logros como el guitarrista. En Sevilla junto con el maestro de violín A. Tórres elaboraba los cambios en la construcción de la guitarra. Este modelo de A. Tórres ha vencido en todo el mundo. Las

Si no está la flecha, los sonidos se extraen por todos los dedos – desde el pulgar (p) hasta el anular (a).

o

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А. puede ser señalado también por el rasgo oblicuo: / indica la ejecución por el pulgar, \ – por el índice:

arpegio-rasgueado: vea rasgueado. arpeggione: vea guitarra de arco.

Artzt, Alice, n. 16/03/1943 en Nueva York; la guitarrista y pedagoga americana, comienzó a estudiar la guitarra desde los 13 años de los profesores de alta calificación que en seguida han discernido su talento y le enseñaron gratis. En 1966 ella fue admitida en el colegio musical de Mannes en Nueva York (Mannes College of Music). Daba los conciertos en los EEUU, en Canadá y Europa Occidental habiendo interpretado las composiciones de Weis, Milano, Ponce, Tansman, Britten etc. En la actualidad da la guitarra en Nueva York y Princeton.

arpa-guitarra: la viariedad de la guitarra que procede del bajo-guitarra; por los mostradores cerca del grifo, también parcialmente por la estructura del cuerpo es parecida al arpa. Al principio del s. XIX este instrumento fue mencionado en Inglaterra, por ejemplo, en el tratado anónimo “Dirección completa para todas las las variedades de la guitarra”. La extracción del sonido se realiza con ayuda de 6 cuerdas sobre el grifo y 2 cuerdas libres con el régimen F (fa) B (sibemol) es (mi-bemol) g (sol) b (si-bemol) es1 (mi-bemol) g1 (sol) b1 (si-bemol). Más tarde aparecieron las formas mezcladas, tales como arpa-laud-guitarra (con el régimen G c d e f g a h с1 e1 g1), guitarpa, la guitarra de arca, la guitarra de muchas cuerdas, que fueron probadas con el éxito mayor o menor; a todas ellas les unen la manera mezclada del juego que incluye los modos de la interpretación del arpa y a la guitarra. Assimacopoulus: vea Evangelos y Lisa.

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* C. Atkins

* J. de Azpiazu con su hija Lupe Azpiazu, José de, n. 26/05/1912 en Onante (España), m. en 1986; el guitarrista, pedagogo y compositor español, también estudiaba la musicología. Ha hecho numerosas giras artísticas por los países de Europa Occidental. En 1950 se ha establecido en Suiza donde por la recomendación de A. Segovia se hizo el profesor de la clase de la guitarra en los conservatorios de Ginebra y Lausana, ha enseñado muchos alumnos excelentes entre los cuales está su hija Lupe А. (Maria Guadelupe de Azpiazu). En 1964 ha renunciado al lugar de profesor para consagrarse al trabajo creador y la edición. Se hacía el director artístico de la firma de las placas “Atlandida” donde junto con su hija ha escrito los tratamientos de la música antigua. En las editoriales distintas editaba muchas composiciones propias y los tratamientos para la guitarra y la orquesta, incluso los conciertos de Vivaldi, Handel y Boccherini, también algunas composiciones del carácter de enseñanza. Su lista de los tratamientos y las transcripciones de la música antigua abarca cerca de 400 nombres. A. es también el autor del trabajo musical-histórico “La guitare et les guitaristes“ (fr. “La Guitarra y los guitarristas”).

Atkins, Chester “Chet”, n. 20.6.1924 en Luttrell; el guitarrista jazz y pop americano, vive en Nashville. Según el estilo de la guitarra tiene inclinación a la música clásica. Junto a la ejecución “pop” y country él para el acompañamiento de la música incluye el violín y los instrumentos de aire. Además, A. tocaba con « Boston Pop Orquesta de Arthur Fielders y Orquesta sinfónico de Nashville las obras de concierto en el estilo “clásico”. Hacia 1974 han salido más de 50 sus placas microsurcas. Atreo, Omar, n. 24/09/1945 en Montevideo; el guitarrista uruguayo, vive en Argentina; las primeras lecciones de la la guitarra ha recibido de María Luisa Anido. Ya en 10 años tenía lugar su primera intervención pública. A. tocaba la guitarra de A. Tórres, el inventor conocido del modelo nuevo de la guitarra que a su tiempo se ha creado para Fr. Tárrega. Desde 1957 él da constantemente los conciertos en Argentina, Uruguay y otros países de América Latina. A. ha recibido el reconocimiento enorme también en la URSS donde él daba los conciertos en Moscú, Leningrado, Tbilisi y Erevan. En su repertorio, con las composiciones de Rameau, D. Scarlatti, J. S. Bach, Mozart, también están las obras modernas Villa-Lobos, Barrios, Anido, Navarro etc. Attaignant, Pierre, n. cerca de 1494, conjeturalmente en Donai, m. en 1552 en París; el impresor parisiense musical y editor de las tabulaturas numerosas, principalmente de los compositores franceses. Entre ellos son también las composiciones de A. (los bailes y las canciones), que posteriormente eran tratados por los instrumentadores para la guitarra.

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Aussel, Roberto, n. 13/07/1954 en Buenos Aires; el guitarrista argentino, pertenece a los guitarristas-virtuosos jefes de su país. A. ha aprendido a tocar la guitarra en la edad temprana bajo la dirección de M. L. Anido, J. M. Sarate y A. Carlevaro. Luego estudiaba la teoría musical a F. Shwartz, J. L. Campano y A. G. Deschoumas. En 11 años debutaba como el guitarrista de concierto. Luego han seguido las giras artísticas en algunos países de América Latina, en los EEUU y más tarde en Europa Occidental (Irlandia, Países Bajos, Francia). A. tocaba en los festivales y en las numerosas competiciones (España, Suiza, la Bélgica, Italia, Portugal, la RFA). En 1982 se ha juntado al grupo “Atelier echange group” para ser compuesto la experiencia en el dominio de electrónica y la électroacústica. А. es el dirigente de la sección de la música moderna de la editorial de Henry Lemoine en París. Ha dejado salir algunos discos. Afroméyev, Aleksey Maksimovich, n. 08/02/1868 en Tiumen (Siberia), m. en 1920; el guitarrista y compositor ruso, recibió la formación como el autodidacta por medio de las composiciones de Sijra, Kólosov y Chejrygin; junto con Markus ha fundado en 1893 en la ciudad natal la tienda de las notas. A. ha adquirido la fama como el editor de las composiciones nacionales y extranjeras para la guitarra. Daba clases de guitarra, el autor de numerosas fantasías sobre los temas de las canciones populares rusas y ucranianas, también de los estudios y las danzas. En 1906-1914 junto con el guitarrista V. Rusánov publicaba la revista mensual musical-literaria “El Guitarrista” que en 1907 cambió de nombre “Música de guitarra”, y más tarde en “El Acorde”.

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D digitación (alemán – Applikatur, lat. applico – acerco, aprieto): el modo de la colocación y del orden de la alternación de los dedos en la práctica de la interpretación a los instrumentos de cuerda, la altura del tono en los cuales se cambia por el dedeo (toma) de los dedos y conformemente su resonancia se realiza mediante el contacto de los dedos con las cuerdas; esto más racionalmente posición formada de los dedos junto al planteamiento (y conformemente también junto al golpe). En la interpretacíón a la guitarra d. Que es escrito en las notas a menudo no es obligatoria, puesto que para el mismo sonido casi siempre hay algunas variantes del dedeo en el mástil (también de la extracción del sonido). D. que es escrita debe tener en cuenta el carácter racional de la técnica y la interpretación, y la igual ejecución musical. Junto a la interpretación a la guitarra los dedos de la mano izquierda son marcados con las cifras árabes: l (índice) 2 (medio), 3 (anular) y 4 (meñique); los dedos de la mano derecha con las letras, son marcados conformemente por los puntos: • – el índice, • • – el medio, • • • – el anular. + – el pulgar. Las anotaciones literales para los dedos de la mano derecha son las primeras letras de las palabras españolas: el indice – i, el medio – m, el anular – a, el pulgar – p. Para la designación de las cuerdas sirven las cifras conducidas por los círculos; por ejemplo, la sexta cuerda es marcada como «0» (cero) designa la cuerda abierta.

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E Eichhorn, Siegfried, n. 03/03/1930 en Markneukirchen; el maestro de los instrumentos musicales alemán, vive en el RDA. La enseñanza en la fabricación de los instrumentos de cuerda por punteo comenzaba en 1944 en la firma “Marma” en Markneukirchen y después del examen trabajaba como un aprendiz en el taller de A. R. Meinel. En 1952 se hacía el maestro de la fabricación de los instrumentos de cuerda por punteo y abrió un taller propio en Markneukirchen. En 1973 recibió el reconocimiento estatal como el hombre del arte. Las guitarras de А. difieren por la resonancia excelente y son exportadas a Japón, Polonia y otros países. Eisenhofer, Franz Xaver, n. 29/11/1783 en Ilmmunster (Alemania), m. 15/08/1855 en Landshut; el compositor alemán, autor de las canciones con acompañamiento de la guitarra, el científico y docente de las filosofías, también se ocupaba de la composición. Editó, en particular, las colecciones siguientes: “6 canciones con acompañamiento de la guitarra”; “Las canciones alemanas con acompañamiento de la guitarra” (2 colecciones); “12 canciones con acompañamiento de la guitarra o el piano”; “Siete canciones para 2 voces con acompañamiento del piano o la guitarra”. Eitele, Joseph, n. 16/06/1895 en Munich, m. 04/06/1980 en Munich; el guitarrista alemán, estudiaba la guitarra a H. Ritter en Munich. Ha emprendido algunas giras artísticas, en 1920-1922 daba clases de la guitarra en Helsingfors (Finlandia). De aquí salía para dar los conciertos en la URSS. Después de su regreso en 1925 se hacía miembro del conocido “Trío de guitarra de Munich” en que entraban también Fritz Worsching y Hans Ritter. (...la traducción puede ser continuada...)

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Hugo Alcayaga Ramírez Realizó sus estudios de Interpretación Superior en Guitarra Clásica con la distinguida maestra Sra. Liliana Pérez Corey en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Santiago. Paralelamente estudia Composición por 2 años con el Profesor Tomás Lefever y Pedagogía en Educación Musical, titulándose el año 1977. Ha hecho una extensa labor de difusión de la guitarra como solista e integrando grupos de cámara, su repertorio se centra generalmente en autores latinos y españoles. Autor del “Método Agudo”para guitarra clásica, publicado en español e ingles on line en www.pdfcoke.com/group/15815-classical-guitar Compositor de obras para cámara y solista. Profesor de talleres para Guitarra Clásica, Guitarra eléctrica y Música de Cámara en la Universidad Católica de Norte, Coquimbo Chile, labor que desempeña desde1999. Director de orquesta y bandas de jazz, profesor de talleres de jazz en el “Club de Jazz de Santiago” los años 1986 – 1987. Arreglador de “Retaguardia Jazz Band” de Santiago, director fundador del grupo “Santiago Hot Club” difusores de la musica de Django Reinhart. En 1988 fundó y dirigió “Nova Jazz Band” en La Serena, en 1999 fue director de la “Jazz Band de la Universidad Catolica del Norte”de Coquimbo. www.myspace.com/jazzhugoalcayagaramirez Como instrumentista en guitarra ha participado en numerosas bandas con invitados nacionales y extranjeros. Profesor de los talleres de Guitarra Clásica, Guitarra eléctrica y Música de Cámara en la Universidad Católica de Norte, labor que desempeña desde1999.

29-10-2008

Charles Gounod

Charles Gounod (Francia, 1818-1893)

- Ave María - Ave María Funeral March of a Marionette 1872 Sanctus 1878 - Misa de Santa Cecilia Judex 1885 Mors et vita 3º Mov. 1885 - Pequeña sinfonía instrumentos de viento 1859 1859

1856

- Sinfonia nº 2 -

1º Mov.

Sapho (1851 - 16 de abril) El Médico a Palos (1858 - 15 de junio) Fausto (1859 - 19 de marzo) Mireille (1864 - 19 de marzzo) Romeo y Julieta (1867 - 27 de abril) Otras Obras:

Misa Solemne (1841) Requiem (1842) Redención (oratorio-1882)

B iografía:

Compositor francés de ópera y música religiosa, su obra más conocida es la ópera Fausto (1859). Nació en París. Estudió en el conservatorio de la capital francesa con Jacques Halevy y Jean François Lesueur y en 1839 ganó el Grand Prix de Roma, que le permitió estudiar en Italia. Allí analizó las obras de compositores anteriores de música religiosa y compuso una Messe Solennelle (1841) y un Requiem (1842). Fue organista en París y cursó estudios religiosos, pero tras el estreno de su primera ópera en 1851, los abandonó para dedicarse por completo a la composición. Su primer éxito fue la ópera ligera Le médecin malgré lui (1858), basada en una comedia del dramaturgo francés Molière (Jean Baptiste Poquelin). No obstante, su fama se debe a la ópera Fausto, basada en un poema de Johan Wolfgang von Goethe. Del resto de sus diez óperas destacan Mireya (1864) y Romeo y Julieta (1867). Su música operística se caracteriza por el lirismo más que por su condición dramática, posee melodías suaves y está perfectamente orquestada. Sus obras religiosas, muy populares en su tiempo, especialmente en Gran Bretaña, incluyen oratorios (Redención, 1882 y Mors et vita, 1885), misas, motetes, himnos y la famosa Ave María, basada en un preludio de Johann Sebastian Bach. Entre sus obras en prosa destaca Memorias de un artista, publicada en 1896, después de su muerte. © eMe

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Classical guitarist Renato Bellucci: Bio…

La música expresa aquello que no puede dec irse c on palabras y aquello que no puede permanecer c allado Busca en MANGORE Busca en la WWW

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Biografía de Renato Bellucci

Renato Bellucc i, nacido en Bangkok el 17 de diciembre de 1961, comenzó a tocar la guitarra a la edad de 8 en mangore.com/booking_espanol.html

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Classical guitarist Renato Bellucci: Bio…

Taranto, Italia, con el maestro Vincenzo Calsolaro. Hizo su debut públic o en 1970 en el Teatro Piccinni de Bari (tapa de la segunda edición de su primer CD) Cuando su familia se mudó a Paraguay - Sudamérica, completó sus estudios de c onservatorio con el maestro Felipe Sosa, graduándose con honores en 1980.

Haz clic para ver los privilegios de membresía

Como resultado del Primer Premio del Concurso Agustín Barrios en 1982, se le concedió a Renato una beca para estudiar c on el maestro Andrés Segovia en Madrid, España. De 1983 a 1986 Renato asistió a clases magistrales c on Sila Godoy, Narciso Yepes, Andrés Segovia, José Tomás, Ernesto Bitetti, Alirio Díaz, David Russell y Eliot Fisk. En 1986 se mudó a Montevideo, Uruguay, para estudiar con Abel Carlevaro. Estudió guitarra y armonía en Londres c on Bernard Oram en el Guildhall School of Music and Drama en 1988. Renato toc ó en c onc ierto en numerosos programas de radio y televisión y realizó extensas giras durante fines de la dec ada de los 80 y principios de los 90, recibiendo las más elogiosas c ríticas de más de 20 ciudades del mundo. Ha produc ido 4 CDs y un video de guitarra, además de dedicarse a la enseñanza privada de guitarra en Asunc ión y a través de este sitio web a alumnos de más de 60 países. Tiene una licenciatura en lengua inglesa y además maneja con fluidez el español y su lengua materna el italiano. Está casado desde 1990 c on Belén, con quien tiene 7 hermosos hijos.

Mi Otra Biografía Mientras preparaba la página de mi biografía, sentía que el 90 porciento o más de lo que me hace Renato Bellucc i no estaba incluído en esas palabras. Más allá de todos los c onsejos profesionales o técnicos que yo tenga para c ompartir, estaría obviando el más importante de todos si no compartiera con uds. esta breve historia. Fui literalmente iluminado en Madrid en 1984. Conocí a José, un tenor que cantaba c on un coro local. Era un tipo feliz y parecía no tener problemas en aceptar que la música era su profesión y que todo lo que tenía que mangore.com/booking_espanol.html

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Classical guitarist Renato Bellucci: Bio…

hacer era dar lo mejor de sí. No tenía ¨fantasías de papel.¨ Solo se concentraba en su siquiente presentación de canto en una pequeña iglesia en algún lugar de España. Hablábamos por horas y yo me daba c uenta por sus palabras de que estaba en paz. Un memorable domingo me invitó a asistir a la misa en una vieja iglesia barroca cerca de la plaza mayor, en una de esas calles madrileñas que parecen suspendidas en el tiempo. Hac ía mucho tiempo desde la última vez que yo había asistido a misa, pero a José no le podía decir que no porque él se había ganado mi confianza a través de una sincera amistad. Hasta me dijo que había un organista español grandioso que toc aba Bach ahí en la Misa Dominic al. ¿Cómo se le dic e que no a algo así? Llegamos 10 minutos tempranos y podíamos escuchar esos acordes majestuosos a través de las angostas c allejuelas cuando aún estábamos a tres cuadras de la iglesia. Tan solo pueden imaginarse entrar a lo que parecía ser la esencia de las c atedrales, mi olfato impregnado con cirio y mi vista y oidos totalmente ecstáticos. Aún estaba soñando despierto cuando José se arrodilló y juntó las manos en una plegaria. Yo comenzaba a comprender lo que ninguna palabra hubiera podido explicar mejor. Me hubiera gustado imitar a José, pero todo lo que podía yo imitar era su postura, no su intimidad con el Todopoderoso. Quería hacerle tantas preguntas pero habría sido un sacrilegio interrumpirlo en ese momento. Me dí vuelta y vi los tubos de ese enorme órgano del siglo 17, con una tocc ata surgiendo. Me sentí maravillosamente. Un sacerdote confesaba en un extremo de la iglesia, y debe haberse percatado de mi estado de maravilla indesc ribible. Me hizo una señal con la mano, como diciéndome ¨el confesionario está libre¨. Caminé los 20 pasos hasta el confesionario y mil cosas deben haber pasado por mi mente. Me arrodillé y le dije, - Padre, no me confieso hac e 5 años. Vine con un amigo, soy un músic o italiano... Apenas había alc anzado balbucear estas palabras cuando me interrumpió dic iendo, - ¿Practicas muc has horas al día? Yo c ontesté, -Sí, padre, lo hago. Y el dijo éstas palabras que c ambiarían para siempre el c urso de mi vida: -Ofrece cada hora de tu práctic a a Dios y estarás dándole gloria a Dios y santific ando tu profesión, porque eso es lo que Dios nos pide a ti y a mí que hagamos. Una larga confesión siguió, de la cual les ahorro los detalles, y luego la más grande paz llenó toda mi alma.

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Hoy, más de 20 años después, aún vuelvo a esas palabras y me aferro a ellas, y ellas me confortan más y más c on cada día que pasa.

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Dionisio Aguado - Partituras para guit…

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Soler | Haydn | Cimarosa | Albeniz | Mozart | von Call | Carulli | Matiegka | Nava | Sor | Giuliani | Diabelli | Paganini | Aguado | Legnani | Carcassi | Schubert Delcamp.net

Dionisio AGUADO (1784-1849)

Recepción Guitarrista y compositor español, Dionisio Aguado es conocido principalmente como autor de un método para guitarra que contiene numerosos estudios.

Foro guitarra clásica Partituras para guitarra clásica Renacimiento 1530-1630 Barroco 16001750 Clásico 1750-1830 Romántico 18301890 Moderno 18901950 Contemporáneo de 1950 a nuestros días Vínculos Consejos útiles Agradecimientos Premios Delcamp Contacto

Dionisio Aguado (1784-1849) Valse en sol majeur Dionisio Aguado (1784-1849) Leccion n°19, en la mineur Dionisio Aguado (1784-1849) Egercicio n°7 Op.6, 1840 Dionisio Aguado (1784-1849) Leccion n°15, en sol majeur Dionisio Aguado (1784-1849) Allegro en sol majeur, Paris 1835 Obra para guitarra solo de Dionisio Aguado y Garcia : Op. 1 : Douze Valses Op. 2 : Trois Rondo Brillants Op. 3 : Huit Petites Pièces Op. 4 : Six Petites Pièces Op. 5 : Quatre Andantes et Quatre Valses Op. 6 : Nuevo Método de Guitarra Op. 7 : Valses Faciles Op. 8 : Contredanses et Valses Faciles Op. 9 : Contredanses non difficiles Op. 10 : Exercices Faciles et Très Utiles Op. 11 : Les Favorites - Huit Contredanses Op. 12 : Six Menuets & Six Valses Op. 13 : Morceaux Agréables non difficiles Op. 14 : Dix Petites Pièces non difficiles Op. 15 : Le Menuet Affandangado Op. 16 : Le Fandango Varié Wow : Allegro Wow : Colección de Andantes Valses y Minuetos Wow : Douze Walses, une Marche Militaire et un Thème Varié Wow : Colección de Estudios (Madrid, 1820) Wow : Gran Solo de Sor (op.14) arr. par Aguado Wow : La guitare enseignée par une Méthode simple (c.1836). Wow : La Guitare Fixée sur le Tripodison ou Fixateur (c.1836) Wow : Muestra de Afecto y Reconocimiento (seis valses) Wow : Nuevo Método para Guitarra (Madrid, 1843). Wow : Valses Caractéristiques Wow : Variaciones Wow : Variaciones Brillantes

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Eduardo Falú Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas de importantes autores latinos Nació el 7 de julio de 1923 en El Galpón, provincia de Salta en la República Argentina. El Galpón es un pequeño pueblo, un antiguo lugar de carreteras hacia la provincia del Chaco, en el que Falú permaneció muy brevemente. Hijo de Juan Falú y Fada Falú, ambos sirios de igual apellido pero no parientes. "Mi padre -nos cuenta Falú- era bastante soñador. Nunca se enriqueció con su comercio. Andaba siempre con la Biblia, leía los versos en árabe, amaba la poesía. Aún percibo el olor de los lazos, cueros y quesos con que mi padre llenaba el carruaje donde viajábamos, resultado del trueque de las mercaderías rurales por productos regionales. Mi infancia - continúa en su relato - transcurre en el Departamento de Metán, allí tuve mi primer caballo, "El Potro". Al negocio de almacén cayeron un día, para la venta, unas guitarras. Entre ellas y los serruchos que colgaban se estableció, en los días de algún breve temblor de tierra, una especie de vibradora y temblorosa sinfonía, muy curiosa, que, a lo mejor, me introdujo en el mundo de la música…". Atraído por esa curiosa sinfonía, a los 11 años ya tenía entre sus manos una guitarra, propiedad de su hermano mayor, Alfredo. Alfredo tomba clases con un profesor y Eduardo lo copiaba al pie de la letra, y así, sacó sus primeros tonos. "La guitarra en esos tiempos - nos dice Falú - era cosa mal vista y una carta blanca para la farra. Con ella, conocí un mundo corajudo, un verdadero sainete costumbrista, y entreví mi destino guitarrero". A los catorce años se muda con su familia de Metán a Salta donde la guitarra lo termina de conquistar para siempre. En Salta conoce a Arturo Dávalos y poco después a Jaime Dávalos, autor de innumerables poemas a los que Falú le pone música. Se casa con doña Aída Nefer Fidélibus, a quien, cariñosamente, llama Nefer. La vida les da dos hijos: Eduardo y Juan José. Juan José, al igual que su padre, siente una gran afición por la guitarra y el canto. De estatura sobresaliente, ojos verdes, tristones, inundados de esa nostalgia de árabe acriollado en una tierra que aprendió a amar, casi más que a sí mismo. De esa mirada que fluctúa entre la interrogación y el asombro, se desprende bondad y mansedumbre, y tal vez un dejo de altivez sin desafío, que deja al descubierto un alma verdaderamente límpida, frontal, sincera. Falú escapa a todos los esquemas estereotipados de "bohemio", por el contrario, es un buen deportista al que le gusta nadar, cazar y volar. De ademanes serenos y reposados es, entre ajenos, un hombre serio, y entre amigos, de una cordialidad amistosa entrañable. Es andariego, nostálgico, vehemente y ávido de saber. De fina intuición para adivinar la naturaleza y sentimientos de quienes lo rodean y elegir sus amistades con seguro instinto. A sus naturales cualidades, Falú ha sumado su disciplina, su responsabilidad, su cordura. Ha sabido ordenar el vuelo de su imaginación. Su primera guitarra fue una de esas, como ya dijimos, que colgaba entre serruchos y cencerros y que sonaba con cada temblor del suelo salteño. Años más tarde la Antigua Casa Nuñez le hizo llegar una guitarra a Metán. De esa guitarra Falú nos cuenta: - "Al desembalarla y sentir el olor de la madera lustrada y al admirar el brillo que despedían su tapa, caja y clavija mecánico, me pareció ser el poseedor del instrumento más valioso del mundo". Ya en Buenos Aires, conoce a un gran luthier, Francisco Estrada Gómez, buscador y creador de nuevas formas para lograr más volumen de sonido. La primera guitarra de doble fondo que él ideó y construyó, fue para Falú. El propio Falú escribió: "Pocos instrumentos son capaces de expresar emoción, patetismo, alegría y todos los estados del alma con tanta fidelidad como la

guitarra". Eduardo Falú es un artista multifacético, aclamado de forma internacional, imposible de encasillar dentro de una sola idea. Es un refinado guitarrista, cantante consumado y un distinguido compositor. La calidad de su barítona voz, es admirada y amada en el mundo entero. Escucharlo, eleva y purifica. La trayectoria artística de Eduardo Falú comieza en el ambiente familiar, más tarde se extiende a Buenos Aires, capital de la República Argentina, para luego conquistar y apasionar a los públicos más disímiles: América, Europa, Rusia, y Japón. Como compositor, no sólo es el creador de obras modernas folclóricas, sino también de obras clásicas. En su música se advierte una marcada influencia de las melodías de su provincial natal. Salta tiene ritmos propios: El Carnavalito, el Bailecito, la Cueca y algunos otros derivados de la combinación de la música india propia del lugar, y las melodías españolas que acompañaron a los conquistadores. Si bien algunas de sus composiciones nos cuentan historias de los mineros bolivianos, los trabajadores en las zafras, los barqueros del Río Paraná, otras canciones nos relatan aspectos más universales de la humanidad: amor, muerte, soledad, coraje y la injusticia. En el género épico de algunas de sus obras se refleja la herencia de viejas tradiciones. La música para el poema "Romance de la Muerte de Juan Lavalle", de Ernesto Sábato, refleja la lucha por la independencia. En colaboración con Jorge Luis Borges (1899-1986) le da vida a "José Hernández" , -la pobreza del gaucho que habitaba las pampas argentinas. Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas, no sólo de Jorge Luis Borges y Jaime Dávalos, sino también de León Benarós, Manuel Castilla, Alberico Mansilla entre muchos otros.

03-02-2009

Emilio Pujol (España) - Compositores …

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Inicio » Siglo XX: España » Emilio Pujol Siglo XX: España Emilio Pujol (1886 / 1980) Nacido en Granadella (Lérida), descubre su predilección por la guitarra casi al mismo tiempo que manifiesta su inclinación por la música. Pasa a vivir en Barcelona con su familia en 1894 con objeto de preparase para el ingreso en la Escuela de Ingenieros Industriales, pero en 19Ó5 se matricula en la Escuela Municipal de Música de la ciudad, para estudiar solfeo y bandurria.

Material disponible Obras

Tárrega: Ensayo Biográfico El dilema del Sonido en la Guitarra

La balanza empezó a inclinarse hacia la carrera Discografía musical cuando con doce años hizo un viaje a París con los integrantes de la Estudiantina Universitaria, que actuó ante el presidente de la No República Francesa. disponible El éxito alcanzado le movió a dejar sus estudios en la Universidad para concentrarse en la música. Los pasos siguientes los sigue de la mano de Francisco Tárrega del que MIDIs, MP3s llegaría a ser su discípulo predilecto. No Pero amplía su formación con Agustín Campo en Madrid y de nuevo en Barcelona disponible con Vicente María de Gibert, para debutar con un recital en el Círculo Tradicionalista de Lérida en 1907. Dos años después se instaló en Madrid, donde fue presentado en un concierto privado al rey Alfonso XIII y a la reina Victoria. A partir de esos años inicia sus actuaciones en diversos países, Londres es la puerta de salida que le llevará a una gira por Hispanoamérica. Más tarde serán los países europeos los escenarios de sus conciertos hasta que se casa con la guitarrista Sevillana Matilde Cuevas. Para entonces Emilio Pujol ha ampliado el círculo de sus intereses con los consejos de Felipe Pedrell y del musicólogo francés Lionel de La Laurencie, al interesarse por la investigación musicológica en la que consigue su primer gran triunfo con la recuperación de la obra de los vihuelistas españoles del los siglos XVI y XVII, que presenta en París en 1927. Son los años de sus contactos y amistad con Miguel Llobet que se verán seguidos por los de su relación con Andrés Segovia. y entre sus proyectos de recuperación del pasado figura la fundación del Concurso Internacional de Vihuela Matilde Cuevas en memoria de su primera esposa en la Accademia Musical Chigiana. Poco después, en 1963, se casó de nuevo, esta vez con la cantante portuguesa María Adelaide Robert. La tarea del intérprete se alterna en ese tiempo con la de compositor y arreglista y la del musicólogo como colaborador en este último apartado en el Instituto Español de Musicología del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. www.clubguitarra.com/epujol.htm

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Emilio Pujol (España) - Compositores …

Científicas. Hay una clara vinculación en su obra y en su acercamiento a la guitarra a los dos grandes nombres que le precedieron, el de su maestro Francisco Tárrega, al que rindió homenaje en diversas oportunidades y en su libro Tárrega: Ensayo Biográfico, el de Miguel Llobet, con el que completó la amistad personal con una amplia correspondencia. y se advierte siempre su preocupación por el sonido y por el modo de lograrlo, algo que queda resumido en su trabajo El dilema del Sonido en la Guitarra, producido en el caso de Tárrega con las yemas de los dedos y, en el suyo, tras haber seguido un tiempo a su maestro, con las uñas. En la presentación de la obra comenta: "El timbre de la cuerda cambia sensiblemente según el procedimiento empleado, y como no cabe para unos mismos dedos la posibilidad de abarcar ambos procedimientos, el guitarrista debe adoptar uno de los dos: de ahí el dilema." Junto a sus obras didácticas y ediciones de las de otros, en especial las de vihuelistas españoles, Emilio Pujol dejó un significativo grupo de piezas originales para una y dos guitarras, entre las que figuran en mayor número las que pueden calificarse de músicas de salón, seguidas de los Estudios de concierto y en ambos grupos están presente las referencias nacionalistas, las de corte romántico y las dedicadas a aspectos concretos de carácter virtuosístico.

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Emilio Pujol - Wikipedia, la enciclopedi…

Emilio Pujol De Wikipedia, la enciclopedia libre Emilio Pujol Vilarrubi (1886 - 1980) fue un guitarrista clásico, compositor y un musicólogo destacado.

Biografía Emilio Pujol nació en la pequeña villa de Granadella, justo a las afueras de Lérida, España. Empezó sus estudios con Francisco Tárrega en el conservatorio de Barcelona en 1901, cuando tenía 15 años de edad. Para este tiempo Miguel Llobet tuvo su debut como concertista fuera de Barcelona. Pujol recuerda con cariño su primer encuentro con Tárrega, y en la biografía de su maestro describe su maestría en términos sumamente encantadores y románticos.

Partituras de dominio público Partituras para guitarra de dominio público (http://classicguitare.com/viewtopic.php?t=1002) Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Emilio_Pujol" Categorías: Compositores clásicos del siglo XX de España | Guitarristas de España | Musicólogos de España | Nacidos en 1886 | Fallecidos en 1980 Esta página fue modificada por última vez el 14:49, 12 mar 2008. Contenido disponible bajo los términos de la Licencia de documentación libre de GNU (véase Derechos de autor). Wikipedia® es una marca registrada de la organización sin ánimo de lucro Wikimedia Foundation, Inc.

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29-10-2008

Georg Friedrich Händel - biografía

Georg Friedrich Händel - Biografía

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semanas antes que Juan Sebastián Bach, el lunes 21 de febrero de 1685, nació en Halle-an-der-Salle, Jorge Federico Händel. Desde pequeño dio muestras de poseer facultades musicales. Una anécdota dice que, en el graner de la casa donde vivía, estaba arrumbado un viejo clavecín: durante la noche se escuchaban sonidos armoniosos que se atribuían a un duende travieso. Pero un día, los moradores de la casa, decidios a aclarar el misterio, se proveyeron de una lámpara y de sendos garrotes, y se encaminaron hacia el granero: abrieron la puerta de improviso y, ante el sombro general, descubrieron que el duende trabieso no era otro que el pequeño Jorge Federico quien, venciendo el temor a la soledad y la obscuridad, dejaba su lecho para ir a recrearse en el abandonado instrumento. No obstante sus dotes muscales, su padre, que era barbero y cirujano de la corte, pensaba destinarlo al estudio de Derecho, y sólo a instancias del príncipe de Sajonia, accedió a dedicarlo a la música.

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En 1696 visitó Berlín; al año siguiente falleció su padre. El 10 de febrero de 1702, se inscribió en la Universidad de Halle, pero el 13 de marzo de este mismo año ocupó el puesto de organista en la Domkirche, dedicándose exclusivamente a la música. En 1703 se fue a Hamburgo, tocando en la orquesta de este lugar como violín segundo; acompañado de Matheson hizo un viaje a Lübeck para escuchar el organista Buxtehude. En 1704 compuso la "Pasión según San Juan"; tuvo un duelo a espada con Matheson, en el que estuvo a punto de perder la vida, salvándose gracias a que la punta de la espada de su enemigo se rompió al chocar con un botón de la casaca: inmediatamente se reconciliaron y juntos participaron en los ensayos de "Almira", la primera ópera de Händel, que fue estrenada con éxito el 8 de enero de 1705; a ella sucedió la ópera "Nerón", representada en febrero del mismo año.

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Escuela de Música SOTO MESA

Curso de Guitarra, Festival Andrés Segovia

Nacido en Colonia, Alemania en 1951, estudió la guitarra con Konrad Ragossnig y Oscar Ghiglia en Colonia y Basilea. Fue el único guitarrista alemán que ganó el concurso de Interpretación Internacional "Gargnano”, Italia (1978). Ya que su apasionante transcripción y grabación de la Partita de Bach nº 6 para teclado fue un verdadero éxito"nunca se había oído mejor en la guitarra el verdadero J. S.Bach” (la Guitarra Clásica). Käppel ha estado viajando como solista, con orquesta o grupos de música de cámara, en toda Europa, EEUU, Sudamérica, África y Asia. Durante muchos años Hubert Käppel fue el profesor con más prestigio en la Musikhochschule de Colonia, produciendo mucho premios internacionales que ganaron diferentes concursos. Desde 1994 hasta 1997 fue también profesor invitado de la clase de guitarra en la "M usikhochschule Franz Liszt" de Weimar. Hubert Käppel es muy requerido también para impartir master clases en las Universidades más importantes de música como: Yale, la IND de San Francisco, Invernadero de Boston, M anhattan School of M usic, Academia la Refriefa de Jerusalém, Universidad de Toronto, Universidad de Singapor y Conservatorio de Barcelona.

Käppel ha dado conciertos y clases magistrales a nivel internacional y en festivales de guitarra; a menudo es miembro de jurados en los principales concursos de guitarra, también ha hecho numerosas grabaciones en directo para diversas Radios cadenas de TV internacionales. Durante 10 años, ha sido Director Artístico del concurso “Guitarra Internacional” y Seminario de guitarra en Frechen/Cologne que en 2001 se transforma en el Festival de Guitarra Internacional de Gevelsberg. En 1996 se publica en Alemania su nuevo método de guitarra " Introducción de la Guitarra ", seguido de 3 colecciones de estudios producidos por la AM A, Alemana. En 1.969 Käppel funda junto a tres conocidos guitarristas (S. M alasiotis, L. M arziali y P. Vaca) el FENIX INTERNATIONAL GUITAR QUARTET, que actualmente es uno de los grupos más prestigiosos en Europa tanto por sus interpretaciones como su extenso repertorio

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29-10-2008

JOSEPH HAYDN (1732-1809) - BIOGR… Me nú MundoMúsica Buscar:

ATENCIÓN |.. Mié rcole s, 29 de octubre de 2008

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Grandes Compositores Clásicos

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Joseph Haydn Joseph Haydn, uno de los tres representantes del clasicismo vienés junto con Mozart y Beethoven ha sido considerado el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda.

Este artista como ningún otro llevó a lo más alto a géneros como la sonata.

Este artista como ningún otro llevó a lo más alto a géneros c omo la sonata; a pesar de que fue criticado por los romántic os al considerar que su música estaba muy influenciada por la tradición anterior. A pesar de esto Haydn fue muy rec onocido en su época y contó con lo que la mayoría de artistas desean, prestigio y dinero.

Este compositor austriac o que nació el 31 de marzo de 1732 en el seno de una familia humilde cerc a de Viena, era el mayor de la familia. Sus primeras lecciones de músic a provinieron de su padre ya que le cantaba acompañado de su arpa. Haydn siempre destacó siendo muy niño por tener una excelente y armónica voz por lo que le enviaron a educ arse a Hainburg y más tarde con tan sólo ocho años entró en la escuela c oral de la Catedral de San Esteban en Viena donde se formó adecuadamente. A los 17 años abandonó el coro en el cual perfeccionó sus c onocimientos musicales y pasó varios años trabajando como un músico independiente. Su maestro de canto fue el tan conocido Nicola Porpora para el que ejerció una temporada de asistente; además de que también se nutrió en su formación c on los tratados de contrapunto. En 1755 trabaja para el barón Karl Von Fürenberg y empieza a componer sus primeros cuartetos para c uerda. Pero su carrera da un giro de ciento ochenta grados cuando en 1791 fue nombrado direc tor musical adjunto del príncipe Pal Antal Esterházy y al año siguiente consigue que le nombraran maestro de capilla. Haydn trabajó para tres prínc ipes de esta familia, teniendo a su disposic ión a las mejores orquestas de Europa para las que componía obras orquestales, religiosas y operístic as de una renombrada calidad. El principe Miklós tenía una fundac ión music al en Hungría, y Haydn también regentó el cargo de director. En esta época c on el príncipe, Haydn tenían que componer sinfonías, óperas, misas, obras de cámara...

La fama y el trabajo que tenía Haydn eran envidiados por todos los músic os de aquel tiempo ya que todo el mundo soñaba con poder componer para la familia del Prínc ipe. Además en 1779 le dieron la libertad de vender su música y ac eptar comisiones por lo que en los siguientes años sus creac iones empezaron a rec orrer territorios hac iendo que su fama se extendiese. Haydn solamente realizó dos viajes fuera de Viena que ocurrieron c on motivo de que el De las misas más violinista británic o Johann Peter Salomon le contrató para dar conciertos en Londres. conocidas del En esta c iudad obtuvieron mucho éxito sus sinfonías "Salomon" o "de Londres"; en las músico hay que que se incluían temas de la envergadura de "Sorpresa", "El reloj", y "El redoble de destacar la "Misa tambor" entre otros. Nelson" y la "Misa Haydn también compuso misas y grandes oratorios como "La c reac ión" en 1798, "Las estaciones" en 1801, y el "himno del emperador" en 1797. Este último más tarde se María Teresa" que convirtió en el himno nacional de Alemania. son calificadas de Otra de sus composiciones que adquirió gran importancia fue "Las siete palabras" que excelente en... apareció en 1786 y que es una obra orquestal que Haydn hizo por enc argo de un sac erdote mexicano que vivía en España. La finalidad de esta c omposic ión era ayudar a la meditación de una comunidad religiosa. Esta obra se public ó en Viena, París y Londres y más tarde el músico realizó otra versión para cuarteto de cuerdas que llegó a ser muy popular en Viena, Paris, Londres y Amsterdam. Con esta obra, Haydn permaneció en el tiempo además de influir a muchos de los nuevos compositores. En lo referente a las misas más conocidas del músico hay que destacar la "Misa Nelson" y la "Misa María Teresa" que son c alific adas de excelente en materia de calidad musical e instrumental. Haydn tocó los géneros vocales, instrumentales, religiosos y seglares. Muc has son las obras que no se conocían fuera de Esterházy como 125 tríos y demás piezas c ompuestas para viola barítono que el príncipe Miklós toc aba. Además sus 19 óperas y operetas de títeres las c reó según las preferenc ias del prínc ipe. Haydn tiene un gran legado music al con 107 sinfonías, 83 cuartetos para cuerda, 62 sonatas y 43 tríos para pianos music ales. Una extensa c arrera musical cargada de trabajo que al final le rec ompensó con fama y dinero. Haydn hizo un papel muy importante en lo referente al desarrollo de la sonata, que era la forma predominante en el clasicismo y que los c ompositores music ales utilizaron hasta el siglo XX para poder crear así estruc turas

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Julián Arcas - Complete Works (Integrale) for Classical Guitar | Classical Guitar Home

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The Blog A d s y b g o G e l

la C sicG u trS e h

u G T ritM a b sc

C la sic

C la icP s M o n u

Julián Arcas - Complete Works (Integrale) for Classical Guitar Julián Gabino Arcas Lacal was born in Maria (Almería) on 25th October 1832. His father, Pedro Arcas, was a good amateur guitarist who followed the work of Dionisio Aguado and his school.

At an early age he was to start teaching his sons Julian and Manuel, both of whom immediately showed a natural affinity for the instrument.

1844

12 y.o. When Julian is 12, the Arcas family moves to Malaga, perhaps attracted by the economic boom the city was then experiencing. Here, he is taught by José Asencio, Dionisio Aguado's favorite guitarist, who was capitalizing on Aguado's methodology in his lessons, although we can distinguish in his own belated work an appreciable evolution towards decidedly romantic criteria. For this reason we can deduce that Asencio, from Aguado's classical platform, introduced Arcas to the new musical fashion at the time of his apprenticeship: Romanticism.

In Malaga Arcas would establish deep roots to which he would return time and time again during his life, as we will see later. He was also a regular at the 'Salon of Study and Criticism' set up by the guitar-maker Antonio De Lorca in his workshop in Calle Carreteria. It is also here that the then famous guitarist Trinidad Huerta is introduced to Julián Arcas. After hearing him play, surprised by his proficiency, the maestro congratulates the young Arcas and encourages him to continue his studies and to follow a career in music.

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1850 18 y.o.

Thus in Malaga, aged 18, he plays in public for the first time. His triumph sends him to Granada where he gives two equally successful auditions. From here he goes straight to Madrid where he again receives enthusiastic notices. Hereafter he would set out on his first tour of various Spanish cities.

c1850 c18 y.o.

At the beginning of the 1850s, on one of his visits to give recitals in Seville, he is introduced to Antonio De Torres, a part-time guitar-maker, also born in Almeria but resident in Seville. The purpose of the meeting was that Arcas should test and set the pitch of a guitar made by De Torres. So harmonious did he find it that he heaped Torres with compliments and suggested he dedicate himself to making the instruments. This was to have a major effect on the history of the guitar. Encouraged by Julián's enthusiasm Torres became the most legendary guitar-maker in history. His prestige was so dazzling and his instruments so perfect that the way they were made, both in their external form and their internal design, became a model to be followed, creating a school and passing on to posterity as an indisputable classic.

Arcas and Torres developed a close friendship which would last forever. Domingo Prat wrote of the two: "Arcas had a decisive influence on the work of the great guitar-maker Antonio De Torres. The definitive change in the format of the box is due to them both."

1852 20 y.o.

Aged just 20, Julian Arcas is already a consummate guitarist launched on a brilliant concert career. The effect of his virtuoso playing was apotheosis. Proof of this early success is this comment of the influential and reputed Mariano Soriano Fuertes in his 'History of Music' : ' (...) he is justifiably claiming the attention of public and critics alike.'

1862 30 y.o.

In the Spring of 1862 he participates, once again, in an incident to become of far reaching influence in the history of the guitar. After a concert in Castellón, a young boy amazes him with the ease and skill of his playing. The precocious guitarist was Francisco Tarrega. Impressed by his exceptional talent, Arcas convinces the boy's father to send him to Barcelona to be his pupil. Tárrega remained fervently grateful to his master throughout his life, considering himself a disciple and follower.

In September 1862 Arcas gives a recital in Aspley House, the London residence of the second Duke of Wellington. The concert, sponsored by the Duke himself, is announced on the front page of 'The Time's, and the reviews later published by this newspaper are full of praise. The Dukes of Cambridge then succeeded the Duke of Wellington as patrons. The Duchess and her daughter, Princess Mary Adelaide, Queen Victoria's cousin, invite Arcas to give a concert at their mansion in Brighton. The Brighton Guardian would heap praises on his performance and the Brighton Gazette would describe his artistry as greater still than that of Trinidad Huerta and Giulio Regondi.

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At the peak of his career, Arcas is assessed by the contemporary music critic who was his biographer, Fargas y Soler: "Julian Arcas may be considered a worthy upholder of the art of the instrument of Sors and Aguado; for the purity and sweetness which he conjures from the strings of the guitar which he plucks with his fingertips, not so usual in today's guitar player; for the ring and expression that make the notes compete with the human voice; for his polished technique and agility with both hands; for the evenness of sound in both the high and the low notes; and for the elegance and conscientiousness of his teaching."

Back in Spain he continues his concert tours, first going to Barcelona then to Granada and Seville. In Madrid he is received with great acclaim at the Palacio Real itself, where he becomes one of queen Isabel II's favorite musicians.

1865 33 y.o.

In 1865 he travels to Genova accompanied by the Duke and Duchess of Montpensier. In the Apolo theatre he gives two concerts that lead to requests for more performances in Italy. On his return he undertakes a concert tour of Portugal and Spain.

c1870 c38 y.o.

Perhaps due to tiredness on account of the hectic schedule of concerts he had followed for more than 20 years of his professional career, or perhaps through prudence considering the economic and social instability Spain was experiencing on the eve of the First Republic, or perhaps in sympathy with Antonio De Torres, who had returned to Almeira between 1868 and 1870, he decides to retire to the same city abandoning public performance. In Almeria he would trade in grain. Nonetheless, we do see him giving sporadic concerts in 1873 and 1874, in Jerez de la Frontera among other places.

After failing in the grain business he returns to his career in concerts reappearing in his native Almeria in 1876 before continuing on tours of Spain.

1882 50 y.o.

However this second artistic period soon ends as he dies in Antequera (near Malaga) apparently of cerebral hemorrhage, on 16th February 1882.

Julián Arcas - Complete Works (Integrale) 1. Estudio en sol 2. Estudio en La menor 3. Andante y Estudio 4. Preludio de la Opera Guillermo Tell 5. Preludio en re 6. Minuetto en sol 7. Minuetto en mi menor

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8. Mazurka la saltarina 9. Mazurka Gaetana 10. Vals Manuelito 11. Vals El Fagot 12. Vals Tanda de valses 13. Vals Il bacio 14. Polonesa en mi menor 15. Polaca fantástica 16. Fantasía La favorita 17. Fantasía El Delirio 18. Fantasía La Batalla 19. Fantasía Fausto 20. Fantasía sobre la Traviata de Verdi 21. Fantasía sobre motivos heterogeneos 22. Fantasía sobre el paño 23. Fantasía sobre Rigoletto 24. Fantasía Ballo in Maschera 25. Sinfonía Mi segunda epoca 26. Sinfonía Marta 27. Sinfonía Norma 28. Variaciones sobre un tema de Sor 29. Capricho el Incognito 30. Andante 31. Rondó 32. Sueño de Rosellen 33. Trovador 34. Lucia de Lammermor 35. Motivo Berbero de Sevilla 36. Tango sobre Marina 37. El postillon de la Rioja 38. Visperas sicilianas 39. Marcha fúnebre 40. Soleá 41. Soleares 42. Rondeña 43. Bolero en la menor 44. Boleras 45. Los Panaderos-Bolero 46. Murcianas 47. El Madrileño-Chotis 48. Jota Aragonesa 49. Colección de Tangos 50. Tango Guayabito 51. Tango-La cubana 52. La Rubia de los Lunares-Habanera

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Recent Comments khaldoun tayeb

Tank yoo very much . it is fin what you have done

Mon, 10/20/2008 - 10:22

David Mon, 10/20/2008 - 07:03

Thank a lot... Is there any possibility to make one button for donwloading all scores at once? Would be more comfortable :)

Seccinen Mon, 10/20/2008 - 05:44

Thank you very much! Such a treasure!

creativeguitar.org Sun, 10/19/2008 - 14:58

This Music is in the public Domain. original sources are out of-copyright standard editions from publishers such as Breitkopf and Hartel, C.F. peters, g. Schirmer, Carl Fisher, G. Ricordi, Durand and many others.

creativeguitar.org

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Sun, 10/19/2008 - 14:57

no it is not normal but i do not have it LOL if you have it, send it to me i will write it in Finale. enjoy

Steph Sun, 10/19/2008 - 13:55

Again, thanks a lot. Just one thing : is it normal that there's no link for Soleares ? (number 41)

Steph Sun, 10/19/2008 - 13:35

Thanks !

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12-10-2008

Karl Scheit (Guitar, Lute, Arranger) - S… Introduction | Cantatas | Other Vocal | Instrumental | Performers | General Topics | Articles | Books | Movies | New Biographies | Texts & Translations | Scores | References | Commentary | Music | Concerts | Bach Tour | Memorabilia Chorale Texts | Chorale Melodies | Lutheran Church Year | Readings | Poets & Composers | Transcriptions Search Website | Search Works/Movements | Terms & Abbreviations | Copyright | How to contribute | Sitemap | Links

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Short Biographies: A | B | C | D | E | F | G | H | I | J | K | L | M | N | O | P | Q | R | S | T | U | V | W | X | Y | Z | Explanation | Acronyms

Karl Scheit (Guitar, Lute, Arranger) Born: April 21, 1909 - Schoenbrunn (now Svinov, part of the town of Ostrava, Czech Republic), Austria Died: November 22, 1993 - Vienna, Austria Karl Scheit was one of the leading Austrian guitarists, lutenists and music educators of the 20th Century. He is also known as the "Segovia of Austria". Scheit studied at the Academy of Music in Vienna with Jacob Ortner. From 1933 to 1984 he was Professor for Music and Performance at the Academy of Music in Vienna (now the Academy of Music and Fine Arts in Vienna), and at the Conservatory in Vienna. Among his students were Heinz Wallisch, Robert Wolff, Jürg Chamber, Richard Pilkington and Konrad Ragossnig. In his days Karl Scheit was one of the foremost of European virtuosi, noted on the classical guitar, noted for his musicianship. He performed widely in and around Vienna. He helped to change the status of the guitar from accompanying to solo instrument, and was one of the pioneers of historical performance practice (for example with the ensemble Schola Antiqua with J. Mertin and Gustav Leonhardt). He won numerous awards and prizes. Karl Scheit was also a foremost scholar, and editor of Renaissance and Baroque music, and his name was widely known to serious guitar students in many lands. He rediscovered, transcribed and published and extensive Renaissance and Baroque literature for plucked string instruments (lute, vinuela and 5-string guitar). His most important publication Lehrwerk für Gitarre is still the basis for the guitar pedagogy.

Source: Liner notes to the LP 'Masterpieces of the Classical Guitar' (Vanguard - Bach Guild); German Wikipedia & AEIOU Websites, English translation by Aryeh Oron (July 2008) Contributed by Aryeh Oron (July 2008)

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12-10-2008 Karl Scheit (Guitar, Lute, Arranger) - S… Karl Scheit: Short Biography | Recordings of Instrumental Works

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Scheit, Karl (AEIOU) [German]

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Konrad Ragossnig (Guitar, Lute, Arran… Introduction | Cantatas | Other Vocal | Instrumental | Performers | General Topics | Articles | Books | Movies | New Biographies | Texts & Translations | Scores | References | Commentary | Music | Concerts | Bach Tour | Memorabilia Chorale Texts | Chorale Melodies | Lutheran Church Year | Readings | Poets & Composers | Transcriptions Search Website | Search Works/Movements | Terms & Abbreviations | Copyright | How to contribute | Sitemap | Links

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Konrad Ragossnig (Guitar, Lute, Arranger) Born: 1932 - Klagenfurt, Austria The Austrian guitarist and lutenist, Konrad Ragossnig, studied with Professor Karl Scheit in Vienna. His career began with the first prize award at the 1961 Concours International de Guitare in Paris. Since then, concert tours have taken Konrad Ragossnig throughout the world and to prestigious festivals such as Salzburg, Vienna, Ossiach, Hohenems/Feldkirch, Ansbach, Berlin, Schwetzingen, Luxembourg, Festival van Vlaanderen, Paris, Ann Arbor and Osaka, amongst others. Konrad Ragossnig has a particular predilection for guitar chamber music, which he performs with various musicians among them tenors Peter Schreier, and Kurt Equiluz, and Ian Partridge; flutists Peter-Lukas Graf, Aurèle Nicolet, Hans-Martin Linde, and Werner Tripp; cellist Marek Jerie; and and his son, harpsichordist Thomas Ragossnig; as well the Barchet Quartet Stuttgart, the Berner String Quartet, the Kyndel String Quartet Stockholm, the Prague String Quartet, the Kyndel String Quartet Stockholm and Festival Strings Lucerne. He has performed in concert as a soloist with famous symphony and chamber orchestras in Austria and abroad. Konrad Ragossnig's repertoire ranges from Renaissance lute music to contemporary guitar music, and he has premiered works by two dozen composers, such as Hans Erich Apostel, Mario Castelnuovo-Tedesco, Friedrich Cerha, Hans Werner Henze, and Pierre Wissmer. He also enjoys playing chamber works where the guitar has been neglected, such as in Schubert's Die schöne Müllerin, which he has performed with Peter Schreier at the Salzburg Festival. Konrad Ragossnig has made a large number of radio and TV performances and has produced over 60 records and CD recordings for renowned classic labels. Among the many prizes he has been awarded are the Grand Prix du Disque and the Edison Award. His six-part anthology "Musik für Laute" (DG/Archiv) was selected by the German record magazine Fono Forum for the "Guitar and Lute music" section as Record of the Century. The recordings show a varied repertoire that ranges from lute music of the Renaissance to works of contemporary music for the guitar. He has published approximately 70 music editions for both guitar and lute of lute and guitar music, ranging from basic technique to arrangements of works such as Falla's Suite Populaire Espagnole (arranged for cello and guitar), and performing editions of works like J.S. Bach's Fugue for Lute, BWV 1000. From 1964 to 1983 Konrad Ragossnig taught at the Music Academy in Basel. In 1983 he was offered a chair as full professor at the University of Music and Performing Arts Vienna. From 1989 to 1997 he was also guest professor at the Conservatoire Zürich and held many master-classes in several European countries, the USA and Japan. He is also a member of the jury at important international competitions, including Paris, Munich, Brussels/Walcourt, Geneva and Vienna. http://www.bach-cantatas.com/Bio/R…

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Konrad Ragossnig (Guitar, Lute, Arran…

Source: Konrad Ragossnig Website; All Music Guide Website (Author: Patsy Morita) Contributed by Aryeh Oron (June 2008) Konrad Ragossnig: Short Biography | Recordings of Instrumental & Vocal Works

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Konrad Ragossnig (Wikipedia) Konrad Ragossnig - Biography (AMG)

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Abajo encontrará la imagen en su contexto original en la página: www.guitarandluteissues.com/morris/heinrich.htm

Heinrich Albert and the First Guitar Quartet by Allan Morris In recent years, guitarists—as well as the wider music world—have embraced the novel medium of the guitar quartet. At the time of this writing, an Internet search of the phrase "guitar quartet" yields in excess of 2500 "hits," dramatically illustrating the genre’s widespread popularity. Many of these are the World Wide Web home pages of professional quartets, amateur groups, and school ensembles actively promoting their concerts, repertory, and in many cases, their recordings. Now, after the turn of the century, a hundred-year retrospective of the genre would be in order, and the following overview will focus on the activities, personnel, and repertory of perhaps the first professional guitar quartet. This serves as a pretext for an introduction to the life and music of Heinrich Albert (1870-1950), an important German virtuoso guitarist of the early twentieth century. Guitar quartet activity has become truly international in scope. There are quartets named after the cities of Los Angeles, Vancouver, Tokyo, Prague, Stockholm, and York, with other quartets spread throughout the world. Such international ensembles include the English Guitar Quartet, Argentina’s Santa Fe Quartet, Brazil’s Quarternaglia, Helsinki’s JAM Quartet, Monaco’s Aighetta Quartet, Italy’s Quartetto Federico MorenoTorroba, Switzerland's Guitars A Quattro, and Germany’s Guitar 4Mation. The repertory of these quartets includes music specifically written for the genre by contemporary composers, including such names as Joaquin Rodrigo, Federico Moreno-Torroba, and Leo Brouwer, as well as arrangements of every type of music from Bach, Mozart and Stravinsky, to pop songs, tangos, and ragtime. This worldwide proliferation of active guitar quartets, recordings, publications, and new music prompts the question as to the origins of all this. Who, what, where, and when was the first guitar quartet? Many would consider Los Romeros as the first professional guitar quartet, and it is indeed difficult to find any indications of guitar quartets previous to them. The history of Los Romeros as international concert and recording artists dates back to 1961 when they toured in America for the first time shortly after emigrating from Spain. Originally formed by Celidonio Romero (1913-1996) and his three sons Celin, Pepe, and Angel, the "Royal Family of the Guitar" is still active today with founding members Celin and Pepe joined by Celin’s son Celino and Angel’s son Lito. Before the era of Los Romeros, however, guitar quartet activity thrived at the amateur and student level, especially in the United States. In 1948, for example, the "Chronicle" of the New York Society of the Classical Guitar mentions that the chairman " . . .is constantly busy writing arrangements for duos, trios, and quartetts [sic], and these are presented as soon as the players are thoroughly coached."[1] The International Guitar Research Archives[2] lists a number of guitar quartet arrangements including those by the director of the American Guitar Society, Vahdah Olcott-Bickford (1885-1980), which date from the early twentieth century. There is no reason to doubt that ensemble combinations, including quartets, were regularly heard at various guitar society meetings worldwide. In the 1950s, the Guitar Music Catalogue of the C.F. Peters Corporation listed two guitar quartets, clearly indicating a demand for such repertory. Arranged by Heinrich Albert, these works were the Quartet Op. 21, by Carulli, and the Quartet Op. 15, by Sor. Both appeared in a series of guitar chamber music entitled Die Gitarre in der Haus- und Kammermusik (1800-1840) originally published by Zimmerman in Frankfurt.[3] An editorial introduction in these publications says that Heinrich Albert, endeavoring to create guitar sounds after the model of the string quartet, formed a guitar quartet before World War I for which he contributed a number of original works and arrangements. The quartets are scored for two guitars (Primgitarren) and two terz guitars (Terzgitarren). The editor points out that the terz guitar was an instrument of the period 18001840 that the modern player can duplicate for the arrangements by placing a capo on the third fret of a normal guitar. The introduction also points out that a Quintbassogitarre had been required for the fourth guitar part, but for the edition, was transcribed for modern guitar. Karl Huber, in a published dissertation[4] on the German guitar scene around the turn of the twentieth century, relates much of the following information on the activities of Albert’s guitar ensemble, the Munich Guitar Quartet. Arguably the first professional guitar quartet, this ensemble performed numerous recitals throughout Southern Germany, and inspired the formation of other guitar quartets.

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Niccolò Paganini Summary

Name: Birth Date: Death Date: Place of Birth: Place of Death: Nationality: Gender: Occupations:

Niccolo Paganini October 27, 1782 May 27, 1840 Genoa, Italy Nice, France Italian Male musician, violinist, composer

Encyclopedia of World Biography on Niccolo Paganini The Italian violinist and composer Niccolo Paganini (1782-1840) inaugurated the century of the virtuoso and was its brightest star. He laid the foundation of modern violin technique. Niccolo Paganini was born on Oct. 27, 1782, in Genoa of musically ambitious parents. At the age of 9 he made his debut playing to an enthusiastic audience his own variations on La Carmagnole. He studied with Giacomo Costa. When Niccolo was taken to the famous violinist Alessandro Rolla, the latter declared he had nothing to teach him. Nevertheless, Niccolo did study violin for a while, as well as composition and instrumentation. At the age of 14 he freed himself from his father. Paganini's career was checkered: gambling, love affairs, rumors of his being in league with the devil, and rumors of imprisonment, which he frequently denied in letters to the press. In love with a Tuscan noblewoman, he retired to her palace, where he became completely absorbed in the guitar from 1801 to 1804. On returning to the violin he performed a love duet by using two strings of the violin and then surpassed this by playing a piece for the G string alone. In 1816 Paganini appeared in a "contest" in Milan with Charles Philippe Lafont and later remarked, "Lafont probably surpassed me in tone but the applause which followed my efforts convinced me that I did not suffer by comparison." Paganini's success in Vienna in 1828 led to a cult in which everything was a la Paganini. Similar triumphs followed in Paris and London. In 1833 he invited Hector Berlioz to write a piece for him for the viola; Harold en Italie was the result. Paganini played frequent concerts for the relief of indigent artists. In 1836 he became involved in a Parisian gambling house; government interference led to bankruptcy and

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Niccolo Paganini Biography | Encyclop… permanently damaged his health. He died on May 27, 1840, in Nice. Even when Paganini was playing Mozart and Beethoven, he could not restrain himself from brilliant embellishments. The violinist made innovations in harmonics and pizzicato and revived the outmoded mistunings. Although he took a giant step forward in scope of technique, he paradoxically did this while holding the violin in the low 18th-century style and using a straight bow of the late Mozart period, which the Parisian violin maker Jean Baptiste Vuillaume persuaded him to give up. Although it is generally assumed that the modern technique is far "superior" to that of the 19th century, this is belied by the fact that many passages in Paganini are still scarcely playable. Paganini's best pieces--Violin Concertos No. 1 and No. 2, the Witches' Dance, and the 24 Caprices--are firmly in the repertoire. Because he jealously guarded his technical secrets for fear they would be stolen, only his 24 Caprices and some music for guitar were published during his lifetime. This is the complete article, containing 464 words (appro x . 2 page s at 300 words per page) . View More Summaries on Niccolò Paganini

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Biografía de Nicolo Paganini

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Nicolo Paganini fue el hijo de Antonio, un parroquiano que tocaba agradablemente el mandolín y el violín, cuya esposa era amante de la música. Antonio comenzó a enseñarle a Nicolo a tocar el mandolín a los cinco años, y el violín dos años después.

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Le hacía practicar a su hijo desde la mañana hasta la noche, y cuando la concentración del joven Nicolo vacilaba, su padre lo privaba de su ración de comida.

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El niño era sostenido por su gentil y profundamente religiosa madre.

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A los diez años se presentó en público por primera vez y cuando tenía 13 fue llevado a Parma a estudiar junto al famoso Alessandro Rolla, quien, sin embargo, rechazó a Nicolo diciéndole que ya sabía todo lo que él podía enseñarle. A pesar de ello continuó estudiando composición y aprendió varios trucos sobre oficio de violinista de viejos instrumentistas; el modo de tocar de Paganini parecía haber sido original, prácticamente desde el comienzo.

En Viena, los miembros de sus audiencias tomaban asiento dos horas antes de que comenzara la presentación por temor a perder sus lugares. En Leipzig, el afamado profesor de piano Friedrich Wieck, padre de Clara Schumann, anotó en su diario: “Nunca ha nacido un artista que sea tan magnífico e incomparable como él en tantos géneros.” En Berlín, Mendelssohn escribió a su amigo, el pianista Ignaz Moscheles: “Su ejecución está más allá de todo concepto ya que jamás se equivoca. Pides demasiado si esperas que te de una descripción de sus interpretaciones. Me tomaría una carta entera hacerlo, pues él es tan original, tan único, que requeriría un análisis exhaustivo el transmitir una impresión de su estilo.”

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El joven Chopin oyó a Paganini en Warsaw en 1829 y se sintió obligado a conmemorar el evento mediante la escritura de una pequeña pieza, Souvenir de Paganini. El joven de 19 años, Robert Schum ann,

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entonces un infeliz estudiante de derecho en Heidelberg, viajó hasta Frankfurt para escucharlo y decidió, particularmente por el resultado de dicha experiencia, dedicarse de lleno a la música.

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Luego transcribió para el piano 12 de las Caprichos de Paganini y nombró una sección del Carnaval, una de sus obras maestras para piano solo, en honor a Via X en Mixplay Nicolo. Rossini, Donizetti, Liszt , Delacroix, George Mira en Video las Series de Via X. Míralas Sand y muchos otros famosos profesionales del arte Online o Descárgalas Aqui! www.Mixplay.tv/ViaX asistieron a su debut musical en París hacia 1831, y fueron deslumbrados por su música y su estilo interpretativo. Las leyendas sobre el autor se esparcieron velozmente. Una de ellas contaba que había aprendido a tocar el violín durante sus largos años en prisión (por haber asesinado a otro amante de su amante), y otra hacía referencia a un misterioso pacto con el diablo, la cual, según algunos, era la causa de su aparentemente, perfecta ejecución. Por unos años, Paganini animó y manipuló hábilmente esos absurdos cuentos, pero con el tiempo se hartó de todos ellos, y los negó; sin embargo continuaron arraigados en la conciencia de su público. Durante los años de su gran éxito fue criticado por avaro, pero los hechos desmienten esta calumnia: sus frecuentes presentaciones por caridad, su insistencia por tomar completa responsabilidad humana y financiera sobre los hijos que tuvo con una de sus amantes, y su regalo de 20.000 francos al poco apreciado Berlioz para la composición de Harold en Italia, son sólo algunos de los ejemplos de extrema generosidad por su parte. A partir de los 50 años de edad, la salud de Paganini había comenzado a declinar seriamente ya que sufría de una dolencia respiratoria. También su fortuna comenzó a desaparecer. (c) 2000-2007 Pianored.com - Contenidos exclusivos de nuestra autoría. T odos los derechos reservados. Prohibida su reproducción sin autorización previa.

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