Elementos De La Expresion Plastica.docx

1. EL ARTE Y LA PERCEPCIÓN PERCEPCIÓN. Es la interpretación secundaria de las sensaciones en base a la experiencia y recuerdos previos. La Gestalt ha sistematizado ciertas leyes, las que en su formulación más simple y básica, podríamos resumir de la siguiente manera: Ley de cierre. Ley de proximidad. Ley de simplicidad. Ley de semejanza. Ley de continuidad. Ley de figura y fondo. Ley de cierre: Nuestra mente añade los elementos faltantes para completar una figura. Existe una tendencia innata a concluir las formas y los objetos que no percibimos completos. Nuestra mente ve tanto el círculo como el triángulo, aunque no sean elementos completos. Ley de proximidad: Los elementos tienen a agruparse con los que se encuentran a menor distancia. Influyen también la semejanza de la forma, el tamaño, el color y otros aspectos visuales de los elementos. Así en el primer grupo, percibimos más prontamente caminos estrechos, y no anchos; y en el segundo caso, percibimos antes el pequeño grupo de tres, antes que la forma de cinco de la derecha. Ley de simplicidad: Cuando miramos una figura la percibimos de la manera más simple posible. Se percibe un diamante o rombo, pero nadie aprecia las dos letras “K” una frente a la otra. Ley de semejanza: Tendemos a percibir agrupados los objetos iguales, miramos las filas de círculos y cuadrados, pero no apreciamos las columnas. La ley de la continuidad: Nos dice que aquellos elementos que sigan una línea recta o curva suave los identificamos como integrantes de una misma forma, aunque permanezcan separados entre sí. Ley de figura y fondo: Cualquier campo perceptual puede dividirse en figura contra un fondo. La figura se distingue del fondo por características como: tamaño, forma, color, posición, etc.

2. EXPRESIONES DE LAS ARTES PLÁSTICAS Históricamente se consideran como expresiones de las artes plásticas a las acciones realizadas por 3 tipos de artistas determinados, se incluían las obras realizadas por pintores, escultores y arquitectos. Hoy día, el arte plástica se caracteriza por incluir a todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales u obras son tangibles, eso significa que son reales y se pueden ver y/o tocar. El concepto moderno de arte nos permite incorporar en la definición de arte plástica no solo las expresiones clásicas del arte sino también nuevas formas, podrían llamarse modernas, de manifestación artística. Entre ellas se encuentran, por ejemplo, todas aquellas generadas por computadoras (arte digital) o con cualquier otro elemento no convencional. La pintura La pintura es el arte de expresar sentimientos, emociones o ideas, mediante imágenes o representaciones reales o ficticias realizadas por un artista, plasmadas en

una

superficie

bidimensional,

utilizando

diferentes

sustancias

o

determinadas Técnicas pictóricas. Encontramos que existen datos de la Pintura desde la prehistoria, pero la pintura ha evolucionado desde la prehistoria hasta la actualidad, siendo de esta manera encontramos que existen distintas técnicas para crear una pintura. Existen

variadas

formas

de

clasificar

pintura: Óleos, Acuarelas y Temperas, Cera o Encáustica,

las

técnicas

de

los Acrílicos y

las

técnicas mixtas. Óleo En épocas pasadas llamaban al aceite sacado de la oliva "óleo" y al combinarlo con otras sustancias para darles color y hacer las pinturas adoptaron el nombre de "óleos" con el paso del tiempo. El aceite que más empleado era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales para proporcionarle colorido.

El óleo era ya en la edad media muy conocido y empleado en combinación con la pintura al temple y el fresco, se usaba también para hacer retoques en piezas de yeso. El mismo se divide en varias técnicas: Óleo sobre muros, sobre Lienzo y Óleo sobre tabla. Acuarela La acuarela es una técnica de pintura que se práctica sobre papel, cartulina o cartón; se caracteriza por la transparencia de los colores diluidos en Agua. Tempera o Temple Tempera o temple, es una técnica acuosa que emplea como aglutinante (cualquier tipo de ingrediente que mezclado con pigmento en polvo sirve para producir una técnica pictórica) una cola de origen animal por lo general conejo o pescado. La tempera es referente al proceso en donde se mezclan los colores con el aglutinante, con la necesidad del calor para que este pueda ser manejado en caliente. Es una técnica basada en el recubrimiento de los pigmentos ya secos. Encáustica o Cera La encáustica es una técnica pictórica consistente en aplicar el color mezclado con cera fundida y cuya aplicación se realiza en caliente, ya que esta tiene un efecto protector, cubriente, resistente a la luz y al agua. Acrílico El acrílico es una técnica que brinda un efecto similar al óleo, constituye a base de la mezcla de pigmentos, agua y resinas que no se vuelven amarillas, seca rápidamente sin cambiar de color y sin oscurecer con el tiempo. En los colores acrílicos se mezclan los mismos pigmentos que se emplean en el óleo y la acuarela, pero aglutinados por una sustancia plástica de resinas acrílicas, de vinilo o de ambas, que pueden ser diluidas por agua.

Con

ellos

se

puede

pintar

sobre

soportes

de cartón, papel, madera, lienzo, metal, cristal, etc. El grabado El grabado es un proceso de duplicación, creación, reproducción, estampado e impresión de imágenes, conseguido por medio de una matriz que sirve de placa. Con anterioridad, esta placa ha sido tratada para poner en ella, mediante distintas técnicas, una imagen (a la inversa) que, una vez entintada la placa, podrá imprimirse sobre papel mediante una prensa. Escultura Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería. Tipos de esculturas La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura. La estatuaria a su vez comprende varios tipos, de bulto redondo y de relieve. Materiales y técnicas tradicionales Arcilla Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos.

Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si es empleado como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Piedra Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son: piedra caliza, mármol, arenisca, alabastro, granito, basalto, diorita y otras piedras duras. Hierro El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas, mediante distintas técnicas de trabajo. Estas son: repujado, forja, soldadura eléctrica, soldadura autógena. Madera Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades pueden dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. Fotografía La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumenta su nitidez. Orfebrería Se llama Orfebrería al trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de metales preciosos. Los metales que constituyen los objetos de orfebrería

propiamente dichos son eminentemente la plata y el oro o una mezcla de ambos que en la antigüedad se llamaba Electrón o eléctrum. Con dichos metales se fabrican ya desde edades muy remotas utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas, estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elabora, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones. Historia Arte Prehistórico El Arte Prehistórico (desde la aparición del hombre en la tierra hasta el año 5000 a.n.e.) es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud temporal suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más extenso que el fenómeno rupestre cuaternario, principalmente circunscrito a Europa occidental, y comprende además las manifestaciones del llamado arte paleolítico. Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico. 

El arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban fundamentalmente animales y escenas de caza.

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El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla.

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Como arte megalítico se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.

Arte Antiguo

El Arte Antiguo esta comprendido entre los años 5000 a.n.e y el año 0. Incluye el Arte Mesopotámico y el Arte Egipcio. Arte Mesopotámico El arte de Mesopotamia está constituido por varias etapas artísticas determinadas por la diversificación de pueblos que dominaron este territorio. Los creadores del estilo artístico son los sumerios, estilo que será continuado por los semitas, consiguiendo el máximo esplendor en los períodos asirio y babilónico. Dentro de la arquitectura mesopotámica se desarrollaron ciertos monumentos, que fueron el templo, el palacio, la muralla y la tumba. Dentro de la escultura, se desarrollaron tanto las estatuas como el bajorrelieve. Y dentro de la pintura y relieve se puede decir que las obras eran cromáticamente pobres y la temática se basaba en escenas de guerra y de sacrificios rituales con mucho realismo. Predominaban los símbolos cuneiformes. La orfebrería mesopotámica constituyó uno de los hallazgos más interesantes de las excavaciones de tumbas reales y templos y el trabajo de los metales era una de las actividades artísticas más importantes en los pueblos mesopotámicos. Arte Egipcio El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno. La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso. El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior. Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto

está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión. Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se relacionan con los clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos. Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y los templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados, destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión. De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido a que utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales. Arte Clásico El Arte clásico y la Cultura clásica, que comprende desde el año 2000 a.n.e. hasta el 300, es el nombre que se da a las producciones intelectuales de la Antigüedad clásica, es decir: el Arte griego y el Arte romano, o la cultura grecorromana, que en el Renacimiento eran consideradas clásicas, es decir, dignas de imitación (mimesis). Arte Griego El arte de la antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la belleza ideal, recreando el mundo ideal del modelo platónico, o mediante la imitación de la naturaleza en el sentido de la mimesis aristotélica. La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura occidental. De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior. Arte Romano El Arte Romano se inicia en íntima conexión con el Arte Etrusco y con el de las colonias griegas de la Magna Grecia, de cuya cultura es directo heredero,

incorporando, además, múltiples elementos de las más diversas culturas mediterráneas bajo dominio romano, con un sincretismo sumamente característico. Se desarrolla fundamentalmente a partir del Siglo III a.n.e y evoluciona con evidente homogeneidad hasta el Siglo V, a través de las etapas que van señalando su evolución política: República (hasta el año 27 a.n.e), Alto Imperio (hasta el siglo III) y Bajo Imperio (siglos IV y V). El espíritu práctico del pueblo romano se impone en las obras arquitectónicas, interesa hacer obras útiles, lo que contribuye a la uniformidad de los modelos arquitectónicos. Además, deben responder al espíritu de grandiosidad, orden y permanencia, que rigen la política romana; la arquitectura romana es la expresión de su poder y esto lleva a su afán de eternidad. Arte de la Edad Media El Arte de la Edad Media o arte medieval es un gran período de la historia del arte que va desde el año 300 al 1400. Abarca el Arte Paleocristiano, Arte Carolingio, Arte Bizantino y Arte Otomano. También Arte Románico, Arte Gótico y Arte Musulmán. La Edad Media incluye movimientos artísticos principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales, diferentes géneros, períodos de florecimiento a los que se ha venido en llamar renacimientos, las obras de arte, y los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual). Arte de la Edad Moderna El Arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad Moderna, va desde el año 1400 hasta el año 1800. Engloba al Arte del Renacimiento, Arte Barroco, Arte Hispano-Americano. No se ha de confundir con el concepto de arte moderno, que no es cronológico sino estético, y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte contemporáneo.

Arte del Siglo XIX Entre

los

movimientos

artísticos

nacidos

en

el siglo

XIX se

encuentra

el Neoclasicismo, Realismo, Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Modernismo, este último en los años finales del siglo. Este siglo estuvo marcado por la Revolución Industrial, así como revoluciones en Europa y un despunte del imperialismo que todo ello influyó en la creación artística de esta época. La aparición de los nuevos materiales, vinculada a la Revolución Industrial, implicó cambios sustanciales en el modo de construir. El hierro, el hormigón armado, el cristal, y el acero, permitieron desarrollar una arquitectura muy diferente de la historicista. Arte del Siglo XX El arte del siglo XX se divide en dos grandes etapas, la que comprende desde principio de Siglo XX hasta el año 1942 y una segunda que comprende desde el año 1942 hasta el fin del siglo, esta última etapa se inserta dentro del Arte Contemporáneo.

Se

incluyen

en

este

siglo

al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte Abstracto. El nacimiento de estos importantes movimientos artísticos cambian el concepto de arte: lo que es el arte, y hasta lo que se considera o no obra de arte. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis. Luego de la Ilustración, que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia, estos valores entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Es una época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad

y surgen movimientos artísticos como el futurismo. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno. La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte, el caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la, aquel entonces, nueva técnica de la fotografía. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo en el arte pop. Arte Contemporáneo El Arte Contemporáneo es aquel que comprende desde el año 1942 hasta la actualidad. Contiene a diversas expresiones del arte entre las que se encuentran el Arte Pop, Naif, Land Art, etc. Se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este período. En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término postmoderno, ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo

XX a

manos

de

artistas

como Robert

Rauschemberg,

teóricos

como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusieron este pensamiento dentro del main stream internacional.