Clone Definitivo

ENTREVISTAS ÍNTEGRAS PARA CLONE MAGAZINE. Redactor

José Gimeno Mellado CLONE magazine Cuna 46, 2º - 4. 41004 Sevilla. Spain. www.clonemagazine.com

(Respuestas de Mª Angeles) 1.- He leído en el blog que una de las cosas que mas te preocupa de "Avatar" es que ocurriera como en algún otro espectáculo que habías visto anteriormente, en el que la interacción entre danza y tecnología daba lugar a un producto con un argumento, o una historia poco sólida. En este sentido. Puedes hablarnos un poco del argumento de "Avatar", de su estructura narrativa y dramática. Sí, es cierto que una de las cosas que me más me preocupaba de Avatar* era que finalmente quedara en una simple secuencia de diferentes escenas para demostrar que cierto software o aplicación es capaz de interactuar con mi movimiento en directo. Sin embargo, conforme hemos ido ensayando, me doy cuenta de que Román y yo estamos completamente de acuerdo en este tema. Para ambos es necesario que el resultado final sea algo compacto y e integrado por parte de ambos (coreografía y eventos visuales), para dar lugar a un espectáculo de danza donde el espectador se pueda sumergir con nosotros en la historia que proponemos. Como sabes, la danza contemporánea, es algo bastante poético y sus temáticas o argumentos, difíciles de explicar de una manera narrativa "al uso". Pero lo que sí puedo decirte es que estoy intentando construir un personaje que llega a un sitio desconocido, el cual siente que todo lo que va pasando a su alrededor, le va dando pistas para seguir avanzando en su aventura, y que por ello, actúa en consecuencia. Como en los videojuegos, o cualquier aventura desconocida en la que un visitante se siente extraño/extranjero, este avatar/pers onaje, irá evolucionando en su viaje... al principio será torpe, quizá no sepa cómo actuar con las her ramientas que va encontrando o consiguiendo, pero después, poco a poco irá encontrando la lógica a sus hallazgos, hasta que finalmente podamos ver cómo este personaje se va sintiendo más cómodo y dueño de sus acciones, y que de alguna manera toma el control del juego. Cualquier dato nuevo: objeto, sonido o indumentaria que vaya adquiriendo a lo largo de la obra, jugará un papel determinante en la evolución del juego/espectáculo... De momento tenemos previsto que haya tres fases en la estructura narrativa, basándonos en las (normalmente) tres oportunidades (tres vidas) que nos concede de base un videojuego. Separadas cada una de ellas con una barra cargadora a la que hoy en día cualquier persona ya está habituada. También daremos importancia al "status" que el personaje va adquiriendo. Este personaje, empezará medio perdido y con pocos recursos en medio de ese mundo virtual, y poco a poco irá encontrando claves que le harán subir de nivel: esto tenemos previsto que se aprecie gracias a los mínimos cambios de vestuario que vayan apareciendo, también a algunos objetos, con detalles puntuales de la música y luces y por supuesto en la evolución de sus movimientos (al principio más básicos, y poco a poco m ás complejos)

2.- Veo que la improvisación ocupa un papel importante en el proyecto. En algún momento habláis de que os gusta que haya cosas controladas, pero también otras que se escapen un poco de este control. ¿"Avatar" será totalmente distinto cada vez que se represente, tendrá una base fija sobre la que se improvisará cada día, o será un espectáculo con una estructura y un contenido fijo/estable? Cuando hablamos de improvisación, nunca hablamos de que todo esté abierto, no es un happening. En Erre que Erre hemos trabajado de todas las formas posibles, desde un espectáculo completamente abierto e improvisado (incluso la música) hasta el más medido y coreografiado. Sin embargo, como más cómodos, y también más identificados, nos sentimos es en la escala de grises incluido también el negro y el blanco en momento puntuales.. Esto quiere decir que vamos alternando continuamente: hay momentos en los que la escena requiere que esté todo completamente fijado, y lo está... hay otras que necesitan ese factor sorpresa (incluso para nosotros mismos como intérpretes) y también lo respetamos así... Y hay otras muchas escenas en las cuales habrá una pauta o concepto muy trabajado a nivel corporal en ensayos previos, pero que no está estrictamente fijado coreográficamente, dejamos que el cuerpo llegue donde quiera dentro de esa misma pauta. En toda esa escala de grises, yo creo que es donde está la magia. Así que podemos decir, que la esencia o narrativa general estará fijada, pero no los pasos coreográficos uno por uno... también nos gustaría adaptarnos al espacio en que se representan las piezas y dejarnos guiar por lo que nos dice la propia arquitectura del sitio, con lo cual puede variar bastante de un sitio a otro, a pesar de que seguiremos contando lo mismo. Digamos que si quisieras montarlo en vídeo sería bastante difícil ajustar los cortes de un día a otro... aunque por los estados que pasará este personaje estarán bastante claros y cualquier espectador, lo vea donde lo vea, se llevará una sensación parecida. 3.- Dices en el blog que para crear una de las piezas, pensaste en cómo sería un avatar de la pequeña bailarina de Degás. ¿Has pensado en otras "identidades" a partir de las cuales crear avatares para esta obra? ¿Las de amigos, o compañeros de profesión, por ejemplo? Jaja... completamente sí. Con esto estoy aprendiendo un montón... y además me lo paso muy bien haciéndolo. Es algo que empezó casi como un juego y que se ha convertido en una base fundamental en mi búsqueda de movimiento para este Avatar*. Todo comenzó porque yo empecé a utilizar los vestidos que había por el local de ensayo de mis compañeras (Teresa, Susana y Marina, las otras chicas de Erre que Erre) y cuando veía los ensayos que había grabado en vídeo, a veces me sorprendía a mi misma, porque al verme con sus vestidos en la grabación, yo misma, me recordaba de alguna manera a ellas... entonces, recuerdo muy bien incluso el día que fue, que estando en La Caldera ensayando decidí ponerme un reto y era apoderarme de su personalidad bailando... sus impulsos, su ritmo interno... en definitiva, su manera de sentir la danza. Todas ellas son grandes amigas y llevamos mucho tiempo trabajando juntas, por lo cual sabía perfectamente que podía hacerlo sin que ellas se sintiesen ofendidas ni "parodiadas"... de hecho, lo que tuve muy en cuenta fue precisamente no convertirlo en una parodia, sino meterme realmente en su piel y tratar de bailar como ellas "sienten e interpretan" el movimiento. Así que me puse manos a la obra y de esto estoy aprendiendo mucho. Es una cuestión de tener un cuenta los pesos, los impulsos, y por supuesto la sensibilidad personal de cada una de ellas. No sé si el espectador se dará mucha cuenta de ello, pero allí están todas ellas reflejadas, como también lo está la pequeña bailarina de Degàs. A mi me da mucha libertad a la hora de "sentirme otra", de meterme en la "piel de otro", que es el principio básico de la palabra avatar, que viene del sanscrito y que significa algo así como "el que desciende", la representación de un dios en la tierra, en definitiva, mutarse en otro...

4.- Cuando he hablado de este proyecto con algunos conocidos que se dedican a la danza, una de las primeras cosas que se preguntaban era ¿Cómo se pueden conseguir tantas residencias?, así que yo te lo pregunto a ti. Creo que la primera, con Malqueridas, fue la más importante, ¿no? Creo que sí fue la más importante, porque todo esto de Avatar*, era un proyecto, sueño, o ilusión, del que hablábamos Román y yo el verano pasado, pero que no sabíamos si llegaría a hacerse realidad, necesitábamos ese primer empujón y que alguien creyera en nosotros y en este proyecto, un tanto complicado técnicamente. Nos volvimos antes de tiempo de las vacaciones porque nos enteramos (ya casi al final de la convocatoria) de que Malqueridas, creaciones al límite, daba una beca de investigación y eso nos hizo ponernos en marcha... nos tiramos tres días, casi 24 horas seguidas (no te exagero... dormimos muy poco esos días), dando forma y contenido a todo lo que habíamos hablado. Cuando por fin, lo tuvimos sobre el papel, nosotros mismos empezamos a verlo más claro y posible. Malqueridas nos apoyó... y ese fue el principio de todo. A raíz de ahí, cuando tuvimos el primer dossier acabado, bastante respetable para el poco tiempo que tuvimos, conforme pasaban los días lo íbamos actualizando y mejorando... la tecnología, incluso la más doméstica, es asombrosa... sólo el hecho de tener un ordenador, internet y acceso a programas de software libre, hace que todo pueda ir tan deprisa como tu mente y tus ideas... Por eso siempre tuvimos muy clara la idea del blog, porque es un registro que se puede ir actualizando fácilmente y nos sirve para ir haciendo memoria de lo nuevo que va viniendo, lo que se desecha, lo que evoluciona y cómo evoluciona... Además, tanto Román como yo somos asiduos usuarios de la red (foros, blogs, webs), por eso tenemos una concepción bastante global y comunicativa con otras personas a las que ni siquiera conoces en persona, por eso, nosotros deseábamos compartir la información con otras personas que quisieran hacer algo parecido y que tuvieran la posibilidad de poder acceder a nuestra experiencia y a la vez que pudiese ser una evolución compartida... hemos contactado con mucha gente que están experimentando al igual que nosotros y los unos aprendemos de los otros... para nosotros eso es algo de gran valor. En fin, lo que te decía, una vez hecho el dossier (y abierto el blog), nos "pusimos las pilas" y empezamos a enviar el proyecto a todas las convocatorias en las que vimos que podía encajar. Y realmente, nuestra sorpresa fue mayúscula cuando vimos que la respuesta era positiva de todas ellas. Creo que el blog ha sido determinante para que muchas instituciones hayan apostado por el proyecto y que nos hayan concedido estas residencias, porque han podido seguir día a día el trabajo y ver de manera rápida y sencilla nuestros ensayos, la estética concreta que proponemos, y también las necesidades técnicas de la pieza. 5.- Dos preguntas muy de espectador: Dado que el escenario esta a oscuras ¿Cómo se te vera a ti? Y, por otro lado, ¿cuál es la duración prevista del espectáculo? 1- La iluminación del espectáculo es complicada y a la vez, determinante. Esta es una de la partes que debe de estar completamente controlada por nosotros a priori... es una de nuestras mayores preocupaciones, porque necesitamos que en todo momento se pueda ver bien la escena y que no resulte molesto para el espectador. Para ello es necesario un diseño de luces técnicamente muy bien confeccionado y preconcebido. El espectáculo Avatar*, para resumir, utiliza la detección de cámara "a oscuras", es decir, por medio de luz infrarroja, por eso, en el momento que encendemos un foco incandescente típico de escenario (ya sea pc, panorama, etc.). el sistema falla, lo cual es, en principio, un problema. Por eso, hemos investigado y sabemos que es posible la iluminación externa para la completa visión del espectáculo, puesto que hay otras fuentes para iluminar sin luz

infrarroja... leds, fluor, etc. Y precisamente ahora estamos en el momento de empezar a aplicar prácticamente todo lo que hemos ido investigando y consultando en red... por eso nuestra idea es ir diseñándolo junto a nuestro técnico de luces, en esta nueva residencia que nos ofrece tanto el Teatro de la Laboral y Laboral centro de Arte y creación Industrial, en Gijón. La base de Avatar* es la luz. Yo creo que es el propósito iluminotécnico más ambicioso en el que nos hemos metido... y esperamos resolverlo, jeje... aunque tiene mucho trabajo, te puedo asegurar que a mi se me verá, y q ue el espectador no estará semi a oscuras, ese es nuestro deseo. 2- La duración prevista: de 48 min a 61 minutos... jajaj... (por decirte algo, pues aún no lo sabemos), pero será un espectáculo completo de 1 hora aproximadamente, en el que la gente va a ver una pieza de danza. En algunos casos es posible que quede la instalación de la pieza, para que la gente pueda pas ar por encima del "floor interactivo" y que ellos mismos puedan vivir la experiencia. 6.- Lleváis trabajando en este proyecto, según he visto en el blog, desde noviembre de 2008. En este tiempo habéis ido progresando y entiendo que una de las fechas importantes es la del próximo 2 de octubre. Ese día tengo entendido que tiene lugar el pre-estreno en Cataluña. ¿Después de este pre-estreno el espectáculo continuará creciendo o ya os dedicaréis a asentar lo que tengáis? Siempre seguirá creciendo, es que nosotros no tomamos ninguna fecha como determinante porque a la vez, todas lo son... En todas las residencias que ya hemos desarrollado, siempre hemos hecho una pequeña muestra pública al final de cada una. La pieza siempre debe de crecer, sino... para nosotros no tiene sentido. Ese siempre es nuestro propósito. En Erre que Erre, tanto con Avatar* como con cualquier otro espectáculo, necesitamos que siempre esté vivo y que se adapte a los nuevos sitios donde lo representemos, siempre tiene que haber pequeñas cosas nuevas, tiene que estar en continua evolución. Y creo que esa es nuestra máxima premisa. Pienso que nuestro reducido (o no tan reducido) grupo de público (que tampoco es de masas), son fieles a nosotros por eso. Hay espectadores que han venido a ver el mismo espectáculo dos o más veces y siempre dicen que han encontrado nuevas sutilezas y que lo han vuelto a disfrutar. Ellos lo piden así, y nosotros lo queremos así. Y aquí haría un inciso sobre el ámbito en el que nos movemos Erre que Erre: Creo que tenemos mucha suerte los artistas "intermedios"... que nos somos ni de masas, pero tampoco anecdóticos, ya que me parece que hay circuito muy interesante de salas alternativas, centros de creación, galerías de arte, etc... los cuales se dejan la piel en el trabajo (desde los programadores, al equipo técnico). Sentimos que siempre que llegamos a una de estas salas, cada día más, hay un equipo profesional el cual está colaborando activamente y de buena gana para adaptar los espectáculos a la sala y que queden lo mejor posible. Yo necesitaba agradecer a este círculo de personas, ellos saben los que son, que se han portado siempre de maravilla y que admiro enormemente el trabajo que realizan. 7.- ¿Sería posible hacer este espectáculo con más bailarines o bailarinas? ¿Cómo crees que quedaría? ¿Os lo habéis planteado como un proyecto para el futuro? Para terminar quería comentarte una idea que surgió tras leer las citas que se incluyen en el dossier, en relación a la dialéctica "yo"-"otro". Recordé el concepto de "Ser en otro" que aparece en "La insoportable levedad del ser" de Milan Kundera. Se refiere a que, a veces, cuando tenemos que tomar una decisión, pensamos en qué decisión le gustaría que tomásemos a alguien, normalmente a un ser querido, respetado, amado... No sé si esto tiene algo que ver con vuestros "otros" "Avatares".

¿Este espectáculo con más bailarines.? Sí, claro... por supuesto que sí. Todo es tan abierto, eso es lo bueno!... además estas nuevas tecnologías tienen un potencial que ni nos imaginamos... todo es posible, ese también es el gran reto ¿qué estética elegimos? ¿qué queda dentro y qué fuera para lo que queremos explicar? Cada creador podría hacer algo completamente distinto con el mismo set que tenemos montado nosotros, es cuestión de determinar qué es lo que se quiere mostrar. Tenemos planeado hacer cursos para dar las primeras directrices (muy básicas, simplemente explicar cómo funciona, qué problemas pueden tener, qué posibilidades hay, etc.) Sería algo así como dar unos principios básicos para que luego cada cual pueda investigar y decidir qué le apetece más desarrollar... y a partir de ahí, dejar volar la imaginación. De esta manera, otros podrán utilizar esta misma base tecnológica, pero decidiendo ellos mismos qué es lo que les interesa, podría ser muy interesante también para espectáculos infantiles, para conciertos, para posibles decoraciones para sitios por los que pasa gente y que el sistema reacciona a sus movimientos... Estas nuevas tecnologías son tan versátiles que pienso que tienen miles de aplicaciones. Sólo hay que disfrutar con lo que haces, experimentar y buscar lo que quieres decir. En cuanto a la idea que expone Milan Kundera sobre "ser en otro", y que a ti te vino a la cabeza a propósito de Avatar*, por supuesto que tiene que ver, y mucho, con este espectáculo, ya desde el título. Muchos otros artistas han hablado sobre este tema, como sabrás por las citas que pusimos en el dossier... y es que los unos aprendemos de los otros, lo más importante es la colaboración, cambiar impresiones con los semejantes. Y de nuevo, me remito al blog... hay gente que nos comenta, otros que nos preguntan sobre cómo hacemos una u otra cosa, y por otro lado, nosotros nos ponemos en contacto con gente para preguntarles posibles soluciones, apreciaciones personales, etc. Yo confío en el intercambio de opiniones, porque necesitamos los unos de los otros, por eso "un o mismo siempre tiene partes de otros".

(Respuestas de Román) 1.- Román, a ti creo que te va a toca la parte más difícil. En primer lugar, quería que me explicases, como si se lo explicases a mi madre, lo que es el Lifefloor (beta) - incluyendo esto de que beta aparezca entre paréntesis. Yo, sobre todo, no entiendo el tema del recuento de las células muertas y todo eso. ¿Si lo defino como una touch screen o pantalla interactiva (creo que viene así en alguna parte de vuestro blog) me equivoco? ¿Me quedo corto...? Bueno eso es relativamente fácil. En primer lugar, hay algunas cosas que creo que no han quedado claras en la ficha y la descripción inicial del espectaculo, quizás porque representaban más un comienzo que algo más definido como vamos viendo poco a poco, mientras estamos inmersos en la propia investigación. Lifefloor (Beta) es una de mis anteriores piezas que inspiraron la técnica con la que vamos a realizar parte del solo (computer visión), por lo que es más una referencia que una herramienta en sí...La usamos como base para pensar en el solo, ya que con ella vimos como quizás podría emplearse para la danza y así crear de cero otra historia diferente pero con la misma idea: Un espacio virtual e interactivo, con cierta autonomía y que genere una historia que contar. En el caso de AVATAR*, hablamos de unos limites y unos espacios definidos por unas visuales que M. Ángeles puede manipular y usar de manera plástica de una manera más o menos autónoma, bien mediante el baile y el gesto, pero si olvidar que estamos intentando crear un espectáculo narrativo no un experimento freak en donde la improvisación invita más al descontrol y poco a la ensoñación, por lo menos y sin despreciar a la improvisación ni mucho menos, esa es la linea que mantenemos ahora mismo. Lo de (Beta) significa, en semejanza con los softwares inacabados o sin testear completamente, que aquella pieza no estaba realmente acabada, puesto que cuando la ideé, era más física de lo que realmente acabó siendo. Más info sobre Lifefloor (beta) aquí: http://romantorre.wordpress.com/2008/03/05/lifefloor-beta/ 2.- En este sentido, desearía que me explicases, si es posible, el papel de los siguientes elementos de la parte visual: •El proyector. •Los infrarrojos. •La Cámara El proyector o proyectores en este caso, nos muestran unos espacios donde la bailarina se mueve, un mundo abstracto, donde todo es sencillo pero mínimo y sofisticado a la vez. Será el encargado de ir guiando a la gente a través del universo donde el Avatar* se encuentra... Los infrarrojos, son junto a la cámara (una cámara de vigilancia en B/N), partes más técnicas encargadas de que se produzca un verdadero feedback entre los movimientos de M.Ángeles y la proyección....La camara, colocada en el techo, capta el espacio proyectado y detecta a las personas u objetos dispuestos en él y envía el punto exacto y las coordenadas del objeto o persona al ordenador, para que éste interprete dónde debe de moverse cierto objeto o motivo en la proyección. Para esta técnica se usa un filtro de infrarrojos e iluminación infrarroja adicional para que la cámara

vea a través de ese filtro. Si la cámara sólo ve el espectro infrarrojo y los objetos que rebotan estos infrarrojos, no verá la proyección o cualquier otro tipo de luz, por lo tanto no habrá interferencias entre la misma y la misión de la cámara que es, en realidad, hacer que el ordenador vea. En realidad, hay más “peros”...pero claro quizás no es este el espacio adecuado para aburrir a tus lectores ;)...Precisamente por esto hemos habilitado el blog, si te fijas en los apartados más técnicos , intento tratar este tema con más precisión para que la experiencia sirva como ejemplo a otra gente que quiera meterse en iniciativas parecidas. 3.- ¿Trabajáis en algún momento con el programa Isadora? Si es así, ¿cuál es el papel de este programa en la concepción de la parte visual? Hace relativamente poco que he descubierto ese programa. Creo que es una aplicación increíble y muy adaptada a la danza y la interactividad, ya que nació de alguien integrado en una compañía de danza. Tiene muchas ventajas como que puedes crear en tiempo real y unirlo todo con todo (hardware, software, vídeo, audio, etc.) pero realmente nosotros hemos optado, por el momento, en usar sólo aplicaciones libres como Processing, que no son exactamente lo mas adecuado para trabajar en tiempo real pero si que nos dan cierta potencia gráfíca que no nos ofrecen otros softwares. Ademas, gracias a ser libre, dispone de una amplia comunidad de desarrolladores y usuarios que comparten amablemente sus códigos y sus experiencias sin ningún secretismo y recelo, con lo cual la curva de aprendizaje para alguien como yo, es mucho mas rápida y efectiva. Aun así contamos con colaboradores externos como Ping Pong Technologies, empresa radicada en Barcelona y que tambien desarrolla en Processing y que nos está ayudando mucho a optimizar todo para que tener un mayor control, necesario en directo, sobre todo con aplicaciones creadas desde cero, como es el caso. 4.- He leído que en una fase intermedia del proceso creativo, le habéis dedicado un tiempo a jugar a videojuegos. ¿Puedes explicarnos esto un poco? Personalmente no he tenido en general mucho contacto con los vídeojuegos, quizás M. Ángeles ha jugado más, por eso mismo hemos aprovechado una vieja Game Cube que teníamos por casa para ver un poco más de cerca qué es lo que se cuece dentro de las secuencias narrativas de un vídeojuego. Queríamos saber en definitiva, cómo se pasa de pantalla, qué argumentos se usan para cambiar de escenas, qué hace que la continuidad de un juego sea efectiva y no aburra y un sin fin más de detalles que nos parecían aplicables a AVATAR*. 5.- Lleváis trabajando en este proyecto, según he visto en el blog, desde noviembre de 2008. En este tiempo habéis ido progresando y entiendo que una de las fechas importantes es la del próximo 2 de octubre. Ese día tengo entendido que tiene lugar el pre-estreno en Cataluña. ¿Después de este pre-estreno el espectáculo continuará cambiando o ya os dedicaréis a asentar lo que tengáis? Si, empezamos en diciembre del 2008 con esto, pero no hemos trabajado continuadamente en ello… quizás yo algo más, debido a que mis conocimientos van aumentando paralelamente al trabajo, pero M. Ángeles tiene otra serie de compromisos con Erre que erre, aparte de todo esto. También es necesario tener un espacio adecuado, con la altura necesaria para trabajar por lo que no siempre ha estado disponible y vamos poco a poco. El pre-estreno probablemente no significará que la pieza esté acabada. Una de las cosas que para mi son mas emocionantes en AVATAR* es que es una pieza constantemente en evolución, no es algo

que hemos pensado desde el principio, si no que vamos probando, descartando, aceptando otras partes y reinterpretándolas a veces, dependiendo del espacio disponible y otra serie de variables. En el blog precisamente queremos reflejar toda esa experiencia de manera abierta por lo tanto en esta pieza, como ya dije antes, es tan importante el proceso como el resultado final y por eso hemos decidido desde el principio mostrarlo abiertamente y con detalle, para que se pueda ver la evolución, las decisiones, etc. Así el, o la espectadora tendrá la oportunidad de acompañarnos en este ejercicio experimental y ver en tiempo real qué conclusiones, para bien o para mal, vamos sacando...Para mi es un paso más allá, una conexión mas humana entre los creadores y la gente interesada en nuestro trabajo. 6.- ¿Sería posible hacer este espectáculo con más bailarines o bailarinas? ¿Cómo crees que quedaría? ¿Os lo habéis planteado como un proyecto para el futuro? De momento no nos hemos planteado ir más allá, tenemos claro que tenemos mucho trabajo todavía por delante, por lo que no hemos pensado en desarrollarlo para que se introduzcan más interpretes ya que este proyecto se concibió en principio como un solo. Personalmente ya tengo mono de seguir proponiendo experiencias de este tipo o de otro, a Erre que erre u a otras compañías que se presten, pero a veces la cosas salen porque tienen que salir y no porque uno se empeñe en llevarlo adelante. El futuro es ahora y hay que trabajar duro para que las cosas salgan adelante, si salen más proyectos, bienvenidos sean.