14. La Pintura Barroca.

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Obras de Selectividad 91- Caravaggio-Vocación de San Mateo 92- Caravaggio-Conversión de San Pablo 93- Caravaggio-Muerte de la Virgen 94- Rubens-Las tres Gracias 95- Rembrandt-Lección de anatomía del Dr. Tulp 96- Vermeer-El pintor en su estudio 97- Velázquez-Las lanzas 98- Velázquez-Las meninas 99- Velázquez-Las hilanderas 100- Velázquez-Inocencio X 101- Zurbarán-Refectorio de San Hugo 102- Murillo-Inmaculada de Soult

TEMA 14: LA PINTURA BARROCA

Curso 2008-2009

Tema 14: La pintura Barroca

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1.- La pintura Barroca: Características generales 1. Como arte figurativo, la pintura barroca participa de la mayoría de los

caracteres comentados al tratar la escultura; es decir, naturalismo, afán de movimiento y gusto por lo efectista y aparatoso. 2. La pintura cansada de la perfección clásica renacentista no duda en

representar sus temas con la mayor crudeza. Ese deseo por representar la realidad de la manera más fiel posible le lleva a considerar como tema del cuadro la naturaleza muerta o bodegones así como representar escenas religiosas en el tono de la vida diaria. 3. El estudio de la expresión preocupa sobremanera al pintor barroco. Se representan personajes dando muestra de la más variadas expresiones (gritando, riendo abiertamente, gritando, etc.) como reflejos del estado del alma. Por otro lado, el barroco se complace en la representación del dolor siendo frecuentes las representaciones de martirios, representaciones especialmente fomentadas por la Contrarreforma, como medio eficaz de fomentar la devoción. Las persecuciones de los católicos en los países protestantes y la muerte de los evangelizadores en Asia y América pone de actualidad la era heroica de los mártires de los primeros tiempos del cristianismo. 4. La necesidad de contemplar las glorias celestes contempladas por los

místicos o los mártires en el momento de su tránsito, crea un tipo de composición efectista y espectacular, en la que el cielo, cargado de luz y ángeles, y con aparatosas nubes, ocupa la parte superior del cuadro (este efecto se denomina rompimiento de gloria) mientras en la parte inferior del cuadro se desarrolla la escena terrenal. (ya lo vimos en El Greco) 5. Por otro lado, el movimiento de la composición se intensifica, y al tranquilo esquema triangular renacentista sucede el deseo de crear Curso 2008-2009

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grandes líneas diagonales o simplemente oblicuas que cruzan violentamente el cuadro. 6. En cuanto a los elementos puramente pictóricos, ahora se le da

importancia capital a la luz. Se crean contrastes entre zonas de luz y zonas de sombras(tenebrismo) 7. Las formas se dibujan con precisión escultórica, aunque se terminará

matizando perfectamente el efecto del aire iluminándolo en la forma y en el color. Si la pintura debe al Renacimiento el descubrimiento de la perspectiva lineal, tiene que agradecer al Barroco el dominio de la perspectiva aérea. 8. El pintor barroco aprende de la escuela veneciana no sólo el valor

primordial del color como pigmento, sino también como creador de formas. Los pintores barrocos evolucionan hacia una pincelada cada vez más suelta y a un predominio absoluto del color sobre el dibujo. 9. Aunque la pintura barroca, sobre todo en Italia, continua empleando el

fresco que se reduce a la decoración de las bóvedas. En cambio se abandona el temple y se generaliza el óleo sobre lienzo que permite la realización de cuadros de proporciones mucho más grandes que la tabla, y gracias al cual los cuadros de los retablos son todo lo gigantescos que exige el sentido de la grandiosidad de los arquitectos barrocos. 10. La temática religiosa se diversifica extraordinariamente, observándose

claras diferencias entre la pintura de los países católicos y los protestantes. Los católicos insisten en los temas rechazados por los protestantes. Así se representa el tema de la Inmaculada, las escenas alegóricas del Santísimo Sacramento o las vidas y martirios de los Santos. Sin embargo, en la pintura holandesa, protestante, abundarán los temas extraídos del Antiguo Testamento. 11.Los temas mitológicos continúan representándose y en Flandes y Francia conservan el tono idealista de la tradición italiana, mientras que Curso 2008-2009

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en España, donde este tema sólo es tratado por Velásquez, y Holanda se representan en como escenas de la vida cotidiana 12. Se generalizan otros temas profanos como paisajes, bodegones,

batallas navales, de escenas caseras (pintura de género)y retratos, individuales o de grupo. 2.- La pintura barroca europea: principales escuelas a) La escuela italiana: Caravaggio. Lo mismo que su vida, la actitud artística de Caravaggio es de franca rebeldía. Al situar en el primer plano de su interés el problema de la luz, inicia una de las grandes conquistas del Barroco. En Caravaggio la luz se proyecta sobre las formas con violencia y su contraste con la sombra es brusco e intenso (tenebrismo). Frente al idealismo renacentista actúa con tal naturalismo que en numerosas ocasiones sus obras son rechazadas por la Iglesia y el pueblo por considerarlas poco apropiadas a su temática religiosa y por no inspirar devoción. Entre sus principales obras vamos a destacar y comentar las siguientes:

1.-Baco joven (1595) Se trata posiblemente de un autorretrato. Es de su primera época. El naturalismo de esta obra, con una concepción plenamente popular, es una reacción contra el exclusivismo aristocrático y la seriedad de la pintura de la Italia del momento, condicionada por las normas impuestas desde el Concilio de Trento. Desarrolla un tema(la ebriedad de Baco) entonces despreciado por los académicos, pero de gran interés para el mundo privado y popular. Dispone de una media figura según un esquema tratado con cierto Curso 2008-2009

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descuido en la posición, y sin duda influido por Miguel Ángel (posición lateral, brazo doblado) acompañado por unas frutas, en este caso las propias de la divinidad. Es una muestra de ese “amor a la verdad” que daba gran importancia a todas las cosas, ya fueran figuras o flores, representadas en un cuadro. Se centra esencialmente en el hombre y lo que le rodea tratándolo todo de forma real y natural. El paisaje desaparece y pasa a primer plano la naturaleza muerta. 2.- Vocación de San Mateo (Selectividad) Identificación Título: Vocación de San Mateo Autor: Caravaggio Cronología: (1598-1601) Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo Dimensiones: . 3,38 x 3,48 m. Localización: Capilla Contarelli. Iglesia de San Luís de los Franceses(Roma) Tema: religioso

Análisis En este cuadro se ven las características del nuevo estilo: es naturalista, se acerca de un modo original a los temas y los trata con desenfado casi sacrílego. Son delincuentes italianos los modelos utilizados por el pintor en este cuadro. Sus personajes son hombres del pueblo, mal vestidos y con frecuencia pobres y con gestos vulgares. La luz está empleada ahora como un elemento expresivo (tenebrismo). El claroscuro es fundamental y utiliza luces violentas. Cristo y un Apóstol, se acercan desde la derecha. Mateo el recaudador de impuestos, está sentado con unos amigos. Es el único que ha comprendido que Cristo se dirige a él. Hay una corriente psicológica que une a las dos figuras, que Curso 2008-2009

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se apoya en el tratamiento de la luz y en la disposición de las manos (la mano de Cristo recuerda a la de Dios en la Capilla Sixtina). La intensa luz que cae diagonalmente acentúa las expresiones faciales destacando los elementos esenciales. El estatismo de la escena se rompe con algunas líneas diagonales (pierna, taburetes, espada que centra la atención en el dedo de Mateo). La simbología de la luz se explicaría como el triunfo de la religión sobre las tinieblas espirituales. 3.- Crucifixión de San Pedro.(166-1601). Óleo sobre lienzo. Capilla Contarelli. Iglesia de San Luís de los Franceses(Roma). Representa el momento en el que San Pedro es izado al revés en la cruz. Todo el peso del cuerpo del santo se desplaza por el plano inclinado del madero. En esta postura se destaca el dolor humano que sintió San Pedro en el momento del martirio. Sobre un fondo negro, la luz ilumina de manera violenta el cuerpo de las tres figuras masculinas y del santo. Destaca la composición a base de dos diagonales: una formada por la figura tumbada, la cuerda y la figura que de espaldas tira de ella; y la otra viene marcada por la cruz, el cuerpo de san Pedro y la figura que lo sujeta por los pies. Hay que destacar también el realismo en la representación del cuerpo anciano del Santo así como la atrevida composición, principalmente situando en el primer plano a una figura agachada de espaldas al espectador al que muestra sus pies sucios. 4.- La Conversión de San Pablo. (o La Caída de San Pablo camino de Damasco) Selectividad. Identificación Título: La Conversión de San Pablo Autor: Caravaggio Cronología: 1600-1601 Estilo: Barroco Técnica y materiales: óleo sobre lienzo Curso 2008-2009

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Dimensiones: 230 x 175 cms Localización: Iglesia de Santa María del Pópolo Tema: religioso Análisis De nuevo, Caravaggio vuelve a representar otro tema religioso en el que trata el tema con audacia, que en este caso queda reducido al retrato de un hombre caído en el suelo con los brazos abiertos y, más que nada, el retrato de un magnífico caballo que ocupa un lugar destacado en la composición. Es de destacar las soluciones de perspectiva (escorzos) el compacto juego de los volúmenes y los efectos de luz y sombra (tenebrismo) Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo. El joven aún llamado Saulo era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por qué me persigues?". Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo. Caravaggio nos cuenta esta historia de una manera completamente diferente, bajo la apariencia de lo trivial hasta el punto de ser tremendamente criticado: en primer lugar, la escena parece tener lugar en un establo, dadas las asfixiantes dimensiones del marco. El caballo es un percherón robusto y zafio, inadecuado para el joven soldado que se supone era Saulo. Y para rematar las paradojas, el ambiente es nocturno y no el del mediodía descrito en los escritos de San Pablo. Estos recursos, que vulgarizan la apariencia de la escena, son empleados con frecuencia por Caravaggio para revelar la presencia divina en lo cotidiano, e incluso en lo banal. Existen detalles que nos indican la trascendencia divina de lo que contemplamos, pese a los Curso 2008-2009

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elementos groseros. Estos signos de divinidad son varios: el más sutil es el vacío creado en el centro de la composición, una ausencia que da a entender otro tipo de presencia, que sería la que ha derribado al joven. Por otro lado tenemos la luz irreal y masiva que ilumina de lleno a Saulo, pero no al criado. La mole inmensa del caballo parece venirse encima del caído, que implora con los brazos abiertos. Los ojos del muchacho están cerrados, pero su rostro no expresa temor sino que parece estar absorto en el éxtasis. Siguiendo estas claves, Caravaggio nos desvela magistralmente la presencia de la divinidad en una escena que podría ser completamente cotidiana. Siendo, como es, pareja del cuadro con la Crucifixión de San Pedro, las dimensiones elegidas son iguales para ambos, así como el tono de la composición, con idénticos sentido claustrofóbico y gama de colores. 5.- Muerte de la Virgen. París. Museo del Louvre (Selectividad) Identificación Título: Muerte de la Virgen Autor: Caravaggio Cronología: 1605-1606 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 396 x 245 cms Localización: París. Museo del Louvre Tema: religioso Análisis Pintada en 1605 para la Iglesia de Santa María de la Scala de Roma, fue rechazada por el crudo realismo de los personajes, y por la falta de decoro. La composición tiene un realismo y un naturalismo extraordinarios. Los personajes proceden de la calle lo que desencadenó la censura de la Iglesia principalmente al saberse que como modelo de la Virgen el Curso 2008-2009

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pintor usó el de una prostituta ahogada en el Tíber. Aparece tendida, descompuesta, con el vientre hinchado y los pies al descubierto. Caravaggio humaniza a los personajes divinos y muestra la muerte con toda su crudeza sin ninguna alusión al carácter sagrado de los protagonistas La luz ilumina la escena de manera oblicua el ángulo superior izquierdo. Destaca el color rojo de la cortina así como del vestido de Virgen, de clara influencia veneciana. b) La pintura Barroca en Flandes y los Países Bajos •

Flandes (Pedro Pablo Rubens): Rubens se formó en Italia, bajo la influencia de los grandes artistas del siglo XVI. En Rafael y Leonardo estudia el arte de componer, en los venecianos el uso del color, en Miguel Ángel el sentido de la grandiosidad y en Caravaggio la luz. De todos ellos realizó numerosas copias. Rubens crea un personalísimo estilo y se convierte en el maestro más representativo del Barroco en cuanto a movimiento, abundancia y desbordamiento de las formas Bajo su pincel todo se hincha, se inflama y se retuerce como la columna salomónica. Crea un tipo de belleza femenina de formas voluptuosas y carnes nacaradas. Su taller realizó muchísimas obras de las que él crea el arte de componer, y da los retoques finales. Gracias a ese taller deja una producción amplísima que trata todos los temas: religiosos, mitológicos, profanos, históricos, etc. Entre sus innumerables obras destacan: 1. Las Tres Gracias (1635). (Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Madrid).(Select.) Identificación Título: Las Tres Gracias Autor: Pedro Pablo Rubens Curso 2008-2009

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Cronología: 1635 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 221 x 181 cms Localización: Museo del Prado (Madrid) Tema: mitología Análisis Su amor al desnudo y su notable cultura clásica le convierten en el gran intérprete barroco de la fábula pagana. Su gran empresa de este tipo es la numerosa serie que pinta por encargo de Felipe IV. Es un ejemplo de la riqueza cromática de la pintura flamenca con suaves tonalidades y matizaciones. Descripción del tema: las tres divinidades griegas se llaman Eufrosina, Aglaia y Thalía y eran hijas de Júpiter. Las Gracias eran las protectoras de los filósofos, mientras que las Musas lo eran de los poetas. Desde época helenística se las representa desnudas y enlazadas, y así las representa Rubens. La de la izquierda es Helena Fourment, la esposa del pintor, rubia y enjoyada; a la derecha su primera mujer Isabel, idealizada. Las tres son del tipo de mujer flamenca, adiposa más que robusta, de formas amplias y sensuales, muy típicas del pintor. La obra presenta un gran naturalismo, un magnífico estudio del desnudo y una gran perfección anatómica. De igual manera es muy meritorio el estudio paisajístico. En la Antigüedad se las representaba vestidas y como compañeras de Afrodita. 2. Descendimiento de la Cruz. Óleo sobre tabla (tabla central del Tríptico del Descendimiento 420 x 310 cms.) Catedral de Amberes Pintada entre 1608 y 1612 esta obra está compuesta de manera parecida a otra que representa el momento contrario, el Alzamiento o Erección de la cruz. Curso 2008-2009

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Es una composición en diagonal, en la que Cristo muerto transmite una gran calma; el agrupamiento de los personajes, un tanto escenográfico, realza la figura principal, más iluminadaA pesar del reposo de la escena, las figuras se contorsionan en múltiples direcciones, aunque no con excesiva violencia. La Influencia de Caravaggio en el tenebrismo es evidente. En las otras dos tablas del tríptico se narran “La Visitación a Santa Isabel” y La Presentación en el templo.) 3. El Jardín del Amor (1630) Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Es una de sus obras más interesantes. Ofrece una visión de la corte y de la mitología totalmente nuevas y que se harán muy populares en el Rococó. (Siglo XVIII) Simboliza la celebración alegórica de su nuevo matrimonio. Constituye su más personal canto a la vida y al amor. El perro, pavo real, los angelillos, el yugo, la corona de flores, la antorcha encendida y la paloma, son símbolos matrimoniales. La arquitectura recuerda su propio jardín y aparecen sus dos mujeres En el cuadro, de amarillo, Helena muy joven y rodeada de amorcillos, es representada como una diosa. También aparece a la izquierda abrazada por Rubens su primera mujer, Isabel, sentada en el suelo con Van Dyck (un gran pintor y discípulo de Rubens); Isabel aparece un poco mayor, gruesa, pero idealizada, Van Dyck, joven y rubio. El cuadro es una reflexión neoplatónica sobre los tres grados de amor: pureza (una joven doncella de blanco, a la derecha), matrimonio (Rubens y su esposa Helena) y el juego (Van Dyck y la primera esposa Isabel). Los Países Bajos (Holanda).Rembrandt y Vermeer. Con Rembrandt (1606-1669), la pintura holandesa llega a su punto culminante. Nació en Leyden aunque pasó casi toda su vida en Curso 2008-2009

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Ámsterdam donde adquirió un gran prestigio y donde se hizo rico con el comercio. Enviudó de su primera mujer (Saskia) que había sido su modelo muchos años y se volvió a casar con su antigua sirvienta (Hendrickje) que también posó para él. Además de un excepcional pintor también fue uno de los grabadores más geniales de toda la historia del arte. Su estilo parte del tenebrismo aunque en su pintura el contraste entre luz y sombra no es tan tajante como en Caravaggio o Ribera. Cultivó todos los géneros (pintura religiosa, bodegón, retrato y autorretrato, retratos de grupos, pintura de tema mitológico, etc.). Entre sus obras más importantes vamos a comentar las siguientes: 1.La Lección de Anatomía del Doctor Tulp. (1632). Óleo sobre tela. Selectividad Identificación Título: La Lección de Anatomía del Doctor Tulp Autor: Rembrandt Cronología: 1632 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 1,69 x 2,16 ms. Localización: Museo Mauritshuis de La Haya Tema: Retrato de grupo o colectivo Análisis Rembrandt inicia su carrera en Ámsterdam el año 1632 con este cuadro. Para un desconocido artista de 26 años, es un gran éxito y la consagración oficial de su pintura. Los nombres de los siete personajes que asisten a la lección aparecen en el folio que uno de ellos sujeta con la mano. Los personajes se superponen formando una escena y la luz organiza de manera magistral la composición; a su vez, el reflejo del cadáver sirve para iluminar los rostros de los presentes. El tema Curso 2008-2009

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representado es una lección pública que imparte el doctor Tulp, anatomista del gremio de los cirujanos de Ámsterdam. La lección se desarrolla sobre el cadáver de un ajusticiado; el cadáver, representado en escorzo, concentra la luz. El doctor levanta los tendones de la mano izquierda con sus fórceps y muestra como se mueven los dedos. Los personajes presentan una cara interesada y a la vez reflexiva, acentuada por los colores blancos de los cuellos. 2.-La Ronda de Noche. Rembrandt. (1642).Óleo sobre lienzo. Rijksmuesum (Ámsterdam). 3,73 x 4,37 m El título de este cuadro, el más famoso de su autor y una de las grandes obras del arte de todos los tiempos, es realmente “la Guardia Cívica mandada por el capitán Frans Banningucocq y el teniente Willem van Ruytenburch. A pesar del aparente desorden de la escena, es un retrato de grupo, muy frecuente en la Holanda del siglo XVII. El atrevimiento de Rembrandt al componer la escena no fue muy apreciado en su momento. El tamaño de las figuras es igual o superior a lo normal, por lo que resulta una obra de grandes dimensiones. El barroquismo de la obra se presenta en varios aspectos: la dispersión de direcciones de los distintos personajes, la composición en diagonales, los efectos de claroscuro, la riqueza cromática y los contrastes de color 3. Los síndicos del gremio de los pañeros. Óleo sobre lienzo. Rijksmuesum (Ámsterdam). Se trata de un retrato de grupo encargado por el gremio de los pañeros hacia el año 1661. Destaca en esta obra la novedad compositiva. Los seis personajes están unidos por la complicidad que supone su mirada hacia el espectador. Ha creado una sensación de espacio y de vida “real” con unos recursos muy simples: la composición, la construcción de las figuras y los colores. La escena se Curso 2008-2009

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ilumina con el rojo cálido del tapete en el que destacan las páginas de un libro abierto que consiguen un extraordinario efecto de profundidad. Otras obras destacadas de Rembrandt son: El Buey desollado (bodegón), Autorretratos varios (Autorretrato con turbante de 1661), Mujer saliendo del baño, el descendimiento de la Cruz, El hombre del casco dorado…etc. Vermeer de Delft, el otro representante de la escuela holandesa es uno de los pintores neerlandeses más conocidos del Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa, en que su país experimentó un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Entre sus cuadros más conocidos podemos destacar Vista de Delft La joven de la perla, la lechera, el geógrafo la callejuela, etc. . En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos. Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz. El arte de la pintura (Alegoría de la pintura) Selectividad Identificación: Título: El arte de la pintura (Alegoría de la pintura) Curso 2008-2009

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Autor: Johannes Vermeer Cronología: 1666 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: Mide 120 cm de alto y 100 cm de ancho Localización: Museo de Historia del Arte de Viena, Austria, Tema: alegoría Análisis La pintura representa una escena íntima de un pintor pintando a un modelo femenino en su estudio, junto a una ventana, con el fondo de un gran mapa de los Países Bajos. La pintura tiene sólo dos personajes, el pintor y su modelo. Se cree que el pintor sería un autorretrato del artista, aunque no resulta visible su cara. Viste con lujo, lo mismo que hizo Rembrandt en El pintor en su estudio. La vestimenta lujosa subraya la idea de que el pintor no es un mero artesano sino ejecutor de un trabajo distinguido, como dijo Leonardo en su tratado: «...el pintor está sentado delante de su obra y dirige ligero el pincel con colores bellos. Está vestido como más le gusta” Los expertos atribuyen un carácter simbólico a varios aspectos de este cuadro. La ausencia de velas en el candelabro se supone que representaría la supresión de la fe católica. La máscara que está sobre la mesa junto al artista se cree que sería una máscara mortuoria, representando la inefectividad de la monarquía Habsburgo. Como corresponde a una alegoría, la luz natural se convierte en luz glorificadora, a través del recurso a la luz intensa que proviene de una ventana invisible, a la izquierda, y que cae directamente, sobre la modelo representando a la Musa. Muchos expertos de arte creen que la obra de arte es una alegoría de la pintura, de ahí el título alternativo de este cuadro. Es el más grande y complejo de los cuadros de Vermeer. La pintura es famosa por ser una de las favoritas de Vermeer. Creado en Curso 2008-2009

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una época sin fotografía, ofrece una representación visual realista de la escena y es un buen ejemplo del estilo de la cámara oscura. Otros puntos fuertes de la obra son: el uso de colores brillantes y el impacto de la luz filtrándose por las ventanas sobre varios elementos de la pintura. 3.- La Pintura barroca española Características generales. Además de los rasgos comunes señalados en el tema anterior, la pintura barroca realizada por los artistas españoles ofrece algunas características relevantes y específicas que son consecuencia de la realidad sociopolítica de la España del siglo XVII. Son las siguientes: 1. La ausencia de algunos de los rasgos característicos del Barroco italiano

que son una herencia renacentista: lo heroico, la grandiosidad, el aspecto coral, etc. que son sustituidos en la pintura española por lo íntimo , lo humilde lo que supone un naturalismo equilibrado y una composición sencilla 2. El predominio de la temática religiosa, especialmente en su expresión

ascética o mística. Aunque Velázquez incorpora el paisaje y la mitología y Zurbarán el bodegón. 3. La ausencia de sensualidad a causa de la implacable vigilancia de la Iglesia (la única excepción es Velázquez). 4. El tenebrismo que se utilizó no sólo como un recurso técnico sino como la vía para mostrar los valores “espirituales”. Los pintores barrocos más representativos son a)Ribera, Zurbarán y Murillo. De José Ribera se ha criticado su crudo realismo (pinta con la sangre de sus mártires) un claro ejemplo del cual lo encontramos en El martirio de San Felipe (Museo del Prado 1639). Aquí Ribera presenta los preparativos para el martirio y no el martirio en sí, Curso 2008-2009

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concentrando la atención más en el enorme esfuerzo físico desarrollado por los verdugos para izar el cuerpo del santo a lo alto de la cruz y por primera vez la escena adquiere una amplitud que la aparta de la claustrofóbica sensación de los anteriores martirios de San Bartolomé, en los que las figuras ocupaban casi por completo toda la superficie de la tela, y en los que la oscuridad constituía la nota dominante. En su estancia en Nápoles, Ribera se mantiene fiel al estilo de Caravaggio que después matizará. De esta época es la serie titulada filósofos y sabios de la Antigüedad. Eran frecuentes estas representaciones en el siglo XVII. Lo que era radicalmente nuevo era el tratamiento, que les dio Ribera. Son personajes vulgares, vestidos con ropas humildes, cuando no con harapos, La tipología es siempre la misma: el personaje se sitúa frente al espectador, de medio cuerpo, tras una mesa, sobre la que puede disponer cierto número de objetos tratados con prodigioso realismo, en el caso de la obra Demócrito (antes conocido como Arquímedes). Entre sus obras más originales, por la monstruosidad de sus personajes destaca La mujer barbuda.(Museo del Prado) el retrato de Magdalena Ventura, una mujer a la que a los 37 años le creció la barba, recoge el testimonio de un fenómeno raro de la naturaleza cuyo valor documental queda resaltado por la larga inscripción latina que refiere los pormenores del caso. La mujer aparece con un hijo en brazos y a su derecha su marido. El pintor indagó en los detalles realistas, el traje, el encaje del cuello, el delantal y la deformidad del rostro, acompañado de un huso y una devanadera, como símbolos de la naturaleza femenina del personaje. Otro ejemplo de realismo extremo es El niño cojo o El Patizambo, que pese a sus evidentes malformaciones en pies y manos, no presenta una imagen grotesca, ni monstruosa, sino al contrario. Curso 2008-2009

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Ribera expresa con rigor y claridad su participación en un mundo de desheredados y harapientos, a los que devuelve la dignidad y carácter. Por último en su San Andrés, Ribera representó al Santo ante un fondo oscuro abrazando la cruz del martirio y con un grueso anzuelo en la mano, al que está sujeto un pez lo que alude al oficio de pescador de este Santo. Aparece con el pecho desnudo, el cabello desgreñado y barba. Una fuente de luz ilumina desde la izquierda su vigoroso torso, marcado por la edad con las manos ásperas de nudillos hinchados que denuncian una vida de labores manuales. 2.- Francisco Zurbarán ( 1598-1664) Un género que tuvo una gran aceptación en el Barroco fueron las naturalezas muertas o bodegones. Zurbarán nos deja un buen ejemplo de ellos. Bodegón (Los Ángeles), esta es la única naturaleza muerta o bodegón firmada por el artista y desde luego la de mayor belleza de las que se le atribuyen al pintor. De severa composición equilibrada y monumental, se centra en el cestillo de mimbre lleno de naranjas y coronado por unos ramitos de azahar. Al lado sobre brillantes platos de estaño van, a un lado unos gigantescos limones, y al otro, una taza alta y una delicada rosa de tonos casi violáceo. Se ha pensado con frecuencia que quizá la sutil delicadeza oculte un cierto simbolismo religioso. La misma taza y la rosa, reaparece en otras composiciones de Zurbarán. Se ha señalado que la taza contiene agua, y ha subrayado el valor de pureza que el agua contiene como ofrenda litúrgica, y al hermanarla con la rosa (amor) y con la naranja y el azahar (castidad), deduce un valor alegórico mariano. Utiliza un sistema de iluminación intenso que subraya la rotundez de las formas y las diferentes texturas de frutas y objetos y consigue, una atmósfera de poética intimidad misteriosa. Curso 2008-2009

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Zurbarán pintó a lo largo de su vida muchísimas figuras de Santas vírgenes, a veces formando parte de ciclos concebidos con intención procesional. Pero en otros casos encontramos figuras de Santas que no son sino retratos a lo divino, aunque también hay ejemplos que parecen concebidos con absoluta independencia y como obras aisladas, de devoción privada, enteramente de su mano zamarra. Un buen ejemplo de esta serie de Santas es el de Santa Casilda (a veces conocida como Santa Isabel de Hungría), donde demuestra su maestría en el tratamiento de las telas, que caen en cascada de ampulosos pliegues, y que la luz ayuda a valorar en toda su riqueza de texturas y colores, intensos casi siempre: violeta, amarillos calabaza, verdes intensos, rojos cálidos y grises de varias tonalidades, se juntan dando lugar a lujosísimos trajes, consiguiendo una belleza cromática excepcional. Los lienzos que Zurbarán pintó para la Sacristía de la sevillana Cartuja de las Cuervas, son las obras que más dudas han suscitado respecto a su cronología. San Hugo en el refectorio de los cartujos (Selectividad) Identificación: Título: San Hugo en el refectorio de los cartujos Autor: Zurbarán Cronología: 1655 ¿? Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 2,68 x 3,18 ms Localización original: Sacristía de la Cartuja sevillana de Santa María de las Cuevas Localización actual: Museo de Bellas Artes de Sevilla Tema: religioso Análisis: Curso 2008-2009

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De los tres grandes lienzos de la Cartuja, es el más complejo e intenso. Se representa a San Hugo, obispo de Grenoble, cuando éste visita el refectorio de los cartujos donde éstos han quedados dormidos desde el Domingo de Quincuagésima hasta el Miércoles de Ceniza, y comprueba que la carne servida entonces se ha convertido en ceniza. El prodigio fue interpretado como divina prohibición y desde entonces la carne desapareció de las mesas cartujanas. Para la composición la composición Zurbarán utiliza modelos ajenos, la disposición de la mesa y del obispo y el paje proceden de una estampa florentina, mientras que el cuadro colgado en la pared, con la Virgen y San Juan Bautista, también procede de otra estampa. En cambio los rostros son una galería de caras ensimismadas, creando con los hábitos un prodigioso juego de volúmenes, mientras que sobre el mantel blanco aparece un maravillo bodegón de austeridad cuaresmal. 3.- Bartolomé Estebán Murillo (1617-1682) El Niño Jesús y San Juan Bautista Niño y a veces la Virgen niña, fueron algunos de los temas de mayor éxito para el pintor. Tuvo una gran facilidad para la infancia. Sus niños nunca son hombres en pequeño, sino que reflejan en todo el realismo a la niñez. Una de sus obras más conocidas es, el Agnus Dei del Museo del Prado, cuando el estilo de Murillo incorporó con mayor naturalidad el movimiento a sus composiciones a la vez que mostraba un mayor dominio del color. La niñez de Jesús (otro tema frecuente en la pintura barroca) se desarrolló bajo el cuidado de sus padres. Murillo también se inspira en los personajes sencillos de su tiempo. Esto es lo que refleja La Sagrada Familia del pajarito (Museo del Prado) perteneciente a su primera .También tuvieron mucha demanda sus versiones sobre San Juan Bautista niño con Jesús, y casi siempre representó a los dos juntos. En Los niños de la concha (Museo del Prado), el cordero que es símbolo de San Juan Bautista, mira a los Curso 2008-2009

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niños. Uno de ellos, el niño Jesús, da de beber agua del Jordán en una concha a San Juanito, que se apoya en una Cruz que parece fruto de un juego infantil, en la que se puede leer Ecce Agnus Dei, indicando así la trascendencia sagrada de la escena infantil. Junto a los temas de carácter religioso Murillo también refleja la realidad que le rodea. Así podemos verlo en obras como El niño despiojándose. (Museo del Louvre. París. (1645-1650) y Los niños comiendo melón y uvas La lucha por el reconocimiento del dogma de la Inmaculada Concepción de la Virgen María, tuvo gran importancia en la Sevilla barroca. Fue el sevillano Francisco Pacheco (suegro de Velázquez) quien dictó las normas iconográficas de su representación (edad, color de sus vestidos, sus atributos...), pero Murillo creó un prototipo, que sirvió de modelo par otros pintores sobre el tema. El ejemplo más significativo de este prototipo es La Inmaculada de Soult Identificación: Título: Inmaculada de Soult Autor: Murillo Cronología: 1678 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 274 x 190 cms Localización actual: Museo del Prado Tema: religioso Análisis: En ella desaparecen los atributos de la Virgen, que según parece talló posteriormente en el propio marco del cuadro, cuando lo acostumbrado era que los portasen los ángeles. Curso 2008-2009

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La representa con túnica blanca y manto azul, sobre la luna en cuarto creciente y rodeada de una luz dorada. Los ángeles niños crean una diagonal que viene reforzada por la zona de sombras, y el movimiento de los distintos grupos Otros pintores del Barroco español son: Ribalta (“Crucificado abrazando a san Bernardo”), Alonso Cano (“Milagro del Pozo”), Claudio Coello (“Retrato de Carlos II”, “La adoración de la Sagrada Forma”) y Valdés Leal (“Oleos del Hospital de la Caridad de Sevil c) Velázquez (1599-1660). a) Aspectos biográficos Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla en 1599. Su padre, Juan Rodríguez de Silva era de ascendencia portuguesa y de origen noble. Su madre, Jerónima Velázquez, cuyo apellido se va a perpetuar en la historia de la pintura procede de una conocida familia de Sevilla. Aunque al final de su vida suele firmar sus obras como Diego de Silva, se le conoce con el apellido materno. Con doce años entró a formarse en el estudio del pintor Francisco Pacheco, en cuyo taller conoció las novedades artísticas que llegaban desde Italia, y especialmente la pintura de Caravaggio. Pacheco desde sus comienzos vio en él un talento innato y lo “adoptó” hasta el punto de convertirse en su suegro. En la pintura de Velázquez podemos distinguir las siguientes etapas claramente diferenciadas: 1.- Etapa sevillana (hasta el año 1623) Este periodo se caracteriza por una clara influencia de la pintura tenebrista. Velázquez procura-y consigue- dominar el natural y lograr la representación del “relieve” y de las “calidades” sirviéndose de la luz, que acentúa los volúmenes y coloca en un primer plano las cosas más vulgares. Es en los cuadros de “género” o bodegones con sus tipos Curso 2008-2009

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vulgares y sus objetos cotidianos donde Velázquez lleva a cabo sus primeros “ejercicios” pictóricos. Algunas de estas obras de juventud (“El aguador de Sevilla” o “Dos jóvenes comiendo”) fueron conservados por el propio Velázquez y viajaron en él a Madrid lo que probaría la anterior idea. Además de los cuadros de género la producción pictórica de esta etapa está centrada en obras de temática religiosa. Entre ellas destacan en primer lugar algunas de carácter piadoso que son concebidas como escenas de “género” y en las que sólo en segundo término el espectador identifica el episodio bíblico o evangélico (“Cristo en casa de Marta” y “La cena de Emaus”) y también algunos cuadros de carácter devocional como “La Inmaculada Concepción”, “San Juan en Patmos” ambos en la National Gallery de Londres y “La Adoración de los Magos” del Museo del Prado. Pertenecen a esta etapa inicial de Velázquez dos de sus obras maestras a las que dedicaremos una atención especial: nos referimos a “El aguador de Sevilla” y “La vieja friendo huevos”. 2.- El descubrimiento de la Corte (1623-1629) En el año 1621 murió Felipe III y el nuevo monarca, el joven Felipe IV convirtió a un sevillano (D. Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares) en su valido. La presencia de Olivares en Madrid impulsó a Pacheco a aconsejar a su yerno su marcha a la capital donde sus dotes no pasarían inadvertidas Después de un primer intento en 1622,Velázquez con el apoyo del Conde Duque consigue al año siguiente ser admitido en la Corte, de donde, gracias al triunfo de su primer retrato del Rey Felipe IV, ya no saldrá jamás convirtiéndose en pintor de cámara del rey (ocupó la vacante de Rodrigo de Villandrado, muerto en 1622) lo que le liberó de toda otra clientela y le permitió pintar con total libertad y conocer las Colecciones Reales (en la que abundaban los maestros venecianos).En estos primeros años de su estancia en Madrid realizó algunas obras con Curso 2008-2009

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las que intentó demostrar su capacidad para la inventiva y no sólo para el retrato. La mayoría desaparecieron como consecuencia del incendio del Alcázar Real en 1734 (entre ellas es de lamentar la pérdida de un gran lienzo titulado “La expulsión de los moriscos”. De las conservadas de estos años es la más significativa “Los Borrachos o El triunfo de Baco” del Museo del Prado, una de sus escasas obras de tema mitológico y que analizaremos posteriormente. En el año 1628 Rubens llegó a Madrid en misión diplomática y lógicamente entró en contacto con Velázquez en el que sin duda influyó a pesar de tener sensibilidades distintas. 3.- El primer viaje a Italia(1629-1631) Apenas partió Rubens de Madrid, Velázquez solicitó licencia al rey para ir a Italia que no sólo lo autorizó sino que le suministró carta de recomendación para los príncipes italianos y recursos económicos. En realidad, utilizando la terminología actual podíamos decir que Felipe IV lo “becó” en su “viaje de estudios”. Estuvo en Génova, Milán, Venecia y Roma que era en realidad su verdadero objetivo. En este primer viaje a Italia copió atentamente las obras de Rafael Y Miguel Ángel y se considera la última etapa de su periodo de formación. En Roma realizó dos de sus obras más importantes: “La fragua de Vulcano” del Museo del Prado y “La túnica de José” del Monasterio del Escorial” (las comentaremos posteriormente). 4.- Etapa de afianzamiento en la Corte (1631-1649) Al regresar de Italia reanudó su actividad en Palacio y realizó entre otras obras las que estaban destinadas a la decoración de un nuevo Palacio (el del Buen Retiro) construido por iniciativa del Conde Duque y en el que además de Velázquez colaboraron otros artistas (Carducho, Maíno y Zurbarán…).El Salón de Reinos de este Palacio se decoró con una serie de lienzos de batallas para exaltar a la Monarquía española. Curso 2008-2009

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Velázquez contribuyó con su magistral “Rendición de Breda” o “Las Lanzas” hoy en el Museo del Prado. En estos años centrales de su vida, Velázquez realizó algunas de sus obras más importantes y conocidas entre las que vamos a citar: “Marte”, “Menipo” y “Esopo” que decoraron el Palacete de caza llamado Torre de la Parada en las cercanías de Madrid y que hoy están el Museo del Prado, obras de temática religiosa como “El Cristo Crucificado” del Convento de San Plácido y “La coronación de la Virgen”, retratos como el “Retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares” o por fin la serie de retratos de los enanos y bufones de la Corte que pululaban en torno al rey y a los que Velázquez dignifica . Citemos los más conocidos: “Sebastián de Morra”, “Calabacillas” “El Niño de Vallecas”, “D. Juan de Austria” o “Pablillos de Valladolid” 5.- Su segundo viaje a Italia (1649-1651) En esta ocasión Velázquez viaja con el encargo expreso del monarca de adquirir obras de arte para la colección real. Sus intereses ya no son aprender de los artistas vivos (quizás sólo con la excepción de Bernini) sino meditar sobre el pasado y reencontrarse con las alegorías mitológicas de la pintura veneciana. Allí adquirió algunas obras de Veronés y de Tintoretto. En Roma estuvo durante todo el año 1650 y tuvo ocasión de realizar uno de sus retratos más impresionantes: el del Papa “Inocencio X”. También realizó en esta etapa el retrato de su sirviente “Juan de Pareja” en el que la hay un cierto aire de Rembrandt y los pequeños lienzos “Vistas del jardín de la Villa Medicis en Roma” que prefiguran lo que va a ser la pintura impresionista. También es probable que durante esta estancia en Roma realizara el que es sin duda uno de los desnudos femeninos más sugerentes de la historia de la pintura y una de sus últimas incursiones en la pintura de Curso 2008-2009

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tema mitológico: “La Venus del Espejo” hoy en la National Gallery de Londres. 6.- Sus últimos años (1651-1660) Al regresar de Italia continuó con sus trabajos de decoración del nuevo Alcazar Real y su prestigio le llevó a ser nombrado Aposentador mayor de palacio cargo de gran responsabilidad pero que limita su dedicación a la pintura. Por eso en estos años su producción se escasa pero fundamental: realizó una serie de cuatro lienzos de tema mitológico de los que sólo se conserva uno “Mercurio y Argos” (Museo del Prado). Igualmente a esta etapa final pertenecen dos de sus obras capitales: “Las Hilanderas” o”La fábula de Aracne” y el retrato de grupo más enigmático de la historia de la pintura de todos los tiempos: “Las Meninas”. Ambas obras se encuentran el Museo del Prado y merecen un comentario detallado. Hasta aquí la vida de Velázquez, que finalmente murió como él quería, en Palacio y después de haber conseguido ser nombrado caballero de la Orden de Santiago, el 6 de agosto de 1660. Su Obra: obras a comentar para selectividad 1.”La rendición de Breda” o “Las Lanzas” Identificación: Título: La rendición de Breda o Las lanzas Autor: Diego de Silva Velázquez Cronología: 1635 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 307 x 367 Localización actual: Museo del Prado Tema: pintura histórica conmemorativa Análisis: Curso 2008-2009

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Representa el momento en que Justino de Nassau, jefe de las tropas protestantes, después de una valiente defensa entrega las llaves de la ciudad a Ambrosio de Spínola, marqués de Balbases. Es un gesto típicamente barroco el violento escorzo en primer plano del caballo. Lejos de imaginar un gesto victorioso por parte de los vencedores, Velázquez imagina la escena en tono afable y caballeresco hacia el vencido. El colorido ha seguido evolucionando y los rostros tienen ya un tono plateado de luminosos reflejos. El amplísimo fondo de verdes y azules plateados es de gran belleza y constituye uno de los primeros paisajes de Velázquez que resuelve la estructura de la obra con una composición en forma de U (en la concavidad de la U un 2º plano muy luminoso). Dividió la obra en dos partes: en un lado los vencidos y en el otro los vencedores y por medio el ritmo vertical de las lanzas. Es en definitiva un gran retrato histórico pero es ante todo un ejemplo de concordancia luz-espacio-color. 2.”Retrato del Papa Inocencio X” Identificación: Título: ”Retrato del Papa Inocencio X”: Autor: Velázquez Cronología: 1650 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 140 x 120 Localización actual: Gallería Doria Pamphili, Roma Tema: Retrato individual Análisis: Fue durante esta segunda instancia en Roma, cuando Velázquez pinta al Papa. En este magnífico retrato, Velázquez muestra una técnica suelta y Curso 2008-2009

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decidida así como una gran habilidad para representar los rasgos psicológicos del retratado. Fue pintado en 1650. Tenemos ante nosotros otra obra cumbre del segundo viaje a Italia del pintor y se considera su mejor obra como retratista. "El retrato que hizo al papa Inocencio X no tiene parangón en el mundo", dice Xavier de Salas. El propio pontífice así lo reconoce cuando exclama al descubrirlo: "Troppo vero" (¡Demasiado verdadero!). Representa al Papa sentado en un sillón, vestido con encajes blancos realizados con rápidos brochazos que anticipan el impresionismo. La sinfonía de los rojos de distintas tonalidades se esparcen por el cuadro: en el sillón, en la casulla papal, en el gorro... El Pontífice sostiene en la mano un pliego de papel con la petición de Velázquez para que interceda a su favor ante el rey de España para conseguir el título de don. De todo el retrato destaca el rostro, tan incisivo y natural del Papa, que sobrecoge. 3.”Las Hilanderas” o “La fábula de Aracne” Identificación: Título: ”Las Hilanderas” o “La fábula de Aracne” Autor: Velázquez Cronología: 1659 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 220 X 289 cms. Localización actual: Museo del Prado Tema: mitológico Análisis: Bajo la apariencia de la cotidianeidad tan característica de Velázquez, de nuevo vuelve a representar un tema de carácter mitológico. En lo que a simple vista es el trabajo en un taller de tapices, representa la fábula de Aracne. Así, en el fondo representa el momento en el que Curso 2008-2009

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Minerva va a castigar a Aracne por reflejar en su tapiz las debilidades de los dioses (al representar “el Rapto de Europa”), convirtiéndola en araña. Dos muchachas que acudían a contemplar las magníficas labores de Aracne contemplan la escena mientras que en primer término se encuentran las obreras del taller. Destaca el tratamiento magistral que una vez más realiza Velázquez de la luz y de la perspectiva aérea así como la maravillosa representación de la rueca en movimiento. Las actitudes contrapuestas de las dos obreras del primer término se inspiran en dos modelos de la Bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Se conoce también con el nombre de la Leyenda de Aracne. Los títulos se refieren a la actividad de las protagonistas que están en primer plano y al interés de las mujeres que acudían de toda Lidia para admirar los tejidos de Aracne, la inventora del telar. Está dividida la escena en dos partes o zonas. En la primera trabajan las hilanderas de la fábrica madrileña al servicio de la corte, con sus instrumentos en acción; la segunda zona es una especie de escenario (un cuadro dentro del cuadro, o una ventana abierta en el espacio de la escena), en el cual tres mujeres, tres admiradoras, observan con interés las figuras de Atenea con un yelmo y de Aracne, en el centro. ¿Son figuras tejidas en el tapiz o figuras reales dibujadas sobre el fondo de un tapiz? Es una pregunta que adquiere un significado preciso y emblemático en la obra de Velázquez, inventor de espacios y transfigurador de la realidad. Estos dos planos de lectura son, seguramente, el aspecto más importante del cuadro; pero hay también otros: la inspiración literaria, que deriva de las Metamorfosis de Ovidio; las soluciones de orden técnico y pictórico, que parecen, una vez más, anticipar el impresionismo, las posiciones "sucesivas" del dedo de la mano de la mujer, que está enrollando la lana en el ovillo y la rueda del telar a la Curso 2008-2009

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izquierda cuyo movimiento “eterno” es magistralmente captado por el pintor. 4.”Las Meninas” o “la familia de Felipe IV” Identificación: Título: ”Las Meninas” o “la familia de Felipe IV” Autor: Velázquez Cronología: 1656 Estilo: Barroco Técnica y materiales: ”leo sobre lienzo. Dimensiones: 310 x 276 cms Localización actual: Museo del Prado Tema: retrato colectivo Análisis En realidad se trata del retrato de la infanta Margarita atendida por sus Meninas, Dña. Agustina Sarmiento, que le ofrece de rodillas una bebida, y Dña. Isabel de Velasco. A ellos se suman un conjunto de miembros de la corte, bufones y el propio pintor que está ante un gran caballete pintando a los Reyes, quienes se reflejan en el espejo del fondo. Por lo tanto, Velázquez juega en esta obra con la ficción de manera que el espectador se convierte en los reyes a quienes retrata mientras que los personajes del cuadro se convierten en los espectadores que nos observan. Se trata de un magnífico retrato de grupo en el que el pintor ha sabido captar a la perfección la atmósfera que envuelve a los personajes (perspectiva aérea). Su título no es realmente el más apropiado, ya que convierte en protagonistas a las jóvenes doncellas portuguesas que atienden a la infanta Margarita; la antigua denominación de La familia de Felipe IV, que aparece en viejos inventarios resultaría más adecuada. Curso 2008-2009

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Son muchas las interpretaciones que se han dado para resolver el asunto de esta pintura, siendo la más admitida la de que Velázquez se encuentra pintando un retrato de Felipe IV y doña Mariana de Austria, que aparecen reflejados en el espejo del fondo y por tanto podrían encontrarse en la sala posando para el artista; también es posible que los monarcas se encuentren en la estancia viendo pintar al artista, dado que el lienzo en el que se ocupa parece desmedido para el tamaño que suelen tener los retratos. Por ello no es descabellado admitir la teoría de que Velázquez está pintando la propia escena de Las Meninas. Es posible que con esta obra excepcional y asombrosa Velázquez haya querido rendir un homenaje a su profesión de pintor, considerándose no como un artesano, sino como un artista que crea, piensa e inventa, y elevándose por ello a un plano intelectual y a una posición social elevada y digna. El centro de la composición lo ocupa la infanta Margarita, atendida por sus dos doncellas doña María Agustina Sarmiento a la izquierda y doña Isabel de Velasco a la derecha. Junto a esta última aparece la enana Maribárbola y otro enano, Nicolasito Pertusato, que coloca su pierna sobre un mastín situado en primer plano. Detrás del grupo principal aparecen dos ayos, un varón y una dama, habiéndose identificado a esta última con doña Mercedes de Ulloa; finalmente, en el fondo de la pintura y recortando su silueta sobre la luz que emana de una puerta abierta, aparece el aposentador de palacio José Nieto Velázquez. Independientemente del contenido y significado de la pintura, sobre la que se han escrito libros enteros, destacan en ella la magistral soltura de pincel que ha empleado el artista y un excepcional estudio de perspectiva aérea. Desde el golpe de luz que recae en primer plano y hasta la penumbra que se advierte en el techo del recinto se constata una gradación decreciente de la luz, efecto que crea una nítida Curso 2008-2009

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sensación de espacio, pudiéndose decir que el artista ha pintado el aire.

IMÁGENES : SELECTIVIDAD 91- Caravaggio-Vocación de San Mateo

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92- Caravaggio-Conversión de San Pablo

93- Caravaggio-Muerte de la Virgen Curso 2008-2009

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94- Rubens-Las tres Gracias

95- Rembrandt-Lección de anatomía del Dr. Tulp Curso 2008-2009

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96- Vermeer-El pintor en su estudio

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97- Velázquez-Las lanzas

98- Velázquez-Las meninas

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99- Velázquez-Las hilanderas

100- Velázquez-Inocencio X

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101- Zurbarán-Refectorio de San Hugo

102- Murillo-Inmaculada de Soult

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