Trabajo Colaborativo N#3

TRABAJO COLABORATIVO N#3

PRESENTADO POR

ILDEFONSO RINCÓN DÍAZ GLORIA CENAIDA ALARCON MONTAÑO MARTIN ALEXI ÑAÑEZ URBANO WILLIAM POPAYAN ASPRILLA

TUTOR YURY JAAMAN CURSO: ESTÈTICA

UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA 20 DE NOVIEMBRE 2009

INTRODUCCIÓN El Arte su clasificación, las teorías que se han constituido al interior de cada una de estas, como teorías de valor estético, son el objeto de estudio que se configura en el presente trabajo. De esta manera, en primer lugar se expondrá el concepto de valor estético, señalando sus características, su clasificación como teorías que fundamentan dicho valor, conceptos adyacentes y contrarios. La investigación que cada uno de los integrantes del grupo colaborativo: La Música, La Pintura, La Escultura y La Literatura, desde el estudio teórico de la clasificación de las artes, recoge las principales características de cada una de estas, a saber: Definiciones generales, recorrido histórico, clasificación, técnicas y ejemplos.

LA MÚSICA Definición Viene del griego µουσικ que quiere decir el arte de las musas. Es el arte de organizar lógica y sensiblemente un conjunto de silencios y sonidos en un tiempo determinado, usando los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. En la antigua Grecia se reunía sin discriminación la poesía, la danza y la música. La música como manifestación artística es un producto cultural cuyo objetivo es justamente producir una experiencia estética en el oyente, expresar sentimientos, vivencias, circunstancias, pensamientos o ideas. Definir la música con términos absolutos es un error. Lo que sí podemos afirmar es que la música parte del seno de las culturas y de acuerdo a ellas es válida o inválida la acepción que se quiera utilizar. La música está compuesta por dos elementos básicos que son el sonido y el silencio. El sonido es la percepción recibida por el oído que recibe las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros ya que se transmiten por el medio que los separa, que generalmente es el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, que es relativo, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza al haber atmósfera. El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales: la altura, la duración, la intensidad y el timbre. A su vez, la organización coherente de los sonidos y de los silencios nos da los parámetros de la música: la melodía, la armonía, la métrica y el ritmo. HISTORIA DE LA MÚSICA Orígenes

La acepción más común de música es aquella que dice que es una combinación de sonidos en una sucesión temporal. Se trata de la expresión artística más aceptada y asumida por la sociedad. Su parición está estrechamente ligada a la antigua Gracia y surge a raíz de la necesidad de comunicar sentimientos y vivencias. Inicialmente la música fue coral con clara prevalencia de la voz sobre la parte instrumental. Es de notar que la música, al igual que el pensamiento filosófico se supone de origen Griego. Sin embargo, habrá muchos que refuten esta tesis, ya que otras culturas cuentan con historia propia en el campo musical. Los instrumentos en los comienzos eran pocos y no tan variados. “Sin embargo, se conocían ya instrumentos de viento, como la flauta de Pan, y de cuerda como las cítaras o arpas”.1 Fueron los griegos los primeros en imaginar un sistema de notación. Era simple ya que su música también lo era. Consistía en una sola estrofa que se repetía indefinidamente sobre un ritmo y una melodía idénticos. Los tiempos de ese tipo de música, llegó a nosotros a través del conocido canto gregoriano. Los tiempos podía multiplicarse pero nunca dividirse.

Música en la Edad Media Del siglo IV al VI se desarrolló tanto la música profana como la música cristiana. Ante la intensa preocupación por la religión, la música litúrgica tuvo un desarrollo grande y su expresión más sobresaliente fue el canto gregoriano, “una melodía, cantada al unísono, que traducía el sentimiento religioso por la propia fuerza de su elocuencia, sin apoyos armónicos ni rítmicos”.2 En este periodo aparecieron los sistemas de notación musical que se fueron paulatinamente perfeccionando hasta derivar en el pentagrama que conocemos hoy en día, el cual fue una creación española del siglo XIII.

www.mailxmail.com/curso-historia-musica/origenes-musica Ibid

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Paralelamente se desarrolló la música profana de la cual no se conservan muestras sino hasta el siglo XI pero se supone que el repertorio fue muy abundante, a juzgar por los edictos condenatorios eclesiásticos. “Los trovadores fueron los primeros poetas-músicos que adoptaron el latín como lengua común. Son hombres que han dejado de ser guerreros como sus antepasados y que han recibido la educación en abadías. Algunos de los géneros que crearon fueron las trovas, las tiradas estróficas, los rondós trovadorescos y los cantares de gesta que derivan de la letanía eclesiástica. Sus largas sucesiones de versos se cantan sobre la misma frase melódica”.3 A partir del siglo XII surge la polifonía y la misa es la muestra por excelencia de la música religiosa. Comienzan a aparecer grandes compositores como Antonio Cabezón o Palestrina. El Renacimiento Toma más fuerza la música profana y se desarrolla la forma operística a la vez que se crean nuevos instrumentos como el clavicordio y el clavicémbalo. También se perfecciona la armonía. “En la música instrumental del Renacimiento español, el puesto de honor recae sobre las abundantes composiciones para vihuela, un instrumento de cuerdas punteadas que se halla a medio camino entre el laúd y la guitarra. El repertorio de los vihuelistas comprende acompañamientos de melodías vocales, transcripciones de chansons, madrigales y danzas. El precursor de la vihuela fue Luis Millán. Obras.- Ya en el siglo XV, el documento fundamental es el Cancionero de Palacio, una antología compilada entre 1480 y 1510 de cuatrocientas sesenta piezas profanas que van de la elegía amorosa a la canción báquica, para tres o cuatro voces. Entre los innumerables compositores del Cancionero el más conocido es Juan de la Encina (1468-1510).

Ibid

3

Compositores.- La gran figura de la época fue Tomás Luis de Victoria quien, gracias a una beca, se trasladó a Italia donde viviría durante veinticinco años. Recibió clases de Palestrina y fue ordenado sacerdote en 1569. En 1583 dedicó a Felipe II una colección de misas, y regresó a España hacia 1589. Victoria se convirtió en el maestro de música del convento de las Descalzas Reales y tras la muerte de la emperatriz acabó sus días ejerciendo la modesta función de organista”.4

El barroco “El Barroco es un período artístico que se sucede en los siglos XVII y XVIII. En esta época la música será utilizada por las monarquías absolutistas para engrandecerse frente al pueblo. Por otra parte, la música religiosa responde a los planteamientos de la Contrarreforma que había promovido el Concilio de Trento y de la Reforma Luterana, cuyo máximo exponente será la música de Juan Sebastián Bach. Características.- La música barroca es música de contrastes tímbricos, melódicos, rítmicos, etc. En España florecen la Zarzuela y la Tonadilla. Los instrumentos se perfeccionan y los compositores ensayan nuevas combinaciones y posibilidades sonoras. La armonía se hace más amplia y más rica, y poco a poco se va renunciando a la idea de que la armonía era una relación matemática. En este periodo se definieron nuevas formas musicales que serían básicas en la evolución posterior de la música como la sonata, la sinfonía o el concierto con solista. En Francia la ópera triunfa de la mano de Lully y se va definiendo una escuela nacional. Este género musical también tenía sus estrellas, sus monstruos sagrados que arrastraban a las masas, pero de una especie muy particular: Ibid.

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eran los castrados, o castrati, que conservaban el timbre agudo y la tesitura elevada de un muchacho con la potencia respiratoria de los adultos. En el siglo XVII, la fabricación de castrados se había convertido en un arte completamente instaurado en las costumbres italianas. Se castraban entre los nueve y los trece años a los niños cuyas voces infundían esperanza. Los instrumentos más característicos del Barroco son la familia de cuerda de los violines, que sufren una gran transformación. Varios de los instrumentos del Renacimiento dejaron de usarse. No obstante, permanecieron: la trompeta, el trombón, la flauta, el órgano, el arpa, el clavicémbalo; y todos se perfeccionaron. Los nuevos son: la familia del violín, el oboe, el fagot, el timbal y la guitarra. Compositores.- Dos grandes escuelas predominan en Europa durante el Barroco, la italiana con Vivaldi, Corelli, Torelli o Monteverdi; y la alemana, dominada por la figura de Johann Sebastián Bach, pilar sobre el que se cimienta todo el arte musical posterior. En las próximas lecciones les proporcionaremos más datos sobre Vivaldi y Bach, los compositores más representativos del Barroco”.5

Johann Sebastian Bach Compositor Alemán que vivió entre 1685 y 1750. Es autor de música coral e instrumental también. La grandeza de su música es proporcional a su intelecto. Era capaz de trasladar conciertos hechos para voces o para ciertos instrumentos, y adaptarlos a otros instrumentos sin perder la esencia de la obra. Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia y murió el 28 de julio de 1741 en Viena. Fue ordenado sacerdote en 1703 pero al poco tiempo dejó de oficiar misa argumentando un pésimo estado de salud. “Fue el primer compositor en utilizar la forma ritornello regularmente en los movimientos rápidos, un uso que se transformó en un modelo. Lo mismo se aplica Ibid

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a su estructura de tres movimientos (rápido-lento-rápido). Sus métodos de asegurar una mayor unidad temática fueron ampliamente imitados, especialmente la integración de material solista y ritornello, sus vigorosos patrones rítmicos; su figuración instrumental y el empleo de secuencias. Sus

obras.- La

reputación

de

Vivaldi

se

acrecentó

con

sus

primeras

publicaciones: Trío sonatas (probablemente 1703-5), Sonatas para violín (1709) y especialmente sus 12 conciertos de la serie L'Estro Armonico Op.3 (1711). Este grupo, que contiene algunos de sus mejores conciertos, fue publicado en Ámsterdam, circuló ampliamente en el norte europeo, motivó la visita de diversos músicos a Venecia y en algunos casos el encargo de nuevas obras. Más tarde aparecieron editadas dos series de sonatas y siete más de conciertos, incluyendo La

Stravaganza Op.4

dell'Invenzione (circa

1725,

que

(circa

1712), Il

contiene

Las

Cimento Cuatro

dell'Armonia Estaciones)

e

y La

Cetra (1727)”.6 El clasicismo y Mozart El periodo clásico abarca la segunda mitad del siglo XVIII y tiene en Alemania su mejor expresión y está dominado por las figuras de Gluck , Joseph Haydn y Wolfgang A. Mozart. “El periodo clásico aportó mejoras técnicas en todos sus aspectos y la adopción de un ideal de perfección basado en el equilibrio entre el sentimiento y la razón”.7 OBRAS DE MOZART 1. Óperas: Bastián y Bastiana (1768), Idomeneo (1781), El rapto del serrallo (1782), Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787), Così fan tutte (1790), La flauta mágica (1791), La clemenza di Tito (1791).

Ibid Ibid

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2. Música orquestal: Sinfonía núm. 1 (1765), Sinfonía núm. 25 (1773), Concierto para flauta y arpa (1778), Concierto para piano núm. 20 (1785), Concierto para piano núm. 21 (1785), Concierto para piano núm. 23 (1786), Sinfonía núm. 38 "Praga" (1786), Pequeña serenata nocturna (1787), Sinfonía núm. 40 (1788), Sinfonía núm. 41 "Júpiter" (1788), Concierto para piano núm. 27 (1791), Concierto para clarinete (1791). El Romanticismo Abarca prácticamente todo el siglo XIX y su principal característica es la supremacía del subjetivismo sobre la razón. Cada artista se preocupar por expresar su mundo interior. Los músicos de la época rompieron con las rígidas normas del pasado y refinaron la canción popular. Por eso el género más destacado es el Lied. La música es programática, tendiente a narrar historias. De ahí el gran desarrollo de la ópera y de los poemas sinfónicos. Otra importante característica es que ya los músicos no están al servicio de una iglesia o de un príncipe. “ El romanticismo comienza con tres artistas de transición que vivieron entre los dos siglos: Rossini, Schubert, el músico que llevo el lied a su máximo nivel artístico, y Beethoven, una de las figuras más importantes de todo el arte universal”.8 En lo sucesivo los compositores más destacados fueron: Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Ludwing Van Beethoven, Johannes Brahms e Igor Stravinsky

ORIGEN DE LA MUSICA COLOMBIANA

“Para comprender el desarrollo musical de Colombia, es necesario tener en cuenta las condiciones sociales en las cuales se ha venido formando nuestra nación a partir de tres culturas: La aborigen americana, la española y la africana. Ibid

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Influencia

española:

Las expediciones españolas fueron regimientos de hombres de diferentes clases sociales y niveles de cultura, que luego de los prolongados viajes, encuentros sangrientos y pasajeras alianzas con los aborígenes, se dieron a la tarea de tener relaciones con las mujeres indígenas; esta situación se presentó debido a que los españoles no enviaron al principio familias, matrimonios o mujeres en sus expediciones. Con la creación de los centros coloniales y el éxito de las grandes haciendas, la mezcla entre españoles e indígenas a nivel popular aumentó y se difundió, pero no dejo de ser una situación de desventaja y verguenza para los nacidos de estas uniones, a los cuales despectivamente se los llamaba "mestizos", que no gozaron de libertades o buenas garantías sociales. Pero esta mezcla no fue sólo de razas; recordemos que los aborígenes colombianos y los españoles tenían su propio idioma, religión, danzas, instrumentos musicales, artes y principios morales que comenzaron Influencia

a

influirse

mutuamente

para

originar

una

cultura

mestiza. Africana:

Los aportes culturales africanos nos han llegado en dos épocas diferentes y en condiciones sociales distintas. Los primeros, se iniciaron con los rabes del Norte del África y su invasión y dominación de España (siglo VIII al XV D.C.); los españoles asimilaron durante 800 años buena parte de la cultura Afro-arabe y luego nos transmitieron esos valores culturales a partir del siglo XV D.C.

Los segundos aportes se iniciaron a partir del siglo XVI con la llegada de los esclavos africanos, recibiendo nosotros su influencia en forma directa. Dada la destinación de los esclavos (minería, ganadería y agricultura), los sectores de los ríos Magdalena y Cauca y la costa Pacífica. Si bien es cierto, el comercio de los esclavos africanos comenzó a disminuir en el siglo XVIII y se frenó en el siglo XIX

con la ley de la abolición de la esclavitud, la cultura africana continuó mezclándose con la española y en algunos sectores con la indígena, hasta transformarse actualmente en una de las raíces profundas de nuestra cultura colombiana”.9

LA PINTURA

CONCEPTO: Técnica que consistente en la aplicación de pigmentos, sobre una superficie plana que responde a una organización previamente establecida esta requiere del sentido de la vista para pasmar lo percibido o imaginado. Por tal motivo estos objetos son intangibles y no reales. Par la aplicación de esta técnica se utiliza con gran frecuencia el lienzo, u otro tipo de soporte que permita la aplicación de los pigmentos que son colorantes y de los http://es.answers.yahoo.com

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aglutinantes que actúan junto con las pinturas formando una pasta manejable. Esto permite al pintor tener una disposición de estos elementos con el fin de representar un entorno o dar una visión personal de una situación.

La pintura tiene sus antecedentes en su función en épocas antiguas como forma de representación de animales y legados; y en constante ha ido evolucionando hasta cambiar su función preservación a una función ornamental.

TECNICAS PICTORICAS. El temple como elemento de variedad en las técnicas pictóricas.

EL TEMPLE. Técnica donde se utiliza el agua para deshacer los colores y se utiliza como aglutinante una solución huevo, leche, cola o goma. Y como soporte cartón lienzo; donde se aplica una base de cola y yeso para mejorar su realización y presentación

LA ENCAUSTICA. En esta técnica se utiliza la cera de abeja como aglutinante, y se mezcla con resma vegetal y el pigmento en polvo esta se aplica de forma caliente con una espátula sobre la superficie designada.

EL FRESCO. Técnica propia de la pintura mural. Los pigmentos se disuelven en agua sin ningún tipo de aglutinante. Se aplica sobre argamasa fresca de cal y arena.

EL OLEO. Esta técnica tiene como principio el uso de aceite como aglutinante; la cual le confiere ventajas como secado lento que permite realizar modificaciones y la aplicaron de veladuras.

LA ACUARELA. Tiene como soporte el uso del papel La acuarela se forma con pigmento en polvo muy molido aglutinado con goma arábiga que se extrae de la resma de la acacia. Esta goma es disuelta en agua. Una de las características se esta técnica esta en sus efectos luminosidad.

EL PASTEL. El pastel se obtiene empastando pigmento en polvo y blanco de zinc con agua mezclada con goma o resma. Esta pasta generalmente se aplica sobre cartón o papel; se considera como una técnica intermedia entre dibujo y pintura. CONCEPTO DEL COLOR.

El color no como una cualidad propia de un elemento si no dependiente de luz cantidad de luz que esta absorba. Puesto que existen sustancias que pueden modificar la absorción y refracción de luz por parte de un cuerpo; que pueden ser orgánicos e inorgánicos. El color como base fundamental de la pintura, como medio de expresión de situaciones y efectos.

GENEROS PICTAGORICOS.

Dentro de algunos de estor géneros encontramos la pintura de paisajes. Que amplio su importancia con un subgénero como la pintura de paisajes marítimos. Otro de los géneros que se relaciona con la pintura de obras de arquitectura o ruinas como motivo pintoresco y romántico Uno de los géneros más sobresalientes de esta época es el Bodegón o naturaleza muerta su representación difiere de Europa del norte y Europa del sur; pues en el norte de Europa tenía una representación naturalista de diversos objetos como instrumentos, musicales y científicos. Y para los del sur tuvo la función de reflexionar sobre el paso por la vida y lo trivial de los objetos naturales. Además encontramos la figura humana como uno de los géneros más importantes, o más que genero una fuente de un genero donde el plasmar bustos y figura humana el retrato tipológico, el desnudo y la caricatura. Pero sin Duda el género más antiguo es La pintura animalística mas claramente es la pintura rupestre.

LA ESCULTURA

EL MUNDO DE LA ESCULTURA Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería. TIPOS DE ESCULTURAS De bulto redondo. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la

estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, la escultura de bulto redondo se clasifica en: • busto: si representa la cabeza y la parte superior del tórax, • medio cuerpo, • de tres cuartos, • de cuerpo entero; • torso, si falta la cabeza, piernas y brazos. En función de su posición la escultura se clasifica en: • sedente: sentada, • yacente: tumbada, • orante: de rodillas, • oferente: ofreciendo presentes, • ecuestre: a caballo. También puede denominarse: • coloso, si es de grandes dimensiones, • grupo, o conjunto escultórico, • ambiental. De relieve Es aquella que está realizada o adherida a una superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en: • Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso. • Medio relieve: sobresale la mitad. • Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad. • Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo. Materiales y técnicas tradicionales Barro Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse;

en este caso recibe el nombre de terracota. Piedra Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son: • Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Al ser un material muy perdurable es uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento. • Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido. • Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras ubicadas en distintas zonas geográficas. Se ha utilizado mucho para la escultura monumental. • Otras piedras duras, como la diorita o el granito. • Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil. Bronce Es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de trabajar y necesita la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola. Se ha utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de personajes, fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y recubrirlo de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que va fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de orificios practicados en el barro. Madera Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un

policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de La materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior. Policromía • Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada. • Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado. • Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás. • Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan de oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta recubrir la superficie deseada. Encima del oro también se puede pintar o resaltar rayando con un punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la obra, como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.

LA LITERATURA Terry Eagleton. 1983, Una introducción a la teoría literaria

¿QUÉ ES LA LITERATURA? En caso de que exista algo que pueda denominarse teoría literaria, resulta obvio que hay una cosa que se denomina literatura sobre la cual teoriza. Consiguientemente podemos principiar planteando la cuestión ¿qué es literatura? Varias veces se ha intentado definir la literatura. Podría definírsela, por ejemplo, como obra de "imaginación", en el sentido de ficción, de escribir sobre algo que no es literalmente real. Pero bastaría un instante de reflexión sobre lo que comúnmente se incluye bajo el rubro de literatura para entrever que no va por ahí la cosa. La literatura inglesa del siglo XVII incluye a Shakespeare, Webster, Marvell y Milton, pero también abarca los ensayos de Francis Bacon, los sermones de John Donne, la autobiografía espiritual de Bunyan y aquello —llámese como se llame— que escribió Sir Thomas Browne. Más aún, incluso podría llegar a decirse que comprende el Leviatan de Hobbes y la Historia de la rebelión de Clarendon. A la literatura francesa del siglo XVII pertenecen, junto con Corneille y Racine, las máximas de La Rochefoucauld, las oraciones fúnebres de Bossuet, el tratado de Boilean sobre la poesía, las cartas que Madame de Sevigné dirigió a su hija, y también los escritos filosóficos de Descartes y de Pascal. En la literatura inglesa del siglo XIX por lo general quedan comprendidos Lamb (pero no Bentham), Macaulay (pero no Marx), Mili (pero no Darwin ni Herbert Spencer). El distinguir entre "hecho" y "ficción", por lo tanto, no parece encerrar muchas posibilidades en esta materia, entre otras razones (y no es ésta la de menor importancia), porque se trata de un distingo a menudo un tanto dudoso. Se ha argüido, pongamos por caso, que la oposición entre lo "histórico" y lo "artístico" por ningún concepto se aplica a las antiguas sagas islándicas1. En Inglaterra, a fines del siglo XVI y principios del XVII, la palabra "novela" se empleaba tanto para denotar sucesos reales como ficticios; más aún, a duras penas podría aplicarse entonces a las noticias el calificativo de reales u objetivas. Novelas e informes noticiosos no eran ni netamente reales u objetivos ni netamente novelísticos. Simple y sencillamente no se aplicaban los marcados distingos que nosotros establecemos entre dichas categorías. Sin duda Gibbon pensó que estaba consignando verdades históricas, y

quizá pensaron lo mismo los autores del Génesis. Ahora algunos leen esos escritos como si se tratase de hechos, pero otros los consideran “ficción”. Newman, ciertamente, consideró verdaderas sus meditaciones teológicas, pero hoy en día muchoslectores las toman como "literatura". Añádase que si bien la literatura incluye muchos escritosobjetivos excluye muchos que tienen carácter novelístico. Las tiras cómicas de Superman y las novelas de Mills y Boon refieren temas inventados pero por lo general no se consideran como obras literarias y ciertamente, quedan excluidos de la literatura. Si se considera que los escritos “creadores" o "de imaginación" son literatura, ¿quiere esto decir que la historia, la filosofía y las ciencias naturales carecen de carácter creador y de imaginación? Quizá haga falta un enfoque totalmente diferente. Quizá haya que definir la literatura no con base en su carácter novelístico o “imaginario” sino en su empleo característico de la lengua. De acuerdo con esta teoría, la literatura consiste en una forma de escribir, según palabras textuales del crítico ruso Roman Jakobson, en la cual "se violenta organizadamente el lenguaje ordinario".

CONCLUSIÓN El Valor Estético dentro de la filosofía del arte define parámetros de lo bello y de lo que se trata una de obra, sin embargo, pese a la pretensión de la teoría academicista del mundo occidental por universalizar el conocimiento; el valor de de lo bello se define como un concepto mas subjetivo, creando una paradójicamente una incertidumbre sobre lo que realmente representa lo estéticamente bello.

BIBLIOGRAFÍA

UNA INTRODUCCIÓN A LA TEORÍA LITERARIA, Eagleton Terry, Fondo de Cultura Méxcio, 1983.

CIBERGRAFÍA

http://www.ciber-arte.com/escultura/ es.wikipedia.org/wiki/Escultura http://www.youtube.com/watch?v=axMw-OhllQI http://es.answers.yahoo.com www.mailxmail.com/curso-historia-musica/origenes-musica