Trabajo Arte

“La Últi ma Cena ” Evoluc ión de pr oducc ión p lá stic a. (XI V-XIX)

Integrantes:  Stephanie Buendía Roldan  Cristina Icumina Gambini  Silvana Gómez Paz Profesor: Luis Torrejón Curso: Historia del Arte

2009-I

Historia del Arte

Introducción

La Última Cena es el tema iconográfico seleccionado para el siguiente trabajo, esto en relación, a que la religiosidad en sí misma refleja un aspecto importante dentro de la producción plástica y es que es a través de las pinturas que se muestran los cambios culturales y sociales de una época. Asimismo, los temas religiosos son los que predominan en la Edad Media y la escena escogida para el análisis es de trascendental importancia para el cristianismo.

En general, el tema trata sobre el último período en que Jesús se reúne con los apóstoles para establecer el Sacramento de la Eucaristía en la Religión Católica. Las tres pinturas elegidas son representativas a lo largo del periodo del siglo XV al siglo XIX, y son provenientes de tres pintores: Leonardo Da Vinci, Jacopo Comin conocido como Tintoretto y Francesco de Mura.

Finalmente, se realiza un análisis de las corrientes artísticas que rigen las pinturas, puesto que, a través del estilo y la estética, los artistas plasman los procesos creativos en cada momento de la historia, donde

destacan

el

Renacimiento,

el

Manierismo

y

Barroco,

respectivamente.

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Historia del Arte

RENACIMIENTO.- “La Última Cena” - Leonardo Da Vinci La obra de Leonardo Da Vinci fue pintada en Milán, en el convento de Santa María de la Gracia en el periodo de 1495 a 1497. Fue realizada a pedido del Conde Ludovico Sforza. Leonardo utilizó una técnica que combina el óleo y el temple junto con yeso, lo que le permitía evitar pintar apresuradamente, dado a que en esa época, la técnica tradicional era la del fresco. La Última Cena de Da Vinci encarna el fragmento del Evangelio de San Juan1 en el que Cristo comunica a los apóstoles la traición de Judas. La primera característica que podemos observar es, a diferencia de otras representaciones en las que Cristo sostiene el Cáliz, el cuadro de Leonardo simboliza, muy aparte de la institución de la Eucaristía, un momento más humanístico de la vida de Jesús. Se incorporan marcadas expresiones de los personajes, cada uno aportando una apreciación personal sobre lo acontecido en la escena. Por el contrario de una personificación espiritual, en la que resaltan la presencia del Espíritu Santo y los motivos sacros, el personaje principal es Jesús caracterizado como una persona terrenal inmersa en un panorama de consternación ante la noticia, es decir, Da Vinci plasma el contexto físico de la vida de Jesús en conjunción con su alma y sus sentimientos, para lo cual también añade el dramatismo de los personajes más cercanos a Él. Es por medio del lenguaje gesticular que el artista logra completar con sensibilidad y clasicismo al escenario. La composición es lineal y la estética renacentista es simétrica. Los personajes están distribuidos todos horizontalmente. Se observa claramente cómo Leonardo aplica sus conocimientos en las matemáticas. Desde el punto de vista frontal, la perspectiva lineal que utilizó Leonardo da la impresión óptica al espectador de que el refectorio es más grande visto desde abajo, dando la ilusión de un comedor casi real. 1

La Sagrada Biblia. Evangelio de Juan 13:21

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Historia del Arte El recurso que empleó Da Vinci consiste en hacer converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a las espaldas de Cristo, que dan profundidad y luz natural a la estancia. Los apóstoles son distribuidos en triadas platónicas, lo que es algo innovador pues hasta entonces solía situarse a Judas aislado en frente del resto de los discípulos.

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Historia del Arte La Última Cena. Jacopo Comin (Tintoretto) La obra de Tintoretto fue pintada con la técnica óleo sobre lienzo en 15921594 en el monasterio de San Giorgo Maggiore de Venecia en Italia a pedido de esta iglesia. Este cuadro se encuentra en el muro del prebisterio y fue realizado junto al Recogido d maná de 1594 y La deposición en 1592-1594. La pintura posee una perspectiva oblicua dentro de una habitación con arquitectura clacisista pero que no deja ver la simetría y el orden, ni los puntos focales. Los personajes aparecen perturbados e interesados por otros asuntos y por otros seres fantásticos que irrumpen

en la escena, un notorio rasgo

anticlacisista que rompe la regla de la armonía y el orden, de la misma forma encontramos poses amaneradas, cuerpos alargados y antinaturales, asimismo encontramos en ellos el tratamiento de los músculos y la diferenciación de los rostros de los personajes. Estas características distorsionan la disciplina y la rigurosidad vistas en el Renacimiento y así como evidencian el estilo manierista de Tintoretto.

También notamos

indicios del barroco, un cierto miedo al vacío que hace rellenar espacios como el techo y los detalles del piso. El claro-oscuro usado es elemental ya que la luz viene de la lámpara en la parte

superior

izquierda

ilumina

descendentes que caen sobre la

el

lugar

mesa

sombrío

mediante

rayos

con Jesús y sus apóstoles,

enfatizando lo principal del cuadro, sin embargo en las zonas oscuras podemos ver otros personajes en el fondo de la taberna; los comensales conversando y los sirvientes que van a servir la cena, aportando el tono popular. Otro punto de luz intensa es el de la aureola de Jesús donde también irradia rayos y en menor intensidad esta la luz también irreal de los discípulos que sólo resalta a aquellos que son santos menos al traidor, Judas, que no esta situado a la misma altura de los demás, esta al frente de la mesa. Lo interesante es que ve a un Jesucristo dando la comunión a uno de sus apóstoles a diferencia de pinturas anteriores donde se le ve sentado al centro de la mesa y con toda la atención sobre la gran imagen divina, en este caso no pasa a segundo plano pero parece que el pintor quiso mostrar

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Historia del Arte más al grupo que sólo a Jesús. La luminosidad acentúa la dramatización y movimiento de los personajes de la escena en su totalidad, podemos notar el juego de luz del rojo y azul brillante del manto de Jesús y las sombras proyectadas

de

los

personajes.

Hasta

detalles

pequeños

como

transparencia de las botellas y comida se resaltan con la luz. Se interés

la

pone

en la calidad de los enseres en general, vajillas, cesta, jarras, las

frutas, el perro, el gato, dan señales de un interés por la pintura de bodegones. BARROCO.- “La Última Cena”- Francesco de Mura Esta obra de óleo sobre lienzo fue producida en 1896 por el pintor italiano a finales del periodo Barroco. El cuadro se subdivide en tres partes, la composición que las integra tendría la forma de un número ocho. En el tercio central se concentra la luz y la carga de la escena religiosa, en el medio; Cristo con una aureola que recuerda el estilo gótico, la cromaticidad de primarios en la vestimenta, roja y azul, típica de los florentinos centraliza la atención como punto de equilibrio sobre el que se sostiene el cuadro. Asimismo, es notable la intensa expresividad de los personajes; los que se encuentran del lado derecho del cuadro parecen contrariados, mientras que, los que se encuentran del lado izquierdo tienen una actitud de extrema atención, casi de adoración a la figura de Jesús. En la parte superior, seres angelicales, algunos desnudos, no registrados en las pinturas anteriores, recargan la escena y le aportan calidez a un momento de contrariedad entre los personajes de la escenificación. Por otro lado, aparecen dos personajes robustos de características greco romanas en las esquinas inferiores, mientras que, las figuras del medio dan la sensación de desorden. De esta manera, terminan desarrollándose dentro de la misma escena, múltiples intenciones a diferencia de otras obras. Finalmente, se aprecia que todos los personajes en esta imagen se encuentran experimentando una emoción específica de manera intensa, característica propia del estilo barroco.

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Historia del Arte

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Historia del Arte Conclusiones

•

Observamos la vena renacentista que tiene Da Vinci al utilizar la geometría y la perspectiva, algo característico de los artistas del Cinquecento.

•

La obra realizada por Leonardo Da Vinci no sólo es innovadora en la distribución de los personajes y la ubicación de Judas (que, por ser considerado traidor a la fe cristiana es ubicado tradicionalmente al otro lado de la mesa) sino también, en la armonía pictográfica y en la gestualidad de los actores, elementos que transmiten directamente el mensaje dramático al espectador.

•

La obra vista desde Jacopo Comin evolucionó desde el Renacimiento visto con Da Vinci. Antes se veía a Jesús situado al centro simétricamente distanciado de sus discípulos, mientras que con Tintoretto la escena se modifica dramáticamente y hasta le da un tono popular y fantástico por la aparición de comensales y seres extraños que irrumpen en la escena, asimismo, se rompe con la armonía y orden y vemos el importante uso de la luz que ilumina la sombría taberna y las poses y alargamientos de los cuerpos que denotan la gran influencia manierista, anticlásica.

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Con la calidad que Tintoretto puso en los detalles de enseres y menajes y el cierto realismo de los rostros de los personajes se va dando una introducción de un gusto por el barroco que se daría por el siglo XVII.

•

Francesco de Mura presenta una escena de estilo barroco donde se resalta la libertad del autor para crear una escena poco tradicional de la última cena cristiana. A diferencia de la primera pintura analizada, en este cuadro el ahondamiento en la sensibilidad del autor conduce a una multiplicidad de intenciones que en una misma escena muestra, por un lado, a Cristo reunido con sus apóstoles en un ambiente de confusión, en otro rincón a un coro de ángeles reunidos alrededor de la luz con una distribución circular. Al mismo tiempo los hombres

fornidos

que

aparecen

en

los

extremos

inferiores

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Historia del Arte desentonan con las características de los hombres de la última cena en el tercio central de la imagen.

•

En esta última pintura el eje central que une de arriba hacia abajo la lámpara colgante, a Jesús y la mujer con el niño, son los motivos que equilibran en cada tercio el orden de las figuras y marcan el recorrido visual de la obra, siendo solamente la luz que sale del centro de la pieza la que atrae principalmente la atención del observador.

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