Historia Del Arte

ARTE Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos ETAPAS DE LA HISTORIA DEL ARTE PREHISTORIA Las manifestaciones pictoricas son llamadas pinturas rupestres. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un caracter magicoreligioso. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva. PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre.La característica esencial de la pintura rupestre es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo. En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech MESOPOTAMIA La primera civilización de la Tierra surgió en un fértil valle rodeado por los ríos Éufrates y Tigris, un poco antes que la civilización egipcia. Los griegos le dieron el nombre de Mesopotamia ("región entre ríos"),en la zona que en la actualidad ocupan los estados de Irak (principalmente), Irán y Siria. ARTE: Unas veces representa soberanos, otros dioses, otros funcionarios, pero siempre personas individualizadas (a veces con su nombre grabado). Busca sustituir a la persona más que representarla. Cabeza y rostro desproporcionados respecto al cuerpo por este motivo, desarrollaron el llamado realismo conceptual.Quedan muchos textos relativos a mitos, plegarias, augurios, hechos políticos y guerreros, entre otros. Por la profundidad de su pensamiento destacaremos la epopeya de Gilgamesh, rey de Uruk, que luchó por

encontrar la inmortalidad INFLUENCIAS: A primera vista, las bases geográficas y económicas de la civilización mesopotámica acusan gran semejanza con las egipcias: ambas están situadas a lo largo de ríos importantes, que fecundan fajas de terreno rodeadas de grandes desiertos. En Egipto el Nilo y en Mesopotamia el Éufrates y el Tigris hacen fértiles las tierras que inundan sus crecidas. Esta semejanza no tiene todo el alcance que parece; las crecidas del Nilo son más regulares, y los desiertos que rodean Egipto, más inhabitables. El aprovechamiento de las aguas del Éufrates y Tigris exigió trabajos de irrigación mucho más complicados que los realizados en Egipto ARTE EGIPCIO Es un arte al servicio del soberano y de la religión.Un arte teocrático,como toda la vida de Egipto. En él y,sobre todo en la arquitectura pueden verse reflejos de : el poder de los monarcas en las proporciones de las obras, el tipo de sociedad esclavista,lo que permitía la construcción de ingentes obras en piedra, el sentido de la trascendencia que impregna toda la cultura y el arte egipcios,lo que se observa,sobre todo,en el tipo de obras hechas para perdurar eternamente y en los edificios que predominan:templos y tumbas, la influencia del medio.Egipto es un país llano recorrido por el Nilo que transcurre encuadrado por terrazas acantiladas.La piedra es el material que predomina en la arquitectura y se extraía de los acantilados del río.También se reflejan en al arquitectura egipcia los bosquecillos de palmeras o los haces de loto y papiro que crecen a las orillas del río.Las columnas palmiformes, lotiformes, papiriformes se explican por la abundancia de estas plantas. ARTE GRIEGO El término arte clásico hace referencia al de los centros creadores de la cultura occidental. Grecia es la creadora de la estética y de las formas Roma es la unificadora de la cultura mediterránea con una gran influencia griega. Para los griegos (al contrario que para los egipcios) el hombre era lo mas importante e intentaban explicar racionalmente el mundo que les rodea,incluídos los dioses.Por ello el arte está hecho a la medida del hombre:proporciones y predominio de lo racional de la belleza entendida como armonía. El trabajo lo hacían en equipo bajo la dirección de un maesto. CARACTERISTICAS: La figura humana es el tema principal, tamaño natural y a veces aun mayor, desnudo masculino como exaltación de la belleza física, convencionalismo

semejantes a los del arte oriental, frontalidad, hieratismo,aunque se camina hacia un naturalismo ARTE ROMANO Pueden resumirse las raíces del arte romano,hasta la época imperial en: las culturas itálicas primitivas (ítalos). El arte etrusco (un pueblo que rindió culto a los muertos cuyas tumbas decora y en las que aparece una clara afición al retrato.En ellas aparecen muchas veces los muertos semiacostados en los sarcófagos,y otras veces como tapaderas de unos recipientes llamados canopes (urnas funerarias).Este gusto por el retrato perdura en el arte romano y en nuestra cultura.También este pueblo aportará a la cultura romana el arco que seguramente lo tomó de la cultura mesopotamica pero perfeccionado técnicamente. El arte griego. Roma apenas tiene identidad en el s VI. a. de C.,mientras Grecia está ya a las puertas de su época clásica.Ya tienen contacto con ella,primero en la Magna Grecia y,luego,cuando Roma conquista Grecia,cargamentos enteros de esculturas e incluso trozos de arquitectura (columnas, pedestales..),van para Roma.Incluso se llevan artistas griegos bien como esclavos o bien voluntariamente ante la perspectiva de una nueva clientela...Es una auténtica colonización cultural.Se crean talleres en los que trabajan sobre todo artistas extranjeros que lo hacen para los patricios romanos.Gracias a ellos conocemos la estatuaria griega. No se puede decir que el arte romano sea una copia ni siquiera una prolongación del arte griego. INDIA Se caracteriza principalmente por ser un reflejo de la compleja sociedad India, multiétnica y multicultural. Asimismo tiene un carácter principalmente religioso, el arte sirve como medio de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. Uno de los hechos determinantes en la construcción de la cultura india ha sido la diversidad étnica de los múltiples pueblos que han ido llegando a sus tierras: desde los aborígenes de de tez oscura ancestros de los actuales vedas y dravidas, fueron llegando en sucesivas oleadas pueblos oceánicos, protomediterráneos mesolíticos, mongoloides, armenios, arios (1500 a.C.), persas y griegos (600-300 a. C.), partos y protomongoles (50 a.C.-300), hunos (siglos VI-VIII), árabes (siglos IX-XII), turco-afganos (siglos XIIIXV), turco-mongoles (siglos XVI-XVIII) y británicos (siglos XIX-XX). Esta mezcolanza de pueblos y culturas produce un arte de gran diversidad estilística y formal, conviviendo diversas tendencias artísticas según la región.

ITALIA En lo referido al arte, el Renacimiento italiano fue el propulsor de la era del Renacimiento en toda Europa. Esta época se extendió desde fines del siglo XIV hasta el 1600 más o menos, y fue una etapa de grandes cambios culturales por ser la etapa intermedia entre la Edad Media y la Europa moderna. El renacimiento italiano comenzó en Toscana, con epicentro en las ciudades de Florencia y Siena. Luego tuvo un importante impacto en Roma. Resaltan de esa época las grandes creaciones literarias de Dante, Petrarca, Castiglione y Maquiavelo; las obras de arte de Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci; y grandes obras arquitectónicas como la Iglesia de Santa María del Fiore en Florencia y la Basílica de San Pedro en Roma Los orígenes de la pintura romana se confunden con los de su escultura y de tal modo se hallan en el arte helenista que aun los ejemplares que de ella se conservan, sobre todo, los mejores, se atribuyen hoy a mano griega si bien la escuela llegara por fin a romanizarse. Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Sus géneros, el decorativo de vajillas y muros y el histórico y mitológico en los cuadros murales. Y aunque los descubiertos hasta el presente ofrecen más que todo un carácter decorativo llegan a ser verdaderas composiciones pictóricas y se juzga con fundamento que hubo también otros de pintura independiente a semejanza de los actuales de tabla o de caballete. Se cultivaron con dicho carácter decorativo mural el paisaje, la caricatura, el retrato, los cuadros de costumbres, las imitaciones arquitectónicas y las combinaciones fantásticas de objetos naturales constituyendo con estas últimas el género que los artistas del Renacimiento llamaron grutesco, hallado en las antiguas Termas de Tito y que sirvió al célebre Rafael como fuente de inspiración para decorar las Logias del Vaticano. Destacó también el arte pictórico de la civilización romana en el procedimiento del mosaico, no limitado como hasta entonces, a simples decoraciones de pavimentos sino extendido a cuadros pensiles según lo revelan algunos ejemplares que se guardan en los museos y abrazando en uno y otro caso, asuntos y composiciones históricas. La miniatura sobre pergamino fue otro género que estuvo muy en boga entre los bibliófilos romanos de la época de Augusto, pero de ella no se han descubierto ni se conservan ejemplares anteriores al siglo III de nuestra era.

CHINA Pintura china. Las cerámicas pintadas del neolítico, de hace más de seis mil años y con figuras de peces, ranas, ciervos, pájaros y flores, presentan las primeras manifestaciones pictóricas de China. Los pictogramas más tempranos estaban compuestos por los pequeños dibujos con líneas, que se desarrollarían convirtiéndose en los caracteres chinos actuales. Artesanía china: La artesanía china se caracteriza por sus numerosas variedades y finas técnicas. Muchas obras trabajadas con técnicas especiales atraen a los expertos y coleccionistas. La artesanía de China se divide en dos ramas: la especial y la folklórica. La artesanía especial incluye las tallas en marfil, en jade y en piedra shoushan y otros artículos, los cuales, hechos con diseños meticulosos y materias preciosas o particulares, se venden muy caros. Productos famosos de china: Tallas en marfil. Las tallas en marfil se producen especialmente en Beijing, Guangzhou y Shanghai. Las de Beijing representan principalmente doncellas, flores, y pájaros. Guangzhou goza de fama por las bolas de marfil con grabaciones finas. En la mayoría de los productos de Shanghai se tallan figuras de seres humanos esmeradamente diseñadas. Objetos de jade. En el caso de los objetos de jade, utilizando las vetas, lustres y colores naturales de las materias primas, los artesanos combinan el color con la figura de las materias primas a fin de mostrar plenamente la fascinación de la naturaleza. Grabados en piedra. Están hechos con distintas piedras preciosas. Los artesanos esculpen los objetos conforme al color y forma de las piedras haciéndolos vivos. Grabados de laca. Son principalmente botellas, jarros y grandes biombos de color rojo oscuro en la mayoría de los casos. Se ven muy bellos y refinados. Objetos de cloisonné. Son famosos en China y en los países extranjeros. El proceso de producción se inicia con el modelo de los objetos con cobre, y se incrustan tirillas de cobre pulidas y galvanizadas con oro y plata. MURALLA CHINA. La Gran Muralla también llamada el Largo Muro de los 10.000 li, fue creada a partir de tramos existentes construidos en el período de los Estados Combatientes, como frontera ante las invasiones de los pueblos del norte y como línea de demarcación entre el pueblo chino y los pueblos bárbaros sin cultura

ARTE PALEOCRISTIANO Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino. En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias Tanto en la pintura como en la escultura, la valoración de los primitivos cristianos se dirige al significado de las representaciones más que a la estética de las mismas. El carácter simbólico se impone a la belleza formal. El repertorio de las representaciones pictóricas se encuentra básicamente en las catacumbas, decorando sus muros. Los temas son muy variados. Muchos representan a animales cargados de simbología cristiana, paloma, ciervo, pavorreal, o signos acrósticos con un gran significado teológico. Destacan entre ellos el Crismón, monograma formado por las dos primeras letras griegas del nombre de Cristo, XR, junto a la alfa (α) y la omega (Ω), primera y última letra del alfabeto griego, significando el principio y el fin. A estas letras se solía añadir la cruz y todo ello era encerrado en un círculo. En este signo existe un simbolismo cosmológico, la rueda solar, con la idea de Cristo. La combinación del círculo, con el monograma y la cruz representa a un Cristo como síntesis espiritual del universo, como la luz que alumbra las tinieblas del paganismo grecorromano sobre las que triunfa. Ya Constantino los utilizó en sus estandartes, en el Lábaro constantineano como señal de victoria El arte paleocristiano en España constituye la etapa final de la influencia romana. El cambio cultural que se opera durante los siglos II al IV tuvo en la Península poca vigencia, pues las invasiones de los pueblos germánicos se inician en el año 409. Pese a ello, y cada vez más, han aparecido abundantes testimonios de la vitalidad del arte paleocristiano hispano. En arquitectura hay que citar las casas patricias de Mérida y Fraga, adecuadas al culto, en Ampurias, una basílica de una nave, en San Pedro de Alcántara, en Málaga una basílica con dos ábsides contrapuestos, y en Lugo la iglesia subterránea de planta basilical de Santa Eulalia de Bóveda. Edificios funerarios los hay en La Alberca, en Murcia y sobre

todo el mausoleo de dos cámaras cubiertas por cúpulas en Centcelles (Tarragona). La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza. También se conservan algunas estatuas exentas, como varias con el tema del Buen Pastor, laudas sepulcrales y mosaicos que por su técnica y sentido del color siguen los modelos romanos EDAD MEDIA El Arte en la Edad Media cubre un arco temporal que va del siglo iv al Gótico Internacional (primera mitad del siglo xv), centrándose en los nexos históricos y culturales, los momentos centrales y las líneas de desarrollo de las artes más significativas durante toda la Edad Media en el territorio de la Europa occidental. La atención prestada a la difusión europea de las grandes corrientes artísticas responde a la convicción de que una verdadera historia del arte medieval no podrá nunca prescindir de ese conjunto de confrontaciones, préstamos y mutaciones que se daban continuamente en esa época entre diversas manifestaciones artísticas y distintos territorios geográficos. De este modo, la atención dedicada a las diversas expresiones de las llamadas “artes menores” (miniatura, orfebrería y marfil) pretende subrayar la importancia que estas tenían por su capacidad de expresar de una manera más rica y significativa el gusto y la creatividad de la época, no por ello sin dejar de ver los máximos exponentes de la pintura y la arquitectura medievales Las obras de arte de la edad media están estrechamente ligadas al pensamiento religioso, en especial al cristianismo. Todo el arte del medioevo está relacionado con imágenes religiosas, buscando más que una belleza sensible basada en la imitación de la naturaleza, una belleza figurativa basada en formas geométricas rompiendo con la herencia de la antigüedad clásica, también hay una busque de una belleza que esta más allá de lo sensible, es una belleza de concepto ligada directamente a la obra y lo que ésta simboliza (pensamiento de San Agustín). Hay poca preocupación por la imitación de la realidad y las obras, en especial la pintura, posee un marcado geometrismo y esquematización. San Agustín reconoce una belleza sensible como aquella captada por el ojo, pero la cree una belleza no completa y que no está por encima de las almas. Para que la obra sea completamente bella debe haber una idea o un concepto basado en símbolos que puedan ser descifrados para alcanzar ese goce de comprensión y belleza comparados con Dios

ARTE MODERNO Lo que hoy consideramos arte moderno no es la producción artística de la Edad Moderna, sino nuestro arte contemporáneo: las vanguardias europeas en torno a 1900, que de hecho significan una reacción contra el arte europeo de la Edad Moderna, que se consideraba acartonado por el academicismo y limitado por la sujeción al principio de imitación a la naturaleza; no así contra el arte extraeuropeo, que se recibe con admiración por su exotismo (estampas japonesas y tallas africanas). Incluso, desde otra perspectiva, hubo una escuela pictórica inglesa (el prerrafaelismo) que pretendía volver a la pureza de los primitivos italianos y primitivos flamencos anteriores al siglo XVI y al divino Rafael. Por tanto, a las creaciones culturales que se produjeron entre los siglos XV y XVIII les deberemos llamar "Arte de la Edad Moderna", con la suficiente distancia intelectual sobre él para considerarlo, aunque esté claro que el concepto de "moderno" (también para lo que hoy llamamos así) será siempre provisional. Esta reflexión no es en absoluto reciente: en Europa, el Renacimiento de los siglos XV y XVI inicia y se identifica con el concepto de modernidad, identificándola con la ruptura frente al arte medieval (despreciado por los italianos mediterráneos y añorantes de la antiguas glorias imperiales con el adjetivo de gótico, es decir, propio de godos, bárbaros del norte de Europa) y con la imitación (mímesis) tanto de los modelos que se consideraban clásicos (el arte grecorromano) como (sobre todo) de la naturaleza. No conviene olvidar, no obstante, que la clave de la riqueza creativa de la época fue el intercambio entre Italia y Flandes. Los flamencos se enamoran de las montañas italianas, de las que ellos carecen, y las reproducen en sus tablas; los italianos aprovechan muchas de las innovaciones técnicas que provienen de estos bárbaros del norte (el óleo). La investigación sobre la perspectiva se hace con criterios distintos, pero casi simultáneamente

ARTE CONTEMPORANEO El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) o limitado: al arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas), al arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la

Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-, o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-. Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte). Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporéneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970). Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea, danza moderna y danza contemporánea denotan significados bien diferentes. De forma mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna de la industria musical de consumo masivo; mientras que el de música contemporánea se hace para el de música culta o música clásica del siglo XX. El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones. Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones, englobándolas el el concepto conjunto de Arte moderno Mientras que el realismo literario (Balzac) surgió como reacción opuesta a los excesos del romanticismo (el exagerado exotismo, orientalismo y medievalismo y el gusto morboso por lo tétrico de la novela gótica), el realismo pictórico de Courbet, Corot o Daumier no significa una reacción en lo formal contra el romanticismo pictórico, sino que como éste, continúa profundizando en el alejamiento de la tradición academicista, de la que se ve radicalmente excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales, produciendo la apertura del Salon des Refusés, 1863). No obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y buscan representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Esa realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al aire libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras que otros la encuentran especialmente en la realidad social de lo cotidiano, de lo vulgar

y de las clases populares (como lo hizo el naturalismo literario de Émile Zola). La mayor parte de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político y social, vinculándose al naciente movimiento obrero surgido desde la revolución de 1848; otros, en cambio, como Millet, optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras, postura que comparten de un modo similar, los nazarenos alemanes y la mayor parte de los prerrafaelitas ingleses. Simultáneamente, en Inglaterra, el triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la reivindicación de el trabajo manual con el movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) de William Morris, que políticamente se situaba mucho más a la izquierda que aquellos