Fernando Botero Nacio En

FERNANDO BOTERO Nacio en (Medellín, Colombia, 1932) En 1951 se York; Buchholz mudó a Bogotá, donde presentó su primera muestra individual en la Galería León Matiz. Estudió en Madrid en la Academia de San Fernando y en Florencia, donde aprendió la técnica al fresco de los maestros italianos. En 1956 impartió cátedra en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Bogotá y visitó la ciudad de México para estudiar la obra de Rivera y Orozco. Desde 1972 ha presentado muestras individuales en las galerías Malborough, Nueva, Munich; y Claude Bernard, París. RAUL ANGUIANO(Guadalajara, México, 1915) Ingresa en la Escuela Libre de Guadalajara y organiza con otros artistas el grupo "Pintores Jóvenes de Jalisco", Se desempeña como maestro de pintura en La Esmeralda y en la Escuela de Artes Plásticas de la UNAM, México, D.F. Es miembro fundador del Taller de la Gráfica Popular y de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas, México, D.F. Entre sus múltiples exposiciones destacan las realizadas en el Palacio de Bellas Artes, México, D.F., en 1935, 1949, 1982 y 1991; y en los museos de Artes de San Francisco, California, en 1953; de Arte Moderno, INBA, México, D.F., en 1972; y una Retrospectiva de Obra Gráfica en el Museo Nacional de la Estampa, INBA, México, D.F., en 1991. Obtienen el primer premio y medalla de oro en el Salón Panamericano de Arte en Porto Alegre, Brasil, en 1958; y recibe la condecoración de la República Italiana con el Grado de Commendatore, en Roma, Italia, 1977. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas. Se cuenta entre los más lúcidos representantes de la corriente realista-social que alumbró por décadas el horizonte mexicano y que tuvo tanta influencia en casi toda América Latina. Este pintor es importante por sus murales, retratos e interpretaciones personales históricas y simbológicas. Sin embargo sus obras -compatibles con la abstracción y el futurismo- y su labor de dibujante y grabador nos muestran una diversidad de facetas de un alto nivel artístico.

GERARDO CHAVEZ LOPEZ(Trujillo, Perú 1937) Estudia en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, de Perú, y viaja a Europa para establecerse en París. En 1983 crea en Trujillo, Perú, la Primera Bienal de Arte Contemporáneo. Ha participado en varias exposiciones de América, Asia y Europa. Existen obras de Chávez en numerosas colecciones privadas europeas y americanas, así como en algunos museos. Sus monstruos y personajes son quizá los actores de la gran fábula que es la vida para el autor. Crea una forma propia, que se reitera en las distintas criaturas que emanan del mito precolombino, de lo chamánico, de la cultura de su pueblo, al norte del Perú. Al igual que otros miembros de su generación, se erige como un punto de contacto entre el mestizaje indígena y la tradición europea. En su obra los personajes presentes transitan entre el pasado y lo imaginario. Ese mundo suyo, frágil y suntuoso, bello y discreto, Chávez lo ha ido forjando, perfeccionando, depurando, liberando de influencias, mediante una técnica cada vez más segura y más propia. De su arte se puede decir algo que es raro: que siendo, de exposición, en exposición, más congruente y leal consigo mismo, ha ido siendo también, cada día, más original, y más profundo.

RAMIRO JACOME(Quito, Ecuador, 1948) Artista autodidacta. En 1968 conforma el grupo de los llamados Mosqueteros -con los

plásticos Iza, Román, Unda-, quienes en tres años organizan y exponen en una serie de muestras llevadas a cabo en Quito, Guayaquil, Lima, Washington, entre otras ciudades. Participa en la Feria Internacional de Arte FIA 95, Caracas, y en numerosas bienales entre las que destacan las de Venecia, Sao Paulo y Cuenca. Ha expuesto en el Museo Municipal de Guayaquil, Ecuador (1976); en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de la OEA, EUA (1980); en la galería Nesle, Francia (1987); y en la Eduardo Sívori, Argentina (1996). CARLOS REVILLA(De nacionalidad peruana, nacido en Clermont-Ferrand, Francia, 1940) Sus años de formación transcurren entre Europa y América. Estudia en la Real Academia de Bellas Artes de Amsterdam, Holanda. Participa en la Bienal de Venecia en 1968 y expone en el centro cultural de la Municipalidad de Miraflores (1986), en el museo de Contemporary Hispanica Art. Nueva York (1987), en el Estatal de Amsterdam, Holanda (1988) y en la galería A.F. Petit de París. Su obra se cuenta entre las colecciones de los museos de Arte Moderno, el de Utrecht y el de Ostende de Bruselas, y el de Arte de Lima. Reformula el surrealismo histórico para crear un neofigurativismo donde el elemento narrativo es quizá la clave de su obra. De tendencia eminentemente europea, aunque enriquecida por sus lazos con el Perú, Revilla trata de racionalizar el azar para preguntarse acerca de las relaciones entre arte y tecnología, arte y erotismo, arte y futuras conductas humanas. FRANCISCO TOLEDO(Juchitán, México, 1940) Estudió en el Taller de Arte Gráfico de la Ciudad de México y con el grabador Stanley Hayter en París. Ha participado en incontables muestras tanto en América como en Europa. Entre otros importantes centros, sus trabajos han sido expuestos en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Pintor, dibujante, grabador y ceramista que imprime su sello distintivo en cada una de las disciplinas en las que incursiona. Considerado uno de los más importantes artistas contemporáneos a nivel mundial. Reconocido especialmente por su labor iconográfica, en la cual retoma elementos de la tradición popular indígena y los coloca a la luz de una lectura contemporánea. En su obra está presente la huella de un pasado milenario que hasta nuestros días forma parte de la cotidianidad de América Latina. Toledo reúne en sus imágenes rasgos y técnicas provenientes de contextos muy diversos que se aproximan ya sea por metáfora o por contigüidad (...) Toledo no es arcaísta (...) ni tampoco es folklórico. Es un creador ligado simultáneamente a varias tradiciones, es innovador e intemporal. Actualmente está realizando un "monumento a la madre" en el que cuestiona adefesios monumentales que pululan no sólo en Oaxaca sino en toda la República. Teresa del Conde. De "Ferviente admiración", en la revista Arqueología Mexicana, México, 1997. Al ver su obra, uno siente que son otras las alianzas químicas, que los agentes reguladores, las glándulas, los nervios y los órganos, los sentidos, los reflejos y los instintos, la memoria y las facultades mentales, los factores patógenos, la fisiología, los sistemas de coordinación se remontan a un tiempo mucho más afinado y sensible que el nuestro, quizá cuando los hombres no tenían piel y sólo los separaba de la tierra una débil membrana, cuando dialogaban con todas las cosas de la tierra y sabían descifrarlas, cuando no le temían al pantano porque no se los tragaría. De nacionalidad mexicana, nacido en Barcelona, España, 1932) Estudia cerámica y escultura en la Escuela Elemental del Trabajo en España. Continúa sus estudios de pintura y grabado en la escuela La Esmeralda del Instituto Nacional de Bellas Artes de México. Funda, junto con Miguel Prieto, la revista Artes de México, que dirige hasta 1964. En 1968 realiza los dibujos para los Discos visuales de Octavio Paz. En 1991 recibe el premio nacional de Artes y el premio "México" de diseño y, en 1993, la medalla de oro al mérito de las Bellas Artes de España. Este mismo año es designado creador emérito por el Sistema nacional de Creadores de Arte en México. Expone en grandes salones internacionales y presenta numerosas muestras personales en diversas ciudades de América, Europa y Asia. Su obra se ha calificado como indispensable por el fundamental aporte que representó para la renovación del arete mexicano en la segunda mitad del siglo. La fuerte impronta figurativista,

marcada por el muralismo y la consiguiente preponderancia del arte público sobre la pintura de caballete, constituían obstáculos difíciles de superar para las nuevas alternativas artísticas. Era necesaria la incursión en lo abstracto y hacia allá se dirigieron algunos creadores, entre los que ocupa un lugar sobresaliente Vicente Rojo, quien ha escogido una línea a grandes rasgos geométrica, pero no de purismo constructivista. Al hacer del color y de las formas una suerte de códigos, ha conseguido expresarse con gran libertad y personalidad. Sus trabajos de pintor y de diseñador gráfico han dejado huella en toda una época (...). En diversos frentes el pintor Rojo, ha llevado a cabo con su generación una revolución auténtica del horizonte de las artes visuales en México. ZAIDA DEL RIO(Guadalupe, Cuba, 1954) Estudia en la Escuela de Arte y en el Instituto Superior de Arte cubanos; y en L´École des Beaux Arts de París. Cuenta con numerosas exposiciones y premios. Destacan la muestra itinerante de Arte Contemporáneo Cubano, Suecia-Noruega-Dinamarca (1976); "Cuban Art", en la Sing Gallery, Nueva York (1982); ARCO 96, España. Entre los premios que obtiene se cuentan el de dibujo en el Salón Nacional de Artes Plásticas, UNEAC, Cuba (1979), y el primer premio de pintura de la Bienal de El Cairo, Egipto (CARLOS COLOMBINO (Concepción, Paraguay, 1937) Realiza estudios de arquitectura en la Universidad de Asunción, y de arte en Madrid y París. Ha obtenido importantes distinciones como el primer premio de pintura en la muestra Arte Actual de América y España, Madrid (1963), el gran premio en la I Bienal de Quito (1968), y ha expuesto en el Ateneo de Madrid (1964), la Unión Panamericana, Washington (1966), el Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (1969), entre otros. Su obra forma parte de la colección de distintos museos. Sus xilopinturas están trabajadas en maderas policromadas. A partir de las texturas propias del material crea un ambiente en que los objetos, a pesar de su distorsión, pueden ser reconocidos como elementos figurativos. Su trabajo se convierte en denuncia de la represión política, y el elemento madera aparece como protesta por la tala indiscriminada de los bosques paraguayos. En la obra de Colombino se intuye que mostrar el desaliento contemporáneo puede ser un acto de esperanza y fe en el futuro. La imagen de Colombino se contrae y se expande, hurga en su detrás, socava la misma construcción que le sostiene y desmiente su propio reflejo. La forma, rotunda, exacta, tanto se despoja hasta el límite e ilumina, por un instante, su nudez matemática como se desgarra y lacera sus carnes vegetales en un movimiento feroz que arruina todos los cálculos. En el fondo, el conflicto insoportable que atosiga y alimenta: la tensión entre libertad y necesidad; entre estructura e historia. Entre el lugar del hombre, parámetro de todas sus ausencias y la soledad callada de sus propios espacios.1993). OSVALDO GUAYASAMIN. Oswaldo Guayasamín nació en Quito, el 6 de julio de 1919, de padre indio y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. La familia vivía en la miseria. Oswaldo fue el primero de diez hijos. Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia. En 1932, a pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento obrero. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. En 1942 expone por primera vez en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.

Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente. También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.

Mantuvo una gran amistad con el presidente cubano Fidel Castro y con el escritor colombiano Gabriel García Márquez. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos. En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia. En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de marmol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica. En 1984, retrató al Rey Juan Carlos y a Fidel Castro por tercera vez, dos de los más de tres mil retratos que pintó y entre los que se encuentran grandes figuras mundiales, artistas y amigos. En agosto de 1988 hace entrega al Congreso ecuatoriano de un mural de unos 360 metros cuadrados que quedó instalado en el salón de sesiones de la Cámara. El gobierno estadounidense lo criticó por este mural (inaugurado en la toma de posesión del presidente Rodrigo Borja), en el cual aparece un rostro "calavérico": un casco nazi con las siglas "CIA", en alusión a la Agencia Central de Inteligencia norteamericana. En ese acto, el representante de Estados Unidos abandonó la sala como expresión de rechazo. También donó un mural a la UNESCO que se instaló en la entrada de la sede de ese organismo en París y que está dedicado "a los millones de niños que mueren cada año de hambre en el mundo". Es el autor del mural principal de la sede permanente del Parlamento Latinoamericano, que se inauguró en septiembre de 1992. Ese año recibió el premio "Eugenio Espejo", el principal galardón cultural otorgado por el Gobierno ecuatoriano. En enero de 1993 viajó a Cuba para inaugurar su casa-museo en La Habana. En esta ocasión anunció que el primer cuadro que pintará será un nuevo retrato del presidente cubano ya que, según sus palabras, "es la primera persona de los cientos de retratos que he hecho que no puedo captar de una sola vez". Mantuvo una gran amistad con el presidente cubano Fidel Castro y con el escritor colombiano Gabriel García Márquez. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos. En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia. En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de marmol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica. En 1984, retrató al Rey Juan Carlos y a Fidel Castro por tercera vez, dos de los más de tres mil retratos que pintó y entre los que se encuentran grandes figuras mundiales, artistas y amigos.

En agosto de 1988 hace entrega al Congreso ecuatoriano de un mural de unos 360 metros En enero de 1993 viajó a Cuba para inaugurar su casa-museo en La Habana. En esta ocasión anunció que el primer cuadro que pintará será un nuevo retrato del presidente cubano ya que, según sus palabras, "es la primera persona de los cientos de retratos que he hecho que no puedo captar de una sola vez". Los ultimos dias el maestro vivio recogido en su residencia debido a un problema que tenía en la vista y que le llevó a Estados Unidos el último 17 de febrero Mantuvo una gran amistad con el presidente cubano Fidel Castro y con el escritor colombiano Gabriel García Márquez. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos. e posesión del presidente Rodrigo Borja), en el cual aparece un rostro "calavérico": un casco nazi con las siglas "CIA", en alusión a la Agencia Central de Inteligencia norteamericana. En ese acto, el representante de Estados Unidos abandonó la sala como expresión de rechazo. También donó un mural a la UNESCO que se instaló en la entrada de la sede de ese organismo en París y que está dedicado "a los millones de niños que mueren cada año de hambre en el mundo". Es el autor del mural principal de la sede permanente del Parlamento Latinoamericano, que se inauguró en septiembre de 1992. Ese año recibió el premio "Eugenio Espejo", el principal galardón cultural otorgado por el Gobierno ecuatoriano. En enero de 1993 viajó a Cuba para inaugurar su casa-museo en La Habana. En esta ocasión anunció que el primer cuadro que pintará será un nuevo retrato del presidente cubano ya que, según sus palabras, "es la primera persona de los cientos de retratos que he hecho que no puedo captar de una sola vez". Los ultimos dias el maestro vivio recogido en su residencia debido a un problema que tenía en la vista y que le llevó a Estados Unidos el último 17 de febrero

MOISES BARRIOS (Guatemala, Guatemala, 1946) Estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica y en la Escuela de San Fernando de Madrid. Entre sus muchas exposiciones destacan la que organizó la galería Laberinto, El Salvador (1988); la muestra de grabados de Engramme, Canadá (1993) y en la Galería Sol del Río, Guatemala (1996). De un realismo casi fotográfico, este pintor, grabador y artista del collage, critica con ironía ciertos aspectos de la realidad de su país. Utiliza como modelos a personajes comunes de la calle, y a los objetos que estos personajes, en su uso diario, han dotado de una carga simbólica. El arte de Barrios nos permite intuir qué hay realmente detrás de la cotidianidad, vista a través de un gesto, una mirada o una representación desvalida de la niñez. En su obra se puede encontrar la constante vida-muerte con todas sus simbologías, artefactos y mitos, oculata en situaciones plenas de color y de trazo seguro. FÉLIX OLIVA

(Lima, Perú, 1932) Estudia pintura en la Universidad de Bridgeport, EUA, cerámica en el Centro de Cerámica Perú y litografía en París. Ha participado en expos iciones en América y Europa y ganado diversos premios en su país, entre ellos el primer premio de la Tercera Bienal Nacional Artesanía (1971). Ilustró Leyendas de Guatemala de Miguel Ángel Asturias

JOSE DIAZ (Campo de Criptana, España, 1930) Su primer acercamiento a la plástica es a través de la afición de su padre por la pintura. Su formación es totalmente autodidacta y se fortalece en los ambientes artísticos madrileños de la década de los 50. Expone en América, Europa y Rusia, y entre sus muestras se cuentan las realizadas en la Galería 5 en Suiza (1959), la Dirección General de Bellas Artes, España (1964) y el Museo Municipal de Alcázar de San Juan, España (1995). Pintor de la nostalgia urbana dentro de una neofiguración cargada de reminiscencias, ha incursionado también en la abstracción. Forma parte del grupo de artistas españoles que se formaron en Francia, conocidos como de la Escuela Madrileña de París. En muchas de sus pinturas recrea los personajes de Velázquez y El Greco. El abstraccionismo urbano que trabaja logra que se genere alrededor de un objeto conocido una atmósfera de extrañamiento. En ese parecido de la pintura a sí misma está la calidad, la mismidad, la verdad de Pepe Díaz (...) Es un genio cansado, es un genio incansable, es un maestro. Me gusta ver pintar a los pintores. Me gusta ver que surge una muchacha, un ministro, un amigo, lentamente de la abstracción en paz de Pepe Díaz. Francisco Umbral. De "Manchego de París", en tríptico para exposición, Barcelona, julio 1994. Quien solo conozca a Pepe Díaz por fuera (...) podría pensar que se trata de un expresionista que pinta con un pincel atado en la punta de la cachaba. Las apariencias engañan, Pepe Díaz tiene el corazón lsleno de música y aunque su lengua a veces posee el rigor del hacha, este hombre ve el paisaje de la vida con los colores más tiernos, transforma las pasiones furiosas en tonalidades rosas, grises y en delicados azules atmosféricos (...) Tiene un gran talento para someter el espacio a una suerte de música. Esa es la marca de la casa. Sólo por esa sensibilidad Pepe Díaz ya es digno de pasar a los libros. ANGEL HACHE (San Pedro de Marcorís, República Dominicana, 1943) Realiza estudios de arte con Domingo Liz y en la Academia de Gilberto Hernández Ortega, y se gradúa de actor en la Escuela Oficial de Cine de España. Es miembro fundador del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos y el grupo cultural La Máscara. Actualmente dirige los talleres infantiles del Museo de las Casas Reales e imparte clases de dibujo en la Escuela Nacional de

Bellas Artes de su país. Su primera individual la realizó en 1967, en la galería Olimpia de República Dominicana. Entre sus series pictóricas más importantes están "Vivir en las nubes"; "Carnaval en las nubes" y los homenajes al cine. Pintor realista, ha dedicado buena parte de su vida al teatro y al cine. Es un virtuoso de la acuarela, técnica en la cual alcanza notables logros poniendo especial atención a la luz, al color y a la composición. Indaga en diversas manifestaciones y creencias populares para crear imágenes plenas de fantasía y sugerencias trabajadas con un cuidado exacerbado. Utilizando técnicas europeas, algunas de ellas de vanguardia, logra fijar los aspectos narrativos e histriónicos que caracterizan su obra. Los Cristos de Angel Haché intentan convertirse en una recreación formal, de intencionalidad religiosa, a partir de distintas expresiones y técnicas, fácilmente confundibles con lo irónico. Angel Haché es un cultor del realismo, pero hemos de puntualizar que esa filiación concierne primordialmente a la vertiente formal y que no se trata de una definición radical y exclusiva (...) Las líneas agudas, el acorde contrastante del blanco y negro, la intensidad luminosa, la atmósfera a la vez mágica, misteriosa y angustiante acercan ciertamente los motivos y sus fuentes cinematográficas. Tal vez sea el eslabón estilísticamente más evidente entre dos lenguajes, el de las "imágenes en movimiento", el de las "imágenes sin movimiento" (...) Los conocimientos de Angel Haché, en historia del arte e historia del cine, le permiten esa concordancia estilística, que favorece nuestra lectura en su referencia a la película o al cineasta o a la época de la filmación, que favorece la diversificación compositiva y estética en general de los dibujos. Marianne de Tolentino. Del libro Homenaje al cine blanco y negro, Angel Haché, 1989. Como diestro que es en el cultivo de la acuarela, Angel Haché se las ingenia para imprimir a sus personajes, los objetos y el espacio, vigor y colorido, lo que capta en pleno movimiento y en la actitud más sugestiva.