Dossier Iii Ha Dic06 Ccao

Centro Cultural ALBERTO OLMEDO y Centro Cultural COLEGIALES

Taller de HISTORIA del ARTE de los centros culturales Alberto Olmedo y Colegiales

DOSSIER Nro. 3

Profesora Adriana Gaspar

¿Existe un arte POST CRISIS 2001? Por Prof. Adriana Gaspar

E

sta es una pregunta para reflexionar sobre el arte argentino hoy. Una estética velada por la crisis política, social y económica, apareció nuevamente en escena y ésto se reflejó no sólo en los materiales utilizados sino también en sitios que por aquel entonces fueron casi marginales y que luego se institucionalizaron, no sólo en núcleos grupales e intelectuales sino también en las producciones artísticas. Toda aquella movida que apareció con el nacimiento de la democracia en la década del 80, fue desmembrándose y perdiendo sus valores en la década siguiente, con una cultura light, que se instaló en una sociedad confudida por las apariencias y desbordada por los medios de comunicación que fueron instalando esta cultura sobre todo en las generaciones más jóvenes. Un giro importante se produjo en estos últimos años, y las piezas se fueron acomodando. Utopías casi dormidas hoy muestran su ímpetu en esta sociedad globalizada pero con una identidad y un compromiso que se refleja en la producción de los artistas. La tecnología actualizada acompaña a esos cambios y un fuerte predominio de lo conceptual gira alrededor de ella, fortificada por un buen contenido estético que seguramente hemos heredado de épocas anteriores.

Marc Chagall:

la pintura es poesía pura por Ileana Andrea Gómez Gavinoser

N ació en Vistebsk, Rusia, en 1887 y murió en

1985 en Francia.

Cuando nos referimos a Marc Chagall debemos hablar de la pintura como sinónimo de la poesía más excelsa. Nacido en el seno de familia rusa-judía, desde muy temprana edad, manifestó su inclinación a las artes. Inició sus estudios de pintura en su pueblo natal y en 1910 viajó a París para conectarse con el mundo de la pintura cuyo centro era la capital francesa. Allí trabó contacto con las vanguardias y sus más célebres representantes, estilo e ideas, a través de los cuales se manifestaría toda su poética pictórica. Folklore, color, exquisitez compositiva y música son sus características.

"yo y mi pueblo"

El cuadro pasa a ser un poema de color armonioso y a la vez vivo. En su primera etapa parisina, surgen sus cuadros cubistas que recorren todas las facetas del movimiento. Posteriormente ligado al expresionismo alemán, en Berlín se realiza su primera muestra individual en 1914, año en que vuelve a su pueblo natal. En 1915 se casa con su amada Bella, mujer que sería su musa inspiradora. Allí, en Rusia, pasa un largo período en el que pinta todos los pormenores de vida campesina. Son famosas sus obras en las que retrata con detalles todos los aspectos de la vida de los judíos en Rusia, período tras el cual regresa a París con su familia y en 1926, se realiza su primera exposición retrospectiva en NuevaYork. A partir de allí su vida de pintor se jalonaría de reconocimientos y excelsa poesía que no decae nunca de sus cuadros. Naturalmente surrealista en su modo de proceder, la pintura de Chagall es de un colorido y de una vivacidad insuperables. Pinta hasta el final de sus días, en 1985. Nos dejó un legado maravilloso de imágenes- poesía, algo más que un mero costumbrismo. La pintura de Marc Chagall tiene vuelo poético, vuelo plástico y vuelo metafísico por la belleza terrestre. "Amantes"

George Braque George Braque nació en 1890. Se instaló junto a su familia en Le Havre donde efectuó sus primeros estudios concurriendo por la noche a la escuela de Bellas Artes y continuando luego sus estudios en la academia Hubert de esa ciudad. En 1905 al contemplar en Paris la primera muestra del Movimiento Fauve encontró un camino a seguir, atraído poderosamente por el estilo Fauvista.Sin embargo dos años más tarde se producirá el encuentro con Matisse, Derain, Vlaminck Kahnweiler y Apollinaire quien lo acercó a Picasso quien a su vez, lo invitó a visitar su estudio donde vio el cuadro “las Señoritas de Avignon” quedando impresionado por las estructuras de ese trabajo. A partir de entonces, Picasso y Braque emprendieron la trayectoria que los conduciría al Cubismo.La obra que lo inscribe de manera clara en el seno de esta escuela es “Casas en el Estanque” obra en la cual el artista retrata un paisaje, prestando especial atención a la restricción cromática del cubismo. Su profunda amistad con Picasso llevó a Braque a investigar en torno a las distintas posibilidades que les ofrecía la metodología de análisis depurado aplicado a la pintura. No puede decirse con exactitud cuál de los dos grandes maestros representantes del Cubismo fue el iniciador de la corriente analítica. Debido a un fatal accidente, Braque no volvió a pintar hasta 1917. Conoció a Juan Gris y publicó más tarde, sus pensamientos y reflexiones sobre la pintura. Aunque no puede decirse que la pintura de Braque abandone las soluciones del movimiento cubista por completo, el artista depura sus elementos y los convierte en algo sustancialmente distinto. Basándose en una estética del vacío, realiza la serie “de los pájaros”. La composición es sumamente sencilla, aplicándose el color con extraordinario cuidado y procurando no exceder los tres o cuatro tonos en la misma obra.Su muerte acaece en 1983.-

“Casa en el estanque” Georges Braque

Joan Miró por Magdalena Victoria

Pintor español, nació en Barcelona en 1893.

Realizó sus primeras obras según la estética puvista. En 1919 realizó constantes viajes a París, donde conoció a Picasso y a los Dadaístas, adhiriendo, y enseguida al grupo de los Surrealistas (movimiento artístico que caracterizó su lenguaje estético). Su obra se adentra en el mundo de la fantasía, de los signos y de los símbolos. Líneas, formas y manchas dotadas por una gran ingenuidad pero con mucha sabiduría tal como se puede observar en mujer y pájaro al claro de luna 1949. Ha realizado grandes murales de cerámica que fueron instalados en París, Barcelona yHarvard. Fue creador también, junto con otros artistas, de monumentales tapices de brillantes coloridos. La fundación Miró en Barcelona es unos de los más importantes centros culturales españoles. Fue por excelencia pintor, grabador, escultor y ceramista. Empleó diversas técnicas y procedimientos como por ejemplo el óleo, la litografía, el collage y la cerámica entre otros. Joan Miró muere en 1893, después de haber sido reconocido en Barcelona ya que él mismo había quedado olvidado en la época Franquista.

"el Holandés Interior"

.Max

ERNST

N

ació en Colonia, Alemania 1981. Pintor, grabador, escultor autodidacta. Estudio en la universidad de Bonn. En 1919 funda el grupo Dadaísta en Colonia. Realiza sus primeros collage. En 1922 fija su residencia en Paris. Se une a Breton, P Eluart y Picabia, experimenta todos los medios técnicos a su alcance. Estaba predestinado a convertirse en el ilustre forjador de sueños, expresión que él dio como titulo a unas de sus obras. Cuando niño, antes de dormirse, contemplaba las paredes, los paneles de caoba colocados a sus pies y las betas de los nudos de madera. Descifraba en ellos escenas fabulosas: muchachas en posturas bonitas, "selvas ", 100.000 palomas. El paisaje, era fruto de su imaginación con adaptaciones y retoques a los que les fijaba por fin un titulo "Floresta", "Sol y pájaros", "Dos muchachas desnudas". Todos fueron plasmados en obras durante 1926 y 1929 en París. Luego, estos cuadros formaron parte de colecciones privadas. Como Marcel Duchamp fue admirador de Leonardo Da Vinci y puso en práctica el reemplazar las manchas en las paredes y las estrías del piso con relieves, apoyando sobre ellos una hoja de papel que luego frotó con lápiz (técnica conocida como frottage). Con este procedimiento Ernst logra a lo largo de su vida resultados extraordinarios. El papel que tuvo Max Ernst en la creación de la pintura surrealista fue fundamental. Breton, no obstante sus disentimientos, jamás lo impugnó. Alrededor de 1936 usa la técnica de la calcomanía. Para ese entonces, atraía la atención de un público numeroso. Un marchand, como negocio, le propuso realizar una muestra cerca de la galería surrealista. Se lo anunció en importantes publicaciones de la revolución surrealista. Esto trajo gran cantidad de protestas y altercados hasta que en 1957 Breton consintió (a pedido de algunos que lo acompañaban en aquel entonces), en excluir a Max Ernst del surrealismo. Según Tallyerand eso era algo peor que un crimen, un grave error, porque Ernst significaba un mago del surrealismo.

"Vida"

Su gran amigo y contemporáneo fue Joan miró. Aún sin asemejarse en nada, los dos encontraron la forma de crear pinturas surrealistas. Participó en decorados para teatro tales como Romeo y Julieta en 1926. En la película sueños para vender, en 1944 en EE.UU, donde se refugió durante la segunda guerra mundial. En 1958 regresa a Francia y allí recibe el premio nacional de arte. En 1970 publicó en Paris una recopilación de sus escritos referentes a su obra plástico - pictórica. Muere en Paris 1976.

"El anti Papa"

René Magritte R

por Liliana Hernández

ené François Ghislain Magritte nació en Lessines, Bélgica 21 de noviembre de 1898. Tras el suicidio de su madre en 1912 se trasladó a Charleroi, donde estudió el bachillerato y se entusiasmó con las películas de Fantomas. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. En 1922 se casó con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirvió de modelo. Inicialmente trabajó el estilo Cubista hasta que, en 1925, bajo la influencia de De Chirico su obra se encamina hacia el Surrealismo.

"La traición de la imagen"

Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Al año siguiente participó en la primera exposición colectiva de los surrealistas en París, donde frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp, André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera. Vuelve a Bélgica en 1930. Expone por primera vez en Nueva York en 1936, alcanzando fama mundial. Recibe el Premio Guggenheim en 1956. Visita Estados Unidos por primera vez en 1965, con ocasión una retrospectiva en el museo del arte moderno en Nueva York. Ya para entonces era reconocido y admirado en el mundo del arte. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. En sus últimos años, tuvo gran influencia sobre el arte Pop. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

"La condición humana"

La década del '60 en

el arte argentino por Delia Llaneza

ste período del siglo XX fue sumamente importante para el mundo, porque los hombres necesitaban desatar los aspectos rígidos que les permitieran salirse de los bretes marcados por las sociedades corporativas.

E

En la década del '60, la plástica argentina tuvo un

gran giro marcado por el Instituto Di Tella y como para mostrar una evidencia, nos ocuparemos de dos artistas surgidos del mismo. JUAN CARLOS DISTEFANO

Nació

en 1933 en la provincia de Buenos Aires. Estudió artes gráficas en una escuela industrial y más tarde completó el profesorado de dibujo en la Escuela de Bellas Artes "Manuel Belgrano".

En

integrante del Instituto Di Tella, pero ante una diferencia de concepto con Romero Brest en 1968, se despidió con una carta que decía: "A los espectadores les aseguro: nadie puede darles fabricado y envasado lo que dándose en ese momento, está dándose el hombre. La obra: diseñar formas de vida". (Este párrafo fue extraído de una charla que Suárez efectuó en el CCRR Rojas).

Fue

1960 organizó el Dpto. de Diseño del Instituto Torcuato Di Tella, en donde se desempeñó hasta su cierre. Su primera muestra de pintura fue en 1964, mientras al mismo tiempo comienza a trabajar relieves con yeso y alambre, papier maché y lana de vidrio, interesándose por el tratamiento de las resinas. Alrededor de 1970 comenzó a trabajar en esculturas con poliéster reforzado y colado.

bismo entre el espectador y la obra, por lo cual trató de trazar una especie de paralelo con ciertos desarrollos que hizo el POP, incorporando una imagen intermedia entre la caricatura y la imagen publicitaria,valiéndose para ello de los trabajos de Molina Campos, Cándido López y Gramajo Gutiérrez.

El

Se fue a vivir al campo y comenzó a pintar para él,

crítico Aldo Pellegrini en 1967 fue uno de los primeros en destacar la originalidad de Distéfano, al incluirlo en el Surrealismo en la Argentina. Distéfano entonces había adherido a la Neofiguración, tendencia que enriqueció en sus pinturas y esculturas, las cuales forman una vasta alegoría, despiadada y sarcástica de las sociedades de nuestro tiempo, observadas a través de las desventuras humanas. PABLO SUÁREZ (1937-2006)

Estudió

agronomía y practicó boxeo entre otras cosas, pero al ganar una beca de pintura, se dedicó exclusivamente a ésta actividad, relacionándose con los artistas Alberto Greco, Jorge De la Vega y otros.

Su búsqueda siempre estuvo dirigida a romper el a-

sin convicción de mostrar, apoyándose en gente que venía de la pintura, siendo su principal referente el pintor Lacámera. Después de un tiempo, volvió a hacer escultura, interesándose por las tallas coloniales policromadas de los siglos XVII y XVIII…

En marzo-mayo/64 expuso sus obras con el título "El

escaso margen" en la galería de Daniel Maman en donde un párrafo del crítico Julio Portela queda sin discusión el mensaje de Suárez: "Los personajes parecen ser uno solo, cambian las actitudes, se modifican las expresiones y terminan pareciéndose sin ser iguales. Están unidos por las carencias y separados por distintos espantos".

El camino del aprendizaje Por Marisa Nahon

e encuentro en la difícil decisión de elegir un artista. Hablar solo de uno de tantos genios que nos llegan hasta nuestros días… En un semillero de galerías de arte, centros culturales, museos y salas de exposiciones, como el existente en nuestro país, y específicamente en la capital federal, es increíblemente rica la experiencia que se puede adquirir cada día. Me deslumbra observar la diferencia de opiniones de los pintores aún siendo contemporáneos, como así también la diversidad de formas de plasmar sus trabajos a pesar, inclusive, de pertenecer a las mismas corrientes o movimientos. Los lineamientos generales están marcados, pero cada uno nos permite descubrir con su paleta, su propia historia y personalidad. E inclusive al conocer más en profundidad sobre la infancia, sus datos familiares, lugar y forma de crecer, se puede interpretar más a fondo su obra. Si hablamos del movimiento Madí podríamos hacer mención de pintores como, Arden Quin, Lozza ... En los abstractos como Kandinsky,y en el arte pop o el Instituto Di tella, a Minujín o Suárez… Pero caigo ante la profunda seducción de Juan Doffo, y sus obras cosmogónicas. O el manejo y estudio minucioso de los átomos y la magia del agua tratada particularmente por Kosice, de la estructura de la luz por Ary Brizzy, Soto jugando con diversos planos y movimientos en sus obras o Polesello en la diagramación estructurada y simétrica de sus murales, que pueden ser observados de diversos ángulos tras los inmensos bloques de acrílico trabajados exhaustivamente por él. El entender lo que son instalaciones, diferenciar diversas técnicas y la utilización de distintos materiales, llegar a conocer la necesidad de que una obra esté acompañada por alguna mención literaria para poder interpretar su significado; Descubrir también porque las artes plásticas se convirtieron en artes visuales y la importancia de los videos

M

Guillermo Roux.

en todo este crecimiento e inclusive quedarme paralizada frente a un cuadro, tratando de saber qué me está haciendo sentir, conmovida por la diversidad de sensaciones. Para esta difícil elección he decidido quedarme con el último de los artistas de los cuales obtuve información. Guillermo Roux. Más allá de reproducir su biografía, cosa que está al alcance de todos, el artista argentino nació en 1929, y fue hijo de uno de los grandes ilustradores argentinos, se graduó en la academia de bellas artes, viajó y se preparó en Europa. Retorna al país radicándose en Jujuy y ejerce la docencia alternándola con las artes plásticas. Viaja a Nueva York, luego a Paris, Roma y Sicilia. Posteriormente gana el primer premio internacional de la XIII bienal de San Pablo. En 1996 inaugura una muestra retrospectiva en el museo de bellas artes, realiza un homenaje a Buenos Aires, en un gran mural de 12 x 5,40 de alto en la esquina de Av del Libertador y el pasaje Della Paolera. Pero más allá de ésto quiero destacar algunos pensamientos que se rescatan de alguna entrevista realizada. El artista, considera que cada uno debe desarrollar el deseo, gusto e inclinación para poder decidirse al momento de elegir cual será la técnica y materiales con los que se perfeccionará, ya que todo principiante quiere abarcarlos en su totalidad pero al ser ésto un imposible se requiere de una elección y perfeccionamiento. El se encuentra particularmente cómodo con las pinturas al agua, es decir témperas y acuarelas. Para Roux, el artista tiene que insertar la fantasía, y ser convincente. Crear sueños y convertirlos en realidades. Que la pintura es poesía que debe transportar al espectador a un sueño convincente y armonioso. Ese es el fin del arte: Captar la esencia de la existencia. Habla también de la retrospección del hombre en lo espiritual y que esa involución nos provoca estar viviendo en un período de decadencia. Lo que facilita que todas las obras sean divertidas. Que la existencia (nacer, vivir, morir) está anestesiada. Se vive en la banalidad, superfluamente. Que es lo que nos llevaal estado anteriormente mencionado. Conocer sus trabajos enriquece el espíritu, como nos lo permiten muchos otros. Algunos artistas transmiten claramente sus ideas. Otros nos dan un discurso y expresan todo lo contrario en sus trabajos. Pero lo importante de todo ésto, es poder sacar nuestras propias conclusiones. Llegar a conocer cuál es nuestra inclinación en cuanto a gustos. Y para quienes disfrutamos de hacer arte, interiorizarnos para facilitarnos el largo camino de buscar nuestra tendencia.

Centro Cultural Alberto Olmedo Luis Viale 1052 tel: 4581-8369 [email protected] www.ccao.blogspot.com

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Diciembre 2006

dg: andrea cochetti