Dossier 1

Centro Cultural ALBERTO OLMEDO y Centro Cultural COLEGIALES

taller de HISTORIA del ARTE de los centros culturales Alberto Olmedo y Colegiales docente Adriana Gaspar

DOSSIER nro. 1

El CORREDOR * por Gabriela Ana Suárez

G

eorge Segal fue uno de los más significativos exponentes del Arte Pop estadounidense. Nos remitimos con ésto, a la década del ’60. Se inicia como pintor expresionista, teniendo siempre la realidad como principal referente. Ya a fines de los ’50, se vuelca de lleno a la escultura. Dijo alguna vez: “no podía divorciarme de las cosas sensuales de la vida, las cosas que podía tocar”. Sus esculturas se caracterizan por la utilización de vendas de yeso. Cuenta Oscar Masotta en su libro “La revolución en el arte”, que Segal hacía posar a sus amigos y familiares en actitudes que pensaba de antemano. Los cubría con un paño empapado en yeso y al terminar, juntaba los facsímiles humanos quedando la impresión del modelo, su negativo, en el interior de la escultura. Utilizaba el color blanco puro preferentemente para “no distraer la atención del espectador”. Sus moldes son, entonces, máscaras al revés. Por lo tanto, el exterior se presenta anónimo. Pero resulta interesante ver que lo que se observa como anonimato es la contracara de una nominación: los gestos, las posturas, el lenguaje corporal, quedan absolutamente manifestados. Así, en esos cuerpos podemos leer eda-

«Creo que un minuto de existencia es milagroso y extraordinario”. George Segal.

des, clases sociales, profesiones, diferentes grupos de pertenencia. Queda anónimo el individuo, pero no su estrato o estructura social global, a la que pertenece. Y es eso entonces, lo que podemos inferir que Segal quería denunciar desde su arte. Según expresara él mismo, su objetivo era captar “ la poesía de las cosas.” Más que esculturas, sus obras eran presencias que pretendían evocar al hombre contemporáneo en su “que hacer cotidiano, anónimo y mundano que impone la sociedad que vivimos captando la alienación de la humanidad en el mundo moderno”. Sin lugar a dudas trascenderá en al mundo del arte por haber querido “sacar a la escultura de su pedestal”. La obra que atrajo mi atención es “El corredor”,una instalación en yeso y madera, de 1976. En ella observamos una mujer desnuda pintada de azul,

parada al lado de una silla roja, abriendouna puerta de madera amarillacomo ingresando a un corredor. Creo que esta imagen tan simple invita al espectador a imaginar las diferentes e impredecibles posibilidades de encuentro detrás de esa puerta que se abre. Me pareció una imagen cargada de poesía y misterio. Si bien la obra de este artista se enmarca dentro del Arte Pop, podríamos afirmar que por las características de esta en particular, se trata del minimal art, en un contexto simbólico. Digo ésto, ya que dentro de los minimalistas, encontramos grupos escultóricos de grandes dimensiones, como es el caso de Segal, trabajando a escala humana, haciendo bocetos, proyectando previamente la idea, etc. Para concluir, entre las obras más destacadas de este artista, encontramos: “Hombre en un vector”, “Naturaleza muerta de Cezanne”, “Mujer en cama naranja”, “Pareja”, “El holocausto”, “Chance meeting” y “Pasajeros del autobús”

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GEORGE SEGAL El corredor, 1976 Conjunto escultórico en yeso y madera, 230 x 183,5 cm. Col. Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Influencias de las Vanguardias en multimedia *por Liliana Crovetto

Desde todas las vanguardias de los años sesenta y setenta se producen filtraciones hacia el video, ya que es en donde se produce el tránsito hacia nuevos dominios y manifestaciones como los happenings, las performances, y las instalaciones. La presentación de la realidad sustituye a los sistemas de representación y cambia la idea que se tiene del arte y de la práctica del arte.Con el video se manifiesta la vinculación que existe entre arte, medios de comunicación y realidad social. En primer lugar el video se nutre del repertorio icnográfico del arte pop, elevando a la condición artística, al símbolo del desarrollo tecnológico de la sociedad de consumo: el televisor También el Minimal Art, es la tendencia que mayor peso ha ejercido en la historia de los primeros años del video, utilizando mínimas formas complejas, pero organizadas a través de estructuras repetitivas. Y con el Minimal comienza a producirse la desmaterializacion del arte, comienza a interesar el proceso, la formación de la obra, mas que la obra misma, terminada y concluida. Derivan del Minimal, a finales de los sesenta, el conceptualismo y el Land Art, precedidos del “arte povera”. Con respecto al Land Art, se utiliza el video, al igual que el cine y la fotografiá por el carácter efímero y perecedero, para documentar trabajos realizados en grandes espacios. Con respecto al arte conceptual, las huellas más visibles en el video es la investigación del espacio y del tiempo de la imagen, como de la importancia concedida a la percepción, tanto en las instalacio-

nes como en las obras que se realizan sobre soporte de cinta. Algunos de los principios del conceptualismo, ya estaban insinuados en al Arte op, que enfatiza aspectos relacionados con la percepción de los efectos visuales que postulan una respuesta activa del espectador. Se trata de una multiplicidad de in fluencias y movimientos que se suceden por afinidad, cuando no por oposición. Todas ellas han contribuido a favorecer practicas artísticas multimedia y a romper con las formas tradicionales de las artes plásticas, el cuadro o la escultura. Si hay un soporte en el cual confluyen todas las manifestaciones artísticas, ese es el video. Marcel Duchamp es el artista que mayor influencia ha ejercido ya que sostiene al mismo tiempo el aspecto físico y el mental de la obra con los ready-made. Sus esculturas y objetos, anticipan los ensamblajes e instalaciones. La actitud dadaísta se plasma en esa necesidad de acercar el arte a la realidad, en la provocación satírica, para recontextualizar un objeto y expandir los dominios del arte hacia la realidad exterior, fuera del cuadro y de la escultura. De él nace esa incitación a intervenir en la realidad y a eliminar las fronteras entre los diferentes formas de arte, principios asumidos por el video. Fuente: “El arte del video” Jose R. Perez Ornia, Madrid 1991

* por Susana Pendas

El arte informal otorgó a la materia la función principal y formuló un rechazo que se transformó en “la armadura y el cuerpo del mismo cuadro”. En 1951 Tapies organizó una exposición donde presentó a artistas franceses:Hartung, Wolls,Bryen y Mathiew,junto a colegas estadounidenses como

nombre se constituyó con las primeras sílabas de las capitales de origen de los artistas: Copenhague,Bruselas y Ámsterdam. Reunió a artistas daneses belgas u holandeses. Fue un movimiento activista que se apoyó en el surrealismo y elaboró un trabajo colectivo sobre la base del compromiso social

Informalismo y CoBrA E

n 1951,Michel Tapies introdujo el termino “informal”. Esta denominación designaba a la pintura realizada por los artistas de postguerra. Era un estado de crisis de la pintura,que llevo’ al arte a un acto que dejo surgir la forma de la materia. Este arte no había formado una escuela ni un movimiento,sino que reunía una comunidad artística heterogénea que celebraba el gesto,el carácter trágico y sagrado. El informalismo era la verdadera realidad europea vinculado a la guerra, expresó la “tragedia humana”. El arte informal trastocó los valores y subordino la forma a la materia. El artista explotó los recursos de ésta, marcada por la espontaneidad y por los impulsos del gesto. Tapies creó una materia densa, pesada, en la que imprimió huellas y marcas,como una afirmación personal de una sociedad autoritaria.

Willem de Kooning, Jackson Pollock y Kline. Otros artistas del movimiento fueron Fautrier y Jean Dubuffet. Los artistas del grupo CoBrA,marcados por los desastres de la guerra,invocaron el instinto,la espontaneidad y la libertad para reestablecer las relaciones entre la vida y el arte. El movimiento CoBrA se fundó en Paris en 1094.Su

y revolucionario del artista. Era un arte en busca de los orígenes, la infancia y la humanidad. Rechazaron todo racionalismo, reconizaron un arte fundado en la experimentación de la libertad,en los valores naturales e instintivos. Privilegiaba la espontaneidad,la violencia del gesto y la exhuberancia del color,en busca de formas y figuras surgidas de las artes primitivas y populares.

Marcel DUCHAMP * Por Paola Alejandra Prozzillo

A pesar de sus afinidades con el dadaísmo y con el surrealismo, Duchamp se mantuvo como un artista independiente. Después de realizar algunas obras en la línea del impresionismo, el fauvismo y el cubismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia. Con su obra “Desnudo bajando por una escalera” de 1912 Duchamp demuestra compartir con los futuristas su preocupación por el movimiento y su descomposición, cuestión que parece querer resolver con su obra “Rueda de bicicleta”, de 1913, obra en la que de manera irónica y polémica crea la representación del movimiento y la velocidad. Su “Desnudo …” fue rechazado en París, por lo cual la tela fue presentada en Nueva York . Allí fue donde expuso “Fuente” un urinario firmado como “R. Mutt”, pseudónimo que tomó del nombre de un fabricante de sanitarios. De esta manera Duchamp fulmina la idea de “obra de arte” y “artista” sacralizados. Duchamp definió el ready made como “un objeto cotidiano promovido a la dignidad de obra de arte por la simple elección del artista”, apartando de esta manera la creación artística del criterio estético. Así, estos objetos introducían una fuerte crítica a la institucionalidad, despreciando lo academicista, lo convencional y lo canonizado; la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano podían convertirse en arte por deseo del artista. Su influencia fue crucial para el desarrollo del dadaísmo. Los dadaístas restaban importancia a la utilidad mercantil de sus obras de arte y procuraban alcanzar esa inutilidad por medio de una degradación sistemática del material. Con la intención de expresar el rechazo de todos los

valores sociales y estéticos del momento, recurrían con frecuencia a métodos artísticos deliberadamente incomprensibles. Sus manifestaciones buscan el impacto y la perplejidad del público con el objeto de originar la reconsideración de los valores estéticos establecidos. La obra de arte pasó a ser el centro del escándalo, de ser una apariencia atractiva a ser un proyectil que choca contra todo destinatario. En 1936, con el propósito de reafirmar su desprecio por las instituciones, Duchamp realizó “Cajas en maletas”, que contenían copias de sus obras en miniaturas, como museos transportables. El compromiso de Duchamp consistía en oponerse al arte decorativo y a la hegemonía de lo visual. Sostenía que es el observador el que hace al cuadro, el que le da sentido y lo legitima. Además del urinario expuso un portabotellas, una pala de nieve, un perchero. La función del artista ya no consiste en “hacer” sino en “elegir”. Su obra “El gran vidrio”, es un enigmático montaje que mantuvo ocupado a Duchamp desde 1915 hasta 1923, fecha en la que lo declaró definitivamente inacabado. Sin dudas, Duchamp dispuso el terreno para futuros movimientos vanguardistas, como el conceptualismo, surgido a fines de los ´60, movimiento en el que cuenta primordialmente la idea o el concepto que respalda sus realizaciones; para los conceptualistas prima el sentido de las obras sobre sus formas plásticas. Finalmente, en mi opinión, coincido con Octavio Paz en que “los dos pintores que han ejercido mayor influencia en nuestro siglo son Pablo Picasso y Marcel Duchamp, el primero por sus obras y el segundo por una obra que es la negación misma de la moderna noción de obra”.

* Por Miriam Feldman

Sus comienzos

Salvador Dalí

Dalí se inicia en la pintura a los diez años, cuando conoce la obra de Ramón pitxot, pintor influído por el impresionismo y el post-impresionismo Franceses- y amigo de la familia. De 1917 datan sus primeras obras, La abuela Ana cosiendo, que acusan esa influencia, y muestran una maestría insólita con quien es apenas un niño. Cinco años después traba amistad con Lorca y Buñuel, atentos como él a nuevas corrientes. Desde el principio Dalí alterna pintura y literatura, publicando incesantemente poemas, reflexiones y glosas de su propia pintura. Paranoia crítica.

Dalí se une a los surrealistas en 1929, pero en 1922 había leído «La interpretación de los sueños», de Freud. Su pintura incorpora materiales oníricos e inconcientes. Dirá Bretón, desde las obras de Max Ernst -1923 -1924 y las de Miró 1924no se había dado una revelación semejante. Cuando ingresa en el grupo surrealista su personalidad artística está plenamente conformada, en los próximos diez años su militancia surrealista será plena. Su primera exposición Parisina fue en 1929.

(1904-1989)

su obra conoce un éxito inmediato, como en Europa. Nace en Figueras, donde su padre era notario. El nombre de Salvador es el mismo que llevara un hermano suyo, muerto a temprana edad. Esa circunstancia determina por una parte que sus padres proyectaran sobre él dosis suplementarias de afecto que contribuyeron a forjar su personalidad egocéntrica y ex-

Segunda Guerra mundial; por los descubrimientos científicos ligados a la física nuclear. Ultimos años Muy activo hasta la muerte de Gala en 1982, el se consagra a su museo de Figueras, inaugurado y concebido como itinerario iniciático a su universo. Su obra última se centra cada vez más en la revisión de los grandes maestros, como Miguel

Gala. Todavía casada con el poeta Paul Eluard, se convierte en su permanente compañera, modelo y musa a la manera obsesiva de Dalí. Los temas Dalinianos La década del 30 es especialmente intensa. Todos los temas de su obra, salen a la palestra en esos años, los relojes blandos, (la persistencia de la memoria) 1931.-Las figuras dobles, (El hombre invisible) 1929-1933. Los alimentos y organismos en putrefacción (el espectro del sexappeal) 1934. Dalí va construyendo la imagen extravagante y mundana que le convierte en seguida en un personaje popular y grato a la prensa, tanto en Estados Unidos donde

travagante pero también que se vea a sí mismo como el fantasma de su hermano muerto, familiarizándose pronto con la idea obsesiva de la muerte, uno de los temas que alientan toda su obra. La tradición Su separación del surrealismo oficial propicia un acercamiento a la tradición pictórica, sin abandonar sus temas característicos, ni los procedimientos paranoico- críticos. Instalado con Gala en Portilligat, cerca de Cadaques , Dalí incorpora la temática religiosa a su universo con las distintas versiones de la Madonna de Portilligat, o del Cristo de San Juan de la Cruz. También se interesa a partir de la

Angel o Velásquez. El reconocimiento de su talla artística, objeto de polémica durante toda su carrera parece haber alcanzado unanimidad a su muerte en 1989.

Marc Chagall * Por Gladis Gaggino

Surrealismo *por Darío Fleitas

Marc Chagall es un pintor ruso de la primera mitad del siglo XX que ha dejado una obra personalísima e inconfundible. Nació en Vitebsk en 1889, cursó estudios en San Petesburgo, y hacia 1910 se trasladó a París donde se puso en contacto con el rico ambiente del arte que allí se concentraba. La vida de su pueblo natal, apegado a la religión y tradiciones judías como su propia familia, lo marcaron profundamente, al punto de que en toda su obra aparecen escenas y personajes propios de lo cotidiano que él logra representar con toda su alegría o su dolor , con su ingenuidad y su dramatismo, aún en sus obras más abstractas. Así vemos a los aldeanos con sus ropas y actitudes típicas, al rabino, al magistrado, a los músicos y al típico violinista ejecutando su instrumento sentado en un tejado o flotando en el aire, y también a algunos animales –la vaca, la cabra, el pez, el gallo- que conforman un mundo real y familiar más allá de lo intelectual y abstracto que amplía y generaliza. En la presente reproducción: “Los enamorados sobre la



El surrealismo comienza en 1924 en París, con el escritor André Breton , como lider del movimiento, quien fue el que publicó el primer Manifiesto Surrealista. El fenómeno surrealista investigó nuevas técnicas como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito, pero lo que más lo caracterizó es el mundo de los sueños, como plasmar lo onírico y los fenómenos subconscientes. El surrealismo afectó también al cine (Luis Buñuel), a la poesía (Paul Eluard, André Breton, Antonin Artaud); pero su máximo exponente fue Salvador Dalí con su pintura; aunque cuestionaría algunos aspectos de este ángel y demonio, no voy a negar su genialidad, su talento y su técnica.

ciudad” (1913-1918), aparece un tema reiterado en su obra: la pareja. Aquí estos dos personajes, que en parte parecen uno solo, son el mismo Chagall y su esposa, recién casados, transportados en el aires por la fuerza de su felicidad. La composición está en cierto modo simplificada en cuanto a la anécdota, pero asimismo nos muestra un pequeño pueblo: las casas, los tejados, el templo, con detalles de puertas y ventanas, empalizadas tupidas que hacen contrapeso a la pareja flotante, la escalera apoyada en el granero, la pequeña cabra solitaria. El color es suave y los difuminados logran iluminar la composición a pesar de los tonos oscuros de la pareja y los cercos, provocando una sensación de paz y felicidad.

X S

ul olar

Su amigo Jorge Luis Borges lo describió así: “Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”. Oscar Agustín Alejandro Schultz Solari, tal el nombre que le fue dado, nació en San Fernando, Pcia. de Buenos Aires en 1887 y murió en 1963, a los 75 años. No resulta apropiado ceñir su actividad al marco de la pintura ya que a lo largo de su vida, abordó múltiples disciplinas vinculadas con el arte y la expresión, así quizás lo que se aproximaría a una definición sería describirlo como un auténtico “creador” a quien aún se le debe, al decir de los conocedores, un merecido reconocimiento. Se trató de un personaje excéntrico e ingenioso que se hallaba fuera de su época. Poseedor de una gran cultura, que según cuentan exhibía con sencillez, gracia, fina ironía, modestia y gentileza. En general, fue ignorado o rechazado por sus contemporáneos, pero ello no lo llevó a aislamiento alguno, quizás porque su búsqueda iba más allá del tiempo, se centraba en ahondar en los conocimientos trascendentales, en generar un puente entre el hombre y el universo, lo finito e infinito.... Por eso, su obra –no sólo la artística-, era el soporte y la trasnmutación de esa búsqueda. Fue pintor, escritor, músico, astrólogo, filólogo (creo la “panalengua” y el idioma “neocriollo”), matemático, inventor de juegos (el “panagedrez”) y de técnicas teatrales, pictóricas y musicales; estudioso de la arquitectura, el derecho y las religiones. Hijo de alemán e italiana, Xul Solar se embarca hacia Oriente en 1912, no obstante por circunstancias inesperadas, termina en Londres, donde va a iniciar su viaje hacia el arte. Residió en Italia y Alemania, haciendo frecuentes visitas a París. En Florencia conoce a Pettoruti, con quien va a regresar al país en 1924.En el viejo continente, se va impregnando de las vanguardias del momento: cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo y surrealismo. Se conecta principalmente con el movimiento del Jinete Azul, especialmente Paul Klee. Sin embargo su estilo no puede ser encasillado en ninguna vanguardia específica. Su obra se identifica por símbolos oníricos: castillos, soles, serpientes, horóscopos, laberintos, escaleras,

* por Claudia Graciela Blanes.

signos astrológicos, banderas, dragones, cúpulas y torres También por la firmeza y personalidad del color, refinadas transparencias; soltura en la composición; espacios habitados por curiosas figuras, letras y palabras, pero fundamentalmente es el lenguaje simbólico a que se hizo referencia aquello que más lo identifica. Xul Solar era un místico, un buscador incansable, un buceador de la religiosidad de oriente y occidente, un seguidor de la filosofía hermética como también lo era Kandinsky. Se lo ha identificado también como un poeta que pinta y un pintor que poetiza , frente a los arcanos del tiempo y el espacio, el hombre y el universo, el alma y el cuerpo, con el afán de develarlos. Compartió con los expresionistas la idea de que la pintura es el anhelo de lo remoto, un hacer visible lo invisible, la necesidad de expresar el interior. Lo real, desde su concepción, es lo que palpita replegado, oculto en el corazón interior, intangible, de las cosas. Entendía que el pintor debe traer, convocar la realidad lejana mediante símbolos, formas extrañas y vivaces combinaciones de colores. Tan trascendente era para él la simbología del color que durante el período que duró la segunda güera mundial, su paleta se modificó, utilizando en ese período el blanco, el negro y los ocres para describir la angustia existencial del hombre. También sus figuras reflejaban la pequeñez del hombre frente a la violencia, las grandes escaleras llevaban a espacios vacíos, las mismas escaleras que posteriormente llevaban al ser hacia el infinito, hacia la superación, nuevamente impregnadas de color, las cúpulas reflejaban templos y las montañas, vías hacia la ascención. Nunca obtuvo premios en vida, pero nada de eso le importó, varios años después de su muerte, en 1968, el Museo Nacional de Bellas Artes aceptaría algo de su obra Hoy podemos disfrutar de su legado, no sólo a través de diferentes exposiciones como la que se llevó a cabo tiempo atrás en el Malba sino también conocerlo en su ámbito, aquél lugar donde tantas veces se juntaba a discurrir con sus amigos, Borges, Macedonio Fernández, Girondo, pues su casa de la calle Laprida 1212 se transformó en el Museo Xul Solar.

Max Ernst

* por Noemí, Alumna del taller de Historia del Arte

“El placer de pintar es escuchar los latidos de la tierra “ Max Ernst

El curso de Historia del

Arte me permitió conocer al surrealista Max Ernst (18811976). Pintor autodidacta, cursó estudios de Historia del Arte, Literatura y Psiquiatría, conocimiento este último que le permitió adentrarse de lleno en las manifestaciones surrealistas: “este artista es puente entre el dadaísmo y el surrealismo “ (Adriana Gaspar). Lo que más me impresiono de su obra fueron los paisajes en los que empleaba algunas técnicas como por ejemplo el Frottage (frotamiento) y el Grattage. En las mismas pudieron observarse imágenes de una fauna y flora completamente inventadas,

Assamblage: Fue un procedimiento que aplicó en sus esculturas, en la que unía distintos objetos, los unificaba con yeso y por ultimo realizaba al fundición en bronce, como si se tratara de una única pieza. así como cuidades fantásticas, todo lo cual crea un ambiente altamente poético y sobrecogedor.

Técnicas creadas por Ernst Frottage: El mismo artista explica que descubrió esta técnica por casualidad al caer sobre el piso de madera unas hojas de papel, tomo el impulso de frotarlos con Graffito, obteniendo así extrañas formaciones que luego trasladaría a sus cuadros. Grattage: Supone el traslado del frottage a la pintura al óleo. Consiste en raspar o arañar la superficie de la tela pintada con óleo para obtener diferentes texturas.

Dripping: (pintar por goteo): En 1942 Ernst tomo la técnica de los indios HOPI de ARIZONA. La misma fue utilizada posteriormente por el principal representante de la ACCION PAINTIG (pintura de acción)

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Noviembre 2005