Barroco Para Enviar

Barroco ( YULIZA)

"La cena de Emaús", pintado en 1601 por Caravaggio

Pequeña Entrada (yuliza) El Barroco, además de un período de la historia del arte, fue un movimiento cultural que se extendió desde el 1600 hasta 1750 aproximadamente. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo, sinónimo de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado por Benedetto Croce y Burkhart.

Definición ( YULIZA) El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó, aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del Barroco y, por ende, lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.

Origen del término ( YULIZA) El término «barroco» se tomó de la arquitectura (donde significa algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» aunque también es barroco algo recargado de ornamentos). En el siglo XVIII se usó peyorativamente para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado». Es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa perla irregular, o joya falsa. Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Woelfflin (1864-1945), quién identificó al barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte.

El Barroco como movimiento cultural ( YULIZA) El dolor psicológico del hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante de las personas, más próximo a ellas, solucionando el vacío cultural que solía guardar. Tras la mesura del renacimiento y el retorcimiento estético del manierismo, en la Roma de los Papas se advierte la necesidad de un arte nuevo. La independencia de las repúblicas italianas no es la de antaño, tras dos siglos de pugnas entre las potencias europeas por controlar su floreciente mercado centrado en el Mediterráneo. Por otro lado, el descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses. Esto provoca que las repúblicas italianas se reagrupen bajo un poder más fuerte y las que no caen bajo control extranjero (España y Francia) se someten a la influencia mayoritaria de Roma, más concretamente de los Estados Vaticanos, al más puro estilo de una teocracia. Para ejercer legítimamente este gobierno, las altas esferas eclesiásticas dominantes en Roma hubieron de depurar su corrupta cúpula gubernamental. Voces de descontento ya había desde hacía cincuenta años, y la Iglesia Católica se vio escendida por la Reforma luterana, cuyos teólogos, Juan Calvino, Ulrico Zuinglio y otros personajes, la acusaron de nepotismo y simonía. La necesidad de reformar las estructuras del mundo católico es lo que conduce al Concilio de Trento y a la mal llamada Contrarreforma, en realidad, una Reforma católica, que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos tiempos. La traducción de este estado de cosas sobre el arte trae importantes consecuencias desde el primer momento. Los teólogos reunidos en el concilio, mayoritariamente españoles, proclaman ciertos dogmas que han de ser representados dignamente por los artistas al servicio de la Iglesia: la virginidad de María, el misterio de la Trinidad, entre otros, pasan a protagonizar los lienzos. La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas que posteriormente ejercieron un poder paralelo al Vaticano, fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico. Por esta razón contrata grandes cantidades de artistas, reclutando por supuesto a los mejores, pero también a muchos de segunda fila que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la gran base de fieles. Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el dramatismo: la consigna fue ganar al fiel a través de la emoción. Las escenas se vuelven dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas. Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados se multiplican: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza.

En la época de los filósofos Bacon y Descartes, el arte se colecciona como los objetos científicos o los exóticos bienes importados de las Indias y América. La secularización de esta época propició que se revalorizaran géneros profanos, como el bodegón o el paisaje, que empieza a cobrar una autonomía inusitada. Las complejas composiciones del Barroco, la diversidad de focos de luz, la abundancia de elementos, todo, puede aplicarse perfectamente a un paisaje, tal y como puede verse en la Recepción del Embajador Imperial en el Palacio Ducal de Canaletto. El Barroco como estilo general es tan sólo una intención de base. Las formas que adopte en la praxis serán tan variadas como se pueda imaginar. Sin embargo, dos polos predominan, agrupados en torno a dos grandes figuras rivales en la época: Michelangelo Merisi da Caravaggio, que aglutina a los pintores del naturalismo tenebrista; y Annibale Carracci, que trabaja con su hermano y con su primo en un estilo clasicista.

Arquitectura barroca ( JECA) Saltar a navegación, búsqueda

Stift Melk, Wachau, Austria La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólico de la Contrarreforma. Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en las Américas españolas. Es importante destacar que el Barroco abarcó muchas artes, y no solamente la arquitectura; fue una innovación cultural general.

Características generales (JECA)

Wilanów a Polonia •

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El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo. No reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y adoptan curvas, contracurvas y espirales. Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas (como la de abeja de Borromini). Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas. Se adopta un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. Gusta de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que altere y haga irreconocibles las perspectivas). Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados. Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral. Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior. Amor desenfrenado por lo curvilíneo y el triunfo de la columna salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas. El arco descansa sobre la columna por medio de un entablamento (al modo romano), o descansa directamente sobre el capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento. Se utilizan grandes cartelas. La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines, galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte.

Desarrollo histórico y geográfico ( JECA) La génesis de la arquitectura barroca se inicia en Italia, con figuras tan determinantes como Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini. En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los

efectos violentos, es un arte fundamentalmente al servicio de la monarquía absoluta, y su gran realización será el Palacio de Versalles. En España, la arquitectura barroca va a estar presidida por el gusto por la desornamentación y la sobriedad que había introducido el estilo herreriano, con importantes edificios en los que impera un estilo mesurado y casi clásico. En Alemania y en Austria la inspiración italiana combinada con la francesa creará edificios de gran exuberancia decorativa, sobre todo en los interiores, de luminosidad brusca, que darán paso al estilo Rococó. En Inglaterra predomina el equilibrio y la austeridad.

El Urbanismo ( JECA) La ciudad del barroco se ve como la imagen de su gobernante, cuya importancia se mide por su tamaño y por el número de sus habitantes. En las cortes más poderosas de Europa, la estructura urbana intentará ostentosamente asentar los valores y la estructura política creada por los dirigentes. La ciudad se va a estructurar en torno a un centro, como el poder absoluto tiene como centro el Rey, al que confluyen grandes vías, rectas de amplias perspectivas. Las plazas serán uno de los grandes elementos, reflejo y símbolo del poder civil o religioso, entendidas como escenarios de fiestas y representación. Los cambios se van reflejar mejor en las pequeñas cortes europeas, donde las realizaciones pueden cambiar y determinar la imagen de toda la ciudad, como es el caso de Würzburg, mientras que en los grandes organismos urbanos como París o Roma, la complejidad y la aparatosidad de los proyectos va a chocar con la ciudad preexistente, que dificulta en gran medida la transformación pretendida, consiguiéndose mejores resultados en las nuevas residencias de los soberanos, fuera de la ciudad, como es el caso de Versalles.

Barroco novohispano (CHELAS)

Personaje con penacho. Detalle de la iglesia de Santa María Tonantzintla, Puebla, México (foto de Bernardo Bolaños). El barroco novohispano es un movimiento artístico que apareció en lo que hoy es México a finales del siglo XVI, aproximadamente, y que se preservó hasta mediados del siglo XVIII. Proveniente de la palabra italiana barocco que significa impuro, abigarrado, extravagante, osado, el ejemplo más impactante del arte barroco novohispano se encuentra en la arquitectura religiosa, donde los artesanos indígenas le dieron un carácter único. Destacan la Catedral Metropolitana en la Ciudad de México, la iglesia de Santa María Tonantzintla en el Estado de Puebla, el convento jesuita de Tepotzotlán en el Estado de México, la Capilla del Rosario en la iglesia de Santo Domingo en la ciudad de Puebla, el convento y el templo de Santo Domingo de Guzmán de Oaxaca, y la iglesia de Santa Prisca en Taxco, Estado de Guerrero. Sin embargo, son también barrocas la poesía y el teatro de, respectivamente, los novohispanos Sor Juana Inés de la Cruz y Juan Ruiz de Alarcón. El ethos barroco sacudió en México las formas y proporciones clásicas para contribuir a forjar así una identidad mexicana. El barroco novohispano es el redescubrimiento y la refundación de la herencia española, a partir del siglo XVII. El estilo barroco representa una experiencia de sobrevivencia cultural por parte de los indígenas que, vencidos por la conquista española, ejercieron una suerte de “contraconquista” a través de una redefinición de la cultura dominante, enriqueciéndola y transformándola. México y el barroco comparten su historia, con la llegada de la civilización ibérico-europea y el mestizaje cultural.

Capilla del Rosario en la Iglesia de Santo Domingo, Puebla, México. La población marginal de las ciudades novohispanas, abrumadoramente indígena, emprendió, hacia el siglo XVII, la construcción de una nueva identidad (ante el fracaso de la tentativa de imponer pura y simplemente la cultura europea a través de la evangelización). Fueron sobre todo los indígenas avecindados en las ciudades quienes, aprovechando su otredad, pudieron reconstruir las formas venidas de Europa. Los indígenas habían visto derrumbarse su cosmovisión ancestral y se vieron obligados a transformar su identidad, adoptando las formas y técnicas de los conquistadores pero con un contenido propio. Como resultado, transformaron también la forma de ver el mundo de los criollos y mestizos novohispanos, forjadores todos ellos de la actual sociedad mexicana.

Fragmento de la capilla del Rosario en la Iglesia de Santo Domingo, Puebla, México (foto de Bernardo Bolaños).

Escultura barroca (JESSICA NUEVA) Saltar a navegación, búsqueda La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaban despertar la fe del pueblo.

Características ( JESSICA NUEVA)

Estatua en un jardín barroco •

La tendencia a la representación realizado, basada en la reproducción humana real con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.

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Una gran relevancia la seriedad del personaje y la frialdad, y un gran abstractismo en los personajes, con un pronunciado gusto por lo recto, la seriedad y la rectitud de los cuerpos, acentuando al mismo tiempo lo sobrio y el espeticismo.

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El gusto por el desnudismo y la realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca de proyecta dinámicamente hacia fuera. Esta inestabilidad que provoca la seriedad se manifiesta en la inquietud en los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.

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Representación del desnudismo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresionismo.

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Se da gran importancia a lo desnudo, creando grupos compositivos que permitan la contraposición de las mujeres al incidir sobre la superficie de las escultura.

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Se utilizan preferentemente la madera, el metal y el oro. Se busca asimismo del graphito.

En Italia, la cuna del arte barroco, destaca el escultor Gian Gua Lerniti, que domina con perfección la técnica que aprendió de su padre Prietro Polizit, escultor manierista, y el estudio de los modelos clásicos y renacentistas. Bernini eclipsó al resto de artistas y fue considerado el Miguel Ángel del siglo XVII. Acostumbraba a representar las figuras de sus obras en el momento de máxima tensión y a usar la forma nudista.

Barroco en España ( JESSICA NUEVA) En España las dos grandes figuras son el gallego Gregorio Fernández (1576-1636) que trabaja en Valladolid y por tanto perteneciente a la escuela castellana, y Martínez Montañés (1568-1649), Alonso Cano (1601-1667) y Pedro de Mena (1628-1688), de la Escuela andaluza. La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la corte se da escultura monumental. Los temas mitológicos y profanos están ausentes. Se realizan retablos, donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. En la escultura del barroco español destaca con mucho la imaginería, siendo el material más utilizado la madera, siguiendo tradición Hispana. En estas obras se pierde la técnica del estofado, y se posteriormente se usará la policromía. Las figuras son aisladas: para iglesias, conventos y para las procesiones de Semana Santa. Se extiende el sentido realista: las imágenes aparecen con ricas vestiduras, cabellos reales, ojos y lágrimas de cristal. La finalidad de estas esculturas es sugerir una profunda emoción religiosa en el espectador. En el siglo XVII, podemos distinguir dos escuelas principales, la Escuela andaluza y la Escuela castellana. En la Escuela castellana, centrada en Valladolid y Madrid, se presenta un realismo exagerado, el dolor y la crueldad con abundancia de sangre, un profundo dinamismo, la caricaturización de los personajes malvados, un fuerte modelado y unos rostros de gran expresión. En cambio, en la Escuela andaluza, extendida por Sevilla, Granada y Málaga, se huye de la exageración del realismo, que se idealiza, predomina la serenidad y las imágenes bellas y equilibradas con un modelado suave.

Literatura del Barroco (HUACOTO) El barroco es un movimiento artístico y cultural extendido por toda Europa y que entraña una evolución de las ideas del Renacimiento, que en algunos casos supone cambios drásticos en la forma de pensar. en literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. En principio el término barroco no se utilizó más que para las artes plásticas, es en los años 1920 cuando se empieza a hablar de barroco literario, dando la idea de que el movimiento afectó no sólo a la forma y a la plástica, sino también a las formas literarias. Aún más importante, asumir la existencia de un barroco literario supone asumir el barroco como un movimiento de tipo ideológico, no sólo formal y ver su profunda relación con la Contrarreforma. Sin embargo, esto llevó a algunos mucho más allá, negando su relación con el Renacimiento y presentándolo como un movimiento enfrentado, lo que tampoco es cierto. El barroco trae consigo una renovación de técnicas y de estilos. En Europa, y sobre todo en España la Contrarreforma influye en gran medida sobre este movimiento; las expresiones italianas que llegaban desde el Renacimiento se asimilan pero al mismo tiempo se españolizan y las técnicas y estilos se adaptan aún más a la tradición española. Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No supone una ruptura con el clasicismo renacentista, sino que se intensifican los recursos estilísticos del arte renacentista, en busca de una complicación ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal. En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero en especial los más negativos: fugacidad de la vida, rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que rodea al hombre, etc. La Literatura del siglo XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente: • • •

Eufuismo le llaman los poetas ingleses Preciosismo en Francia Marinismo en Italia

Fases

Aunque muy poco aceptada, Wyllie Sypher en su libro Four Stages of Renaissance Style propuso la siguiente división: •

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Manierismo (1520 - 1560). Se caracteriza por la desintegración del Renacimiento, es un estilo de crisis, desproporcionado, con exceso de ornamentación, intelectualista. Se propone como primera fase del Barroco. Barroco (1620 - 1680). Es el estilo de la Contrarreforma, en él se da una exageración de las caracterísitcas del manierismo, sin proponer nuevas formas. Barroco tardío (1680 - 1700). Se caracteriza por un retorno al clasicismo que llevará al Neoclasicismo, es de nuevo un episodio de desintegración, en este caso de las formas barrocas.

Esta clasificación fue muy criticada, Helmut Hatzfeld (Estudios sobre el barroco) propone un estilo de época amplio con tres fases: • •

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Manierismo (1570 - 1600): alargamiento y distorsión de las formas renacentistas. Propone a Góngora como representate más importante. Barroco clásico (1600 - 1630): gran ampulosidad formal, ostentación y supeditación a la ideología de la Contrarreforma. Su autor más representativo sería Cervantes. Barroquismo (1630 - 1670): exageración de las características del barroco clásico. El autor clave sería Calderón.

Estas divisiones son orientativas y a ambas se las ha acusado de ser simplificadoras y demasiado periodizadoras y estrictas.

Literatura barroca en España. Características( HUACOTO) Artículo principal: Literatura española del Barroco

Pero es en España donde el barroco se da con mayor intensidad y donde adquiere mayor originalidad. El cambio de mentalidad en las gentes y una cierta conciencia de inseguridad y de crisis hacen que se extienda una gran preferencia por las características propias de este movimiento. Los escritores del siglo XVII se inspiran en una filosofía de renuncia que es la filosofía estoica de Séneca y al mismo tiempo tienen muy en cuenta el sentido religioso de la vida. Entre los escritores más importantes del barroco se destacan: • • • • • • • •

Sor Juana Inés de la Cruz Juan Ruíz de Alarcón Martín José Vanz Mario Elías Robledo Ricardo Alonso Silva Pedro Manuel Cardenas Juan de Espinosa Medrano Luis de Góngora y Argote

Los escritores españoles del siglo XVII aportan en sus obras la doctrina del desengaño y del pesimismo. No se dejan embaucar por la belleza de la Naturaleza; creen que es falsa y engañadora. Todas estas tendencias se hallaban incipientes en el periodo anterior, en el renacimiento y en el barroco no hacen otra cosa que intensificarse hasta llegar a la exageración. A finales del siglo XVI, la situación social y política de España predispone a los escritores a imbuirse de lleno en este movimiento: el hambre, la peste, la desigualdad social, los pícaros, los mendigos, las miserias, los sueños de grandeza, etc. Todos estos temas son llevados a la literatura; es una situación apropiada para que nazca esa literatura cuyos cimientos están en la decepción, en el desengaño, en lo poco que valen las grandezas humanas.

Música barroca ( LIZ) La música barroca es el estilo musical relacionado con una época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750). Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, y la más influyente, probablemente su característica más notoria sea el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores estilos modales.

Carateristicas ( LIZ) era un música muy adornada.

Las etapas del Barroco musical (LIZ) - Barroco primitivo(1600-1650) - Barroco medio(1650-1700) -

Barroco tardio(1700-1750)

La transcision al clasisismo:La musica galante(1740-1770) Artículo principal: Música galante

El auge de la música instrumental ( LIZ) La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, en los siglos XVII-XVIII verá un gran auge sin precedentes. En esta época la música vocal e instrumental están en plena igualdad por primera vez en la historia de la música, donde la instrumental cobra su primera madurez, un gran florecimiento y

época dorada precedentes en géneros, técnicos, interpretes y compositores que rozan un profundo conocimiento de los instrumentos. Además, aparecen los intérpretes virtuosos que explotan al máximo el instrumento por su gran destreza técnica, como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano; Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín; Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta; y Antonio Vivaldi, Arcángelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín.

La época de los grupos de cuerda ( CHIKI)) El barroco fue la época de esplendor de muchos instrumentos como el clavecín y el órgano pero sobre todo, se hicieron muchas piezas para grupos reducidos de instrumentos. Estas piezas eran como obras para orquestas de tres, cuatro o incluso nueve personas.

Tríos ( CHIKI) Los tríos más comunes en la música barroca son: • •

clavecín, violín y viola violín, viola y violonchelo

De los cuales tenemos grandes repertorios de música gracias a la obra de J. S. Bach o Doménico Scarlatti, aunque los tríos menos comunes como el clavecín, la viola y el violonchelo requieren una gran técnica para ejecutarlos ya que al ser un grupo raro, no se escribió mucho sobre este trío y por lo tanto, las únicas obras que hay (J. S. Bach tiene algunas) tienen una alta dosis de técnica que para un mero intérprete sin un grado de técnica elevada sería casi imposible de ejecutar.

Cuartetos y quintetos(CHIKI) De cuartetos hay el que más destacó: dos violines, viola y violonchelo. El chelo sustituía al clavecín en la ejecución del bajo continuo... El quinteto más representativo es el mismo cuarteto de antes pero con el agregado del clavecín, que hacía el bajo continuo. Con esta instrumentación se ejecuta el famoso Canon de Pachelbel.

La época dorada del clavecín, la viola da gamba y el órgano( LIZET) En esta época el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivirán su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del barroco (17001750) será el cenit y el ocaso del clavecín, y la viola da gamba para, después, en la segunda mitad del s. XVIII caigan en el olvido y queden totalmente relegados por sus descendientes, el violín, el violoncello y el forte-piano, ya en la época clásica.

El laúd, el instrumento renancentista por excelencia, caerá en el olvido antes, por 16901700, viéndose desplazado por la guitarra y el clavecín. El órgano, no caerá en el olvido como los otros instrumentos, pero ya no se conocerá un gran auge como en esta época.

El órgano(LIZET) El órgano inicialmente tiene ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período, donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad. En la primera mitad del siglo XVII los compositores más destacados son Jan Pieterszoon Sweelinck (en Holanda); Girolamo Frescobaldi (en Italia); Samuel Schein H. Schiedermann (en Alemania); Correa de Arauxo (en España), y Jean Titelouze (1563-1633, en Francia). Hacia 1650, el órgano entra en decadencia en Italia y en Países Bajos, donde el instrumento no conocerá más compositores de talla internacional. En la segunda mitad del siglo XVII los compositores más destacados son Dietrich Buxtehude (1632-1707), que es el más notable en esta generación, Johann Pachelbel (1653-1705), Georg Bohm (1661-1733) y J. A. Reincken (1623-1722) en Alemania; François Couperin (1668-1733) en Francia; Henry Purcell (1659-1695), en Inglaterra, y Juan Cabanilles (1640-1712) en España. A partir de 1710-1720 el órgano entra en decadencia en Francia, por lo que en la última etapa del barroco no habrá ningún compositor nacional notable. En la primera mitad del siglo XVIII, la última etapa del barroco, en Alemania el órgano vivirá su máximo esplendor para después iniciar una decadencia a partir de 1750 a nivel general. En Alemania J. S. Bach (1685-1750), representa el máximo apogeo del órgano barroco, donde la Toccata y fuga en re menor BWV 565 (1708) es la más famosa y conocida obra para este instrumento. En España es notable Antonio Soler (1728-1783) y en (Halle-an-der-Salle) Alemania, G.F.Händel (1685-1759), William Boyce y Cristan Arne, los tres por el concierto para órgano solista , violon y tocame un cojon.

El clavecín ( LIZET) Rameau, Couperin, Bach, Handel y Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la primera mitad del siglo XVIII, donde representan el máximo apogeo de la música clavecinística barroca. Rameau y Couperin son los máximos exponentes de la escuela francesa. Cabe mencionar los 4 libros de órdenes (1713, 1717, 1722 y 1730) de Couperin y los libros de suites (1706, 1724 y 1728) de Rameau, que es la cumbre de la música barroca francesa para teclado. Domenico Scarlatti es el máximo exponente de la música italiana para teclado. Lo más destacado son sus 555 sonatas, donde con ellas innova y se anticipa en la música de teclado de finales del siglo XVIII de Haydn y Mozart. Tiene también una gran selección de preludios y fugas los cuales son una gran opción para ejercitar la técnica del teclado. Haendel es el maximo exponente del barroco ingles para teclado.Destacan entre su obra las 8 grandes Suites(1720), una de las cumbres de la suite para teclado.

J. S. Bach es quizá el compositor más destacable de todo el período, donde sus obras El clavecín bien temperado (BWV 846-893), las Variaciones Goldberg BWV 988 y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque vivió en las acaballas del Barroco y en su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas que aun ahora son de las obras más selectas que hay. Un hecho curioso es que la Pasión según San Mateo sólo se tocó el día en que se celebraba ese motivo religioso. Pasaron casi dos siglos hasta que Felix Mendelssohn (compositor romántico) no la descubrió, no se volvió a tocar nunca más en ese período. Es una mera casualidad que Mendelssohn la encontrara ya que si no fuera por él, probablemente ahora no tendríamos esta gran obra.

Los Compositores ( CHICA DE LENTES ) [editar] Alemania ( CHICA DE ELNTES) El barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre de la música alemana, es el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. Johann Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también son bastante notables en esta época. En la segunda mitad del Siglo XVII, Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más sobresaliente, siendo en 1705 visitado por un joven Bach. Johann Pachelbel (16531706), Johann Jakob Froberger (1616-1667) y Georg Muffat (1653-1704) también son notables. A caballo entre el siglo XVII y el XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), Johann Joseph Fux (1660-1741) y Georg Böhm (1661-1733) son los más destacables. El barroco alemán, y en general, culminó y dio su máxima madurez, esplendor y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa. Reinhard Keiser (1674-1739), Johann Mattheson (1681-1764), Johann Adolph Hasse(1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-1759) junto con un joven Händel (1685-1759) hasta que en 1712 se fue a Inglaterra, son los más destacables junto con Bach. Georg Philipp Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante del barroco tardío alemán, y también marca el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del Siglo XVIII en su pais.

[editar] Italia(CHICA DE LENTES) Claudio Monteverdi](1567-1641) es el primer gran compositor del barroco que inaguro el nuevo estilo en italia y europa.Junto a el, destaca tambien Girolamo

Frescobaldi(1587-1645) en la primera mitad del s.XVII. A mediados de siglo, Giovanni Legrenzi(1626-1690) es el que mas sobresale. Arcangelo Corelli(1658-1711),Giuseppe Torelli,y Alessandro Scarlatti(1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. Ya en la primera mitad del siglo XVIII Antonio Vivaldi(1675-1741) y Doménico Scarlatti(1685-1757) son los que mas sobresalen,siendo ambos la cumbre y ocaso barroca de su pais.

[editar] Inglaterra ( CHICA DE LENTES ) En Inglaterra el barroco tarda en implementarse hasta la restauracion de 1660,siendo John Blow(1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-1695) los mas destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII. En la primera mitad del siglo XVIII,Georg Friedrich Händel(1685-1759),desde su llegada en 1712 al pais,es el mas importante,destacable y influyente,siendo la cumbre del barroco ingles y junto con Bach el mas importante del ultimo barroco. Despues de Handel,y ya siendo el ocaso nacional,a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne(1710-1778)y William Boyce(1711-1779)poniendo el punto final al barroco ingles.

[editar] Francia (CHICA DE LENTES ) El estilo llega y se consolida con Jean-Baptiste Lully(1632-1687)siendo el mas importante compositor nacional del Siglo XVII en [Francia].Tabien en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier(1640-1703) sobresale,siendo el maximo rival de Lully. A caballo del Siglo XVII y XVIII,François Couperin(1668-1733)es el mas importante,siendo una de las cumbres del barroco frances.Louis Marchand](16691732)tabien destaca,teniendo en 1717 un duelo musical con Bach. Jean-Philippe Rameau(1683-1764) es, junto con couperin,la cumbre barroca nacional y el cenit del estilo frances barroco en la primera mitad del siglo XVIII,siendo en los ultimos años testigo del cambio del barroco al clasico en su pais.

España ( CHICA DE LENTES ) En España sobresalieron Gaspar Sanz y Juan Cabanilles.

Los Generos y las formas (CRISTINA) Los generos en el barroco ya se pertaca una clara division en generos instrumentales y generos vocales. En el barroco,gracias al auge de a musica instrumental,los generos instrumentales alcanzan su madurez y se crean los primeros grandes generos instrumentales:La sonata,el concierto y la suite. En el ambito de los generos

vocales,junto con los generos antiguos del motete y la misa,se crean tres importantes generos que dara una epoca dorada a los generos vocales:La cantata,la opera y el oratorio,siendo,la opera,el genero vocal nuevo mas importante del barroco y uno de los de la musica academica.

Los Generos vocales ( CRISTINA)

La Opera Artículo principal: Ópera

La cantata Artículo principal: cantata

El oratorio Artículo principal: Oratorio

La misa Artículo principal: Misa (música)

El motete Los Generos instrumentales ( CRISTINA) Título del enlace====El Concierto y Concerto grosso==== Artículo principal: Concierto Artículo principal: Concerto grosso

La Sonata (CRISTINA) Artículo principal: Sonata

Preludios,toccatas,fantasias y fugas (CRISTINA) Artículo principal: Toccata Artículo principal: Preludio Artículo principal: Fantasía (música) Artículo principal: Fuga

Por regla general, si hay preludio, detrás va una fuga. Los preludios son piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Son piezas expresivas, cargadas y con libre interpretación ya que los trinos y los ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante, sin que estén escritos). Las fugas suelen ser a 2, 3, 4 ó 6). Una fuga a dos voces significa que hay una voz que una célula (uno o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Una vez imitado, transpone (cambia de tonalidad), hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo sino que simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los casos, de tonalidad). Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo pero el motivo debe de repetirse

tres veces (en voces distintas) y así succesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...)

[editar] La suite (CRISTINA) Artículo principal: suite

Una suite es un conjunto de movimientos o piezas agrupados. La Suite habitualmente tenía seis partes: • • • • • •

Allemande: pieza cortesana . Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior. Zarabanda: movimiento lleno de energía pero pausado. Giga: movimiento mucho más rápido y enérgico. Minué: obra parecida a un vals. La suite puede contener un par de minués. Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D, etc.).

Dentro de la suite, la música es digna, aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica, con es reunión de variedad y decoro de encanto italiano y gravedad teutónica, tan característica de esta época en Alemania.

Los instrumentos ( CHIBOLO DECALLAO) / O (CRISTINA) [editar] Teclado

[editar] Organo Artículo principal: Órgano (instrumento musical)

[editar] Clave Artículo principal: Clave (teclado) [editar] Clave-Laud

[editar] Clavicordio Artículo principal: Clavicordio

[editar] Cuerda frotada

[editar] Violin Artículo principal: Violín

[editar] Viola Artículo principal: Viola

[editar] Viola da gamba Artículo principal: Viola da gamba

[editar] Violoncello Artículo principal: Violonchelo

[editar] Contrabajo Artículo principal: Contrabajo

[editar] Cuerda pulsada

[Laud Artículo principal: Laúd

Tiorba Artículo principal: Tiorba

Mandolina Artículo principal: Mandolina

Guitarra Artículo principal: Guitarra

Viento metal

Trompa Trompeta Trombón Viento madera

Flauta travesera Flauta dulce Clarinete. Fagot Contrafagot Percusión

Timbal

Obras capitales en este período ( JECA) • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Orfeo (ópera, 1607) de Claudio Monteverdi Fiori musicali (1635) de Girolamo Frescobaldi Daniele (16??) de Giacomo Carissimi Selva morale e spirituale (1640) de Monteverdi Pasión según san Mateo (1666) de Heinrich Schütz Roland (1685) de Jean-Baptiste Lully Dido y Eneas (1689) de Henry Purcell Hexacordum apollinis (1699) de Johann Pachelbel Sonatas para violín y bajo continuo op. 5 (1700) de Arcángelo Corelli Canon y giga de Pachelbel Música acuática (1717) de Händel 8 grandes suites (1720) de Händel Conciertos de Brandenburgo (1722) de Bach El clave bien temperado (1722-1744) de Bach Giulio Cesare (1724) de Händel Las cuatro estaciones (1725) de Vivaldi Pasión según San Mateo (1727) de Bach 3 libros de suites (1706, 1724, 1728) de Rameau 4 libros de órdenes (1713, 1717, 1722, 1730) de Couperin Música de tabla (1733) de Telemann El juicio final de Telemann El Mesías (1742) de Händel Música para los reales fuegos artificiales (1749) de Händel El arte de la fuga (1749-1750) de Bach

Pintura barroca ( jorge) Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Cena en Emmaus, pintado en 1601 por Caravaggio

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista. El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde los contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

Pintura barroca en Italia La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale). El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Por otra parte, los Carracci forman el llamado clasicismo. Los temas a plasmar son inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI, como Rafael y Miguel Angel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se pintan frescos en techos. Ambas tendencias dejaron escuela y sirvieron para renovar el escenario pictóricos. La presencia de Rubens, otro genio del barroco, en Génova, se ve reflejada en las obras del lugar.

Pintura barroca en Francia En Francia, el manierismo se ve influenciado por el barroco. La pintura es clasicista y se usa para decorar palacios, con un estilo sobrio y equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos. Su autor más destacado es Nicolas Poussin, quien estuvo claramente influenciado por las corrientes italianas, tras su visita a Roma. Buscó la inspiración en las culturas grecorromanas. Otros artistas fueron Georges La Tour y Felipe de Champaign. No obstante, el barroco en Francia fue poco más que una mera influencia, transformándose después en el rococó.

Pintura barroca en Flandes y Holanda En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, mientras que en Holanda, la pintura será burguesa, dominando

los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.

Pintura barroca en España

Detalle de Apolo y Marsías de José de Ribera, 1637, Museo N. di San Martino, Nápoles En España, el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velázquez, Ribera, Murillo o Zurbarán. El periodo fue conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaran, a pesar de la crisis económica que sufría el país. Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte. Las principales escuelas del arte barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia. La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa. La mayoría de obras fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otra parte, muchas pinturas tratan de reyes, nobles y sus guerras, como en el famoso cuadro Las Lanzas, que pintó Velázquez en 1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también serán una constante. Pero es la religión cristiana la que más se repite, sirva como ejemplo El martirio de San Felipe, gran obra de José de Ribera. El realismo de las obras se usará para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia. Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de sombras. El tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena. Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos expresivos.