Arte Xx.docx

El arte del siglo xx fue de gran complejidad, donde la nación de estilo representativo se moldeo muchas veces, buscando el concepto que más le acordara a sus necesidades e intenciones. Estuvo marcado por diversos movimientos de corta duración, que se influían los unos a los otros y en donde los mentores eran los propios artistas, todos ellos compartieron un importante afán por encontrar una expresión propia del siglo XX, un nuevo arte para un nuevo siglo. De tal manera, las artes platicas participaron decididamente en los procesos de cambio que s opero en la sociedad, estableciendo fuertes lazos de unión con la literatura, el cine, la música, el teatro. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis. Luego de la Ilustración, que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia, estos valores entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Factores de mercado, consumo, globalización, guerras mundiales a afectaron de un modo directo a la obra de arte. El arte del siglo XX se halla en sus inicios caracterizado por la aparición de un fenómeno que permanecerá vigente como eje de la renovación y de la actividad artística: la vanguardia, noción nueva en el devenir artístico y que por tanto se liga íntimamente al arte de este periodo. En las últimas décadas del siglo XIX se había producido un fenómeno desconocido hasta entonces: el enfrentamiento entre la modernidad y la tradición, esto es, entre la renovación y las imposiciones del academicismo y el gusto oficial. Así, las distintas tendencias plásticas irrumpieron como tendencias autosuficientes y excluyentes con la pretensión de convertirse en hegemónicas, lo que se convertirá desde entonceus en una constante. La negación del pasado, el mito de lo nuevo. El término vanguardia, frecuente en la historiografía española, francesa e italiana pero no así en la anglosajona, hace referencia al sentido de avanzadilla con la que los movimientos del periodo asumieron que debían afrontar su producción artística, yendo por delante y rompiendo con el resto de manifestaciones de su momento. Por ello el concepto no tiene nada que ver con el de escuela (que cayó en desuso tras el Romanticismo) ni con el surgido entonces de movimiento, pues si el término escuela hace referencia a un amplio número de artistas de un periodo relativamente largo en el que a veces se agrupan estilos diferentes (escuela barroca española, escuela sevillana del siglo XVII…), las Historia del Arte Contemporáneo: siglo XX 4 vanguardias, también conocidos como los ismos, integran grupos y movimientos de duración y de integrantes limitados, pues fueron minoritarias. Roto el respeto a la norma, a la unidad de estilo y a los principios académicos del arte, la vanguardia se desarrolló como una suma de tendencias y movimientos, de ismos y de corrientes: una diversidad de propuestas cuyo punto de coincidencia fue la actitud común de rechazo y negación de la tradición como modelo.

Lo que entendemos por vanguardia, y más concretamente por vanguardias históricas, es un fenómeno desarrollado entre 1900 y 1945 (aunque se prolonga hasta los setenta) que arrasa con los tiempos artísticos tradicionales y se constituye como un fenómeno sincopado. Pero a pesar de que se sucedieron rápidamente, los fauvistas, expresionistas, cubistas o futuristas desarrollaron su actividad en un periodo mucho más amplio que el de la vigencia estricta que tuvo cada una de estas tendencias, desarrollándose a veces de forma paralela. Por eso no cabe establecer un análisis lineal como si se tratase de una sucesión de acontecimientos encadenados, mientras que en contraposición, desde la Posmodernidad se ha planteado directamente el desarrollo de un arte sin tiempo y sin devenir. FAUVISMO El Fauvismo (1904-1907) es un movimiento artístico destacado del siglo XX. Su estilo pistórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artista, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista, por tanto es más expresiva que realista. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. El arte fauvista, si bien podemos observar en las imágenes y videos de este blog, no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. EXPRESIONISMO El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna

y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración. El Expresionismo alemán se introdujo una actitud que será muy repetida en el siglo XX: la de afrontar el arte como una postura particular ante la vida, como una proyección de un estado de ánimo el Expresionismo constituye el testimonio de una visión angustiada e insegura del mundo: un refugio pictórico ante la imposibilidad de transformar una sociedad en crisis, por lo que la subjetividad y el estado de ánimo del pintor se integran como soporte de un movimiento artístico. Precedentes del Expresionismo Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica. El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch. Expresionismo Alemán El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Die Brücke ( El Puente) En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento fauvista francés. Mientras los fauves se plantearon una exaltación límite del color, los alemanes, con una técnica similar en cuanto a la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, difieren por la plasmación de las angustias interiores del hombre y sus preocupaciones existenciales. En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul)

El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros. El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos. Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal.

FUTURISMO El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. Entre los representantes están: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Marinetti, Luigi Russolo.

Profanan el lenguaje, empeñándose arbitrariamente en abjurar de las reglas más elementales de la gramática de cualquier idioma, sino también porque se recrean en la deshumanización, al ser una estética fundamentalmente androcéntrica, machista y misógina. Así llegan al punto de glorificar la guerra, cuando intuían la inevitable llegada de la Primera Guerra Mundial, como la arma eficaz para destruir un mundo valetudinario y anacrónico y obtener así su nuevo nacimiento. De hecho, Marinetti, esa especie de showman, llegó a adherise al fascismo de Musolinni en 1919 y a entablar una amistad con el dictador, quizás en su intento de convertir el futurismo en el movimiento artístico oficial de propaganda del Estado. ARTE SIGLO XXI Hoy arte de hoy se puede encacillar a una sola palabra: marcado. Es decir, que no todo es valido. Si alguien no decide que lo que tu haces tiene un valor económico, no es arte.

Gran parte del nuevo arte se produce en masa, repetitivo y comercial. El contemporáneo es el estilo de vida elegido por nuestra generación, además encaja con los espacios en los que vivimos. Estos grandes lobis del siglo 21 necesitan obras de arte hermosas y grandes. Además, estas son mas fáciles de comprar que las de artistas y movimientos clásicos. Hoy en dia las personas tesan mas interesadas en arte, y esto al mismo tiempo ha provocado que el arte se haya comercializado más que nunca. Además, se ha compartido entonces una idea de que los artistas más caros son necesariamente los mejores. El arte ahora da cierto estatus, cierto tipo de posición, por ello que estos coleccionistas siempre buscan lo mejor, lo mas nuevos. Pues el arte se ha vuelto un uso. Artistas hampartes / kitsch: Jeff Koons, Damien Hirst