Arte Del Siglo Xx

ARTE DEL SIGLO XX: - Introducción: El proceso sociocultural que se desarrolla en el s XX es vertiginoso. Al amanecer de este siglo, se desmorona el viejo sistema colonial, en medio de una profunda globalización. Lo económico, comienza a emerger por encima de lo político. Estos hechos son exactamente coetáneos a que Derain y Matisse viajen a Colieu a encontrarse con el arte primitivo; o a que Picasso y Braque inventen el cubismo; o a que los expresionistas alemanes descubran lo atractivo de lo salvaje... demostrando que las formas artísticas pueden ser totalmente antagónicas a su contexto histórico. La 1ª Guerra Mundial, la Revolución Rusa, la instauración del comunismo, los fascismos europeos y finalmente la 2ª Guerra Mundial, fueron acontecimientos decisivos en la historia del arte del S XX, influyendo directamente en el cubismo, expresionismo, surrealismo... La 2ª Guerra Mundial acaba con algo tan traumático para la conciencia humana como la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima que demostró la capacidad de destrucción del hombre. La cultura se convierte entonces en el último bastión de resistencia ante este horrible panorama -Pintura de principios del XX: • Monet: Se trata de padre del informalismo pictórico. Durante los primeros lustros del s XX, el impresionismo se incorpora al arte hegemónico por lo que Monet no es un bohemio abandonado por crítica y público, sino un pintor vanguardista apreciado y reconocido. Ya no es un revolucionario, pero aunque cargado de triunfo se recluye en su finca de Giverni. El grado de aclamación general le da un campo de libertad muy grande. Monet trata de perder las referencias de la realidad que separan al espectador de la escena, para poder integrarlo en ella. El cuadro como recorte de la realidad es fundamental. Tiene que ser un agujero, una ventana a través de la cual, ver el mundo exterior. *Nenúfares en el estanque: Giverni 1915. Monet, desesperado porque se está quedando ciego, trata de romper la barrera entre exterior-interior. El impresionismo deriva entonces en una manera de desmenuzar, deconstruir la realidad. De esta forma, vemos como funde en la misma escena el agua, el reflejo del sauce, los nenúfares flotando... Se sitúa en el límite de la abstracción sin llegar a traspasarlo. *El Estanque: 1920. Aquí ya Monet ya traspasa los límites incluso de lo gravitatorio, no sabiendo muy bien cual es la parte superior y cual la inferior. Usa pinceladas que no llegan a reproducir lo real, tratándose de la pintura por si misma (concepto de autonomía del arte). El color, la mancha, la pincelada se convierten en protagonistas absolutos, primando simplemente el impacto cromático en la retina del espectador.

Este tipo de obras serán el punto de partida para autores abstractos como Kandinsky. *El puente japonés: 1923. Se expresa a través de la violencia pura de los rojos y amarillos. La traslación pictórica del puente se hace apenas con dos líneas curvas.

• Cezanne: Autor fundamental por su intento de refundar la pintura. Para él los cuadros deben ser como la naturaleza y no imitarla *El niño en la playa: Construye el cuerpo a través de formas geométricas, sobre todo curvas y contracurvas. Cezanne no busca un cuerpo bello sino simplemente la noción de equilibrio Vemos también una autocensura del color, como hará más tarde Picasso en su etapa azul. La impresión es la de una figura y una escena serena y equilibrada. Prescinde de las referencias reales para instalarse en un mundo donde los valore son puramente estéticos. De esta manera Cezanne busca un cierto clasicismo, a pesar de que la modernidad había acabado con ese concepto. *Las 3 Bañistas: 1879. Cezanne muestra esa pincelada nerviosa y expresiva que proyecta los sentimientos del artista. Este aspecto abocetado, es un recuerdo de la etapa más romántica del autor. Frente a la instantaneidad del impresionismo, Cezanne propone una pintura intemporal. Las bañistas son simplemente formas, no son seres humanos, renunciando totalmente a lo emocional. Las propias pinceladas son perceptibles porque son formas en sí mismas. Cezanne renuncia al concepto tradicional de la belleza queriendo crear una belleza nueva de carácter intemporal. De esta forma, cada cuadro suyo se convierte en un acto Demiurgico. *Los Bañistas: 1892. La pincelada de nuevo se entrecorta para obtener una corriente ascensional de la forma que pone en conexión a Cezanne con el Greco. *Esquema de follaje: 1904. Frente a la totalidad de lo Neoclásico, la mirada moderna es la mirada del fragmento. En este caso, el pintor recaba un fragmento de la naturaleza. Desemboca de este modo de manera casi violenta en la abstracción. • Seurat: El Divisionismo, partiendo del Impresionismo, tiene su máximo representante en el puntillismo de Seurat. *Mujer sentada: 1880. Intenta racionalizar científicamente todo lo que el impresionismo ha puesto en marcha. En obras como esta, se perciben perfectamente los elementos fundamentales dentro de una síntesis que prescinde de formas concretas y sentimientos. Recupera la intemporalidad del Cezanne, de la figura perdida en el espacio.

*El flautista: Los puntos con los que se componen las formas, son ya unidades indivisibles con una dirección clara. Es como si quisiera hacer tangible la idea del haz luminoso. Fiel a la impresión sensorial que la realidad produce en él solo capta aquellos elementos significativos estructuralmente. Así tenemos la sensación de ver lo que vio el artista. El espectador sabe reconstruir con cierto paisaje a partir de lo que Seurat ha pintado. Seurat coloca el rojo y el blanco al lado para que el espectador los mezcle en su retina. El será el pintor que normativiza estas reglas y las aplica en sus obras. Se trata de una concepción lingüística de la pintura. De esta forma busca la unidad mínima en la pintura que es el punto (puntillismo). Pequeños puntos o rasgos de colores puros, primarios. Con estos puntos monocromáticos y su mezcla óptica se puede obtener cualquier forma El resultado es una cierta distancia melancólica. Cierta introspección y ensimismamiento. Esto lo propicia el fondo, con unas tonalidades doradas. Sin embargo, el divisionismo no es lo mismo que el puntillismo. Esto ya lo vemos en el Fauvismo, pero con puntos más grandes o incluso en el futurismo. *El cabaret: Representa volúmenes, formas, efectos de luz... a través de puntos. Pretende imitar a Toulousse Lautrec en la caricaturización de los personajes. Con la presencia del músico en la sombra se marca la entrada al cuadro. *Escena circense: El punto crece desmesuradamente, convirtiéndose en protagonista. No son puntos, sino rectángulos. Según su dirección contribuye a la construcción de volúmenes. Vemos luces artificiales representadas a través de su efecto sobre los demás elementos. La energía se representa ideográficamente. El circo es un tema muy moderno. Le interesa como un conjunto de relaciones energéticas. Vemos la energía centrífuga en el caballo y en la inclinación del acróbata. También lo vemos en el acróbata del fondo que está saltando (sistema planetario).. Las tonalidades son colores fríos con cierta melancolía. Se observa una geometrización, caricaturización y estilización en las fisonomías que crean un enigma. Hay dos elementos principales en la realización de la perspectiva: Perspectiva geométrica: Proporciones según la distancia del que mira. Perspectiva aérea: Aquí no la usa Seurat apenas. La obra esta cargada de intuiciones y es muy experimental.

• Van Gogh También usará puntos, pero que se muestran como impulsos irrefrenables pues responden al estado de ánimo del artista. En dichos puntos observamos un torbellino de direcciones. Emplea mucho colores primarios como el rojo y el amarillo que hieren nuestra sensibilidad. Van Gogh quiere que nos abandonemos al sentimiento usando recursos violentos. *Noche estrellada: Hace una representación de lo invisible. Hay un ciprés que surge como un chorro hacia el cielo, en el cual vemos torbellinos, representación de fuerzas como en Seurat. Pero Van Gogh representa fuerzas anímicas mientras que en Seurat eran fuerzas físicas. *Calle de Aubert: Vemos como un sendero que arrastra todo hacia el centro del cuadro. No tiene como objeto a si mismo, sino llevarnos a otro lugar (a nosotros mismos). Trata al cuadro como a un espejo, consiguiendo así la autonomía del arte. • Edward Munch: *El Grito: Crea una superficie desconcertante e hiriente. Expresa el concepto de la angustia perfectamente mediante colores y formas. Se trata de otro cuadroespejo. Es un reflejo del propio espectador quien grita (angustia por soledad, incomunicación, muerte...) Munch tiene un sentido más colectivo de este sentimiento que Van Gogh. *Crucifixión: 1907. Vemos un grupo de personajes que representan el mundo como una mascarada. La falsedad e insensibilidad humana, que siempre tiene una victima, en este caso, Cristo. Trata así los presupuestos morales del hombre. Simbolismo: La obra de arte se transforma en un vehículo que nos introduce en otro mundo cuy significado es difícil pero alguien tiene sus llaves y nos aleja de nuestra propia condición y de nuestro mundo (necesidad de escapar del indeseable mundo en que vivimos). • Shille: Compañero de Klimt, se mueve en su mismo contexto dentro de la Viena de principios de siglo. *Retrato: 1916. Vemos cierto desequilibrio y crispación en la figura que cruza la escena y que revela la inestabilidad de la pincelada mostrada también por Van Gogh. Aqui ya no podemos hablar de simbolismo.

• Didier de Chavan: *El pobre pescador: Sin renunciar a toda la tradición figurativa anterior, vemos una sutil geometrización de las formas. Las figuras están dando una sensación de inestabilidad a través de sus posturas. Con esta Sagrada Familia pobre y desmenuzada, el artista lleva al espectador a un mundo primitivo y primigeneo. • Gaugin: Al final de su carrera, Gaugin abandona Francia y se instala en Tahiti en la decada de 1880 buscando nuevas formas y horizontes. En esta etapa, renunciará a la tercera dimensión, buscando la relación directa con lo primitivo. Esta busqueda de lo primitivo se relaciona con el intento de sentirse limpio y renovado ante un contexto que ha llegado a asquearle. De esta forma, Gaugin es casi un profeta que utiliza el arte como manera de salvación. • Maurice Denis: *Las Musas: 1893. Muestra en primer termino tres mujeres vestidas a la moderna y sentadas en las sillas de hierro típicas de los parques parisinos. Se trata de la idea de la ciudad como escaparate. En las figuras hay una cierta tendencia al alargamiento, a la deformación. Estas mujeres son símbolos de una nueva tradición. -

Arte Fauve:

La consumación del arte Fauve, llamado así por el color empleado denominado como “de fieras”, se produce a partir del 1905. Durante el verano de ese año, Matisse y Derain dan en Colliure el paso para internarse en el nuevo movimiento. • Matisse : *Retrato de Derain: Matisse. Se trata de un retrato de un personaje real que sin embargo resulta una mera excusa. Aquí lo importan más los elementos pictóricos que los propios rasgos característicos del personaje. Pesa mucho más la fuerza y presencia de las pinceladas. En la pintura Fauve, el primer espectador es el propio artista pues es el que recibe la primera experiencia del lienzo. Las pinceladas no son un acto del todo consciente sino que provienen del instinto. Por ello el primer sorprendido es el artista. Derain es un mero pretexto, sus rasgos podrían deformarse sin que la obra perdiese el mensaje que nos está lanzando. *Escena interior: Matisse. 1905. Utiliza los mismos elementos para el exterior, para el primer termino, para el segundo... Al contrario de lo que ocurría en el impresionismo, el mundo pictórico se separa del real: se manipulan las perspectivas, las proporciones se deforman... Cada cuadro es un universo dando la impresión de que es la primera y la ultima vez que se pinta.

*Ventana de Colliure: 1905. Matisse. En este casi si percibimos la sensación de estar en la penumbra de un interior, mirando hacia un exterior más claro y lumínico. El artista al pintar no quiere volver a la realidad sino expresar su mirada del mundo, plasmando una experiencia estética. *Interior con muchacha. 1906-06. Vemos una muchacha leyendo sobre una mesa rodeada de objetos implemente caracterizados por colores. El cuadro tiene una lógica pero que surge en el momento en que se pinta. *Boceto para la alegría de vivir: 1905. Nos sirve para comprender como puntillismo y divisionismo están en la base del fauvismo. A pesar de ser cada vez menos figurativo, las obras mantienen la coherencia espacial, pudiendo reconstruirse las escenas. El color es una explosión que refleja a la perfección esa alegría de vivir que quiere comunicar el cuadro. Hay un cambio de estado de las cosas cuando son experiencias de la realidad a cuando son experiencias de la pintura. *Retrato de Dona con Maggio Verde: Matisse 1905. Una obra como esta supone un giro total dentro del territorio del comportamiento de la pintura. Matisse deforma la fisonomía y el gesto no para lograr pasearnos por la vida interior del personaje sino para plasmar un ser que alguna vez fue humano en una forma plástica dentro de una cierta deshumanización del arte. Este tipo de obras deben mucho a la pintura de Gaugin o de Van Gogh. Esta deformación anuncia ya las formas del Picasso monstruoso de los años 30. *La Gitana: Matisse 1905-06. La deformación de la fisonomía es aquí todavía mayor. Entramos en un torbellino agitado de colores donde la pincelada duda y se vuelve temblorosa. *El marinero: 1906. Aquí la búsqueda estética va por otro lado; los colores se van enfriando y lo que Matisse busca es lo efébico, lo ambiguo... Las líneas del contorno son constructivas y geométricas. Los ojos almendrados reflejan el interés por las culturas antiguas que también aparece en Picasso. Da la sensación de obra totalmente nueva, de conquista de territorios de belleza hasta entonces inexplorados. *Muchacho con cazamariposas: 1907. Sin perder su identidad, Matisse se acerca aquí claramente a Cezanne. *La habitación roja: La superficie roja completamente plana tiene poco que ver con el rojo fugado del camino que aparecía en la obra anterior. A pesar de la planitud del rojo, Matisse se esfuerza en mostrar que existe un espacio geométrico complejo a través de la mesa, la silla (homenaje a Van Gogh)... Juega también con la confusión mediante el papel pintado de la pared con un motivo decorativo muy similar al del mantel. Abusa de nuestra capacidad para generar formas concretas a través de ciertos indicios. *El lujo: 1907. Entiende lujo como superabundancia, y calma serena, que es lo que transmiten estos personajes deformados. La mujer que se agacha golpea nuestra retina comunicando ese goce adánico y esa libertad de movimientos. *Desnudo azul: 1907. Se complace en lo lineal frente a lo pictórico con una relación interna entre las líneas curvas.

• Derain: *Retrato de Matisse: 1905. Colliure. Vemos como en ese verano en Colliure ambos artistas van compartiendo experiencias. Hay mayor intensidad dramática y mayor cercanía con el retratado de lo que veíamos en Matisse. *Vista de un suburbio de Colliure: 1905. Como en los paisajes de las ventanas de Matisse vemos la agrupación monocromática. Los mástiles de los barcos crean un ritmo así como la colocación de las embarcaciones. *Paisaje de Colliure: 1905. Es como si hubiera trasladado al fauvismo una vista impresionista. *Vista del Támesis: En 1906, Derain se traslada a Londres donde realizará obras como esta, con una mayor tensión que se separa de la placidez que por entonces buscaba Matisse. *Paisaje Londinense: Denota los elementos del lenguaje fauve ero con una composición estremecida como vemos en el movimiento de los personajes, las patas de los caballos... *Retrato de mujer: 1906. A pesar de usar una deformación similar a la de la gitana de Matisse, aquí si se muestra a un ser humano. La mirada recupera lo emocional y la condición humana (como en Van Gogh). *La curva de la carretera de L´Estaque: 1906. Recupera la tradición simbolista. Los personajes se mueven en un paisaje encantado, los árboles se retuercen, los colores se suavizan....

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El Expresionismo:

Movimiento iniciado en Alemania a principios del XX, impulso por una serie de artistas agrupados bajo el nombre de Die Bruke (el puente): Kirchner, Heckel, Scihmidt-Rottluff, Pechstein, Nolde, Mueller.... • Kirchner: *El pintor y la modelo: 1907. Voluntad casi grosera de mostrar el desaliño del pintor en la intimidad. El color está muy cerca de Matisse y como en él, las figuras apenas son humanas. *Desnudo ante el espejo: Refleja influencias de Gaugin aunque en este caso no hay una serena limitación de los perfiles a través del color sino un violento dialogo línea-color. *Desnudo femenino ante una mesa: 1913. Las formas picudas se hacen poco a pco una de las señas de identidad del movimiento que por estos años está llegando a su fin. La influencia de las formas de la escultura africana es clara. Como sucede en Las Señoritas de Picasso. Lo agudo, lo diagonal, crea una sensación continua de inestabilidad. • Schmidt Rottluff: *Paisaje marino: Relación directa con el divisionismo que derivó en el fauvismo y por último en el expresionismo. La escena se construye a base de rápidas manchas de color. El único aspecto figurativo que queda en esta obra es lo azul que identificamos con lo acuático. *Paisaje con dique: Interpretación exaltada del paisaje a través de la exteriorización de las formas externas. *Vista de una calle: Si no fuera por la perspectiva geométrica que introduce la casa de la izquierda, la escena no tendría ninguna coherencia. • Heckel: *Niño en un sillón: 1906. Muestra al niño como anciano, como monstruo, trastocando por completo las ideas que la visión de un niño produce en nosotros. Las pinceladas ensucian el lienzo de manera muy característica del impresionismo. *Paisaje de una marisma: En zonas del cuadro la pincelada ni siquiera se concreta pues el pincel no esta muy mojado. Transmite la idea de lo abocetado que nos habla de lo instantáneo y por tanto de lo instintivo. *Pareja de jóvenes: De nuevo huye de toda forma de belleza clásica, regodeándose en lo feo, en lo grotesco... *Desnudo de mujer: Grabado en madera. Imagen de la mujer frágil, desvalida que conecta con la Viena de fin de siglo de Klimt. El cuerpo de la mujer es el blanco absoluto, tan sólo entintado para marcar ciertos rasgos.

• Max Pechstein: *El bosque: Plasma el lugar donde el grupo acudía con sus modelos y vivía como en una comuna salvaje. El Puente fue por tanto una experiencia artística pero también vital. Esos personajes desnudos, viviendo como animales nos hacen relacionar la belleza con lo espontáneo, lo salvaje... *Escena en la playa: Muestra lo adánico, la alegría de vivir, dentro de una autentica praxis personal. • Emil Nolde: *Cristo hablando con los niños: Nolde recupera lo religioso como aquello relacionado con lo medieval y por tanto con lo pre-renacentista. Ensucia el lienzo con una pincelada deshecha pero de la que surgen las formas. *Pareja en el jardín: Visión que tiene el salvaje de la relación dulce entre esta pareja. - El Cubismo: Cubismo Analítico: • Picasso y Braque Será el gran eje vertebral del arte del s XX y principal creador junto a Braque del cubismo. *Ciencia y Caridad: Pintado a los 16 años. Nos demuestra como Picasso domina ya siendo adolescente el lenguaje figurativo que durante su etapa cubista va a deconstruir. Inventa formas nuevas pero partiendo del conocimiento de las formas viejas. *Enfermos en un hospital: Frente al academicismo de la obra anterior, aquí vemos un Picasso que trata de explorar otros caminos fuera del arte hegemónico de su época. Este tipo de obras comienzan a darnos idea de lo que será Picasso para la pintura contemporánea. *El final del camino: 1898. Esta retórica pesimista que entronca directamente con el modernismo puede expresarse como en este caso desde el prisma de la crítica social. *Violación: Adecua para la brutalidad de la escena unos medios expresivos broncos, rápidos y sueltos. Intenta así establecer una conexión entre brutalidad de ejecución y de contenido, para conseguir un movimiento y una energía reales. *Mujer en el palco: 1901. Se trata de una obra inacabada. La parte más interesante es la zona inferior, inacabada voluntariamente, donde el pintor descarga pinceladas gruesas con energía, relacionándose con lo que será mas adelante el expresionismo abstracto. *Bebedora de Ajenjo: Escena de café que estará muy presente en todos los impresionistas. Nos representa un personaje en completa decadencia pero cargado de fuerza psicológica. Aquí toma nota directamente de lo que estaban haciendo los Navis; en la utilización del punto, del contorno difuminado...

*Mujer acodada: El fondo abstracto con pinceladas gruesas e inconexas es una consecuencia emocional de la fuerza con la que ha representado a la mujer que se acoda y se encierra en sí misma. *Bebedora de Ajenjo: La mujer al reflexionar está como en otro mundo, dentro de un recogimiento introspectivo. Si anteriormente el color tenía influencia de Van Gogh, aquí toma el de Gaugin. *Habitación Azul: 1901. Recuerda a los interiores de Matisse en Colliure. Es una obra ya más madura que las anteriores en la cual intenta traducir todos los colores a una sola gama cromática. Combina la línea lánguida de la figura con la geometría pura del cubo o de la mesa. *Bebedora de ajenjo: (Periodo Azul). A pesar de la distancia anímica que produce la gama fría de colores nos da una idea del dolor del marginado. Es esa mirada que busca el reverso trágico de la realidad fijándose en los pordioseros, borrachos, marginados.... *La comida del ciego: 1903. Elementos similares a los del anterior cuadro pero resaltando los elementos constructivos de las formas. En este sentido vemos el valor perspectívico y geométrico del fondo, la mesa, la jarra... El ciego no ve la mesa, ni la comida, utiliza otro tipo de sentidos. Por ello adquiere un valor doble: es el marginado, el desfavorecido, pero también es aquel que a través del resto de los sentidos consigue otra manera de ver. La ceguera se toma como metáfora de la pintura moderna como creación y no como mera reproducción de la realidad. El artista es por tanto el ciego que compone otro mundo distinto del estrictamente real. *La ciudad: Barcelona 1903. Representa la ciudad sin máscara, la ciudad como suburbio del proletariado donde vive toda esa serie de marginados que nos ha mostrado antes. *Planchadora: De nuevo refleja la situación social del personaje. Pero aquí aparecen ya elementos nuevos: lo terrible se va transformando en bello; hay musicalidad en ese subir y bajar de la línea, en el pelo que cae sudoroso, en la delgadez extrema.... Entre 1905 y 1907, en Picasso se produce una intensa exploración en varias direcciones. *La Holandesa: Restricción cromática importante casi llegando a la monocromía. Hace uso de su propia experiencia estética. Deja ante nosotros una imagen poco terminada y abocetada (alusión a la pintura al fresco, a lo antiguo) Esta modernidad roba el aspecto interno de los frescos antiguos. La figura no es clásica en absoluto. Hay una deconstrucción de lo antiguo pero no se muestra en nada. No existe una restauración de la clasicidad (fealdad de los pechos, muslos con grasa, brazos pequeños...). Se da una escultoricidad pero muy plana. Destruye pues lo clásico creando algo nuevo teniendo gran importancia la influencia de la escultura ibérica (simplificación de rasgos). *El Harén: 1906. Mujeres parecidas a las de Matisse. En primer término aparece un hombre, un porrón y un chorizo. Delante, unas prostitutas bailan para él. Aparece pro tanto el mundo del porstibulo en relación con el mundo trágico. Al fondo vemos a la vieja Celestina con un valor de maldad. No se da el paraíso en

el que se mueven las mujeres de Matisse. Se asocia también a la idea del reposo del guerrero o al Hercules tentado. Aprovecha la construcción geométrica (cubo del fondo). *Retrato de Gertrude Stein: Relación entre la figura y el fondo no continuo. Vemos un estampado distinto a derecha e izquierda. Carácter escultórico del personaje con gran rotundidad. Forma desindividualizada de representar a la mujer aunque nos da la sensación de estar ante unos rasgos concretos. Encuentra el juego entre lo universal y lo genérico. Los mecanismos simplificadores de la caricatura están muy presentes aquí. La gama cromática es mínima para que la forma llegue a nosotros limpia. Formas con tangibilidad dimensional muy fuerte Renunciando al uso de la perspectiva. *Dos mujeres desnudas: Cuerpos de formas situadas en las antípodas del ideal clásico. En la gestualidad, la figura de la izquierda roza el ridículo. Hay un juego sutil de simetrías en torno a un eje central, la cortina que la figura de la izquierda está abriendo. Aparece de nuevo la idea metafísica del espejo. Las manos se situan con gran ritmo musical en el espacio. Todo esto crea una delicada elegancia, recreándose la mirada en la linea y su recorrido. Como rostros, vemos máscaras, no caras humanas. De esta forma, Picasso vuelve la vista a las culturas antiguas no occidentales. *Las Señoritas de Avignon: 1907. Se trata de la primera obra del cubismo y posiblemente la gran cima del movimiento. En el año en que Picasso lo presentó, tan solo fue mostrado a unos pocos amigos. Braque lo contempló e hizo una serie de obras posteriores asentando el cubismo. La escena nos muestra un prostibulo barato de la calle Avignon de Barcelona. La estancia está habitada por seres humanos que se liberan de sus mascaras hipócritas que la sociedad les impone pero toman otras máscaras más explicitas y salvajes. Se trata de un retorno a un tiempo pasado de Picasso en Barcelona. Juega con una de sus vivencias viajando a otro tiempo. En los bocetos preparatorios observamos que fue una obra extraordinariamente meditada. La estructura argumental estuvo basada desde el principio en varias prostitutas, una mesa con frutas y dos marineros clientes del prostíbulo. En fases posteriores los dos marinos se transformaron en burgueses, sin que los personajes femeninos sufrieran a penas variación. Las cortinas crean una escenografía teatral. También realiza dos bodegones: Delante, jarrón de flores; Detrás, frutas entre las que se siente atraído por la geometrización de las rajas de sandía, con los picos agudos. Cuanto más se aproxima a la obra final el lenguaje se va haciendo más unitario. El trazo es muy anguloso y entrecortado con una expresión deudora del expresionismo. Hay una renuncia clara a la coherencia del lenguaje que se emplea. En la obra final, los personajes masculinos han desaparecido. Vemos gran angulosidad en los brazos de las mujeres, como las angulosidades de la sandía en la fase preparatoria. Las formas de componer los cuerpos son diferentes en cada uno de ellos. El color construye la forma. Dos de las mujeres tienen cara y las otras tres tienen máscaras, en clara referencia a la escultura africana. Vemos también un bodegón sobre un paño en una mesa, donde hay un lenguaje coherente de geometrización.

*Dos figuras: 1907-08. Ya se puede hablar claramente de protocubismo. Geometrización de la cara, el torso y las extremidades. También en el paño blanco que cuelga del brazo de uno de los personajes. *Personaje femenino: Mayor coherencia entre figura y fondo. Hay un bosque con árboles del que sale la figura. Geometrizaciones curvilíneas. Claroscuro también coherente. No hay una unidad en la representación de la luz (varios focos). La usa para resaltar la tridimensionalidad de lo que pinta. El movimiento de la figura hacia nosotros es altamente perceptible. *Mujer con abanico sentada en un sillón: Construya a la figura geométricamente primando la forma circular y la triangular. Se da un tratamiento escultórico del rostro del que solo se refleja la esencia. El fondo es abstracto, con sombras proyectadas. En esta obra vemos como experimenta con nuevos caminos. *Gran familia de arlequines: Aborda no solo una figura sino el concepto de grupo. Aparece la madre, el padre y el hijo. No reconocemos los rostros, existiendo mucha angulosidad. Las figuras casi se confunden con el fondo por la escasez de contornos. *Paisaje: Vegetación, troncos de árboles.... cada color representa un elemento. *Dos desnudos femeninos sobre una roca: Composición en rombo tomada de Cezanne. *Bodegón: Figuras geométricas muy claras. Hay elementos que no son cubistas. Vemos como en la mesa plegable se refleja la geometría de los elementos. *Bodegón: tazón, jarra y raja de melón: Fondo y elementos geométricos, tratados de igual forma. *Objetos sobre mesa circular: Despieza los elementos sobre una mesa circular. Trocea el melón, mostrándonos su interior. Arriba a la izquierda se observa un abanico abierto El cubismo trabaja sobre la manipulación de imágenes reales extraídas de los recuerdos, de la imaginación o las que están delante de los ojos del pintor. Con el cubismo sintético se pintan imágenes que nunca han tenido lugar. *Fábrica de Horta de Ebro: Son elementos reales, pero modificados mediante una alteración de la forma y perspectiva. Se basa en la irregularidad de las formas medievales de este pueblo. Vemos las montañas del fondo como si fueran pirámides. La frontera entre figura y fondo se establece mediante la aplicación de perspectiva aérea. Las formas son más imprecisas cuanto más lejanas están. *Retrato de un atleta: El cubismo asume los géneros clásicos de la pintura manteniendo los principios, pero haciéndolos nuevos. En este caso se trata de un busto con una ausencia de fragmentación geométrica. Conserva casi lo fundamental del cuerpo humano, de forma casi caricaturesca. Exagera la musculatura creando casi un hombre-maquina. A través del despiece, individualiza analíticamente cada parte del cuerpo (exageración de los principios formales en busca de una geometrización). *Mujer tocando la guitarra: Objetos simplificados geométricamente acentuando lo descriptivo. Vemos una alusión al movimiento y el esfuerzo de los dedos al tocar. La cara retorcida representa un estado de ánimo, como un momento de inspiración o emoción. Esto lo expresa de forma casi caricaturesca.

*Figura femenina: 1909. No sabemos nada de su gesto o estado de ánimo. Los rasgos de la fisonomía desparecen al igual que el fondo sin que exista capacidad descriptiva. Lo femenino carece aquí de atributos propios. *Figura femenina: Reconocemos a una mujer por los tópicos que rodean a estas como la delicadeza, la delgadez.... Vemos una igualdad entre figura y fondo aunque se distinguen claramente. Tampoco aquí hay nada descriptivo. El fondo emerge de la figura. *Muchacha tocando la mandolina: 1910. Color muy claro. Es una mujer joven, esbelta y bella, que se aplica con carácter a tocar su instrumento. Cabeza con sentido de busto clásico así como los cabellos (rizos superpuestos). Sensualidad en la línea del cuello, en la que el artista se centra especialmente. Metáfora de la máquina expresada en la complejidad del codo y sus formas geométricas. *Mujer cosiendo: La belleza y elegancia desparecen dando paso a la fealdad de la mujer que cose. Su gesto y su mirada, con los ojos asimétricos, reflejan la concentración y tensión que exige el momento. Braque: Se trata del otro gran nombre dentro de la pintura cubista. Siguió un proceso de investigación muy parecido al de Picasso y ambos llegaron a conclusiones similares. *Desnudo: Debe mucho a las “Señoritas de Avignon”. En él se comienzan a notar rasgos cubistas. *Paisaje de L´Estac: Busca un movimiento y agitación, creando una sensación de dinamismo contenido. *Bosque: Árboles que se curvan y tensan entre los que se abre un óvalo que nos deja ver unas casas amontonadas unas encima de otras. *Acueducto: Vemos el acueducto a través de unos árboles en primer término. Parece una vista muy serena aunque en el primer plano parece que se abre el ojo del huracán. *Puerto de Normandía: 1908-09. Barcos que se superponen. Grandes bloques de cemento en el espigón en el que vemos también la base de un faro. Todo se superpone dentro de una composición desequilibrada con un dominio de líneas oblicuas. *Puerto de Normandía: Mismo tema pero más figurativo que el anterior apareciendo lo atmosférico en el cielo que está nublado y agitado. *Paisaje con castillo: Imagen como torbellino helicoidal, casi de exaltación romántica. Al representar esta localidad, representa el viaje hacia ella (espacio y tiempo). Así vemos la experimentación de Braque en estos primeros momentos cubistas. *Bodegón con metrónomo y mandolina: 1909. Casi hermético. Aparece la pintura musical con la inclusión del metrónomo. El resto del cuadro son reminiscencias del metrónomo y la partitura. En la parte central aparece la mandolina reconstruida y analizada. Gana terreno la abstracción sobre la figuración.

*Bodegón con botella y manos: 1909-10. Mayor oscuridad que en los anteriores pero mayor equilibrio también. *Naturaleza muerta con vidrio y jarra: 1910. La fusión de la descomposición de los objetos con el fondo muestra la problemática de que ese fondo no existe previamente. Por ello debe ser reconstruido a través de referencias al lugar: un trozo de pared, la moldura del zócalo, las cortinas.. A partir de ahí todo lo demás no es lugar concreto y luego reconstruido sino todo lo contrario: un lugar que no existe y debe ser reconstruido. El cubismo está basado principalmente en el dialogo entre figuras y fondo y aunque ambos elementos se construyen de manera contraria, el resultado es un todo bien conjuntado. A partir del año 1910, el cubismo se ve cada vez más atraído por la figuración. Esto llevará al cubismo sintético en el cual los objetos que se muestran ya no proceden del mundo real. Volviendo a esta naturaleza muerta de Braque vemos algunas formas polisémicas como la espiral en que termina el violín. Esa espiral se relaciona con algunos instrumentos musicales como en este caso pero también con la arquitectura en concreto con la voluta del capitel jónico. A través de las formas fragmentadas, se construye perfectamente la figura del violín en el que destacan el verismo con el que se representan las eses o efes de la caja. Las cuerdas también tienen un valor polisémico pues aluden al pentagrama. El jarro está al igual que el violín perfectamente plasmado, captándose su volumen. *Mujer con mandolina: 1910. Aquí Braque utiliza un formato ovalado. Esto es un manifiesto que deja clara la voluntad apartarse del camino anterior de la pintura empezando por el espacio acotado en el que esta se desarrolla. También nos transmite que la pintura es infinita y no tiene un espacio fijo. Del cruce de las líneas verticales, horizontales... van surgiendo los puntos fundamentales que dan forma a la mujer. *Bodegón con botella y pescados: El apaisamiento del rectángulo nos permite imaginar perfectamente la mesa sobre la que se hallan los objetos. *Mujer: 1910. Aquí ya desemboca en la abstracción aunque reconocemos las formas por separado. En el fondo no hay líneas concretas lo que cada vez se distancia más de lo real. Es lo que ocurre también en las obras de Picasso de los años 1910-11, como el Acordeonista, el Poeta o el Hombre tocando mandolina, en los cuales es muy complicado distinguir objetos y figuras. El hermetismo al que ha llegado el cubismo se ve poco a poco invadido por elementos extremadamente figurativos. *Mesa: 1911. Braque. La mesa redonda abatible donde se sitúan una serie de objetos es un principio compositivo geométrico que sirve de base al cuadro. Sobre ese principio circular construye otro piramidal. En ese cuerpo piramidal distinguimos elementos del lenguaje musical como las notas, las efes, cuerdas y la cabeza del mástil del violín... Los rectángulos que observamos son fragmentos de hojas de papel que están dispersas por la mesa. Al cubista le interesan las características físicas del objeto y reflexiona sobre ellas.

*Clarinete y botella de ron: 1911. Identificamos rápidamente la forma descompuesta del clarinete a través de un cilindro taladrado. La botella de ron está sugerida por otro cilindro dentro del cual se lee: RHU (rhum). Igual que utiliza letras para sugerir la botella, las emplea también para escribir la palabra Valse, composición musical en la que el clarinete tiene un importante papel. Así encontramos una mezcla entre un leguaje sugerido y abstracto y un lenguaje claro y concreto como es la palabra escrita. *Hombre con Guitarra: 1911. Braque oscurece la escena, siendo muy difícil diferenciar entre figura y fondo. *Bodegón con silla de rejilla: 1912. Picasso. El cubismo ha dado aquí ya un gran salto: los objetos ya no parten de algo real reconstruido sino que están realmente en el cuadro como la cuerda que sirve de marco. La novedad empieza incluso por el formato pues la obra se construye sobre un óvalo colocado horizontalmente. El cordón que había aparecido como el elemento más tangible y visual de sus cuadros anteriores, aparece aquí ya de forma material, formando parte del vocabulario cubista y creando el marco de la obra. Es uno de los primeros “ensamblagges” de la historia del arte en el cual un objeto de la realidad material se ensambla a la obra formando parte de ella. El interior nos llama la atención primeramente por la palabra Jou, que alude a día pero también a Journale (periódico). En vez de poner el periódico entero tan solo pone tres letras de la palabra. Intercala entre las letras una pipa, que suele fumarse cuando se lee el diario. Debajo vemos la rejilla de una silla de café, pero no la ha recortado y pegado sino que la ha fotografiado e impreso sobre un trozo de hule. Alrededor está la verdadera pintura cubista que descompone una copa, un papel... Todo esto da como resultado una gran mezcla de lenguajes muy diversos. Por ello marca el punto de inflexión dentro del cubismo. -Cubismo Sintético: *Mesa y botella: 1912. Picasso. Una de las formas del ensamblaje es el collage. Aquí ya no sugiere el periódico poniendo letras sino que directamente recorta trozos del periódico y los pega en distintas posiciones. Hace lo mismo con el papel de las paredes y con la etiqueta de la botella de Suze. Utiliza la pintura en su forma más elemental: el carboncillo del boceto. El periódico es símbolo de la absoluta modernidad, de la constante renovación. Es un objeto que solo tiene verdadera validez durante un día. Ese concepto lo recoge Picasso puesto que la obra envejece y el pintor la ve envejecer. *Bodegón: 1912. Como año de transición que fue, el año 12 se mostró extraordinariamente rico. En este bodegón, de nuevo mantiene el formato ovalado. En la parte izquierda coloca un fragmento de un cartel con la leyenda: “Nuestro futuro está en el aire”, sobre la bandera francesa. Esta frase muestra el temor del pueblo francés ante la guerra del 14. Hace un juego conceptual con la palabra aire del cartel que situó al lado de un abanico. En la parte derecha aparece de nuevo la palabra Jou: Dia, periódico, futuro.

*Partitura de música y guitarra: La simplificación aquí es ya máxima, concentrándose el artista en unos pocos elementos a los que concede gran importancia. El collage tiene un equilibrio y serenidad que supone la consumación clásica del cubismo. Cuando quiere representar una partitura pega al cuadro una partitura real, produciéndose una metamorfosis de lo real a lo pictórico. La guitarra está construida a través de materiales que nada tienen que ver con el instrumento real: papel y pintura. Esta representada por sus cualidades fundamentales, por sus curvas cóncavas y convexas que se suceden sin solución de continuidad. Sus formas ocupan las líneas horizontales y verticales del cuadro. El equilibrio compositivo se puede comprobar en que si quitamos algo la obra queda coja. *Bodegón con botella, vaso y violín: 1912. Aquí ya no muestra la palabra Jou sino que recorta y pega la palabra entera: Journal. También usa el periódico para rellenar las formas de los objetos como la botella. El violín está captado de forma mínima, casi caricaturesca. *Au Bon Marche: 1913. El centro compositivo es un cartel de los almacenes parisinos Au Bon Marche, símbolo de la modernidad. Por detrás otro recorte, esta vez de los almacenes de la Samaritain. Al lado coloca una copa perteneciente al cubismo analítico para poner de manifiesto que su pintura va bastante por delante del diseño gráfico de la época. *Frutero y violín: A pesar de tratarse de una obra del cubismo sintético, mantiene algunos aspectos de analítico como la manera en que se construye la copa. En el frutero, en lugar de dibujar las frutas, las recorta de alguna lámina y las pega. *Botella y hombre con guitarra: 1913. La presencia del color es ya notable aunque el nivel de abstracción es altísimo. Tan solo identificamos sin duda la botella de Bass. *Mujer en un sillón: 1913. Hasta la fecha tan sólo se había fijado en el paisaje circundante: botellas, periódicos, pipas... sin ahondar para nada en el hombre y sus sentimientos. En este caso descompone de manera casi mordaz el cuerpo de la mujer, separando por un lado pestañas, costillas, pechos.... Plasma a través de un simple triángulo la cabeza pero se entretiene en la zona de la entrepierna representando las oquedades del sexo femenino. *Bodegón con La Cerba: Esta vez pega el nombre de la revista futurista italiana, encima de una mesa cuyas patas se acercan al diseño gráfico.