Andy Warhol Documento Para Comentar Las Diapos

En los años 50 en EEUU regía absolutamente la abstracción en el arte. No sólo en EEUU sino en toda Europa, salvo algún caso excepcional en Francia, la libertad artística se imponía como oposición al “realismo” socialista y comunista. En este contexto el Pop cayó como algo inesperado en el mundo del arte creando una gran conmoción. Obras como las de Jasper Johns venían a mostrar un nuevo concepto en el arte; pero todavía en estas se mantenía el espíritu del abstraccionismo a pesar de la aparición en los cuadros de algunos objetos ordinarios, pero a pesar de ello se mantenían alejados de la realidad ordinaria. El Pop, término introducido por el crítico ingles Lawrence Alloway, vino a cambiar el panorama ya que quería elevar a categoría artística los artículos del consumo de masas, las etiquetas, los símbolos de la industria del consumo, las formulas empleadas en los anuncios publicitarios, las historietas esquematizadas del cómic, los ídolos típicos del cine y el mundo de la música, los anuncios luminosos en los centros de las grandes ciudades , es decir, todo lo que representaba productos e ideologías que fuesen a ser consumidos de inmediato.

ANDY WARHOL 1928-1987 En 1960 Warhol empezó a dedicarse en serio a la pintura. Su eterna preocupación por apropiarse de la iconografía ya existente le indujo a retratar en sus obras viñetas de comics y motivos publicitarios. La inspiración también surgía de los recortes de prensa, las fotografías de fotomatón... Manipulaba las imágenes a través del proceso serigráfico, las ampliaba, repetía, solapaba. Las alteraba de forma estratégica, creando obras de gran originalidad, que al mismo tiempo remitían a las fuentes en las que se inspiraban. Con la serigrafía, Warhol revolucionó el concepto existente de autenticidad y cuestionó profundamente la importancia de la mano de obra del artista como ejecutora.

DIAPOSITIVAS JUDY GARLAND, 1956, COLLAGE BLOTTLED LINE Y PAN DE ORO, COLECCION BECHER, BREMEN BOTA DORADA DE ELVIS PRESLEY, 1956 , COLLAGE CON PAN DE ORO

En 1945, Warhola ingresa en el Instituto Carnegie de Tecnología, donde cursará estudios de diseño, recibiendo una formación artística muy poco convencional. El propio Warhola facilitó mucho la tarea de los biógrafos, documentando de forma obsesiva su propia existencia, con datos y fotografías producto de su personalidad narcisista, aunque desde muy joven siempre estuvo interesado en adoptar otra identidad. Durante las vacaciones de verano A. trabajaba en unos grandes almacenes decorando escaparates y es allí donde tomó contacto por primera vez con el mundo que sería su referente y donde él se movería: el mundo del consumo y la publicidad. Tras graduarse en el Instituto Carnegie, en el verano de 1949, se marcha con su amigo Philip Pearlstein a Nueva York, donde morirá definitivamente Andrew Warhola para que nazca Andy Warhol. Allí trabajará para revistas tan conocidas como Glamour, Vogue, Seventeen, The Newyorker Harper’s Bazaar y Tiffany & Co., como ilustrador comercial, lo que le proporcionará una buena estabilidad económica. En 1952, celebra su primera exposición individual en una galería de Nueva York, “Andy Warhol: cincuenta dibujos basados en los escritos de Truman Capote”. Es a partir de aquí cuando comienzan a hacerse sus sueños realidad y los premios se suceden. Fue Tina Fredericks, directora artística de la revista Glamour quien posiblemente contribuyó al primer éxito de W. ya que le manifestó que sus dibujos le gustaban pero que la revista sólo necesitaba en ese momento dibujos de zapatos y fue así como A.W. se presentó al día siguiente con 50 dibujos de zapatos que iniciaron su éxito. Hasta los años 60 los dibujos de zapatos fueron un motivo persistente en sus trabajos. En esta diapositiva, la bota de la Garlan representa a la persona, como así haría con la bota de Elvis o de otras muchas estrellas cinematográficas. Es una bota representada de perfil a modo de collage con pan de oro y con flores de lis. LECHÓN 1959 ACUARELA SOBRE PAPEL 44'5X28'6 HOT DOG, 1957 TÉCNICA DE LA LÍNEA ESBOZADA Y ACUARELA SOBRE PAPEL. La técnica de la línea esbozada, blotted line, que utiliza en estas obras que son ilustraciones para libros editados por él mismo y que su madre completó con textos aclaratorios, consiste en lo siguiente: trazar un dibujo con tinta china en una hoja poco permeable, aplicándolo luego, cuando todavía está húmedo, a una serie de hojas que se convierten así en “originales”. . Esto da como resultado un trazo grácil e interrumpido, cuyas irregularidades son fruto de la casualidad más que de la voluntad de su autor. Después de esto los dibujos se coloreaban con tonos pastel, rosa, fucsia, azul pálido, verde pistacho claro o naranja.

Es evidente que en un procedimiento de este tipo el concepto mismo de “original” se transforme radicalmente, sobre todo, porque el mismo Warhol hace que sean sus amigos los que pinten estos dibujos durante los coloring party que organiza en su casa. Esta técnica que era muy poco usual proporcionó a W. el modo de desvalorizar el concepto de original, que había sido uno de los fundamentos de la Hª del Arte hasta entonces. CERRAR LA CAJA ANTES DE ENCENDER PEPSI COLA 1962 ACRILICA SOBRE LIENZO, PAPEL DE LIJA,183X137 MUSEO LUDWIG COLONIA BRILLO-CAJA 1964 SERIGRAFÍA SOBRE MADERA 33X41X30 C. PARTICULARBRUSELAS BRILLO-CAJA 1964 SERIGRAFÍA SOBRE MADERA 44X43X35,5 C. PARTICULAR BRUSELAS CONJUNTO CAJAS DE BRILLO, DEL MONTE Y HEINZ 1964 SERIGRAFÍA SOBRE MADERA COLECC. PARTI. BRUSELAS DEL MONTE-CAJA 1964 ERIGRAFÍA SOBRE MADERA 24X41X30 COLECC.PARTIC. BRUSELAS BOTES DE SOPA CAMPBELL, 1968 PINTURA ACRÍLICA Y LIQUITEX SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 91,5X61 COL.LUDWIG AQUISGRAN W. había cosechado un gran triunfo en el ambiente del dibujo publicitario y era conocido en los ambientes más sofisticados, reconocido como cotizado publicista y coleccionista selecto, ya que en estos momentos previos al 64 ganaba mucho dinero, pero todavía no había conseguido la fama como artista. Su fama vendría cuando descubrió que su selección de objetos para pintar no era la que necesitaba para llegar a la fama. Los motivos que él pintaba eran excesivamente elegantes para que impactasen con los esnobs de los círculos culturales neoyorkinos, les faltaba fuerza y provocación y esto es lo que W. descubrió, por ello a partir de este momento abandonó los elegantes comercios de la Quinta Avenida y puso su atención en los supermercados de Queen, el Bronx, Brooklyn… es decir pasó de enriquecer el dibujo publicitario con formas del arte culto para enriquecer el arte culto con las fórmulas ópticas de la publicidad de masas. Los cómics, las etiquetas de botellas y latas, las fotografías de los medios de comunicación social y más tarde las fotografías tomadas por él mismo, se convirtieron en la base de su actividad artística.

En un principio continuó utilizando pincel y pintura y perfeccionando sus técnicas de impresión, pero ya en esta época empezó a sustituir las líneas onduladas del dibujo comercial por espesas pinceladas anchas y dio a los objetos zonas oscuras sombreadas. En los botes de sopa y en las botellas de Coca-Cola elige una pintura que no había utilizado nunca produciéndose una verdadera ruptura con lo que había utilizado anteriormente. Anchas pinceladas aplicadas con fluidez configuran los contornos de los objetos representados; las letras de las etiquetas y las impresiones están trabajadas con limpieza, los fondos aparecen frecuentemente sombreados; y los contrastes se acentúan con la contraposición del blanco y el negro. Hay en todo ello una intencionalidad antiestética. La elección de estas marcas no es arbitraria ya que el consumo masivo de estos productos lo dice todo de la forma de vida de una sociedad., pero lo que hizo W. fue llevarlos al escenario artístico, colgarlos en los museos haciendo de ellos los iconos de la cultura contemporánea. 129 MUERTOS (ACCIDENTE DE AVIACIÓN) 1962 PINTURA ACRÍLICA SOBRE LIENZO. 254,5X 182,5 CM 129 muertos, es la pintura que marca el inicio de una serie de obras que van a representar una nueva etapa en la historia del arte. La fotografía del accidente aparecida en el “New York Mirror” el 4 de junio del 62, inspiró a W. para la realización de este cuadro. A.W. proyectó sobre la pantalla la fotografía de prensa y la copió con medios pictóricos..W. suprimió algunos detalles y añadió otros como una nueva estrella en la parte izquierda superior. La técnica fue pintura acrílica sobre lienzo. A partir de aquí W. descubre su temática: la fotografía. Este soporte estaba muy mal visto en los medios artísticos y posiblemente este hecho interesó más a W. para llevar a cabo sus propósitos. No la utilizó como modelo sino como fragmento natural de la realidad que filtra la imagen de la misma y transforma la materia. W. en el cuadro 129 muertos no nos presenta la realidad ni directa ni espontáneamente, sino que se sirve de un vehículo intermedio entre la realidad y el observador: la fotografía de prensa. Al aparecer en un medio de comunicación por millones esta realidad ya no es la realidad visible y experimentable sino que se ha manipulado la observación. Esta es la realidad “de segunda mano” de las revistas, de la publicidad, del cine y de la televisión, que triunfa sobre la verdad empírica. En 129 muertos, W. convierte en una composición estética no el hecho de la muerte de estas personas, sino la propia composición estética aparecida en el periódico W. agudiza la conciencia del espectador para reconocer el carácter de segunda mano de toda experiencia de la realidad; de esta forma, la realidad, producida en masa y preparada para ser asimilada fácilmente, pierde su horror pudiendo ser apta para el consumo masivo. W. se convierte en un mudo observador del mundo.

PROPUESTA PARA PINTORES AFICIONADOS- FLORES 1962 Este cuadro marca un cambio de técnica. Presenta un bosquejo pintado sólo en parte pero con el formato de un mural, que el pintor aficionado puede completar según las instrucciones. El estudio de flores propuesto es esquemático y los colores responden a los típicos de la cultura industrial. Si todos los aprendices de pintor siguieran estas recomendaciones los resultados serían prácticamente idénticos. Esta idea es la que inspira a W.en el cuadro presentando una obra original pero degrada el exagerado concepto de originalidad en el arte contemporáneo casi hasta la desfiguración . Sus propuestas tendían a presentarse como un trabajo industrial, un trabajo en cadena. LAS DOS MARILYNS 1962 SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 55X65 N.Y ELVIS TRIPLE, 1964 SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 209X152 LIZ 1965 SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 106X106 N.Y Andy Warhol admiraba con verdadero fervor a las estrellas de cine y los escritores de su época de los que coleccionaba sus autógrafos. Una de las máximas de W. era “Ser famoso durante 15 minutos”. Él mismo encarna a la perfección el nuevo tipo de estrella. Fue inventor, realizador y actor en una sola persona. La sociedad americana veía a las estrellas como seres elevados y míticos donde podían proyectar toda una serie de ansias y deseos que no se pueden colmar en la vida real.W. comprendió mejor que nadie el funcionamiento del culto a la estrella, presentándose ante la sociedad como una aparición presente y ausente al mismo tiempo. Gracias a su aspecto exterior “dumb blond” fue identificado rápidamente con el movimiento pop. W. estaba en todos los acontecimientos y fiestas que se realizaban aunque le gustaba ser sustituido por dobles. Este juego no era descubierto la mayoría de las veces. A.W. utilizaba los medios de comunicación, “los documentales” y la prensa sensacionalista para crearse ese aura de estrella. Fue el auge de la televisión en los años 60 lo que impulsa su estrellato ya que es un medio donde se difumina la frontera entre realidad y fantasía. Marilyn Monroe,Elvis Presley y Elizabeth Taylor fueron los ídolos que W. utilizó en su arte. A pesar de sus diferencias hay algo que les une: Marilyn fue una niña maltratada, Elvis pasa de camionero a estrella del rok y Elizabeth fue una niña mimada por el cine y llegó a ser una de las actrices mejor pagadas en el mundo, pero los tres tienen una permanente tragedia en su vida: Marilyn intenta desesperadamente escapar del estereotipo de bomba sexual, Elvis tuvo depresiones constantes y Elizabeth siempre tuvo problemas de salud. Es

posible que W. se identificase con ellos. Tenemos que tener en cuenta que el lazo que une a los EEUU es el culto al éxito. Una fotografía de Marilyn Monroe, era para Andy Warhol un código visual que podía descifrarse en una síntesis gráfica: el cabello rubio, la mirada melancólica y los labios sugerentes, podían ser esquematizados en estructuras autónomas, que pintadas con tinta serigráfica de colores eléctricos, ofrecían una alternancia plástica al conocido rostro de la actriz de cine; es ella, pero no lo es, puesto que su icono ideal se sustituye en un proceso simplificador, para convertirse en un estereotipo, en un esquema de márgenes imprecisos y casi anónimos. A.W. dice esto de Marilyn ”Para mí la Monroe no es más que una persona entre muchas. Y por lo que respecta a la pregunta de si se trata de un acto simbólico pintarla con tales colores chillones, sólo puedo decir: creo que depende de la belleza y ella es hermosa, y si hay algo que sea hermoso, eso son los colores bonitos. Eso es todo. Así o de forma parecida funciona la história.”

Para entender con mayor precisión el valor trascendente de la imagen, en la obra de Andy Warhol, hay que tener en cuenta un factor de su vida no muy conocido pero sé esclarecedor, se consideraba un ferviente católico, y adoraba las imágenes religiosas. Eran fetiches protectores, donde los acólitos, con sólo mirar, podían recibir las bendiciones de la divinidad, de donde manaban todas las virtudes. Las interpretaba como simbólicas transmisoras de carisma. Su trabajo estaba mediatizado por la premisa del poder sugeridor de las imágenes y su capacidad canalizadora de energías, creencias e incluso la cultura de una sociedad que demanda nuevos mitos, dentro de un entorno de publicidad y consumismo. Andy Warhol utiliza la fotografía serigrafiada (testimonio de lo real, respeto por el momento, por el objeto), mediante la impresión seriada de un mismo tema con ligeras variantes de color. Descontextualizaba el sujeto y objeto representado en el cuadro. Desnaturalizado, creaba un fenómeno de obsolescencia de la imagen, anulando el carácter intrínseco de la misma, descargándola de su significación inmediata; “cuando vemos varias veces repetidas una fotografía macabra, termina por no hacernos ningún efecto”, sentenciaba Andy Warhol, para confirmar que las representaciones visuales, por muy duras o execrables o familiares que sean, pueden ser aceptadas si se desvirtúa su sentido primigenio al ser insertadas en otro contexto. SERIGRAFÍA: Procedimiento de arte gráfico basado en un método permeográfico de estampación. El artista interviene sobre una pantalla de seda, tejido sintético o malla metálica, obturando ciertas zonas de su trama. Dicha operación puede realizarse de forma manual aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película o plantilla recortada, pero también existen sistemas de obturación fotomecánicos previa sensibilización de la pantalla. Esta preparación de la matriz de impresión constituye la fase más delicada del trabajo del artista

serígrafo y su resultado se traduce en la existencia de superficies tapadas correspondientes a los blancos de la estampa, junto con otras abiertas o zonas de imagen. Para estampar se esparce tinta líquida sobre el tamiz de la pantalla mediante una rasqueta, tinta que pasará al papel sólo por las partes no obturadas. Como puede observarse por esta descripción la diferencia fundamental de la serigrafía respecto a otras técnicas de arte gráfico es que en ellas la imagen se trasfiere mediante la matriz de estampación a la estampa por presión, mientras que aquí se genera a través de una pantalla por filtración. Esta diferencia explica la distinta cantidad de tinta depositada sobre el papel en uno y otros procedimientos y permite entender porqué las superficies de color son tan compactas, sólidas y homogéneas en las estampas serigráficas. El método esencial de los sistemas de impresión permeográficos se conoce desde antiguo en las culturas orientales; no obstante, el antecedente más directo de la serigrafía se encuentra en el estarcido con plantillas de comienzos del s. XX. Su definitiva incorporación a la esfera de la estampa artística es, en efecto, muy reciente. En la década de los años sesenta los artistas más representativos del arte Pop americano reivindicaron este procedimiento capaz de adaptarse a su imaginería de consumo arrancada a la cultura popular a través de los medios de masas. Javier Blas (dir.), Ascensión Ciruelos y Clemente Barrena, "Diccionario del dibujo y la estampa: vocabulario y tesauro sobre las artes del dibujo, grabado, litografía y serigrafía". Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Calcografía Nacional, Madrid, 1996.

TEMAS DE MUERTE LAS DOS MARILYNS 1962 SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 55X65 N.Y MARILYN 1964 SERIGRAFIA SOBRE LIENZO 101,6X101,6 ZURICH DESASTRE DEL ATÚN 1963. PINTURA DE POLÍMERO SINTÉTICO Y SERIGRAFÍA SOBRE LIENZO. EL HOMBRE MÁS BUSCADO Nº 11 JOHN JOSEPH H. 1963 PINTURA ACRÍLICA Y LIQUITEX SOBRE LIENZO SERIGRÁFA 122X101,5 FRANCFORT CUATRO JACKIES,1964 SERIGRAFIA 102X81 JACKIE III 1966 SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL 101,6X76,2

SILLA ELECTRICA 1967 PINTURA ACRÍLICA Y SERIGRAFÍA SOBRE LIENZO 17X185 COLCC ROPAC SALZBURGO… “Me he dado cuenta de que todo lo que hago tiene que ver con la muerte” A. Warhol. La temática de la muerte la inicia con la obra 129 muertos y a partir de ese momento va a estar muy presente en su trabajo. Los motivos que eligió para estas obras (los de las sillas eléctricas, las catástrofes, los accidentes, las intoxicaciones, un grupo de mujeres murió por una intoxicación alimentaria,…) muestran, en cierta manera, la otra cara del “feliz modo de vida americano” que representó en los cuadros donde mostraba el lujo y el consumo. Andy Warhol escogió a Marilyn Monroe como modelo de su arte cuando ésta ya había desaparecido, la incluyó en su temática de muerte porque consideraba que la actriz no murió de forma totalmente voluntaria. Marilyn junto con Bogart fue la única estrella cinematográfica cuya fama póstuma fue superior a su popularidad en vida. A esto influyó W. con su aportación. Los estudios actuales parecen apoyar la hipótesis de que W. escogió a Marilyn no por considerarla un icono sexual sino por la leyenda que se había creado alrededor de ella y que W. intuyó que esa historia era del gusto de la época. La crítica del consumismo que hace W. también tiene que ver, en cierto sentido, con la intención de la publicidad de ocultar la angustia vital de los desahogados ciudadanos americanos de finales del XX. Cuanto más entramos en la vorágine consumista, más reprimimos la conciencia de la propia mortalidad. La cosmética, el lujo, la sensualidad, prometen la vida y la belleza eternas. Marilyn sobrevive como el icono de la esperanza en la eterna juventud, y es posible que esta imagen fuera uno de los motivos de la angustia que le llevó al suicidio. También el hecho de que W. tuviera que enfrentarse a la muerte después de que en el 68, 3 de junio, una feminista perturbada mental, le disparase un tiro, le influyó en su forma de ver la vida y de percibir las imágenes que utilizaría, a partir de este momento, como motivos de sus obras. Los retratos de “Los trece hombres más buscados” se basan en fotografías de la policía, del FBI de los archivos de ingresos en prisión de los delincuentes. El arquitecto Philip Johnson, con motivo de la Exposición Universal de Nueva York de 1964, encargó a W. que diseñase un gran mural en su Pabellón New Yorker State y A.W. utilizando viejas fotografías, hizo una composición con el rostro de 13 criminales y las colocó sobre placas cuadradas de esmalte. El mural de 36 m. fue situado en el exterior del pabellón. Este mural provocó una gran indignación entre los ciudadanos ya que la mayoría de los delincuentes eran italianos y ya no estaban en busca por la policía. W. recubrió finalmente los cuadros con pintura plateada. Más tarde retomó el tema con una serie de lienzos en los que se acentuó la retícula de puntos que alude al material originario producido por impresión rotativa.

Estos trabajos junto con los de Marilyn abren una puerta al retrato que W. utilizó de forma magistral ya que era en ellos donde él podía ver las corrientes sociales subterráneas. El retrato de Jackie Kennedy llorando frente al féretro de su marido, había conmocionado al mundo de los medios de comunicación quizá más que el propio atentado. Al menos cinco tomas fotográficas le sirvieron a W. como modelo. Jackie representaba la esperanza en la simbiosis entre la política y la cultura, pero su imagen llorosa puso fin al ambiente de cambio que se había vivido en EEUU durante la Era Kenedy. En estos montajes W. utilizó casi siempre un único motivo fotográfico y, dividiendo la superficie pictórica en diversas zonas, o bien lo había repetido continuamente o lo había enfrentado en una gran zona monocroma. Es como si el tiempo se parase y quedase fijado el instante de forma indefinida. . El retrato de Jakie a cuatro partes sonriendo y llorando ilustra con que facilidad puede cambiar la suerte. En la Constitución americana se contempla el derecho a la felicidad, pero W. desvaloriza lo exclusivo, tanto los momentos de felicidad como los de horror, mediante una repetición interminable. FLORES 1970, CARPETA CON 10 SERIGRAFIAS

En 1964 se produjo su primera exposición individual para la cual eligió el tema de las flores que ya había mostrado en Paris. W. había descubierto el cuadro en un catálogo de botánica y realizó con él una serigrafía. Una mujer reconoció la imagen de sus amapolas y interpuso una demanda a W. para recibir una indemnización económica por su utilización cuya resolución tardó años. En esta obra se muestra como cualquier cosa es digna de ser representada pero con la polémica se plantea un tema nuevo: la fotografía hecha por una amater no tenía ningún valor, pero al ser manipulada y presentada por un famoso, su valor cambia convirtiéndose en arte. MAO 1972 PINTURA ACRÍLICA SERIGRAFÍA Y ÓLEO SOBRE LIENZO 208X157 THOMAS AMMANN ZURICH