152009147-libro-de-fundamentos-del-diseno-grafico.pdf

l. m. n. o. p. q.

El
color
violeta
 El
color
un
elemento
expresivo
 Escalas
de
los
colores.
 Modos
y
modelos
de
color.
 Modelo
de
color
Swedish
Color
System
NCS
 Modo
de
color
RGB



 4.

La
tipografía
y
su
evolución
 a. Concepto
de
tipografía,
familia
y
fuentes
tipográficas.
 b. Formas
de
una
terminal:
Serif
o
serifas
 c. Clasificación
de
las
familias
tipográficas
 d. Tipografías
Romanas
de
transición.
 e. Tipografía
Egipcia.
 f. Clasificaciones
 de
 las
 sans
 serif:
 Grotescas,
 geométricas
 y
 humanísticas
 g. Geométricas
o
de
palo
seco
 h. Las
inglesas
o
manuscritas.
 i. La
rotulación
como
medio
de
comunicación
 j. Tipografías
más
usuales
para
rotulación
 k. Variables
visuales:
definición,
orientación
y
tamaño
 l. Un
tipo
de
letra
para
cada
cuerpo
de
texto
 m. La
alineación
del
Texto
 n. Kern
y
el
track.
 o. El
color
en
la
tipografía
y
en
la
elección
del
tipo
 p. La
cuadrícula
 q. Tipografía
digital
 r. ¿Qué
es
una
fuente
digital?


5.

•
Técnicas
de
composición
 a. La
composición,
el
concepto
 b. La
escala
 c. El
equilibrio
en
una
composición
 d. El
equilibrio
simétrico
 e. El
contraste
de
tono
 f. El
contraste
de
escala


6.

Diseño
Publicitario
 a. Diseño
publicitario:
Las
tendencias
 b. Clases
de
diseño
publicitario
 c. Diseño
de
folletos
y
flyers
publicitarios
 d. El
cartel
publicitario
 e. Publicidad
exterior
 f. Packaging
igual
a
comunicación
 g. El
envase
y
el
mercado
 h. El
diseño
de
logotipos
 i. Contenidos
visuales:
Los
anuncios








2

j. k.

La
semiología:
publicidad
 Las
fases
de
un
anuncio
publicitario



 7.

8.

Identidad
Corporativa
 a. El
comienzo
del
diseño
coorporativo
 b. Criterios
para
crear
un
diseño
coorporativo
 c. La
cultura
coorporativa
y
sus
aspectos
 d. El
diseño
del
producto:
Estrategias
colectivas
 e. Interiorismo
y
la
arquitectura
coorporativa
 f. Crear
una
identidad
coorporativa
 g. Comunicación
externa:
La
marca
 
Maquetación
 a. Definir
el
documento
 b. Clases
de
retículas
 c. Maqueta
base,
o
página
maestra.
 d. Distribución
texto
y
las
imágenes
 e. El
cuerpo
del
texto
 f. Diferentes
clases
de
formatos
 g. Las
tabulaciones
del
texto



 9.

Fotomecánica
e
impresión
 a. Sistemas
de
Impresión
 b. Tecnicas
de
impresión
 c. Escaneado
de
originales
 d. Digitalización:
Profundidad
bit
por
píxel
 e. El
escáner
 f. Definición
y
carácteristicas
de
los
tipos
de
escáneres.
 g. El
escáner
de
Tambor
 h. Filmación,
los
fotolitos
 i. Tipos
de
tintas
 j. Gama
de
tonos
Pantone
 k. Resolución
 l. La
rotativa
 m. La
tipografía
 n. El
huecograbado
 o. Flexografía
 p. La
serigrafía
 q. El
grabado
y
el
transfer



 
 
 
 
 
 
 


3

Fundamentos del diseño En
 este
 apartado
 vamos
 a
 empezar
 a
 conocer,
 la
 de
 definición
 de
 diseño,
 los
 campos
en
los
que
se
aplica,
donde
se
encuentra
el
diseño,
el
arte
ligado
al
diseño,
 etc.
 
 El
diseño
gráfico
no
significa
hacer
un
dibujo
o,
una
imagen
o
crear
una
fotografía.
 Significa
 mucho
 más
 que
 todos
 esos
 elementos,
 aunque
 para
 poder
 conseguir
 poder
 comunicar
 y
 transmitir
 visualmente
 un
 mensaje
 de
 forma
 efectiva,
 el
 diseñador
debe
conocer
los
diferentes
recursos
gráficos
de
los
que
dispone,
junto
 con
 la
 imaginación,
 experiencia,
 buen
 gusto
 y
 el
 sentido
 común
 necesarios
 para
 combinarlos
de
forma
correcta
y
adecuada.
 


Definición de diseño 
 Definimos
el
diseño,
como
un
proceso
o
labor
a
,
proyectar,
coordinar,
seleccionar
 y
 organizar
 un
 conjunto
 de
 elementos
 para
 producir
 y
 crear
 objetos
 visuales
 destinados
a
comunicar
mensajes
específicos
a
grupos
determinados.



 
 El
 conjunto
 de
 elementos
 que
 implican
 la
 creación
 de
 un
 diseño,
 se
 relacionan
 como:
 Traza,
delineción
de
un
edificio
o
de
una
figura.
 Descripción
de
un
objeto
o
cosa,
hecho
con
las
palabras.
 Disposición
 de
 manchas,
 colores
 o
 dibujos
 que
 caracterizan
 exteriormente
 a
 diversos
animales
y
plantas.
 Proyecto
y
plan,
diseño
urbanístico.


4

Concepción
 original
 de
 un
 objeto
 u
 obra
 destinados
 a
 la
 producción
 en
 serie,
 dentro
del
mundo
de
la
moda,
industrial.
 La
Forma
de
cada
uno
de
estos
objetos.
 Un
 diseño,
 es
 una
 pieza
 con
 un
 cierto
 atractivo
 visual,
 con
 personalidad
 y
 de
 un
 gran
equilibrio
estético.
 
 Ámbitos
de
aplicación
 El
diseño
se
aplica,
en
todos
los
ámbitos
y
se
encuentra
por
todas
partes.
Dentro
 del
 mundo
 digital,
 en
 toda
 la
 red,
 internet
 (
 la
 web).
 Diseños
 de
 todo
 el
 mundo
 publicitario,
 revistas,
 periódicos,
 libros,
 manuales
 (diseño
 y
 maquetación).
 Encontramos
 diseño
 en
 nuestro
 mobiliario,
 una
 silla,
 un
 mueble...
 (
 diseño
 industrial
 y
 ergonomia).
 Divisamos
 el
 diseño
 en
 el
 mundo
 multimedia,
 el
 cine,
 televisión,
videos,
musicales,
trailers,
y
demás
efectos
especiales.
 Las
 posibilidades
 del
 diseño
 gráfico,
 son
 infinitas,
 ya
 que
 cada
 vez
 son
 más
 los
 campos
en
los
que
se
emplean
elementos
creados
a
través
del
ordenador.
 
 El
diseño
se
podría
dividir
en
tres
grupos
principales:
 
 La
edición,
diseño
de
todo
tipo
de
libros,
periódicos,
y
revistas.
 La
publicidad,
diseño
de
carteles
publicitarios,
anuncios,
folletos.
 La
identidad,
diseño
de
una
imagen
corporativa
de
una
empresa.
 


Arte y diseño: Elementos básicos de comunicación  Diseñar
se
puede
considerar
un
arte,
pero
no
es
del
todo
exacto.
Un
diseño
puede
 reunir
unas
ciertas
pautas
estéticas
como
para
considerarlas
obras
de
arte.
En
los
 museos
de
arte
moderno,
pueden
verse
carteles
enre
pinturas
o
dibujos
artísticos,
 y
 otros
 objetos
 que
 se
 crearon
 para
 una
 función
 especial
 y
 específica,
 en
 las
 que
 puedan
incluir
el
arte
en
sí.
 
 La
 belleza
 de
 un
 diseño
 puede
 superar
 en
 muchas
 ocaciones,
 cualquier
 obra
 de
 Arte,
 por
 muy
 preciada
 que
 ésta
 sea,
 siempre
 que
 siga
 los
 tres
 elementos
 básicos
 de
 comunicación:
 
 Un
método
para
diseñar,
un
objetivo
 que
 comunicar
 y
 por
 último
 un
 campo
visual.
 
 Elementos
básicos
del
diseñador
 Los
 elementos
 básicos
 que
 debe
 dominar
 y
 tener
 en
 cuenta
 dentro
 de
 cualquier
 diseño:
 


5

Lenguaje
 Visual:
 Saber
 comunicar
 el
 mensaje
 adecuado,
 con
 los
 recursos
 oportunos,
 dependiendo
 del
 grupo
 de
 personas
 o
 público
 al
 que
 vaya
 dirigido
 el
 mensaje.
 
 Comunicación:
 Conocer
 los
 procesos
 de
 comunicación,
 para
 poder
 captar
 los
 mensajes
que
el
diseño
ha
de
comunicar.
 
 Percepción
 Visual:
 Estar
 informados,
 la
 manera
 en
 que
 las
 personas
 vemos
 y
 percibimos
lo
que
vemos.
Aspectos
tan
importantes,
como
nuestro
campo
visual,
el
 recorrido
de
la
vista,
el
contraste,
la
percepción
de
las
figuras,
fondos,
trayectoria
 de
la
luz.
 
 Administración
 de
 recursos:
 Conocer
 todos
 los
 recursos
 de
 los
 que
 se
 dispone,
 y
 aplicarlos
lo
mejor
posible.
 
 
 


Estilos y tendencias en el diseño 


 En
 todo
 proceso
 de
 diseño,
 el
 diseñador
 utiliza
 toda
 la
 información
 posible,
 retenida
en
su
memoria,
para
realizar
su
creación.
Una
serie
de
imágenes,
signos
y


6

demas
recursos
comunicativos
son
asociados
y
entrelazados
entre
sí
dando
lugar
al
 diseño.
 
 Las
 tendencias,
 son
 una
 serie
 de
 grupos
 de
 un
 cierto
 estilo,
 estilísticos,
 que
 el
 diseño
en
si
va
adoptando.
Se
encuentran
en
contínua
evolución
y
marcan
el
estilo
 de
los
diseños
y
futuras
creaciones.
Ahí,
entra
a
formar
parte
el
estilo,
como
forma
 de
actuar,
dando
el
toque
personal
al
proyecto
en
curso.
 


El minimalismo: menos es más   


 
 Definimos
 el
 minimalismo,
 como
 una
 tendencia
 surgida
 en
 Estados
 Unidos,
 en
 la
 década
de
los
cincuenta.
El
minimalismo
es
la
sencillez
en
su
máximo
esplendor.
 
 Este
movimiento
marcó
profundamente
a
las
bases
de
creatividad
de
arquitectos,
 escultores,
pintores
y
demás
diseñadores,
incluso
a
los
músicos
a
lo
largo
del
siglo
 XIX.
 
 Esta
 tendencia
 se
 utiliza
 muy
 a
 menudo
 en
 el
 diseño,
 ya
 que
 reduce
 el
 ruido,
 los
 elementos
 innecesarios,
 dejando
 lo
 importante
 y
 fundamental
 del
 diseño
 que
 se
 quiere
representar.
 
 
 
 


7

Formas básicas de composición: El signo 
 El
signo,
es
un
objeto
y
acción
que
representa
y
 sustituye
 a
 otro
 objeto,
 fenómeno
 o
 señal.
 Del
 uso
 del
 signo
 surge
 la
 semiótica,
 (
 del
 griego
 "semion"),
como
doctrina
que
estudia
las
reglas
 que
 gobiernan
 la
 proudcción,
 transmisión
 e
 interpretación
de
estos
símbolos.
 
 Podemos
 describir
 la
 comunicación
 entre
 los
 humanos,
 como
 una
 forma
 e
 intercambio
 de
 transferir
 mensajes,
 la
 única
 forma
 de
 hacerlo
 es
 por
 medio
 del
 uso
 de
 signos,
 tales
 como:
 el
 que
 se
 emite
 a
 través
 del
 habla,
 letras,
 números,
fotografías,
etc.
 
 Los
 signos,
 son
 el
 medio
 a
 través
 del
 cual
 se
 hace
 posible
 la
 transmisión
 de
 los
 pensamientos,
 significados
 e
 ideas.
 Se
 extrae
 de
 ellos
 lo
 que
 hace
 posible,
 una
 situación
sígnica,
la
comunicación
entre
dos
o
más
personas.
 


Clasificación de los signos: Indicativos 


 Los
signos
pueden
ser,
naturales
y
artificiales
 
 La
primera
gran
división
corresponde
a
los
signos
naturales
que
se
diferencian
de
 los
signos
artificiales.
El
rasgo
diferencial
entre
ellos
es
la
no
participación
directa
 del
hombre
en
la
creación
de
estos
signos
(naturales)
y
la
participación
directa
en
la


8

creación
 de
 dichos
 signos
 (artificiales).
 En
 ambos
 casos
 el
 hombre
 lo
 interpreta,
 pero
no
siempre
los
crea,
ya
sea
como
actividad
consciente
o
inconsciente.
 
 Los
signos
naturales
reciben
también
la
denominación
de
indicaciones
o
índices.
Así
 el
 humo
 como
 indicio
 de
 que
 hay
 fuego,
 las
 nubes
 como
 indicio
 de
 lluvia,
 las
 arrugas
 de
 la
 cara
 como
 síntomas
 de
 envejecimiento,
etc. 
 
 Signos
simbólicos
 El
 lazo
 negro,
 simbología
 de
 luto
 Signos
 lingüísticos
y
no
lingüísticos
 
 Los
 signos
 artificiales
 se
 dividen
 a
 su
 vez
 en
 lingüísticos
 y
 no
 lingüísticos,
 incluyendo
 entre
 los
 primeros
 los
 sistemas
 verbales
 (los
 que
 sustituyen
 a
 partir
 de
 ellos:
 escritura,
 morse,
 braille,
 etc.)
 de
 carácter
 natural
 o
 tradicional,
 (
 las
lenguas
o
idiomas).
 
 Los
no
lingüísticos
o
signos
,
se
oponen
a
 los
 verbales
 (base
 de
 todo
 el
 proceso
 de
 la
 comunicación
 humana),
 se
 dividen
 en,
 señales,
 símbolos
 e
 iconos.
 Los
 primeros
 influyen,
según
la
teoría
de
Schaf,
de
una
forma
o
de
otra
sobre
la
voluntad
de
los
 individuos
mientras
que
los
otros
sólo
actúan
de
forma
inmediata.
 
 Reznikov
 define,
 que
 todos
 los
 signos
 son
 fenómenos
 materiales
 que
 actúan
 directamente
sobre
los
órganos
de
los
sentidos.
El
disparo
de
un
cohete
como
señal
 de
 ataque
 o
 el
 humo
 de
 una
 montaña,
 significa
 un
 incendio.
 Los
 símbolos
 se
 diferencian,
de
los
signos
icónicos
por
tres
características:
 Son
objetos
materiales
que
representan
ideas
abstractas.
 Funcionan
por
alegorías
o
metáforas,
y
van
dirigidos
a
los
sentidos.
 
 Su
representación
ha
de
tener
un
cierto
significado
para
que
puedan
interpretarse
 bien.
Ejemplos
de
símbolos
son
(la
Cruz)
que
representa
al
Cristianismo
o
el
de
un
 centro
sanitario
(a
Media
Luna)
que
presenta
al
Islamismo
 
 
 


Los signos icónicos  Funcionan
de
acuerdo
con
el
principio
de
semejanza
y
en
él
pueden
incluirse
toda
 clase
de
imágenes,
dibujos,
pinturas,
fotografías
o
esculturas.
 


9

Peirce
los
definía
como
signos
que
tienen
cierta
semejanza
con
el
objeto
a
que
se
 refieren.
 Así,
 el
 retrato
 de
 una
 persona
 o
 un
 diagrama
 son
 signos
 icónicos
 por
 reproducir
la
forma
de
las
relaciones
reales
a
que
se
refieren.
 
 Definición
que
ha
tenido
aceptación,
gracias
a
 la
 difusión
 hecha
 por
 su
 discípulo
 Morris,
 quien
señaló
además
que
el
signo
icónico
tenía
 algunas
 de
 las
 propiedades
 del
 objeto
 representado,
es
decir,
de
su
denotado.
 
 Sin
 embargo,
 si
 se
 observa
 una
 imagen
 publicitaria,
 no
 siempre
 se
 representan
 todas
 las
propiedades,
ya
que
muchas
de
ellas
están
 simplemente
sugeridas
a
través
de
otras.
 El
signo
icónico
reproduce
algunas
condiciones
 de
 la
 recepción
 del
 objeto,
 seleccionadas
 por
 un
código
visual
y
anotadas
a
través
de
convenciones
gráficas.
 
 Los
signos
icónicos,
ofrecen
al
receptor
real
con
toda
la
naturalidad
de
cada
uno
de
 ellos
representándose
a
sí
mismos.
No
poseen
las
propiedades
de
la
realidad,
sino
 que
transcriben,
según
cierto
código
de
reconocimiento,
algunas
condiciones
de
la
 experiencia.
 Cuatro
 características
 tienen
 los
 signos
 icónicos:
 ser
 naturales,
 convencionales,
analógicos
y
de
estructura
digital.
 


Clasificación de los signos.  El
receptor
es
la
persona
a
la
que
va
destinado
el
signo.
Así
que
el
medio
a
través
 del
cual
se
ha
de
interpretar
este
el
signo,
ha
de
encontrarse
familiarizado
con
el.
Si
 el
 receptor
 no
 conoce
 el
 símbolo
 que
 el
 transmisor
 está
 ejercitando,
 difícilmente
 podrá
comprender
el
mensaje
del
signo,
propiamente
dicho.
 
 Para
 que
 pueda
 comprenderse
 un
 mensaje,
 emitido
 a
 través
 de
 un
 signo
 deben
 incluirse
tres
aspectos:
Los
sintácticos,
semánticos
y
pragmáticos.
 
 Sintácticos:
Estudian
el
singo
según
la
forma
percibida.
 Semánticos:
Estudian
la
forma
en
que
el
significado
se
encuentra
conectado
con
el
 significador,
la
relación
entre
la
forma
y
lo
que
significa
la
forma.
 Pragmáticos:
Por
su
utilización
e
uso,
el
resultado
de
estos,
los
efectos
del
mismo.
 


10

Triángulo semántico 


 



 


Elementos básicos: la línea 


 
 Se
 encuentra
 formada
 por
 una
 serie
 de
 puntos
 unidos
 entre
 sí,
 sucesivamente,
 asimilando
la
trayectoria
de
la
misma,
seguida
por
un
punto
en
movimiento,
por
lo


11

que
tiene
mucha
energía
y
dinamismo.
Su
presencia
crea
tensión
y
afecta
al
resto
 de
elementos
juntos
a
ella.
 
 El
 primer
 elemento
 del
 diseño
 es
 línea.
 Las
 líneas
 se
 pueden
 utilizar
 de
 muchas
 maneras
y
según
su
disposición:
 Ayudan
a
organizar
la
información.
 Pueden
dirigir
el
ojo
de
sus
lectores
en
cuanto
a
la
organización
de
la
disposición.
 Pueden
crear
humor
y
el
ritmo
de
un
movimiento.
 
 Por
ejemplo,
las
líneas
pueden
organizar
la
información
y
los
límites
en
una
página.
 Las
 lineas
 verticales
 u
 horizontales
 se
 pueden
 también
 utilizar
 para
 dirigir
 a
 sus
 lectores
de
una
sola
pieza,
la
información
a
otros.


Cebras por Victor Vasarely 




La forma  Por
su
trazo
las
líneas
pueden:
 
 Transporte
un
humor
o
una
emoción.
 Organizar
un
diseño.
 Establece
las
columnas
del
texto.
 Crear
una
textura.
 Crear
el
movimiento.
 Definir
una
forma.
 Llamar
la
atención
a
una
palabra.
 Conectar
 trozos
 de
 información
 en
 su
 disposición.Capítular
 una
 imagen
 o
 una
 palabra.
 


12

Las formas: definición.  La
 forma
 de
 los
 objetos
 y
 cosas,
 comunican
 ideas
 por
 ellos
 mismos,
 llaman
 la
 atención
 del
 receptor
 dependiendo
 de
 la
 forma
 elegida.
 Es
 un
 elemento
 esencial
 para
un
buen
diseño.
 
 Forma
es
cualquier
elemento
que
utilicemos
 para
dar
o
determinar
la
forma.
 
 Un
ejemplo
marcado
por
una
forma
sería
el
 de
 una
 compañía
 internacional
 utilice,
 un
 círculo
en
su
insignia
sugiriendo
la
tierra.
Las
 formas
inusuales
atraen
la
atención.
Porque
 utilizan
a
la
gente
a
ver
formas
regulares
de
 las
 imágenes,
 como
 un
 rectángulo,
 usando
 una
forma
tal
estrella
llamaría
la
atención
a
 esa
imagen.
Otro
ejemplo
estaría
arreglando
 mecanografía
 adentro
 una
 forma
 más
 bien
 que
en
columnas
verticales.
 


Disposición de las formas.  Hay
 tres
 maneras
 de
 que
 la
 forma
 realce
 su
 disposición.
 Primero,
 la
 forma
 ayuda
 a
 sostener
 interés
 del
 lector.
 Las
 formas
 se
 pueden
 utilizar
 para
 romper
 hacia
 arriba
 una
 página
 que
 contenga
 mucho
 texto.
 En
 segundo
 lugar,
 la
 forma
 se
 utiliza
 para
 organizar
 y
 para
 separarse.
 Una
 parte
 del
 texto
 se
 puede
 poner
 en
 una
 forma
 con
 un
 fondo
 colorido
 y
 agregará
 variedad
 a
 la
 página.
 Podemos
 utilizar
 la
 forma
 para
 conducir
el
ojo
del
lector
con
el
diseño.
 
 Según
las
disposiciones,
el
ojo
busca
un
lugar
para
comenzar
y
seguir
con
el
diseño
 al
extremo.
La
forma
puede
ayudarle
a
guardar
la
atención
de
éste.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


13

La textura como elemento básico El
tercer
elemento
básico,
es
la
textura,
aporta
al
diseño
diseño,
una
mirada
o
una
 sensación,
 o
 una
 superficie.
 Diariamente
 encontramos
 gran
 variedad
 de
 texturas,
 por
todo
el
entorno
que
nos
rodea.
La
textura
ayuda
a
crear
un
humor
particular
 para
una
disposición
o
para
otras
en
formas
individuales.
 
 La
 textura,
 permite
 crear
 una
 adptación
 personalizada
 de
 la
 realidad
 añadiendo
 dimensión
y
riqueza
al
diseño.
 Exiten
dos
tipos
de
textura:
Táctil
y
visual.
 


Textura táctil y visual  Textura
 táctil:
 Por
 ejemplo
 la
 de
 una
 superfície
 rugosa,
 con
 relieve
 o
 la
 de
 otra
 más
 fina
 como
 la
 de
 un
 papel,
 o
 la
 suavidad
 del
 terciopelo.
 Són
 todas
 aquellas
 perceptibles
al
tacto.
 
 Textura
 Visual:
 Aquellas
 texturas
 impresas
 que
 se
 parecen
 a
 la
 realidad,
 como
 la
 arena,
 las
 piedras,
rocas.
Entre
esta
clase
de
 textura,
 pueden
 surgir
 texturas
 que
realmente
existen
y
otras
que
són
irreales.
 


Textura mosaico o patrón  Un
 patrón
 o
 mosaico,
 sería
 un
 tipo
 de
 textura
 visual.
Cuando
una
imagen
o
una
línea
del
tipo
que
 sea,
se
repite
muchas,
acaba
creando
una
textura
 visual.
 
 Un
 ejemplo
 de
 ello
 serían
 los
 patrones
 de
 luces,
 que
 en
 de
 la
 oscuridad
 agregan
 dimensión
 a
 una
 superficie.
 
 El
papel
que
se
envuelve,
es
un
buen
ejemplo
del
 patrón.
Los
patrones
pueden
hacer
fondos.
 


14

Espacio y formato El
 espacio
 se
 puede
 condiderar
 como
 el
 cuarto
 elemento
fundamental
del
diseño.
 
 Definición
de
espacio:
Es
la
distancia
o
el
área
entre
o
 alrededor
 de
 las
 cosas.
 Cuando
 se
 está
 diseñando,
 debemos
 pensar
 donde
 vamos
 a
 colocar
 todos
 los
 elementos
y
a
que
distancia
unos
de
los
otros.
El
tipo
 de
imágenes
que
colocaremos,
la
dimensión
de
éstas,
 el
texto
y
lo
que
habrá
alrededor
de
ellas,
etc.
 
 Las
diferentes
tonalidades
que
emplearan
los
elementos
y
las
formas,
sirven
para
 crear
 relaciones
 espaciales
 y
 focales,
 de
 gran
 interés
 para
 el
 receptor.
 Se
 pueden
 llegar
 a
 conseguir
 efectos
 muy
 variados
 y
 especiales
 dependiendo
 de
 como
 se
 combinen,
estos.
Por
ejemplo
si
usamos
bastante
espacio
en
blanco,
se
produce
un
 descanso
 para
 el
 ojo.
 Si
 dejamos
 mucho
 espacio
 en
 blanco,
 alrededor
 de
 algun
 objeto,
 palabra
 o
 imagen,
 estamos
 haciendo
 que
 destaque
 del
 resto
 de
 la
 composición.
 


Efectos que produce el espacio  Efectos
que
nos
produce
el
espacio,
dentro
de
nuestro
campo
visual:
 
 Al
utilizar
espacio
en
blanco
en
una
composición,
el
ojo
descansa.
 Utilizando
una
pequeña
cantidad
de
espacio
creamos
lazos
entre
los
elementos.
 Lograremos
 una
 mayor
 profundidad
 a
 nuestro
 diseño,
 si
 superponemos
 un
 elemento
con
otro.
 Si
 utilizamos
 mucho
 espacio
 en
 blanco,
 alrededor
 de
 un
 objeto,
 imagen
 o
 texto,
 conseguiremos
que
sobresalga
y
destaque
del
resto
de
la
composición.
 Los
grandes
márgenes,
ayudan
a
seguir
un
diseño
una
de
forma
más
fácil.
 Si
utilizamos
un
espaciamiento
desigual
entre
los
elementos,
crearemos
una
página
 dinámica.


El formato: DIN A4. DIN A3 y DIN A5. El
quinto
elemento
básico
del
diseño,
es
el
tamaño.
Cómo
es
grande
o
pequeño
es
 algo.
 En
diseño,
el
 tamaño
 puede
 funcionar,
 el
 tamaño
 puede
atraer
o
el
tamaño
 puede
organizar.
 
 Dentro
 del
 espacio,
 es
 importantísimo
 el
 Formato.
 El
 formato
 es
 la
 forma
 y
 el
 tamaño
 del
 trabajo
 realizado.
 Cuando
 hablamos
 de
 formato
 de
 un
 archivo,
 hacemos
referencia
al
tamaño
en
el
que
será
presentado
e
impreso.
 


15

Factores
importantes
en
el
formato
 Otro
 factor
 importante,
 a
 tener
 en
 cuenta,
 es
 utilizar
 el
 tamaño
 adecuado,
 para
 atraer
 a
 la
 clase
 de
 público
 o
 personas
 receptoras
 de
 nuestro
 diseño.
 Se
 puede
 colocar
 elementos
 grandes
 y
 pequeños,
 contrastando
 entre
 ellos,
 o
 hacer
 una
 imagen
más
grande
y
trabajarla
de
una
manera
interesante.
 
 Otro
punto,
que
no
se
debe
olvidar
referente
al
tamaño
dentro
de
la
organización
 de
 nuestro
 diseño.
 Si
 queremos
 atraer
 la
 atención
 de
 los
 espectadores,
 destacaremos
 el
 elemento
 más
 importante
 diseñándolo,
 más
 grande
 y
 el
 menos
 importante,
lo
colocaremos
más
pequeño.
 
 Los
títulos,
son
generalmente
el
elemento
más
grande
en
una
página,
mientras
que
 los
sutítulos
y
el
texto
del
cuerpo,
son
más
pequeños.
Objetos
más
grandes
parecen
 estar
 más
 cerca
 de
 la
 página
 que
 los
 más
 pequeños,
 y
 eso
 se
 puede
 utilizar
 para
 reforzar
 la
 importancia
 del
 elemento
 que
 queremos
 destacar
 y
 para
 crear
 relaciones
espacio
‐
artificiales.
 


Distintos formatos ISO de Papel. 


 Dentro
de
los
formatos
de
papel,
encontramos
los
famosos
tamaños
ISO,
que
son
 una
 serie
 de
 formatos
 establecios
 por
 el
 ISO
 (International
 Organization
 for
 Standardization).
Estas
normas
también
las
encontramos
en
tamaños
DIN.
 


16

En
los
formatos
DIN,
existen
los
siguientes
tamaños:
 
 DIN
A4
(
de
297
x
210
mm),
es
igual
que
un
folio
y
el
papel
de
uso
más
corriente.
 DIN
 A3
 (de
 420
 x
 297
 mm),
 se
 usa
 normalmente
 para
 dibujos,
 pequeños
 posters,
 etc.
Este
formato
es
el
doble,
de
un
folio,
en
lo
que
se
refiere
a
la
anchura.
 
 Existen
otros
formatos
de
papel,
por
ejemplo,
para
un
diseño
de
carteles
y
trabajos
 de
dimensiones
grandes,
se
puede
usar
un
4
A0
(2378
x
1682
mm,
esto
es
igual
a
4
 m2),
en
otros
diseños
más
pequeños
un
DIN
C10
(
de
28
x
40
mm).
 
 
 


Historia del color y sus principios básicos. El
color
según
Sir
Isaac
Newton,
es
una
 sensación
que
se
produce
en
respuesta
 a
 una
 estimulación
 nerviosa
 del
 ojo,
 causada
 por
 una
 longitud
 de
 onda
 luminosa.
 El
 ojo
 humano
 interpreta
 colores
 diferentes
 dependiendo
 de
 las
 distancias
longitudinales.
 
 El
 color
 nos
 produce
 muchas
 sensaciones,
 sentimientos,
 diferentes
 estados
 de
 ánimo,
 nos
 transmite
 mensajes
 ,
 nos
 expresa
 valores,
 situaciones
y
sin
embargo...
no
existe
más
allá
de
nuestra
percepción
visual.
 
 El
color
ha
sido
estudiado,
por
científicos,
físicos,
filósofos
y
artistas.
Cada
uno
en
 su
 campo
 y
 en
 estrecho
 contacto
 con
 el
 fenómeno
 del
 color,
 llegaron
 a
 diversas
 conclusiones,
 muy
 coincidentes
 en
 algunos
 aspectos
 o
 bien
 que
 resultaron
 muy
 satisfactorias
y
como
punto
de
partida
para
posteriores
estudios.
 


Historia del color  El
filósofo
Aristóteles
(384
‐
322
AC)
definió
que
todos
los
colores
se
conforman
con
 la
mezcla
de
cuatro
colores
y
además
otorgó
un
papel
fundamental
a
la
incidencia
 de
 luz
 y
 la
 sombra
 sobre
 los
 mismos.
 Estos
 colores
 que
 denominó
 como
 básicos
 eran
los
de
tierra,
el
fuego,
el
agua
y
el
cielo.


17


 Siglos
más
tarde,
Leonardo
Da
Vinci
(1452‐1519)
definió
al
color
como
propio
de
la
 materia,
adelantó
un
poquito
más
definiendo
la
siguiente
escala
de
colores
básicos:
 primero
 el
 blanco
 como
 el
 principal
 ya
 que
 permite
 recibir
 a
 todos
 los
 demás
 colores,
 después
 en
 su
 clasificación
 seguía
 amarillo
 para
 la
 tierra,
 verde
 para
 el
 agua,
azul
para
el
cielo,
rojo
para
el
fuego
y
negro
para
la
oscuridad,
ya
que
es
el
 color
que
nos
priva
de
todos
los
otros.
Con
la
mezcla
de
estos
colores
obtenía
todos
 los
demás,
aunque
también
observó
que
el
verde
también
surgía
de
una
mezcla.


Isaac Newton, la luz es color 


 
 Finalmente
fue
Isaac
Newton
(1642‐1519)
quien
estableció
un
principio
hasta
hoy
 aceptado:
 la
 luz
 es
 color.
 En
 1665
 Newton
 descubrió
 que
 la
 luz
 del
 sol
 al
 pasar
 a
 través
de
un
prisma,
se
dividía
en
varios
colores
conformando
un
espectro.
 
 Lo
 que
 Newton
 consiguió
 fué
 la
 descomposición
 de
 la
 luz
 en
 los
 colores
 del
 espectro.
Estos
colores
son
básicamente
el
Azul
violaceo,
el
Azul
celeste,
el
Verde,
 el
 Amarillo,
 el
 Rojo
 anaranjado
 y
 el
 Rojo
 púrpura.
 Este
 fenómeno
 lo
 podemos
 contemplar
 con
 mucha
 frecuencia,
 cuando
 la
 luz
 se
 refracta
 en
 el
 borde
 de
 un
 cristal
o
de
un
plástico.
También
cuando
llueve
y
hace
sol,
las
gotas
de
agua
de
la
 lluvia
realizan
la
misma
operación
que
el
prisma
de
Newton
y
descomponen
la
luz
 produciendo
los
colores
del
arco
iris.
 
 Así
 es
 como
 observa
 que
 la
 luz
 natural
 está
 formada
 por
 luces
 de
 seis
 colores,
 cuando
incide
sobre
un
elemento
absorbe
algunos
de
esos
colores
y
refleja
otros.
 Con
 esta
 observación
 dio
 lugar
 al
 siguiente
 principio:
 todos
 los
 cuerpos
 opacos
 al
 ser
iluminados
reflejan
todos
o
parte
de
los
componentes
de
la
luz
que
reciben.
 
 Por
 lo
 tanto
 cuando
 vemos
 una
 superficie
 roja,
 realmente
 estamos
 viendo
 una
 superficie
de
un
material
que
contiene
un
pigmento
el
cual
absorbe
todas
las
ondas
 electromagnéticas
que
contiene
la
luz
blanca
con
excepción
de
la
roja,
la
cual
al
ser
 reflejada,
es
captada
por
el
ojo
humano
y
decodificada
por
el
cerebro
como
el
color
 denominado
rojo.


18

Johan Goethe, reacción humana a los colores  Johann
Göethe
(1749‐1832)
estudió
y
provó
las
 modificaciones
fisiológicas
y
psicológicas
que
el
 ser
 humano
 sufre
 ante
 la
 exposición
 a
 los
 diferentes
colores. 
 
 Para
 Göethe
 era
 muy
 importante
 comprender
 la
 reacción
 humana
 a
 los
 colores,
 y
 su
 investigación
 fue
 la
 piedra
 angular
 de
 la
 actual
 psicológica
 del
 color.
 Desarrolló
 un
 triángulo
 con
tres
colores
primarios
rojo,
amarillo
y
azul.
 Tuvo
 en
 cuenta
 que
 este
 triángulo
 como
 un
 diagrama
 de
 la
 mente
 humana
 y
 relacionó
 a
 cada
color
con
ciertas
emociones.
 


Teoría del color. ¿Que es el color?


 El
 mundo
 es
 de
 colores,
 donde
 hay
 luz,
 hay
 color.
 La
 percepción
 de
 la
 forma,
 profundidad
o
claroscuro
está
estrechamente
ligada
a
la
percepción
de
los
colores.
 
 El
 color
 es
 un
 atributo
 que
 percibimos
 de
 los
 objetos
 cuando
 hay
 luz.
 La
 luz
 es
 constituida
 por
 ondas
 electromagnéticas
 que
 se
 propagan
 a
 unos
 300.000
 kilómetros
por
segundo.
Esto
significa
que
nuestros
ojos
reaccionan
a
la
incidencia
 de
la
energía
y
no
a
la
materia
en
sí.
 
 Las
 ondas
 forman,
 según
 su
 longitud
 de
 onda,
 distintos
 tipos
 de
 luz,
 como
 infrarroja,
 visible,
 ultravioleta
 o
 blanca.
 Las
 ondas
 visibles
 son
 aquellas
 cuya
 longitud
de
onda
está
comprendida
entre
los
380
y
770
nanómetros.
 
 Los
 objetos
 devuelven
 la
 luz
 que
 no
 absorben
 hacia
 su
 entorno.
 Nuestro
 campo
 visual
 interpreta
 estas
 radiaciones
 electromagnéticas
 que
 el
 entorno
 emite
 o
 refleja,
como
la
palabra
"COLOR".
 


19

Propiedades del color 


 Las
definimos
como
el
tono,
saturación,
brillo.
 
 Tono
 (
 hue),
 matiz
 o
 croma
 es
 el
 atributo
 que
 diferencia
 el
 color
 y
 por
 la
 cual
 designamos
los
colores:
verde,
violeta,
anaranjado.
 
 Saturación:(
 saturation)
 es
 la
 intensidad
 cromática
 o
 pureza
 de
 un
 color
 Valor
 (
 value)
es
la
claridad
u
oscuridad
de
un
color,
está
determinado
por
la
cantidad
de
 luz
que
un
color
tiene.
Valor
y
luminosidad
expresan
lo
mismo.
 
 B
 r
 i
 l
 l
 o
 (
 brightness)
 es
 la
 cantidad
 de
 luz
 emitida
 por
 una
 fuente
 lumínica
 o
 reflejada
por
una
superficie.
 
 Luminosidad
(l
i
g
h
t
n
e
s
s
)
es
la
cantidad
de
luz
reflejada
por
una
superficie
en
 comparación
 con
 la
 reflejada
 por
 una
 superficie
 blanca
 en
 iguales
 condiciones
 de
 iluminación.
 


El arco iris, segun los griegos  El
 arco
 iris,
 tiene
 todos
 los
 colores
 del
 espectro
 solar.
 Los
 griegos
 personificaron
 este
 espectacular
 fenómeno
 luminoso
 en
 Iris,
 la
 mensajera
 de
 los
 dioses,
 que
 descendía
entre
los
hombres
agitando
sus
alas
multicolores.
 
 La
ciencia
que
aplica
la
experiencia,
explica
que
los
colores
son
componentes
de
la
 luz
 blanca.
 (luz
 solar
 del
 día
 o
 luz
 artificial).
 La
 luz
 blanca
 no
 tiene
 color,
 pero
 los
 contiene
todos.
Lo
demostró
Isaa
Newton.
 
 
 
 
 
 
 
 
 


20

Como son percibidos los colores de los objetos. Un
 cuerpo
 opaco,
 es
 decir
 no
 transparente
 absorbe
 gran
 parte
 de
 la
 luz
 que
 lo
 ilumina
 y
 refleja
 una
 parte
 más
 o
 menos
 pequeña.
 Cuando
 este
 cuerto
 absorve
 todos
los
colores
contenidos
en
la
luz
blanca,
el
objeto
parece
negro.
 
 Cuando
refleja
todos
los
colores
del
espectro,
el
objeto
parece
blanco.
Los
colores
 absorbidos
 desaparecen
 en
 el
 interior
 del
 objeto,
 los
 reflejados
 llengan
 al
 ojo
 humano.
 Los
 colores
 que
 visualizamos
 son,
 por
 tanto,
 aquellos
 que
 los
 propios
 objetos
no
absorben,
sinó
que
los
propagan.


Absorción y reflexión 


 Todos
 los
 cuerpos
 están
 constituidos
 por
 sustancias
 que
 absorben
 y
 reflejan
 las
 ondas
electromagnéticas,
es
decir,
absorben
y
reflejan
colores.
 
 Cuando
 un
 cuerpo
 se
 ve
 blanco
 es
 porque
 recibe
 todos
 los
 colores
 básicos
 del
 espectro
(rojo,
verde
y
azul)
los
devuelve
reflejados,
generándose
así
la
mezcla
de
 los
tres
colores,
el
blanco.
 
 Si
el
objeto
se
ve
negro
es
porque
absorbe
todas
las
radiaciones
electromagnéticas
 (todos
los
colores)
y
no
refleja
ninguno.


21

El rojo de un cuerpo 


 El
 tomate
 nos
 parece
 de
 color
 rojo,
 porque
 el
 ojo
 sólo
 recibe
 la
 luz
 roja
 reflejada
 por
la
hortaliza,
absorve
el
verde
y
el
azul
y
refleja
solamente
el
rojo.
Un
plátano
 amarillo
absorbe
el
color
azul
y
refleja
los
colores
rojo
y
verde,
los
cuales
sumados
 permiten
visualizar
el
color
amarillo.
 


Colores primarios, generalidades La
 problemática
 del
 Color
 y
 su
 estudio,
 es
 muy
 amplia,
 pudiendo
 ser
 abordada
 desde
 el
 campo
 de
 la
 física,
 la
 percepción
 fisiológica
 y
 psicológica,
 la
 significación
 cultural,
el
arte,
la
industria
etc.
El
conocimiento
que
tenemos
y
hemos
adquirido
 sobre
Color
en
la
escuela
elemental,
hace
referencia
al
color
pigmento
y
proviene
 de
 las
 enseñanzas
 de
 la
 antigua
 Academia
 Francesa
 de
 Pintura
 que
 consideraba
 como
 colores
 primarios
 (
 aquellos
 que
 por
 mezcla
 producirán
 todos
 los
 demás
 colores)
 al
 rojo,
 el
 amarillo
 y
 el
 azul.
 En
 realidad
 existen
 dos
 sistemas
 de
 colores
 primarios:
colores
primarios
luz
y
colores
primarios
pigmento.
 
 El
 blanco
 y
 negro
 son
 llamados
 colores
 acromáticos,
 ya
 que
 los
 percibimos
 como
 "no
colores".
 


22

Color luz, síntesis aditiva 


 Los
colores
producidos
por
luces
(en
el
monitor
de
nuestro
ordenador,
en
el
cine,
 televisión,
etc)
tienen
como
colores
primarios,
al
rojo,
el
verde
y
el
azul
(
RGB)
cuya
 fusión
 de
 estos,
 crean
 y
 componen
 la
 luz
 blanca,
 por
 eso
 a
 esta
 mezcla
 se
 le
 denomina,
 síntesis
 aditiva
 y
 las
 mezclas
 parciales
 de
 estas
 luces
 dan
 origen
 a
 la
 mayoría
de
los
colores
del
espectro
visible.
 


Color pigmento, síntesis sustractiva 


 Los
 colores
 sustractivos,
 son
 colores
 basados
 en
 la
 luz
 reflejada
 de
 los
 pigmentos
 aplicados
 a
 las
 superfícies.
 Forman
 esta
 síntesis
 sustractiva,
 el
 color
 magenta,
 el
 cyan
y
el
amarillo.
Son
los
colores
básicos
de
las
tintas
que
se
usan
en
la
mayoría
de
 los
 sistemas
 de
 impresión,
 motivo
 por
 el
 cual
 estos
 colores
 han
 desplazado
 en
 la
 consideración
de
colores
primarios
a
los
tradicionales.
 
 La
 mezcla
 de
 los
 tres
 colores
 primarios
 pigmento
 en
 teoría
 debería
 producir
 el
 negro,
el
color
más
oscuro
y
de
menor
cantidad
de
luz,
por
lo
cual
esta
mezcla
es
 conocida
 como
 síntesis
 sustractiva.
 En
 la
 práctica
 el
 color
 así
 obtenido
 no
 es
 lo


23

bastante
intenso,
motivo
por
el
cual
se
le
agrega
negro
pigmento
conformandose
el
 espacio
de
color
CMYK.
 
 Los
procedimientos
de
imprenta
para
imprimir
en
color,
conocidas
como
tricomía
y
 cuatricomía
se
basan
en
la
síntesis
sustractiva.
 


Círculo cromático


 El
 ojo
 humano
 distingue
 unos
 10.000
 colores.
 Se
 emplean,
 también
 sus
 tres
 dimensiones
 físicas:
 saturación,
 brillantez
 y
 tono,
 para
 poder
 experimentar
 la
 percepción.
 


Colores primarios y secundarios 


 El
 círculo
 cromático
 se
 divide
 en
 tres
 grupos
 de
 colores
 primarios,
 con
 los
 que
 se
 pueden
obtener
los
demás
colores.
 


24

El
 primer
 grupo
 de
 primarios
 segun
 los
 artistas
 diseñadores:
 amarillo,
 rojo
 y
 azul.
 Mezclando
pigmentos
de
éstos
colores
se
obtienen
todos
los
demás
colores.
 El
 segundo
 grupo
 de
 colores
 primarios:
 amarillo,
 verde
 y
 rojo.
 Si
 se
 mezclan
 en
 diferentes
 porcentajes,
 forman
 otros
 colores
 y
 si
 lo
 hacen
 en
 cantidades
 iguales
 producen
la
luz
blanca
 El
tercer
grupo
de
colores
primarios:
magenta,
amarillo
y
cyan.
Los
utilizados
para
 la
impresión.
 
 Definimos
 como
 los
 colores
 secundarios:
 verde,
 violeta
 y
 naranja.
 Los
 colores
 secundarios
 se
 obtienen
 de
 la
 mezcla
 en
 una
 misma
 proporción
 de
 los
 colores
 primarios.
 


Los colores terciarios 

   


 
 
 
 
 Consideramos
 como
 colores
 terciarios:
 rojo
 violáceo,
 rojo
 anaranjado,
 amarillo
 anaranjado,
 amarillo
 verdoso,
 azul
 verdoso
 y
 azul
 violáceo.
 Los
 colores
 terciarios,
 surgen
 de
 la
 combinación
 en
 una
 misma
 proporción
 de
 un
 color
 primario
 y
 otro
 secundario.
 
 


25

Formación de los colores complementarios







Los
colores
complementarios
se
forman
mezclando
un
color
primario
con
el
secundario
 opuesto
 en
 el
 triángulo
 del
 color.
 Son
 colores
 opuestos
 aquellos
 que
 se
 equilibran
 e
 intensifican
mutuamente.


Gama y combinación colores complementarios  Los
colores
complementarios
son
los
que
proporcionan
mayores
contrastes
en
el
gráfico
 de
colores.
 
 Para
obtener
una
gama
de
verdes:
Los
verdes
se
obtienen
mediante
la
mezcla
de
azul
y
 amarillo,
variando
los
porcentajes,
se
obtienen
diferentes
resultados.
 
 Crear
una
gama
de
azules:
Los
colores
más
oscuros
se
logran
mediante
una
combinación
 de
 púrpura
 y
 azul.
 El
 color
 púrpura
 tiñe
 con
 intensidad
 y
 su
 mezcla
 se
 debe
 dosificar
 bien.
 
 Obtener
 una
 gama
 de
 rojos
 anaranjados:
 Mezclando
 púrpura
 y
 amarillo
 obtendremos
 diferentes
tonos
anaranjados.
 
 Obtención
de
una
gama
de
ocres
y
tierras:
A
partir
de
un
violeta
medio,
que
crea
a
partir
 de
un
púrpura
y
azul,
es
posible
conseguir
una
extensa
gama
de
colores
comprendidos
 entre
 el
 ocre
 amarillo
 y
 el
 sombra
 tostada,
 llegando
 a
 sienas.
 Para
 conseguir
 esta
 combinación
es
preciso
añadir
amarillo
a
los
distintos
violetas
que
se
han
creado
con
los
 otros
dos
primarios.





26

Definición de los colores cálidos y fríos. Definición
de
colores
cálidos
y
fríos.
Se
llaman
colores
cálidos
aquellos
que
van
del
 rojo
 al
 amarillo
 y
 los
 colores
 fríos
 son
 las
 gradiaciones
 del
 azul
 al
 verde.
 Esta
 división
 de
 los
 colores
 en
 cálidos
 y
 fríos,
 radica
 simplemente
 en
 la
 sensación
 y
 experiencia
 humana.
 La
 calidez
 y
 la
 frialdad
 atienden
 a
 sensaciones
 térmicas.
 Los
 colores,
 de
 alguna
 manera,
 nos
 pueden
 llegar
 a
 transmitir
 estas
 sensaciones.
 Un
 color
frío
y
uno
cálido,
o
un
color
primario
y
uno
compuesto,
se
complementan.
 


Círculo cromático de los colores cálidos y fríos con sus complementarios. 


 Cierto
 personaje
 descubrió
 por
 casualidad
 los
 componentes
 de
 los
 colores
 más
 simples,
así
como
un
método
rudimentario
de
pintura.
Las
ventajas
y
la
belleza
de
 los
resultados
enseguida
resultaron
evidentes
para
todos,
por
EDWIN
A.ABBOTT.
 
 
 


27

Formas básicas que componen el color.


 Ningún
 color
 puede
 ser
 considerado
 un
 valor
 absoluto,
 de
 hecho
 los
 colores
 se
 influyen
 mutuamente
 si
 se
 acercan.
 Los
 colores
 tienen
 diferente
 realce
 según
 el
 contexto
en
el
que
se
dispongan
o
se
encuentren.
 
 Existen
dos
formas
compositivas
del
color,
armonía
y
contraste.
 


Armonía del color 


 
 Armonizar,
 significa
 coordinar
 los
 diferentes
 valores
 que
 el
 color
 adquiere
 en
 una
 composición.
 Cuando
 en
 una
 composición
 todos
 los
 colores
 tienen
 una
 parte
 común
al
resto
de
los
colores
componentes.
Armónicas
son
las
combinaciones
en
 las
que
se
utilizan
modulaciones
de
un
mismo
tono,
o
también
de
diferentes
tonos,
 pero
que
en
su
mezcla
mantienen
los
unos
parte
de
los
mismos
pigmentos
de
los
 restantes.


28


 En
todas
las
armonías
cromáticas
se
pueden
observar
tres
colores:
uno
dominante,
 otro
tónico
y
por
último
otro
de
mediación.
 
 Dominante:
 Es
 el
 mas
 neutro
 y
 de
 mayor
 extensión,
 sirve
 para
 destacar
 los
 otros
 colores
que
conforman
nuestra
composición
gráfica,
especialmente
al
opuesto.
 
 El tónico:
Es
el
complementario
del
color
de
dominio,
es
el
mas
potente
en
color
y
 valor,
y
el
que
se
utiliza
como
nota
de
animación
o
audacia
en
cualquier
elemento
 (alfombra,
cortina
,
etc.)
 
 El de mediación:
Actúa
como
conciliador
y
modo
de
transición
entre
cada
uno
de
 los
dos
anteriores,
suele
tener
una
situación
en
el
circulo
cromático
cercano
a
la
de
 color
tónico.
 
 Por
ejemplo:
en
una
composición
armónica
cuyo
color
dominante
sea
el
amarillo,
y
 el
violeta
sea
el
tónico,
el
mediador
puede
ser
el
rojo
si
la
sensación
que
queremos
 transmitir
sea
de
calidez,
o
un
azul
si
queremos
que
sea
mas
bien
fría


El contraste  El
 Contraste
 se
 produce
 cuando
 en
 una
 composición
 los
 colores
 no
 tienen
 nada
 en
 común
no
guardan
ninguna
similitud.
 
 Existen
diferentes
tipos
de
contraste:
 
 De  tono:
 Cuando
 utilizamos
 diversos
 tonos
 cromáticos,
 es
 el
 mismo
 color
 de
 base
 pero
 en
 distinto
 nivel
 de
 luminosidad
 y
 saturación.
 
 Contraste  de  claro/oscuro  o  contraste  de  grises:
 El
 punto
 extremo
 está
 representado
 por
 blanco
 y
 negro,
 observándose
 la
 proporción
de
cada
uno
 
 Contraste  de  color:
 Se
 produce
 por
 la
 modulación
 de
 saturación
 de
 un
 tono
 puro
 con
 blanco,
 con
 negro,
 con
 gris,
 o
 con
 un
 color
complementario).
 
 Contraste  de  cantidad:
 Es
 igual
 los
 colores
 que
 utilizemos,
 consiste
 en
 poner
 mucha
 cantidad
de
un
color
y
otra
más
pequeña
de
 otro.


29

  Contraste  simultáneo:
 Dos
 elementos
 con
 el
 mismo
 color
 producen
 el
 mismo
 contraste
dependiendo
del
color
que
exista
en
su
fondo.
 
 Contraste entre complementarios:
Se
colocan
un
color
primario
y
otro
secundario
 opuesto
 en
 el
 tríangulo
 de
 color.
 Para
 conseguir
 algo
 más
 armónico,
 se
 aconseja
 que
uno
de
ellos
sea
un
color
puro
y
el
otro
esté
modulado
con
blanco
o
con
negro.
 
 Contraste entre tonos cálidos y fríos:
Es
la
unión
de
un
color
frío
y
otro
cálido.
 


Efectos del color: El tamaño


 Tamaño:
 El
 círculo
 central
 parece
 más
 pequeño
 si
 está
 rodeado
 de
 círculos
 de
 mayor
tamaño
y
más
grande
si
por
el
contrario
lo
rodean
círculos
más
pequeños.


Transparencia, peso y masa  
 Transparencia:
Se
visualiza
el
 efecto
 de
 transparencia
 por
 la
aparente
mezcla
de
tonos.
 
 Peso
 y
 masa
 del
 Color:
 El
 color
 actúa
 por
 gravitación
 y
 extensión
 de
 una
 superficie
 cromática.
 Los
 tonos
 fríos
 y
 claros
parecen
más
livianos
y
menos
sustanciales,
los
cálidos
y
oscuros
parecen
más
 pesados
y
densos.


Colores que avanzan o retroceden  
 Los
colores
fríos
avanzan
si
són
más
luminosos
que
 los
cálidos
en
su
entorno
neutro.
 


30

Psicología del color: El color blanco El
color
desprende
diferentes
expresiones
del
ambiente,
que
pueden
transmitirnos
 la
sensación
de
calma,
plenitud,
alegría,
violencia,
maldad,
etc.
 
 La
 psicología
 de
 los
 colores
 fué
 estudiada
por
grandes
maestros
a
 lo
largo
de
nuestra
historia,
como
 por
ejemplo
Goethe
y
Kandinsky.
 
 Color
 Blanco:
 Es
 el
 que
 mayor
 sensibilidad
 posee
 frente
 a
 la
 luz.
 Es
la
suma
o
síntesis
de
todos
los
 colores,
 y
 el
 símbolo
 de
 lo
 absoluto,
 de
 la
 unidad
 y
 de
 la
 inocencia,
 significa
 paz
 o
 rendición.
Mezclado
con
cualquier
 color
 reduce
 su
 croma
 y
 cambia
 sus
potencias
psíquicas,
la
del
blanco
es
siempre
positiva
y
afirmativa.
Los
cuerpos
 blancos
 nos
 dan
 la
 idea
 de
 pureza
 y
 modestia.
 El
 blanco
 crea
 una
 impresión
 luminosa
de
vacio,
positivo
infinito.
 


El color Negro  Símbolo
 del
 error,
 del
 mal,
 el
 misterio
 y
 en
 ocasiones
 simbolica
 algo
 impuro
 y
 maligno.
 Es
 la
 muerte,
 es
 la
 ausencia
 del
 color.
 También
 transmite
 nobleza
 y
 elegancia.
 


Color gris  Es
 el
 centro
 de
 todo
 ya
 que
 se
 encuentra
 entre
 la
 transición
entre
el
blanco
y
el
negro,
y
el
producto
de
la
 mezcla
 de
 ambos.
 Simboliza
 neutralidad,
 indecisión
 y
 ausencia
 de
 energía.
 Muchas
 veces
 también
 expresa
 tristeza,
duda
y
melancolía.
El
color
gris
es
una
fusión
de
 alegrías
 y
 penas,
 del
 bien
 y
 del
 mal.
 Da
 la
 impresión
 de
 frialdad
 metálica,
 pero
 también
sensación
de
brillantez,
lujo
y
elegancia.
 
 
 
 
 
 


31

Simbología del color amarillo y rojo Por
ejemplo
una
invitación
de
un
color
brillante
debe
evocar
la
imagen
del
mismo
 valor,
 sino
 y
 en
 caso
 opuesto
 conseguiríamos
 un
 efecto
 contraproducente,
 transmitiendo
 la
 sensación
 de
 falsificación.
 Si
 es
 de
 color
 oro,
 la
 imagen
 debe
 combinar
 en
 concordancia
 con
 el
 color
 expuesto,
 para
 que
 se
 tenga
 una
 visión
 agradable
y
equilibradada
de
la
presentación.
 
 El color amarillo:
Es
el
color
mas
intelectual
 y
 puede
 ser
 asociado
 con
 una
 gran
 inteligencia
 o
 con
 una
 gran
 deficiencia
 mental;
Van
Gogh
tenia
por
el
una
especial
 predilección,
particularmente
en
los
últimos
 años
de
su
crisis.
 
 Este
primario
significa
envidia,
ira,
cobardía,
 y
 los
 bajos
 impulsos,
 y
 con
 el
 rojo
 y
 el
 naranja
 constituye
 los
 colores
 de
 la
 emoción.
 También
 evoca
 satanismo
 (es
 el
 color
del
azufre)
y
traición.
Es
el
color
de
la
 luz,
 el
 sol,
 la
 acción
 ,
 el
 poder
 y
 simboliza
 arrogancia,
oro,
fuerza,
voluntad
y
estimulo.
 
 Mezclado
 con
 negro
 constituye
 un
 matiz
 verdoso
 muy
 poco
 grato
 y
 que
 sugiere
 enemistad,
 disimulo,
 crimen,
 brutalidad,
 recelo
 y
 bajas
 pasiones.
 Mezclado
 con
 blanco
 puede
 expresar
 cobardía,
 debilidad
 o
 miedo
 y
 también
 riqueza,
 cuando
 tiene
una
leve
tendencia
verdosa.
 
 Los
 amarillos
 también
 suelen
 interpretarse
 como
 joviales,
 afectivos,
 excitantes
 e
 impulsivos.
Están
relacionados
con
la
naturaleza.
Psicológicamente
se
asocia
con
el
 deseo
de
liberación.
 
 El  color  rojo:
 Se
 lo
 considera
 con
 una
 personalidad
 extrovertida,
 que
 vive
 hacia
 afuera
,
tiene
un
temperamento
vital,
ambicioso
y
material,
y
se
deja
llevar
por
el
 impulso,
mas
que
por
la
reflexión.
 
 Simboliza
 sangre,
 fuego,
 calor,
 revolución,
 alegría,
 acción,
 pasión,
 fuerza,
 disputa,
 desconfianza,
destrucción
e
impulso,
asi
mismo
crueldad
y
rabia.
Es
el
color
de
los
 maniáticos
y
de
marte,
y
también
el
de
los
generales
y
los
emperadores
romanos
y
 evoca
la
guerra,
el
diablo
y
el
mal.
 Como
es
el
color
que
requiere
la
atención
en
mayor
grado
y
el
mas
saliente,
habrá
 que
 controlar
 su
 extensión
 e
 intensidad
 por
 su
 potencia
 de
 excitación
 en
 las
 grandes
áreas
cansa
rápidamente.
 


32

Mezclado
con
blanco
es
frivolidad,
inocencia,
y
alegría
juvenil,
y
en
su
mezcla
con
el
 negro
estimula
la
imaginación
y
sugiere
dolor,
dominio
y
tiranía.
 
 Expresa
 sensualidad,
 virilidad
 y
 energía,
 considerado
 símbolo
 de
 una
 pasión
 ardiente
y
desbordada.
Por
su
asociación
con
el
sol
y
el
calor
es
un
color
propio
de
 las
personas
que
desean
experiencias
fuertes.


Lenguaje del naranja y azul  El color naranja:
Es
un
poco
mas
cálido
que
el
amarillo
y
actúa
como
estimulante
 de
 los
 tímidos,
 tristes
 o
 linfáticos.
 Simboliza
 entusiasmo
 y
 exaltación
 y
 cuando
 es
 muy
 encendido
 o
 rojizo,
 ardor
 y
 pasión.
 Utilizado
 en
 pequeñas
 extensiones
 o
 con
 acento,
es
un
color
utilisimo,
pero
en
grandes
áreas
es
demasiado
atrevido
y
puede
 crear
 una
 impresión
 impulsiva
 que
 puede
 ser
 agresiva.
 Posee
 una
 fuerza
 activa,
 radiante
 y
 expresiva,
 de
 carácter
 estimulante
 y
 cualidad
 dinámica
 positiva
 y
 energética.
 
 Mezclado
 con
 el
 negro
 sugiere
 engaño,
 conspiración
 e
 intolerancia
 y
 cuando
 es
 muy
oscuro
,
opresión.
 
 El  color  azul:
 Simboliza,
 la
 profundidad
 inmaterial
 y
 del
 frío.
 La
 sensación
 de
 placidez
 que
 provoca
 el
 azul
 es
 distintan
 al
 de
 la
 calma
 o
 del
 reposo
 terrestres
 propios
 del
 verde.
 Se
 lo
 asocia
 con
 los
 introvertidos
 o
 personalidades
 reconcentradas
 o
 de
 vida
 interior
 y
 esta
 vinculado
 con
 la
 circunspección,
 la
 inteligencia
y
las
emociones
profundas.
Es
el
color
del
infinito,
de
los
sueños
y
de
lo
 maravilloso,
y
simboliza
la
sabiduría,
amistad,
fidelidad,
serenidad,
sosiego,
verdad
 eterna
e
inmortalidad.
También
significa
descanso.
 
 Mezclado
con
blanco
es
pureza,
fe,
y
cielo,
y
mezclado
con
negro,
desesperación,
 fanatismo
e
intolerancia.
No
fatiga
los
ojos
en
grandes
extensiones.
 





33




El color violeta 


 
 El
 violeta,
 es
 el
 color
 de
 la
 templanza,
 la
 lucidez
 y
 la
 reflexión.
 Transmite
 profundidad
 y
 experiencia.
 Tiene
 que
 ver
 con
 lo
 emocional
 y
 lo
 espriritual.
 Es
 místico,
meláncolico
y
se
podría
decir
que
también
representa
la
introversión.
En
su
 variación
al
púrpura,
es
realeza,
dignidad,
suntuosidad.
 
 Mezclado
con
negro
es
deslealtad,
desesperación
y
miseria.
Mezclado
con
blanco:
 muerte,
rigidez
y
dolor.


Color verde  Es
 un
 color
 de
 extremo
 equilibrio,
 porque
 esta
 compuesto
 por
 colores
 de
 la
 emoción
 (amarillo
 =
 cálido)
 y
 del
 juicio
 (azul
 =
 frío)
 y
 por
 su
 situación
transicional
en
el
espectro.
Se
lo
asocia
 con
las
personas
superficialmente
inteligentes
y
 sociales
que
gustan
de
la
vanidad
de
la
oratoria
 y
 simboliza
 la
 primavera
 y
 la
 caridad.
 Incita
 al
 desequilibrio
 y
 es
 el
 favorito
 de
 los
 psiconeuroticos
 porque
 produce
 reposo
 en
 el
 ansia
 y
 calma,
 traquilidad,
 también
 porque
 sugiere
amor
y
paz
y
por
ser
al
mismo
tiempo
el
 color
de
los
celos,
de
la
degradación
moral
y
de
 la
 locura.
 Significa
 realidad,
 esperanza,
 razón,
 lógica
y
juventud.
 
 Aquellos
 que
 prefieren
 este
 color
 detestan
 la
 soledad
 y
 buscan
 la
 compañía.
 Mezclado
con
blanco
expresa
debilidad
o
pobreza.
 
 Sugiere
humedad,
frescura
y
vegetación,
simboliza
la
naturaleza
y
el
crecimiento.
 
 La
 persona
 que
 destaca
 por
 el
 uso
 del
 color
 verde,
 quiere
 ser
 respetada
 y
 competente.


34

El color marrón 


 
 Es
un
color
masculino,
severo,
confortable.
Es
evocador
del
ambiente
otoñal
y
da
la
 impresión
de
gravedad
y
equilibrio.
Es
el
color
realista,
tal
vez
porque
es
el
color
de
 la
tierra
que
pisamos.
Con
esto,
hemos
podido
comprovar
algunas
reacciones
que
 producen
los
colores
segun
A.
Moles
y
L.
Janiszewski.
 


El color, un elemento expresivo  El
 color
 en
 su
 campo
 gráfico,
 tiene
 varias
 aplicaciones
 clasficándose
 en:
 color
 denotativo
y
el
color
connotativo.


El color denotativo 


 
 El
 color
 es
 denotativo
 cuando
 se
 utiliza
 como
 representación
 de
 la
 figura,
 u
 otro
 elemento,
 es
 decir,
 incorporado
 a
 las
 imágenes
 reales
 de
 la
 fotografía
 o
 la
 ilustración.
 Podemos
 distinguir
 tres
 categorias
 de
 color
 denotativo:
 Icónico,
 saturado
y
fantasioso,
aunque
siempre
reconociendo
la
iconicidad
de
la
forma
que
 se
presenta.
 


35

Color icónico:
Definimos
un
color
icónico
a
la
expresividad
cromática
como
función
 de
aceleración
identificadora:
la
tierra
es
marrón,
la
cereza
es
roja
y
el
cielo
es
azul.
 El
color
es
un
elemento
fundamental
de
la
imagen
realista
ya
que
la
forma
incolora
 aporta
 poca
 información
 en
 el
 desciframiento
 inmediato
 de
 las
 imágenes.
 La
 adición
 de
 un
 color
 natural
 acentúa
 el
 efecto
 de
 realidad,
 permitiendo
 que
 la
 identificacion
del
objeto
o
figura
representada
sea
más
rápida.
Por
lo
tanto
el
color
 ejerce
 una
 función
 de
 realismo
 que
 se
 superpone
 a
 la
 forma
 de
 las
 cosas:
 una
 manzana
será
más
real
si
se
reproduce
o
plasma
en
su
color
natural.
 
 Color saturado:
Es
un
color
alterado
o
manipulado
en
su
estado
natural
y
real.
Más
 brillante,
son
colores
más
densos
y
más
puros
y
luminosos.
El
color
saturado
nace
 de
 conseguir
 una
 exageración
 de
 los
 colores
 y
 captar
 la
 atención
 con
 estas.
 El
 entorno
 resulta
 más
 atractivo,
 alterando
 el
 color
 de
 esta
 forma,
 el
 cine,
 la
 fotografía,
 la
 ilustración,
 carteles,
 etc,
 obedecen
 a
 una
 representación
 gráfica
 cromática
exagerada
que
crea
euforia
colorista.
 
 Color
 fantasioso:
 La
 fantasía
 y
 manipulación,
 nace
 como
 nueva
 forma
 expresiva,
 por
 ejemplo,
 las
 imágenes
 coloreadas
 a
 mano
 en
 las
 que
 no
 se
 altera
 su
 forma,
 pero
si
el
color.
De
esta
forma
se
crea
un
ambigüedad
entre
la
imagen
o
fotografía
 representada
 y
 el
 color
 expresivo
 que
 se
 le
 aplica,
 creando
 así
 una
 fantasía,
 respetando
las
formas
pero
alterando
el
color
natural.


El color connotativo  La
 connotación
 es
 la
 acción
 de
 factores
 no
 descriptivos,
 sino
 psicológicos,
 simbólicos
 o
 estéticos
 que
 hacen
 suscitar
 un
 cierto
 ambiente
 y
 corresponden
 a
 amplias
 subjetividades.
 Es
 un
 elemento
 estético
 que
 afecta
 a
 las
 sutilezas
 perceptivas
de
la
sensibilidad.
 


Escalas de los colores.  El
 blanco,
 el
 negro
 y
 el
 gris
 son
 colores
 acromáticos,
 es
 decir,
 colores
 sin
 color.
 Psicológicamente
 son
 colores
 dado
 que
 originan
 en
 el
 observador
 determinadas
 sensaciones
 y
 reacciones.
 Desde
 el
 punto
 de
 vista
 físico,
 la
 luz
 blanca
 no
 es
 un
 color,
 sino
 la
 suma
 de
 todos
 los
 colores
 en
 cuanto
 a
 pigmento,
 el
 blanco
 sería
 considerado
 un
 color
 primario,
 ya
 que
 no
 puede
 obtenerse
 a
 partir
 de
 ninguna
 mezcla.
 
 El
color
negro,
por
el
contrario,
es
la
ausencia
absoluta
de
la
luz.
Y
en
cuanto
color
 sería
considerado
un
secundario,
ya
que
es
posible
obtenerlo
a
partir
de
la
mezcla
 de
otros.
 
 Las
escalas
pueden
ser
cromáticas
o
acromáticas
 


36

Escalas cromáticas y acromáticas 


 Cromática:
 Los
 valores
 del
 tono
 se
 obtienen
 mezclando
 los
 colores
 puros
 con
 el
 blanco
o
el
negro,
por
lo
que
pueden
perder
fuerza
cromática
o
luminosidad.
 
 Acromática:
 Será
 siempre
 una
 escala
 de
 grises,
 una
 modulación
 continua
 del
 blanco
 al
 negro.
 La
 escala
 de
 grises
 se
 utiliza
 para
 establecer
 comparativamente
 tanto
el
valor
de
la
luminosidad
de
los
colores
puros
como
el
grado
de
claridad
de
 las
 correspondientes
 gradaciones
 de
 este
 color
 puro.
 Por
 la
 comparación
 con
 la
 escala
 de
 grises
 (escala
 test),
 se
 pone
 de
 relieve
 las
 diferentes
 posiciones
 que
 alcanzan
los
diferentes
colores
puros
en
materia
de
luminosidad.





Gamas de colores 


 Definimos
 como
 gamas
 a
 aquellas
 escalas
 formadas
 por
 gradaciones
 que
 realizan
 un
paso
regular
de
un
color
puro
hacia
el
blanco
o
el
negro,
una
serie
contínua
de
 colores
cálidos
o
fríos
y
una
sucesión
de
diversos
colores.
 
 ‐ Escalas monocromas:
Son
aquellas
en
las
que
hay
un
solo
color,
y
se
forma
con
 todas
 las
 variaciones
 de
 este
 color,
 bien
 añadiendo
 blanco,
 negro
 o
 la
 mezcla
 de
 ambos(gris).
 
 Dentro
de
esta
escala
diferenciamos:
 
 Saturación,
 cuando
 al
 blanco
 se
 le
 añade
 un
 cierto
 color
 hasta
 conseguir
 una
 saturación
determinada.
 Luminosidad
o
del
negro,
cuando
al
color
saturado
se
la
añade
sólo
negro.
 Valor,
cuando
al
tono
saturado
se
le
mezclan
al
mismo
tiempo
el
blanco
y
el
negro,
 es
decir
,
el
gris.
 


37




‐ Escalas cromáticas:
Estas
se
distinguen
a
su
vez,
en
altas,
medias
y
bajas.
 
 Altas,
cuando
se
utilizan
las
modulaciones
del
valor
y
de
saturación
que
contienen
 mucho
blanco.
 Medias,
 cuando
 se
 utilizan
 modulaciones
 que
 no
 se
 alejan
 mucho
 del
 tono
 puro
 saturado
del
color.
 Bajas,
 cuando
 se
 usan
 las
 modulaciones
 de
 valor
 y
 luminosidad
 que
 contienen
 mucho
negro.
 Polícroma,
a
aquellas
gamas
de
variaciones
de
dos
o
más
colores,
el
mejor
ejemplo
 de
este
tipo
de
escala
sería
el
arco
iris.
 


Modos y modelos de color.  Diferentes
 círculos
 cromáticos.
 Isaac
 Newton
 (
 1642‐
 1726)
 fue
 el
 primero
 que
 ordenó
los
colores
construyendo
un
convincente
círculo
cromático
sobre
el
cual
se
 han
basado
la
mayoría
de
los
estudios
posteriores.
 
 Se
 han
 elaborado
 distintos
 modelos
 de
 color,
 y
 existen
 diferencias
 en
 la
 construcción
 de
 los
 círculos
 cromáticos
 que
 responden
 a
 cada
 modelo.
 El
 avance
 que
significaron
los
estudios
de
Newton
es
la
posibilidad
de
identificar
objetiva
y
no
 subjetivamente
 un
 color
 nominándolo
 por
 las
 mezclas
 con
 las
 que
 fue
 creado.
 Muchos
sistemas
de
nomenclatura
usados
hoy
derivan
de
este
primer
intento.
 
 Los
modos
e
color
son
fórmulas
matemáticas
que
se
calculan
el
color.
 
 Actualmente,
 uno
 de
 los
 más
 aceptados
 es
 el
 modelo
 de
 Albert
 Munsell
 (
 1858‐
 1918)
basado
en:
Tono
‐
Saturación
‐
Valor
(
HSV).
 
 Otro
 modelo
 actual
 destacar,
 el
 modelo
 CMYK
 (
 basado
 en
 los
 colores
 Cyan
 Magenta
Amarillo
Negro).
 
 El
modelo
RGB
(
basado
en
los
primarios
luz
rojo,
verde
y
azul).
 
 El
sistema
de
color
Pantone
(
para
definir
colores
en
impresos
con
tintas).
 
 El
CIE
Color
Space.
Cada
modelo
incorpora
alguna
forma
de
denominación
precisa
 del
color,
basándose
en
la
medición
específica
de
sus
atributos,
ya
sea
en
modelos
 geométricos,
escalas,
porcentajes,
grados,
etc.
 


38

Matiz, valor e intensidad del color, segun Albert Münsell 


 
 En
 1905
 el
 Profesor
 Albert
 Münsell
 desarrolló
 un
 sistema
 mediante
 el
 cual
 se
 ubican
de
forma
precisa
los
colores
en
un
espacio
tridimensional.
Para
ello
define
 tres
 atributos
 en
 cada
 color.
 También
 idea
 una
 hoja
 para
 la
 determinación
 de
 los
 colores
en
forma
numérica.
 
 Matiz:
 la
 característica
 que
 nos
 permite
 diferenciar
 entre
 el
 rojo,
 el
 verde,
 el
 amarillo,
etc.
que
comúnmente
llamamos
color.
 
 Existe
 un
 orden
 natural
 de
 los
 matices:
 rojo,
 amarillo,
 verde,
 azul,
 púrpura
 y
 se
 pueden
mezclar
con
los
colores
adyacentes
para
obtener
una
variación
continua
de
 un
 color
 al
 otro.
 Por
 ejemplo
 mezclando
 el
 rojo
 y
 el
 amarillo
 en
 diferentes
 proporciones
 de
 uno
 y
 otro
 se
 obtienen
 diversos
 matices
 del
 anaranjado
 hasta
 llegar
al
amarillo.
Lo
mismo
sucede
con
el
amarillo
y
el
verde,
el
verde
y
el
azul,
etc.
 
 Münsell
 define
 al
 color
 rojo,
 amarillo,
 verde,
 azul
 y
 púrpura
 como
 matices
 principales
 y
 los
 ubicó
 en
 intervalos
 equidistantes
 conformando
 el
 círculo
 cromático.
 Luego
 introdujo
 cinco
 matices
 intermedios:
 amarillo
 ‐
 rojo,
 verde
 ‐
 amarillo,
azul
‐
verde,
púrpura
azul
y
rojo
púrpura.
 
 Valor:
 define
 la
 claridad
 de
 cada
 color
 o
 matiz.
 Este
 valor
 se
 obtiene
 mezclando
 cada
color
con
blanco
o
bien
negro
y
la
escala
varía
de
0
(negro
puro)
a
10
(blanco
 puro).
 
 Intensidad:
es
el
grado
de
partida
de
un
color
a
partir
del
color
neutro
del
mismo
 valor.
 Los
 colores
 de
 baja
 intensidad
 son
 llamados
 débiles
 y
 los
 de
 máxima
 intensidad
 se
 denominan
 saturados
 o
 fuertes.
 Imagine
 un
 color
 gris
 al
 cual
 le
 va
 añadiendo
amarillo
y
quitando
gris
hasta
alcanzar
un
amarillo
vivo,
esto
sería
una
 variación
en
el
aumento
de
intensidad
de
ese
color.
La
variación
de
un
mismo
valor
 desde
 el
 neutro
 (llamado
 color
 débil)
 hasta
 su
 máxima
 expresión
 (color
 fuerte
 o
 intenso)
 


39

Espacio de color 


 El
matiz,
el
valor
y
la
intensidad
pueden
variar
independientemente
de
una
forma
 tal
 que
 absolutamente
 todos
 los
 colores
 pueden
 ser
 ubicados
 en
 un
 espacio
 tridimensional,
de
acuerdo
con
estos
tres
atributos.
Los
colores
neutros
se
ubican
a
 los
 largo
 de
 la
 línea
 vertical,
 llamada
 eje
 neutral
 con
 el
 negro
 en
 la
 parte
 baja,
 blanco
en
la
parte
de
arriba
y
grises
en
el
medio.
Los
matices
se
muestran
en
varios
 ángulos
alrededor
del
eje
neutral.
La
escala
de
intensidad
es
perpendicular
al
eje
y
 aumenta
hacia
fuera.


Modelo de color Swedish Color System NCS 

Modelo
 Swedish
 Natural
 Color
 System
 (
 NCS).
 Desarrollado
 por
 el
 Instituto
 Escandinavo
del
Color
en
1960,
está
basado
en
los
estudios
elaborados
por
Hering
 que
redujo
todos
los
colores
visibles
a
la
mezcla
de
cuatro
únicos
tonos:
amarillo,


40




rojo,
verde,
azul
más
blanco
y
negro,
creando
ejes
dimensionales
entre
los
colores
 opuestos.
 
 En
esta
estructura
se
despliegan
13
escalas
entre
las
mezclas
de
colores
entre
sí
y
 con
el
blanco
y
el
negro
que
se
van
incrementando
en
un
10%
de
intensidad.
 


Modelo CIE Lab 

 


 
 
 Modelo
 Cielab
 La
 CIE
 (
 Commission
 Internationale
 de
 l’Eclairage)
 propuso
 un
 modelo
 en
 1931
 como
 estándar
 de
 medida.
 En
 1976
 se
 perfeccio‐nó
 y
 fue
 publicado
el
CIE
Lab
color
system
que
cambia
la
forma
de
notación
y
representa
un
 avance
sobre
los
modelos
anteriores,
a
diferencia
de
ellos
este
modelo
dimensiona
 la
totalidad
del
espectro
visible.
 
 Los
 tres
 colores
 de
 luz
 percibidos
 RGB
 son
 medidos
 en
 el
 contexto
 de
 una
 iluminación
específica
y
todos
los
demás
son
con‐siderados
como
una
combinación
 de
 color
 iluminación
 y
 superficie
 reflectante.
 Considera
 el
 espacio
 en
 forma
 uniforme
y
despliega
tres
ejes
espaciales:
L
(
luz,
blanco‐
negro),
a
(
rojo‐
verde),
b
(
 amarillo‐
 azul).
 Este
 espacio
 tiene
 algunas
 similitudes
 con
 el
 sistema
 sueco
 y
 también
está
representado
en
el
selector
de
color
de
Photoshop.
 
 El
 color
 CIE
 Lab
 es
 independiente
 del
 dispositivo
 de
 salida,
 es
 decir,
 crea
 colores
 coherentes
 con
 independencia
 de
 los
 dispositivos
 concretos,
 como
 moni‐tores,
 impresoras
 u
 ordenadores
 utilizados
 para
 crear
 o
 reproducir
 la
 imagen.
 El
 componente
de
luminosidad
(
L)
oscila
entre
0
y
100.
El
componente
a
(
eje
verde‐
 rojo)
y
el
componen‐te
b
(
eje
azul‐
amarillo)
pueden
estar
comprendidos
entre
+
 120
 y
 ‐
 120.
 El
 modo
 Lab
 se
 usa
 sobre
 todo
 al
 trabajar
 con
 imágenes
 Photo
 CD
 o
 cuando
se
desea
modificar
los
valo‐res
de
luminosidad
y
color
de
una
imagen
por
 separado.
 


41

Modo de color RGB 


 Modelo
RGB.
Este
espacio
de
color
es
el
formado
por
los
colores
primarios
luz
que
 ya
se
describieron
con
anterioridad.
Es
el
adecuado
para
representar
imágenes
que
 serán
 mostradas
 en
 monitores
 de
 computadora
 o
 que
 serán
 impresas
 en
 impre‐ soras
de
papel
fotográfico.
 
 Las
 imágenes
 RGB
 utilizan
 tres
 colores
 para
 reproducir
 en
 pantalla
 hasta
 16,7
 millones
de
colores.
RGB
es
el
modo
por
defecto
para
las
imágenes
de
Photoshop.
 Los
monitores
de
ordenador
muestran
siempre
los
colores
con
el
modelo
RGB.
Esto
 significa
 que
 al
 trabajar
 con
 modos
 de
 color
 diferentes,
 como
 CMYK,
 Photoshop
 convierte
temporalmente
los
datos
a
RGB
para
su
visualización.
 
 El
modo
RGB
asigna
un
valor
de
intensidad
a
cada
píxel
que
oscile
entre
0
(
negro)
y
 255
(
blanco)
para
cada
uno
de
los
componentes
RGB
de
una
imagen
en
color.
Por
 ejemplo,
un
color
rojo
brillante
podría
tener
un
valor
R
de
246,
un
valor
G
de
20
y
 un
valor
B
de
50.
El
rojo
más
brillante
que
se
puede
conseguir
es
el
R:
255,
G:
0,
B:
 0.
Cuando
los
valores
de
los
tres
componentes
son
idénticos,
se
obtiene
un
matiz
 de
 gris.
 Si
 el
 valor
 de
 todos
 los
 componentes
 es
 de
 255,
 el
 resultado
 será
 blanco
 puro
y
será
negro
puro
si
todos
los
componentes
tienen
un
valor
0.
Este
espacio
de
 color
tiene
su
representación
en
el
selector
de
color
de
Photoshop.
 


Modo de color CMYK  El
modelo
CMYK
se
basa
en
la
cualidad
de
absorber
y
rechazar
luz
de
los
objetos.
Si
 un
objeto
es
rojo
esto
significa
que
el
mismo
absorbe
todas
las
componentes
de
la
 luz
exceptuando
la
componente
roja.
Los
colores
sustractivos
(
CMY)
y
los
aditivos
(


42

RGB)
son
colores
complementarios.
Cada
par
de
colores
sustractivos
crea
un
color
 aditivo
y
viceversa.
 
 En
 el
 modo
 CMYK
 de
 Photoshop,
 a
 cada
 píxel
 se
 le
 asigna
 un
 valor
 de
 porcentaje
 para
 las
 tintas
 de
 cuatricromía.
Los
colores
más
claros
 (
 iluminados)
 tienen
 un
 porcentaje
 pequeño
 de
 tinta,
 mientras
 que
 los
 más
 oscuros
 (
 sombras)
 tienen
 porcentajes
 mayores.
 Por
 ejemplo,
 un
rojo
brillante
podría
tener
2%
de
 cyan,
 93%
 de
 magenta,
 90%
 de
 amarillo
y
0%
de
negro.
 
 En
las
imágenes
CMYK,
el
blanco
puro
se
genera
si
los
cuatro
componentes
tienen
 valores
del
0%.
Se
utiliza
el
modo
CMYK
en
la
preparación
de
imágenes
que
se
van
 a
 imprimir
 en
 cualquier
 sistema
 de
 impresión
 de
 tintas.
 Aunque
 CMYK
 es
 un
 modelo
 de
 color
 estándar,
 puede
 variar
 el
 rango
 exacto
 de
 los
 colo‐res
 representados,
dependiendo
de
la
imprenta
y
las
condiciones
de
impresión.


La tipografía y su evolución Definimos
 la
 tipografía
 como
 el
 arte
 o
 técnica
 de
 reproducir
 la
 comunicación
 mediante
 la
 palabra
 impresa,
 transmitir
 con
 cierta
 habilidad,
 elegancia
 y
 eficacia,
 las
palabras.
 
 La
tipografía
es
el
reflejo
de
una
época.
Por
ello
la
 evolución
 del
 diseño
 de
 las
 mismas
 responde
 a
 proyecciones
 tecnológicas
 y
 artísticas.
 El
 signo
 tipográfico
 se
 ha
 considerado
 como
 uno
 de
 los
 miembros
 más
 activos
 de
 los
 cambios
 culturales
 del
hombre.
 
 En
los
primeros
signos
de
escritura,
cada
signo
nos
 expresa
 una
 idea,
 un
 concepto
 o
 una
 cosa;
 estos
 signos
 se
 combinan
 entre
 sí
 para
 comunicar
 ideas
 más
complejas.
Estos
sistemas
de
escritura
son
los
 pictogramáticos,
jeroglíficos
e
ideogramáticos.
 
 El
 campo
 tipográfico,
 abarca
 la
 realización
 de
 libros,
 periódicos,
 anuncios
 publicitarios,
revistas,
etc...
y
cualquier
otro
documento
impreso
que
se
comunique
 con
otros
mediante
palabras.


43

Concepto de tipografía, familia y fuentes tipográficas. Tipo,
es
igual
al
modelo
o
diseño
de
una
letra
determinada.
 
 Tipografía,
 es
 el
 arte
 y
 la
 técnica
 de
 crear
 y
 componer
 tipos
 para
 comunicar
 un
 mensaje.
 También
 se
 ocupa
 del
 estudio
 y
 clasificación
 de
 las
 distintas
 fuentes
 tipográficas.
 
 Fuente  tipográfica
 es
 la
 que
 se
 define
 como
 estilo
 o
 apariencia
 de
 un
 grupo
 completo
 de
 carácteres,
 números
 y
 signos,
 regidos
 por
 unas
 características
 comunes.
 
 Familia  tipográfica,
 en
 tipografía
 significa
 un
 conjunto
 de
 tipos
 basado
 en
 una
 misma
 fuente,
 con
 algunas
 variaciones,
 tales,
 como
 por
 ejemplo,
 en
 el
 grosor
 y
 anchura,
 pero
 manteniendo
 características
 comunes.
 Los
 miembros
 que
 integran
 una
família
se
parecen
entre
sí
pero
tienen
rasgos
propios.
 


Imagen partes más comunes de un carácter 




44

No
 existe
 una
 nomenclatura
 específica
 y
 que
 haya
 sido
 aceptada
 de
 manera
 definitiva,
para
designar
las
partes
de
una
letra.
 


Partes que componen un tipo  Altura de las mayúsculas:
Es
la
altura
de
las
letras
de
caja
alta.
 
 Altura  X:
 Altura
 de
 las
 letras
 de
 caja
 baja,
 las
 letras
 minúsculas,
 excluyendo
 los
 ascendentes
y
los
descendentes.
 
 Anillo:
Es
el
asta
curva
cerrada
que
forman
las
letras
"b,
p
y
o".
 
 Ascendente:
Asta
que
contiene
la
letra
de
caja
baja
y
que
sobresale
por
encima
de
 la
altura
x,
tales
como
las
letras
"b,
d
y
k".
 
 Asta:
Rasgo
principal
de
la
letra
que
la
define
como
su
forma
o
parte
mas
esencial.
 
 Astas montantes:
Son
las
astas
principales
o
oblicuas
de
una
letra,
tales
como
la
"
 L,
B,
V
o
A".
 
 Asta ondulada o espina:
Es
el
rasgo
princial
de
la
letra
"S"
en
mayúscula
o
"s"
en
 minúscula.
 
 Asta transversal:
Rasgo
horizontal
de
las
letras
"A,
H,
f
o
t".
 
 Brazo:
Parte
terminal
que
se
proyecta
horizontalmente
o
hacia
arriba
y
que
no
se
 encuentra
incluida
dentro
del
carácter,
tal
como
se
pronuncia
en
la
letra
"
E,
K
y
L
".
 
 Cola:
Asta
oblicua
colgante
que
forman
algunas
letras,
tales
como
la
"
R
o
K
".
 
 Descendente:
Asta
de
la
letra
de
caja
baja
que
se
encuentra
por
debajo
de
la
línea
 de
base,
como
ocurre
con
la
letra
"p
y
g".
 
 Inclinación:
Ángulo
de
inclinación
de
un
tipo.
 
 Línea base:
La
línea
sobre
la
que
se
apoya
la
altura.
 
 Oreja:
Es
la
terminación
o
terminal
que
se
le
añade
a
algunas
letras
tales
como
"g,
 o
y
r".
 
 Rebaba:
Es
el
espacio
que
existe
entre
el
carácter
y
el
borde
del
mismo.
 
 Serif, remate o gracia:
Es
el
trazo
o
termina
de
un
asta,
brazo
o
cola.
 
 


45

Formas de una terminal: Serif o serifas Existen
 cinco
 elementos
 puntuales,
 sirven
 para
 clasificar
 e
 identificar
 a
 las
 diferentes
las
familias
tipográficas:
 
 ‐
La
presencia
o
ausencia
del
serif
o
remate.
 ‐
La
forma
del
serif.
 ‐
La
relación
curva
o
recta
entre
bastones
y
serifs.
 ‐
La
uniformidad
o
variabilidad
del
grosor
del
trazo.
 ‐
La
dirección
del
eje
de
engrosamiento.
 
 De
 acuerdo
 con
 esto
 podemos
 hacer
 un
 análisis
 y
 reconocer
 a
 los
 dos
 grandes
 grupos
fundamentales:
 
 Tipografías
 con
 serif:
 Los
 tipos
 de
 carácteres,
 pueden
 incluir
 adornos
 en
 sus
 extremos
o
no,
estos
adornos
en
sus
terminaciones,
se
denominan
serif
o
serifas.
 
 Tipografías
sans
serif
o
de
palo
seco:
Es
la
tipografía
que
no
contiene
estos
adornos,
 comunmente
llamada
sanserif
o
(sin
serifas
),
éstas
no
tienen
serif
y
actualmente
se
 utilizan
en
muchos
tipos
de
publicaciones
de
texto
impreso.


Imagen de una serifa. 




46

Imagen sin serifa o san serif 


 Las
terminales,
son
las
serifas
inferiores
de
un
tipo,
y
las
formas
más
comunes
de
 una
terminal
las
clasificamos
como:
lapidaria,
veneciana,
de
transición,
bodoniana,
 lineal,
egipcia,
de
fantasía,
medieval,
de
escritura
y
adornada.
 


Clasificación de las familias tipográficas


 
 Las
 serif
 se
 clasifican
 en
 las
 siguientes
 clases:
 Romanas
 Antiguas,
 Romanas
 de
 Transición,
Romanas
Modernas
y
Egipcias.
 


47

Las
 sans
 serif
 se
 clasifican
 como:
 Grotescas,
 Neogóticas,
 Geométricas
 y
 humanísticas.
 


Familia de letras Romanas Antigüas  Se
caracterizan
por
los
siguientes
detalles:
 
 ‐
Son
letras
que
tienen
serif.
 ‐
Su
terminación
es
aguda
y
de
base
ancha.
 ‐
Los
trazos
son
variables
y
ascendentes
finos
y
descendientes
gruesos.
 ‐
La
dirección
del
eje
de
engrosamiento
es
oblicua.
 ‐
El
espaciado
de
las
letras
es
esencialmente
amplio.
 ‐
Un
peso
y
color
intenso
en
su
apariencia
general.
 
 Podemos
incluir
en
este
grupo
de
las
letras
romanas
antiguas:
Garamond,
Caslon
y
 trajan.
 


Este
 tipo
 de
 letra
 cumple
 con
 las
 características
 citadas,
 ya
 que
 identifica
 a
 dos
 etapas
de
su
construcción
original.
En
la
Roma
antigua
las
letras
eran
trazadas
con
 pincel
 cuadrado
 y
 posteriormente
 grabadas
 a
 cincel
 sobre
 la
 piedra.
 Las
 letras
 romanas
 antiguas
 también
 se
 denominan
 Garaldas,
 en
 claro
 homenaje
 a
 dos
 grandes
 tipógrafos
 de
 la
 época
 del
 Renacimiento:
 Claude
 Garamond
 y
 Aldus
 Manutius.
 





Tipografías Romanas de transición.




48

Son
un
tipo
de
familia
tipográfica
en
proceso
de
las
romanas
modernas.
 
 Las
romanas
de
transición
se
distinguen
por
las
siguientes
características:
 
 ‐
Tienen
serif.
 ‐
El
serif
es
de
terminación
mucho
más
aguda
que
las
antiguas.
 ‐
Los
trazos
son
varibles,
al
igual
que
las
antiguas,
pero
las
diferencias
entre
finos
y
 gruesos
 son
 más
 marcadas
 sin
 llegar
 al
 contraste
 que
 marcan
 las
 modernas.
 Por
 otro
lado
las
minúsculas
ganan
redondez
 ‐
 La
 dirección
 del
 eje
 de
 engrosamiento
 está
 más
 cerca
 de
 ser
 horizontal
 que
 oblicuo.
 
 Incluiríamos
en
esta
sección
la
tipografía,
Baskerville,
Times,
Century
 


Romanas modernas o didonas  Se
caracterizan
por
los
siguientes
rasgos:
 
 ‐
Tienen
serif.
 ‐
La
serif
es
lineal.
 ‐
El
serif
se
relaciona
angularmente
con
el
bastón
de
la
letra.
 ‐
 Los
 trazos
 son
 marcadamente
 variables,
 mucho
 más
 que
 en
 el
 caso
 de
 las
 romanas
antiguas.
 ‐
La
dirección
del
eje
de
engrosamiento
es
horizontal.
 ‐
Las
cursivas
son
muy
inclinadas,
nos
hacen
referencia
a
la
escritura
caligráfica.
 
 El
 grabado
 en
 cobre
 define
 esta
 clase
 de
 tipografías.
 También
 las
 romanas
 modernas
 son
 llamadas
 Didonas,
 nombre
 formado
 a
 partir
 de
 Fermín
 Didot
 y
 Giambattista
 Bodoni,
 relevantes
 tipógrafos
 del
 Siglo
 XIX.
 El
 lenguaje
 de
 estas
 tipografías
nos
llevan
claramente
a
los
resultados
de
la
Revolución
Industrial.
 
 Incluiríamos
 dentro
 de
 este
 grupo
 la
 tipografía,
 Bauer
 Bodoni,
 Didi,
 Caxton,
 Ultra
 Condensed.
 






 


49

Tipografía Egipcia.

Se
definen
por
las
siguientes
características:
 
 ‐
Tienen
serif.
 ‐
El
serif
es
tan
grueso
como
los
bastones,
esta
es
la
principal
característica
que
la
 identifica.
 ‐
Puede
ser
cuadrado
(Lubalin
Graph,
Robotik)
o
bien
redondo
(Cooper
Black).
 ‐
Las
relaciones
entre
serif
y
bastón
pueden
ser
angulares
(Memphis)
o
bien
curvas
 (Clarendon).
 ‐
La
dirección
del
eje
de
engrosamiento
es
normalmente
horizontal.
 
 Los
primeros
tipos
de
la
familia
Egipcia,
entran
en
juego
hacia
el
año
1820,
con
el
 primer
tipo
la
"clarendon".
El
tipo
clarendon
es
de
rigurosa
actualidad,
al
igual
que
 el
 Egyptienne
 usado
 en
 fotocomposición.
 Ofrecen
 cuerpos
 medianos
 para
 ser
 usados
como
textos
de
libros.
 





La italiana, una variable de la Egipcia 

Consiste
en
una
especie
de
egipcia
muy
estrecha,
denominada
por
algunos
Colonial
 y
 por
 otros
 Italiana.
 Su
 principal
 característica
 reside
 en
 el
 hecho
 de
 presentar
 bastones
 horizontales
 más
 gruesos
 que
 los
 verticales,
 en
 forma
 inversa
 a
 la
 corriente.
 Es
 una
 pequeña
 familia,
 con
 tipos
 muy
 armoniosos
 y
 muy
 adecuados
 para
determinados
titulares.
 
 Incluiríamos
en
esta
sección
la
tipografía,
Playbill.
 


50




Clasificaciones de las sans serif: Grotescas, geométricas y humanísticas Las
 sans
 serif
 fueron
 tomadas
 por
 las
 vanguardias
 del
 siglo
 XX
 por
 plasmar
 el
 corazón
de
la
época.
Hoy
en
dia
la
utilización
de
tipografías
no
es
limitada
por
un
 estilo,
 sino
 por
 todo
 lo
 lo
 contrario.
 Podemos
 encontrar
 distintos
 diseños
 que
 combinan
con
una
excelente
composición,
tanto
romanas
como
de
palo
seco.
 


Tipografía grotescas 


 Denominadas
 Grotesque
 en
 Europa
 y
 Gothic
 en
 América,
 son
 de
 origen
 decimonónico.
 Son
 las
 primeras
 versiones
 de
 sans
 serif
 derivadas
 de
 un
 tipo
 egipcia,
sólo
que
en
este
caso
se
han
eliminado
los
remates.
 
 Llamadas
 por
 los
 ingleses
 y
 americanos
 san
 serif,
 indicando
 con
 ello
 que
 los
 bastones
 no
 presentan
 ningún
 remate,
 y
 citadas
 en
 España,
 como
 letras
 de
 palo
 seco.
Las
grotescas
forman
una
familia
muy
amplia
de
tipos,
dentro
de
los
cuales
se
 multiplican
 las
 variantes:
 en
 redonda,
 cursiva,
 ancha,
 estrecha,
 fina,
 seminegra,
 supernegra...
 siendo
 precisamente
 esta
 extensa
 variedad
 de
 formas,
 una
 de
 las
 características
principales
de
las
grotescas
actuales.
 
 El
primer
tipo
de
la
familia
grotesca
aparece
en
el
año
1816,
pero
en
la
práctica
no
 fue
conocida
y
difundida
hasta
el
año
1925,
cuando
apareció
la
famosa
Futura,
obra
 del
 grabador
 Paul
 Renner,
 un
 tipo
 de
 letra
 que
 ha
 inspirado
 a
 todos
 los
 tipos
 existentes
de
grotesca.
 
 Las
más
representativas
de
este
grupo:
Futura
Haas
o
Helvética
o
Akzident,
Univers
 y
Franklin
Gothic.
 
 
 
 
 


51

Geométricas o de palo seco


 Se
trata
de
letras
de
palo
seco
y
de
ojos
teóricos,
basados
en
formas
y
estructuras
 geométricas,
 normalmente
 monolíneas.
 Se
 emplean
 deliberadamente
 las
 mismas
 curvas
 y
 líneas
 en
 tantas
 letras
 como
 sea
 posible,
 la
 diferencia
 entre
 las
 letras
 es
 mínima.
Las
mayúsculas
son
el
retorno
de
antiguas
formas
griegas
y
fenicias.
 
 Destacamos
dentro
de
esta
família
la:
Futura
de
Paul
Renner,
1927,
la
Eurostile
o
la
 Industria.
 


Humanísticas 


 Este
 tipo
 de
 sans
 serif
 está
 basada
 en
 las
 proporciones
 de
 las
 romanas.
 Las
 mayúsculas
inscripcionales
y
el
diseño
de
caja
baja
de
las
romanas
de
los
siglos
XV‐ XVI.
 No
 son
 monolíneas
 y
 son
 una
 versión
 de
 la
 romana
 pero
 sin
 serifs.
 Algunos
 ejemplos
de
estos
tipos:
Gill
Sans,
Stone
Sans,
Optima.
 
 Destacamos
a
Edward
Johston,
calígrafo
relevante
de
la
época,
con
su
creación
en
 el
tipo
de
Palo
Seco
para
el
Metro
de
Londres
en
1916.
Significó
un
gran
paso
en
lo
 referente
a
las
características
habituales
hasta
entonces
presentes
en
estos
tipos.
 


52

Las inglesas o manuscritas.


 Una
familia
de
gran
alcurnia
y
nobleza,
actualmente
arruinada.
Este
tipo
caligráfico
 se
 encuentra
 representada
 a
 pluma
 y
 pincel.
 La
 familia
 de
 letra
 inglesa,
 como
 la
 gótica
es
una
reliquia
de
tiempos
pasados,
cuando
el
rey
Jorge
IV
de
Inglaterra
se
le
 ocurrió
 un
 día
 del
 año
 1700,
 solicitarle
 al
 fundidor
 francés
 Firmín
 Didot
 una
 letra
 manuscrita,
imitando
la
inglesa
manuscrita.
 
 Las
cursivas
inglesas
nacen
de
la
escritura
común
con
pluma
de
acero
derivada
del
 siglo
XIX.
Destacamos
entre
ellas:
las
Snell
English
o
las
Kuenstler.
 
 Forman
 parte
 también
 de
 los
 tipos
 de
 letra
 manuscritos
 o
 caligráficos
 la
 del
 tipo
 Mistral,
 verdadero
 hallazgo
 del
 grabador
 Excoffon,
 quien
 consiguió
 un
 alfabeto
 manuscrito
de
caja,
cuyas
letras
enlazan
perfectamente.
 


Las letras ornamentadas 

Las
 del
 tipo
 decorativas
 no
 pertenecen
 a
 ninguna
 clasificación
 exacta.
 La
 ornamentación
 de
 letras
 y
 tipos
 alcanzó
 su
 máximo
 esplendor
 hacia
 la
 primera
 mitad
 del
 siglo
 pasado,
 precisamente
 cuando
 se
 inició
 la
 litografía
 industrial.
 Debido
a
la
fácil
talla
de
la
madera,
las
filigranas
y
ornamentaciones
invadieron
al
 tipo.
 
 La
 ornamentación
 tipográfica
 existe
 desde
 hace
 muchos
 siglos,
 primero
 con
 las
 letras
capitales
adornadas,
en
los
tiempos
del
Uncial,
el
Carolingio
y
el
Gótico,
más
 tarde
 con
 las
 capitales
 del
 Renacimiento.
 Otra
 muestra
 precedente
 de
 ornamentación
la
del
antiguo
Caslon.
 


53




La rotulación como medio de comunicación Según
Cicerón,
lo
importante
no
es
lo
que
se
dice,
sino
como
se
dice,
filósofo
de
la
 antigua
 Roma,
 quien
 pronunció
 estas
 palabras.
 Marshall
 MacLuhan
 filósofo
 y
 sociólogo
 de
 la
 moderna
 Norteamérica,
 desarrolló
 en
 todas
 sus
 consecuencias,
 la
 idea
 de
 Cicerón.
 Marshall
 afirma
 que
 una
 noticia
 en
 el
 periódico,
 un
 incendio,
 un
 discurso,
 una
 competición
 deportiva,
 cambia
 enteramente
 cuando
 se
 emite
 por
 radio
 o
 se
 transmite
 por
 televisión.
 Volviendo
 al
 inicio
 de
 las
 letras,
 es
 un
 medio
 para
influir
en
lo
que
se
dice
y
a
través
de
cómo
se
dice.
Condición
para
influir
en
el
 "que"
a
través
del
"como"
es
igual
a
legibilidad.
 
 Legibilidad
es
término
empleado
en
el
diseño
tipográfico
para
definir
una
cualidad
 deseable
de
una
familia
tipográfica.
Algo
legible
es
la
facilidad
o
complejidad
de
la
 lectura
de
una
letra.
 


Factores que condicionan la legibilidad de un rótulo o texto  El
aspecto
más
importante
de
la
tipografía,
es
al
público
al
cual
va
dirigido
el
texto
y
 que
sea
capaz
de
leerlo
perfectamente,
sin
ningún
inconveniente.
 
 Para
 que
 un
 trabajo
 sea
 legible,
 un
 diseñador
 debe
 saber,
 quién
 lo
 leerá
 y
 desde
 donde
 y
 a
 que
 distancia
 lo
 leerá.
 En
 este
 caso
 debemos
 tener
 en
 cuenta
 factores
 muy
 importantes
 tales
 como;
 la
 luz,
 la
 distancia,
 la
 altura
 de
 colocación
 del
 texto
 etc.
 
 El diseño de la letra:
Los
tipos
de
diseño
 clásicos
 latinos,
 son
 los
 que
 ofrecen
 mayor
 legibilidad.
 Las
 letras
 redondas
 y
 minúsculas
suelen
ser
las
más
legibles.
 
 Espaciado entre letra y letra:
Un
título
o
 un
 rótulo
 cuyas
 letras
 se
 peguen
 materialmente
 unas
 a
 otra
 no
 ofrece
 buena
 legibilidad,
 aunque
 algunos
 grafistas
defienden
esta
fórmula,
atentos
 solamente
al
efecto
plástico.
 
 El  tamaño  de  la  letra:
 Una
 letra
 de
 tamaño
 grande
 es
 más
 legible
 que
 otra
 de
 tamaño
 más
 pequeño.
 Pero
 existe
 un
 tamaño
ideal
que
anima
y
favorece
la
lectura,
la
letra
del
cuerpo
diez
o
doce.
Por
 ejemplo
para
un
cartel
que
se
observará
a
10
metros,
la
altura
de
la
letra
debe
ser
,
 al
menos
de
2,5
cm,
mientras
que
para
una
valla
publicitaria
que
deba
leerse
a
60
 metros,
la
altura
de
la
letra
deberá
ser
al
menos
de
15
cm.


54

La  longitud  de  la  linea:
 Una
 línea
 muy
 larga,
 impresa
 en
 un
 cuerpo
 de
 letra
 más
 bien
pequeño,
en
la
que
se
incluyen
muchas
palabras,
entorpece
la
lectura,
por
la
 dificultad
que
supone
pasar
de
una
línea
a
otra.
 
 La  calidad  de  impresión:
 Una
 impresion
 deficiente
 con
 fallos,
 remosqueados,
 exceso
 de
 tinta,
 pisada
 o
 presión
 excesiva,
 puede
 perjudicar
 notablemente
 la
 legibilidad.
 
 Los  colores  adecuados  para  una  tipografía  son:
 Los
 tipos
 negros
 sobre
 fondo
 blanco,
 reflejan
 mayor
 legibilidad,
 el
 efecto
 contrario,
 texto
 blanco
 sobre
 fondo
 negro,
nos
hacen
perder
visibilidad.


Tipografías más usuales para rotulación Las
 interrupciones
 de
 un
 texto,
 se
 crean
 a
 partir
 de:
 Los
 títulos,
 subtítulos,
 encabezamientos
y
comienzos
de
una
página.
Se
tendrá
en
cuenta
la
importancia
 de
 las
 imágenes
 por
 ellas
 mismas,
 su
 interés
 visual.
 De
 esta
 forma,
 el
 diseñador
 debe
evitar
que
el
énfasis
tipográfico
entre
en
conflicto
con
las
imágenes.
 
 Los
 rótulos
 se
 utilizan
 para
 captar
 la
 atención,
 que
 sean
 vistosos
 y
 comunicar
 mensajes
 y
 emociones.
 Pueden
 ser
 de
 distintas
 maneras,
 modernos,
 pacíficos,
 agresivos,
etc.
 
 En
 la
 creación
 de
 un
 rótulo,
 debe
 existir
 un
 buen
 equilibrio
 entre
 el
 sentido
 del
 mismo
y
la
tipografía
con
la
que
se
ha
escrito.
Una
buena
combinación
que
ayuda
a
 expresar
y
evocar
las
emociones,
sentimientos,
etc.
son
los
rótulos
con
la
variante
 de
diferentes
tamaños,
pesos
y
anchos.
 



 La
 clasificación
 de
 "Maximiliam
 Vox,
 creada
 alrededor
 de
 los
 años
 50",
 fué
 muy
 utilizada
en
los
diferentes
tipos
de
rotulación.
Las
san
serif
son
también
muy
usadas
 para
los
rótulos,
nos
indican:
innovación,
evolución,
avance,
tecnología...


55




Variables visuales: definición, orientación y tamaño Se
denomina
variables
visuales,
a
las
variaciones
que
han
sufrido
los
signos.
Estas
 variales
son
las
siguientes:
La
forma,
la
orientación,
el
tamaño
y
el
movimiento.
 
 La forma
de
un
tipo
puede
ser
mayúscula,
minúscula
o
versalita.
 
 La orientación
de
un
tipo
también
es
una
punto
importante
a
tener
en
cuenta.
Por
 ejemplo,
la
cursiva
se
emple
para
remarcar
una
letra
dentro
de
un
bloque
de
texto,
 para
que
destaque
del
resto.
De
la
misma
forma,
un
texto
escrito
todo
en
cursiva,
 resulta
pesado
leerlo.
 
 El  tamaño,
 haciendo
 referencia
 a
 la
 anchura
 y
 altura
 de
 un
 tipo
 de
 tipografía.
 Habitualmente
se
mide
en
puntos
(pt),
y
al
variar
estos
puntos
el
tipo
aumenta
o
 disminuye
proporcionalmente
en
altura
y
anchura.
 





Un tipo de letra para cada cuerpo de texto El
denominado
tipo
de
letra
estándar,
es
más
legible
que
otro
de
tipo
decorativo.
 Los
tipos
con
serifas
son
más
legibles
que
las
de
palo
seco.
 
 El
espacio
entre
letras
o
palabras
no
tiene
que
ser
ni
muy
amplio,
ni
demasidado
 reducido,
para
que
tengan
una
buena
visibilidad
y
legibilidad.
 
 El
 tamaño,
 si
 el
 tipo
 es
 demasiado
 grande,
 o
 pequeña,
 cansa
 mucho
 al
 lector
 y
 reduce
 la
 legibilidad.
 También
 ocurre
 con
 las
 columnas,
 donde
 un
 ancho
 corto,
 cansa
al
usuario,
ya
que
tiene
que
cambiar
de
línia
constantemente.
 
 Un
texto,
todo
en
negrita
es
muy
denso
y
también
dificulta
la
lectura.
 
 Un
 problema
 que
 puede
 surgir
 con
 el
 espacio
 entre
 las
 palabras,
 es
 que
 puede
 desestructurar
 la
 línea
 y
 entorpecer
 la
 lectura
 y
 la
 estética
 cuando
 las
 palabras


56

distan
 mucho
 unas
 de
 otras.
 Hay
 que
 encontrar
 una
 medida
 razonable,
 que
 dependerá
del
tipo
de
escrito
que
estemos
componiendo.





Interlineado  El
 interlineado
 es
 el
 término
 tipográfico
 que
 describe
 el
 espacio
 vertical
 entre
 líneas.
 La
 interlínea
 se
 usa
 para
 dar
 mayor
 legibilidad
 a
 las
 líneas
 de
 un
 texto,
 cuando
éstas
son
largas
y
están
compuestas
en
un
cuerpo
pequeño.


La alineación del Texto La
alineación
del
texto
es
un
paso
importante
para
mantener
también
una
buena
 legibilidad.
Las
opciones
de
alineación
en
un
diseño
de
una
página
tradicional
son:
 Alinear
 a
 la
 izquierda,
 alinear
 a
 la
 derecha,
 centrar,
 justificar
 y
 alineaciones
 asimétricas.
 
 El
texto
alineado a la izquierda
es
 el
 recomendable
 para
 textos
 largos.
Crea
una
letra
y
un
espacio
 entre
 palabras
 muy
 equilibrado
 y
 uniforme.
Esta
clase
de
alineación
 de
 textos
 es
 probablemente
 la
 más
legible.
 
 Alineación  a  la  derecha
 se
 encuentra
 en
 sentido
 contrario
 del
 lector
 porque
 resulta
 difícil
 encontrar
 la
 nueva
 línea.
 Este
 método
puede
ser
adecuado
para
 un
texto
que
no
sea
muy
extenso
 
 El  texto  justificado,
 alineado
 a
 derecha
 e
 izquierda.
 Puede
 ser
 muy
 legible,
 si
 el
 diseñador
 equilibra
 con
 uniformidad
 el
 espacio
 entre
 letras
 y
 palabras,
 evitando
 molestos
 huecos
denominados
ríos
que
no
rompan
el
curso
del
texto.
 


57

Las alineaciones centradas
proporcionan
al
texto
una
apariencia
muy
formal
y
son
 ideales
cuando
se
usan
mínimamente.
Se
debe
evitar
configurar
textos
demasiado
 largos
con
esta
alineación
 
 Alineaciones asimétricas
se
utilizan
cuando
el
diseñador
quiere
romper
el
texto
en
 unidades
de
pensamiento
lógicas,
o
para
dar
más
expresivaidad
a
la
página.


Kern y el track.


 Dos
conceptos
a
tener
en
cuenta
antes
de
modificar
el
espacio
entre
letras,
son
el
 track
y
el
kern.
 
 Los
tipógrafos
han
usado
el
track o tracking
para
alterar
la
densidad
visual
del
texto
 o
el
espacio
global
entre
un
grupo
selecionado
de
caracteres.
Esta
alteración
afecta
 a
 todos
 los
 caracteres,
 como
 regla
 general,
 cuanto
 más
 grande
 es
 el
 cuerpo
 más
 apretado
debe
ser
el
track.
El
track
ajusta
el
espacio
que
existe
entre
los
carácteres,
 abriendo
los
cuerpos
más
pequeños
y
cerrando
los
mas
grandes.
 
 El
 Kern  o  kerning
 es
 el
 espacio
 existente
 entre
 dos
 caracteres
 individuales,
 para
 cuando
 dos
 de
 estos
 carácteres
 se
 encuentran
 demasiado
 juntos
 o
 separados.
 El
 kern
es
proporcional,
ya
que
es
del
mismo
tamaño
en
puntos
que
el
cuerpo
de
los
 carácteres.
Si
un
texto
es
de
10
puntos,
el
kern
mide
10
puntos.


Características de las familias tipográficas 




58


 En
 una
 familia
 tipográfica,
 existen
 carácteres
 que
 se
 diferencian
 entre
 sí,
 clasficándolos
de
la
siguiente
forma:
 
 ‐ El grosor en el trazo:
Los
trazos
que
componen
los
tipos,
pueden
ser
pesados
o
 ligeros,
segun
su
grosor
pueden
afectar
o
no
a
la
legibilidad.
El
grosor
de
un
trazo
 puede
ser,
redonda,
negra
o
supernegra,
fina
o
extrafina.
 
 ‐ Inclinación del eje vertical o cursivas:
Son
las
denomiadas
cursivas
o
itálicas.
La
 cursiva
 en
 la
 tipografía
 debe
 utilizarse
 con
 prudencia,
 porque
 abusar
 de
 este
 carácter
inclinado
dificulta
la
lectura.
 
 ‐  Porporción  entre  ejes  vertical  y  horizontal  ancho:
 Son
 en
 redonda,
 cuando
 son
 iguales,
estrecha
cuando
el
horizontal
es
menor
que
el
vertical,
y
expandida
cuando
 el
 horizontal
 es
 mayor.
 Cuando
 hay
 mucho
 texto,
 es
 ideal
 y
 aconsejable
 utilizar
 tipografías
estrechas
para
ahorrar
espacio.
 
 ‐ Mayúsculas a caja baja:
Un
texto
escrito
en
letras
mayúsculas,
provoca
lentitud
 en
la
lectura
y
ocupa
más
espacio.
 


El color en la tipografía y en la elección del tipo Conocer
y
comprender
los
colores
y
lo
que
nos
transmiten,
es
importante
y
básico
 para
trabajar
con
los
tipos
y
en
el
mundo
del
diseño
gráfico.
Normalmente,
cuando
 nos
 encontramos
 diseñando
 una
 presentación
 y
 partimos
 de
 poco
 espacio,
 utilizamos
el
color
para
enfatizar
las
letras.
 
 Para
 conseguir
 una
 buena
 legibilidad
 cuando
 se
 diseña
 con
 tipos
 y
 color
 deberemos
 equilibrar
 cuidadosamente
 las
 tres
 propiedades
 del
 color
 (tono,
 valor
 e
 intensidad)
 y
 determinar
 el
 contraste
 adecuado
 entre
 las
 letras
 y
 su
 fondo.
 Cuando
 se
 combinan
 tipos
 y
 color,
 el
 equilibrio
 entre
 estas
características
es
importantísimo.
 
 El
 color
 tipográfico
 es
 una
 ilusión
 óptica,
 creada
 por
 las
 propias
 proporciones
 y
 formas
 de
 los
 diseños
 tipográficos.
 Éstas
 nos
 hacen
 percibir
 la
 sensación
 de
 un
 color
 distinto,
 aunque
 esté
 impreso
 en
 el
 mismo
 color.
 Aunque
 las
 palabras
 estén
 impresas
 en
 el
 mismo
 color,
 cada
 una
 de
 ellas
 puede
 poseer
 un
 tono
 diferente,
 debido
a
las
características
propias
de
sus
diseños
tipográficos.
 


59

Como impacta el color 


 Recordamos
que
los
colores
pueden
dividirse
en
dos
grupos:
colores
fríos
y
cálidos.
 
 Los
colores
cálidos
van
desde
el
rojo
al
amarillo,
y
son
colores
muy
impactatnes,
ya
 que
destacan
mucho
sobre
un
fondo.
El
rojo
o
el
naranja
son
colores
muy
vistosos
y
 llamativos,
por
este
motivo
se
usa
el
color
rojo
en
los
semáforos
y
muchas
señales
 de
peligro.
 
 Los
colores
fríos,
son
los
verdes
hasta
los
azules,
tienen
la
característica
de
que
son
 muy
relajantes.
Se
utilizan
en
la
decoración
infantil,
centros
de
estudio,
hospitales.
 
 El
 blanco,
 gris
 y
 negro,
 no
 nuede
 incluirse
 en
 los
 grupos
 de
 cálidos
 y
 fríos.
 
 Los
 tonos
 marrones,
 tostados
 cremas
 y
 ocres,
 representan
 añoranza
 y
 son
 perfectos
 para
 representar
 productos
 naturales
 y
 clásicos.
 En
 publicidad
 se
 emplea
en
anuncios
en
blanco
y
negro
 o
 escala
 de
 grises,
 para
 resaltar
 el
 producto
o
elemento
protagonista.
 
 Los
 colores
 primarios
 (Magenta,
 Cian
 y
 Amarillo)
 se
 utilizan
 en
 productos
 infantiles,
 porque
 aportan
 alegría
 y
 juventud.
Y
además
estos
colores,
en
los
niños
les
recuerdan
a
los
dulces.
 
 Las
 tipografías
 doradas
 o
 plateadas
 sobre
 fondos
 oscuros
 nos
 evocan
 elegancia
 y
 sofisticación,
y
son
muy
adecuadas,
si
se
trata
de
un
proyecto
donde
se
debe
incluir
 el
lujo,
la
elegancia
o
poder.
 
 
 


60

La cuadrícula Actualmente
 se
 usan
 dos
 sistemas
 de
 medidas
 tipográficas,
 la
 pica
 y
 el
 punto
 (medida
inventada
por
Firmín
Didot).
 
 Seis
 picas
 o
 72
 puntos
 equivalen
 aproximadamente
 a
 una
 pulgada
 y
 doce
 puntos
 equivalen
 a
 una
 pica.
 Los
 puntos,
 sirven
 para
 especificar
 el
 cuerpo
 de
 un
 tipo,
 formado
 por
 la
 altura
 de
 las
 mayúsculas,
 más
 un
 pequeño
 espacio
 por
 encima
 o
 debajo
de
las
letras.
Las
picas
se
utilizan
para
medir
la
longitud
de
las
lineas.
 
 La
cuadrícula
tipográfica,
se
utiliza
para
organizar
todos
los
elementos
tipográficos
 y
 demás
 ilustraciones
 que
 integraran
 la
 página.
 La
 configuración
 de
 la
 cuadrícula,
 depende
de
la
información
que
se
ha
de
transmitir
y
las
propiedades
físicas
de
cada
 elemento
 tipográfico.
 Las
 cuadrículas
 tipográficas
 de
 formato
 estándar,
 tienen
 módulos
cuadrados,
columnas
de
texto,
márgenes,
lineas
de
contorno
y
medianiles
 (el
espacio
que
queda
en
blanco
entre
dos
columnas
de
texto).
 
 Para
 organizar
 el
 diseño
 de
 una
 retícula,
 primero
 deberemos
 trabajar
 con
 los
 elementos
más
pequeños
y
a
partir
de
ahí,
iremos
ascendiendo.






 


61

Tipografía digital La
 informática
 ha
 revolucionado
 la
 tipografía,
 modificándola
según
las
necesidades
de
cada
ilustración
 y
uso.
La
informática
se
está
aplicando
en
el
proceso
de
 la
impresión,
diseño
gráfico
y
el
diseño
de
páginas
web.
 Por
 un
 lado,
 la
 multitud
 de
 aplicaciones
 informáticas
 relacionadas
 con
 el
 diseño
 gráfico
 y
 la
 editorial
 han
 hecho
posible
el
diseño
y
la
creación
de
nuevas
fuentes
 tipográficas,
de
forma
cómoda
y
fácil.
 
 Por
 otra
 parte,
 ha
 sido
 necesario
 rediseñar
 muchas
 de
 las
 fuentes
 ya
 existentes
 para
 su
 correcta
 aplicación
 en
 el
 proceso
 digital,
 para
 mejorar
la
visualización
y
lectura
en
pantalla,
y
hacer
que
se
ajusten
a
la
rejilla
de
 píxeles
de
la
pantalla
del
monitor.


Elegir una fuente digital para un documento  Esta
es
una
de
las
partes
más
crítica
del
proceso
de
diseño.
Todo
el
aspecto
y
significado
 aparente
 de
 una
 composición
 o
 trabajo,
 cambia
 con
 un
 tipo
 de
 letra
 u
 otro.
 Al
 primer
 golpe
 de
 vista,
 la
 tipografía
 y
 el
 color
 dicen
 más
 que
 el
 mismo
 texto.
 Según
 John
 Mc
 Wade,
la
tipografía
es
el
punto
flaco
más
habitual
de
la
mayoría
de
los
diseñadores.
 
 En
 cuanto
 al
 color,
 el
 lector
 idenfica
 los
 colores
 con
 mucha
 más
 rapidez
 que
 cualquier
 otro
 atributo,
 acepta
 o
 rechaza
 determinados
 colores
 muy
 fácilmente.
 Aplicar
 el
 color
 con
cierta
discrección
en
algunas
partes
del
texto,
puede
mejorar
mucho
su
captación
y
 aportar
distinción.
Incluso
puede
crear
la
impresión
de
mayor
variedad
de
fuentes.
Pero
 el
 color,
 usado
 inadecuadamente,
 puede
 tener
 un
 impacto
 negativo,
 actuar
 como
 distracción
y
dar
un
aspecto
vulgar.
 
 En
cuanto
al
tipo
de
letra,
el
criterio
que
podemos
seguir
es
sobre
todo
nuestro
propio
 gusto.
 Conviene
 que
 tengamos
 en
 cuenta
 algunos
 principios,
 en
 especial
 la
 legibilidad.
 Este
criterio
es
especialmente
importante
para
textos
largos.
Para
bloques
de
texto
más
 cortos
tenemos
más
libertad
de
elección,
y
para
los
títulos
podemos
emplear
la
fuente
 que
queramos,
en
función
de
la
impresión
que
nos
interese
crear
o
trasladar.
 





62

¿Qué es una fuente digital? Una
fuente
digital,
es
un
conjunto
 de
 dibujos
 vectoriales
 que
 se
 pueden
 escalar
 sin
 pérdida
 de
 calidad.
 Se
 almacenan
 principalmente
 en
 archivos
 de
 tipo
 TrueType(TT)
 o
 Postscript
 Tipo1
 (PS1).
 Són
 tecnologías
 de
 fuente
 escalable
 que
 mantienen
 buena
 calidad
 independientemente
 de
 la
 resolución.
 
 Este
 tipo
 de
 fuentes
 son
 reconocidas
 en
 la
 mayoría
 de
 sistemas
 operativos.
 Cada
 fuente
 TT
 se
 almacena
 en
 un
 solo
 fichero,
 mientras
 que
 la
 PS1
 requiere
 dos
 ficheros
 separados,
 uno
 para
 la
 impresora
 y
 otro
 para
 su
 visualización
 en
 pantalla.
 Este
 fichero
 contiene,
 además,
 la
 información
 necesaria
 para
 hacer
 corresponder
 cada
 imagen
al
carácter
correspondiente,
y
también
para
el
espaciado
de
los
caracteres.
 


Fonts especiales para la pantalla digital  La
legibilidad
de
los
carácteres
es
una
propiedad
marcada
por
el
propio
diseño
de
 los
tipos
de
letra.
 
 De
 los
 diferentes
 tipos
 de
 letras
 que
 podemos
 emplear,
 algunos
 están
 especialmente
 pensados
 para
 ser
 vistos
 en
 el
 monitor
 de
 un
 ordenador.
 Se
 ha
 tenido
 un
 interés
 especial
 al
 diseñarlas,
 para
 que
 sean
 fácilmente
 legibles
 en
 el
 caso,
de
que
las
visualizemos
en
pantallas
con
baja
resolución.
 
 Se
 trata
 de
 la
 colección
 de
 fuentes,
 tales,
 como
 la
 Verdana,
 Tahoma,
 Trebuchet
 y
 Georgia.
 Las
 fuentes
 ornamentales
 o
 caligráficas
 no
 deben
 emplearse
 más
 allá
 de
 unas
pocas
líneas,
puesto
que
causarían
de
fatiga
visual.
 





63

Técnicas de composición La
 composicion
 se
 define
 como
 una
 distribución
 o
 disposición
 de
 todos
 los
 elementos
 que
 incluiremos
 en
 un
 diseño
 o
 composición,
 de
 una
 forma
 perfecta
y
equilibrada.
 
 En
 un
 diseño
 lo
 primero
 que
 se
 debe
 elegir
 son
 todos
 los
 elementos
 que
 aparecerán
 en
 el,
 luego
 debemos
 distribuirlos,
 para
 colocarlos
 con
 el
 espacio
 disponible.
Los
elementos
pueden
 ser
 tanto
 imágenes,
 como
 espacios
 en
 blanco,
 etc.
 Es
 muy
 importante,
 tener
 en
 cuenta
 de
 que
forma
situaremos
estos
elementos,
en
nuestra
composición,
para
que
tengan
 un
equilibrio
formal
y
un
peso
igualado.
 
 El
 peso
 de
 un
 elemento,
 se
 determina
 no
 sólo
 por
 su
 tamaño,
 que
 es
 bastante
 importante,
 si
 no
 por
 la
 posición
 en
 que
 este
 ocupe
 respecto
 del
 resto
 de
 elementos.
 Por
 ejemplo
 si
 queremos
 hacer
 destacar
 un
 elemento
 en
 concreto,
 lo
 colocaremos,
en
el
centro.
 


La composición, el concepto En
 toda
 composición,
 los
 elementos
 que
 se
 sitúan
 en
 la
 parte
 derecha,
 poseen
 mayor
peso
visual,
y
nos
transmiten
una
sensación
de
avance.
En
cambio
los
que
se
 encuentran
en
la
parte
izquierda,
nos
proporcionan
una
sensación
de
ligereza.
 
 Esto
 también
 se
 observa,
 si
 lo
 aplicamos
 en
 la
 parte
 superior
 de
 un
 documento,
 posee
 mayor
 ligereza
 visual,
 mientras
 que
 los
 elementos
 que
 coloquemos
 en
 la
 parte
inferior,
nos
transmitirán
mayor
peso
visual.
 
 Actualmente
no
existe
una
composición
perfecta.
Cada
composición
dependerá
de
 su
resultado
final,
para
todo
ello,
es
necesario
conocer
todos
los
aspectos
y
formas
 para
obtener
un
resultado
con
un
cierto
equilibrio.
 


64




Las proporciones, la forma, el tamaño.  Uno
de
los
formatos
más
conocidos
e
utilizados
es
el
DINA‐4.
Podemos
limitar
las
 proporciones
de
nuestra
composición
a
través
del
color.
 
 También
 existe
 las
 formas,
 las
 angulares
 y
 alargadas
 amplían
 el
 campo
 de
 visión,
 mientras
 que
 formas
 angulares
 cortas,
 nos
 transmiten
 la
 sensación
 de
 timidez
 y
 humildad.
 
 Las
formas
redondas
(modelo
curvilíneo
y
rectangular),
la
proporción
y
la
simetría,
 suelen
 combinarse,
 las
 formas
 en
 sus
 variantes
 también
 són
 simétricas.
 Estas
 formas
 crean
 armonía,
 suavidad
 y
 perfección.
 Por
 ejemplo
 las
 formas
 simples
 y
 regulares
 son
 las
 que
 se
 perciben
 y
 recuerdan
 con
 mayor
 facilidad.
 Las
 formas
 simétricas,
en
el
mundo
de
la
naturaleza,
un
ejemplo
del
orden
geométrico
sobre
la
 formación
de
sus
estructuras
vivientes.
 
 El
 tamaño
 de
 un
 elemento,
 en
 relación
 al
 resto,
 también
 presenta
 diferentes
 definiciones.
 Las
 formas
 grandes,
 anchas
 o
 altas,
 se
 perciben
 cómo,
 más
 fuertes,
 pero
las
más
pequeñas,
finas
o
cortas,
simbolizan
la
debilidad
y
delicadeza.


La escala Definimos
el
concepto
de
escala,
cuando
todos
los
elementos
tienen
la
capacidad
 de
modificarse
y
definirse
unos
a
otros.
 
 La
 escala
 normalmente
 se
 usa
 en
 la
 cartografía,
 planos,
 mapas...
 para
 poder
 representar
una
medida
proporcional
al
del
tamaño
real.
Es
cuando
citamos,
este
 plano
 está
 en
 escala
 1:10.
 Este
 concepto,
 hace
 referencia,
 que
 para
 realizar
 el


65

plano,
se
ha
aplicado
un
factor
de
reducción
determinado,
para
poder
dibujarlo
o
 plasmarlo
en
un
lugar
más
pequeño,
pero
sin
que
pierda
sus
proporciones.


La sección áurea 

Qué
es
la
sección
áurea?
 
 Es
 la
 división
 armónica
 de
 una
 recta
 en
 media
 y
 extrema
 razón.
 Esto
 hace
 referencia,
 a
 que
 el
 segmento
 menor,
 es
 al
 segmento
 mayor,
 como
 este
 es
 a
 la
 totalidad
de
la
recta.
O
cortar
una
línea
en
dos
partes
desiguales
de
manera
que
el
 segmento
mayor
sea
a
toda
la
línea,
como
el
menor
es
al
mayor.
De
esta
forma
se
 establece
 una
 relación
 de
 tamaños
 con
 la
 misma
 proporcionalidad
 entre
 el
 todo
 dividido
en
mayor
y
menor,
esto
es
un
resultado
similar
a
la
media
y
extrema
razón.
 Esta
 proporción
 o
 forma
 de
 seleccionar
 proporcionalmente
 una
 línea
 se
 llama
 proporción
 áurea,
 se
 adopta
 como
 símbolo
 de
 la
 sección
 áurea
 (Æ
 ),
 y
 la
 representación
en
números
de
esta
relación
de
tamaños
se
llama
número
de
oro
=
 1,618.
 
 A
lo
largo
de
la
historia
de
las
artes
visuales,
han
surgido
diferentes
teorías
sobre
la
 composición.
 
 Platón
decía:
es
imposible
combinar
bien
dos
cosas
sin
una
tercera,
hace
falta
una
 relación
entre
ellas
que
los
ensamble,
la
mejor
ligazón
para
esta
relación
es
el
todo.
 La
suma
de
las
partes
como
todo
es
la
más
perfecta
relación
de
proporción.








66

Vitruvio,
 importante
 arquitecto
 romano,
 acepta
 el
 mismo
 principio
 pero
 dice
 que
la
simetría
consiste
en
el
acuerdo
de
medidas
entre
los
diversos
elementos
 de
 la
 obra
 y
 estos
 con
 el
 conjunto.
 Inventó
 una
 fórmula
 matemática,
 para
 la
 división
del
espacio
dentro
de
un
dibujo,
conocida
como
la
sección
áurea,
y
se
 basaba
en
una
proporción
dada
entre
los
lados
mas
largos
y
los
más
cortos
de
 un
 rectángulo.
 Dicha
 simetría
 está
 regida
 por
 un
 modulo
 común:
 que
 es
 el
 número.
Definido
de
otra
forma,
bisecando
un
cuadro
y
usando
la
diagonal
de
 una
 de
 sus
 mitades
 como
 radio
 para
 ampliar
 las
 dimensiones
 del
 cuadrado
 hasta
convertirlo
en
"rectángulo
áureo".
Se
llega
a
la
proporción
a:b
=
c:a.
 
 Dicho
 esto,
 y
 según
 Vitruvio,
 se
 analiza
 que
 al
 crear
 una
 composición,
 si
 colocamos
 los
 elementos
 principales
 del
 diseño
 en
 una
 de
 las
 líneas
 que
 dividen
 la
 sección
 áurea,
 se
 consigue
 el
 equilibrio
 entre
 estos
 elementos
 y
 el
 resto
del
diseño.
 
 


El equilibrio en una composición Cada
 forma
 o
 figura
 representanda
 sobre
 un
 papel,
 se
 comporta
 como
 un
 peso,
 un
 peso
 visual,
 porque
 ejerce
 una
 fuerza
 óptica.
 Los
 elementos
 de
 nuestra
 composición
 pueden
 ser
 imaginados
 como
 los
 pesos
 de
 una
 balanza.
 Una
 composición
 se
 encuentra
 en
 equilibrio
 si
 los
 pesos
 de
 los
 elementos
 se
 compensan
 entre
sí.
 
 
 Este
 criterio
 se
 aplica
 principalmente
 al
 diseño,
 normalmente
 se
 busca
 este
 equilibrio,
aunque
en
alguna
ocasión
se
provoca
un
desequilibrio
intencionado
 para
conseguir
unos
resultados
específicos
en
un
diseño.
 
 Definimos
 equilibrio,
 como
 la
 apreciación
 subjetiva,
 en
 la
 cual,
 los
 elementos
 de
una
composición
no
se
van
a
desprender.
 


67

El equilibrio simétrico







En
una
composición
se
puede
conseguir
el
equilibrio
a
través
del
uso
de
líneas
 y
 formas.
 Todos
 los
 pesos
 deberán
 estar
 compensados
 para
 obtener
 el
 equilibrio
ideal.
 
 Como
 medición
 del
 peso
 de
 las
 formas
 y
 líneas
 que
 utilizamos
 en
 una
 composición,
 se
 observa
 la
 importancia
 que
 tienen
 los
 objetos
 dentro
 del
 diseño
 o
 creación
 que
 queremos
 representar,
 intentando
 equilibrar
 los
 elementos
 de
 mayor
 importancia,
 con
 los
 de
 menor
 importancia,
 y
 los
 de
 mayor
peso
con
los
de
menor.
 
 Clasificamos
 el
 equilibrio
 en
 dos
 tipos:
 simétrico
 y
 asimétrico
 
 Equilibro
simétrico:
es
cuando
 al
 dividir
 una
 composición
 en
 dos
 partes
 iguales,
 existe
 igualdad
 de
 peso
 en
 ambos
 lados.
 No
 se
 encuentran
 elementos
 que
 sobresalgan
 más
 que
 el
 resto
 en
 importancia
y
peso.
 
 Un
ejemplo
más
inmediato
de
simetría
en
el
mundo
orgánico,
es
la
mariposa,
 cuyas
alas
poseen
un
simetría
axial
bilateral,
en
la
que
el
eje,
es
el
cuerpo
del
 insecto.
 Sus
 dibujos
 están
 dispuestos
 simétricamente
 respecto
 al
 eje.
 Esta
 regularidad
constituye,
a
nivel
de
percepción,
un
factor
estético
de
armonía.
 
 La
creación
de
un
diseño
simétrico,
nos
transmite
una
sensación
de
orden.
 


68

El equilibrio asimétrico  Un
equilibrio
es
asimétrico,
cuando
al
 dividir
una
composición
en
dos
partes
 iguales,
 no
 existen
 las
 mismas
 dimensiones
 en
 tamaño,
 color,
 peso
 etc,
pero
existe
un
equilibrio
entre
dos
 elementos.
 
 En
 el
 equilibrio
 asimétrico,
 al
 ser
 desiguales
 los
 pesos
 a
 un
 lado
 y
 otro
 del
eje,
el
efecto
es
variado.
 
 La
 asimetría,
 nos
 transmite
 agitación,
 tensión,
 dinamismo,
 alegría
 y
 vitalidad;
 en
 este
 tipo
 de
 equilibrio
 una
 masa
 grande
 cerca
 del
 centro
 se
 equilibra
por
otra
pequeña
alejada
del
aquel.
 


El contraste de tono contrastes
 claro‐oscuro
 El
 contraste,
 actúa
 a
 través
de
la
atracción
o
excitación
del
público
 observador,
 mediante
 la
 combinacion
 diferentes
intensidades
o
niveles
de
contraste,
 en
el
color,
el
tamaño,
la
textura,
etc.
Pueden
 proporcionar
 mayor
 significado
 a
 una
 composición.
 
 El
contraste
de
tono:
Se
basa
en
la
utilización
 de
tonos
muy
contrastados,
la
combinación
de
 claro‐oscuro,
 el
 mayor
 peso
 lo
 tendrá
 el
 elmento
 con
 mayor
 oscuridad.
 Para
 que
 este
 perdiera
protagonismo
en
el
diseño,
tendríamos
que
disminuir
la
intesidad
del
tono
 y
 redimensionarlo,
 después,
 para
 que
 no
 perdiese
 equilibrio
 en
 la
 composición.
 Este
tipo
de
contraste
es
uno
de
los
más
utilizados
en
composiciones
gráficas.
 


El contraste de colores  El
 contraste
 de
 colores:
 El
 tono
 es
 una
 de
 las
 dimensiones
 del
 color
 más
 importantes.
El
contraste
más
efectivo
se
obtiene
combinando
los
diferentes
tonos.
 El
 contraste
 creado
 entre
 dos
 colores
 será
 mayor
 cuanto
 más
 alejados
 se


69

encuentren
 del
 círculo
 cromático.
 Los
 colores
 opuestos
 contrastan
 mucho
 más,
 mientras
que
los
análogos
apenas
lo
hacen,
perdiendo
importancia
visual
ambos.
 



 



 


El contraste de escala El
 contraste
 de
 escala,
 se
 consigue
 a
 través
 de
 la
 contraposición
 de
 diferentes
 elementos
 a
 diferentes
 escalas
 de
 las
 normales,
 o
 el
 uso
 de
 medidas
 irreales.
 Utilizando
 este
 recurso,
 la
 percepción
 del
 elemento
 se
 encuentra
 alterado.
 Esta
 clase
de
contraste
es
utilizado
en
la
fotografía
y
pintura,
para
atraer
la
atención
del
 espectador
de
forma
muy
efectiva
y
eficaz.
 


El contraste de contornos  El
 contraste
 de
 contornos,
 irregulares
 destacan
 de
 forma
 importante
 sobre
 los
 regulares
 o
 más
 conocidos.
 Este
 tipo
 de
 contraste
es
ideal
para
captar
la
atención
 del
 usuario
 observador
 a
 determinados
 elementos
de
una
composición,
como.
 
 No
 obstante,
 no
 hay
 que
 abusar
 del
 uso
 de
 este
 tipo
 de
 contraste,
 sobre
 todo
 si
 se
 combinan
 con
 otros
 tipos
 de
 contraste,
 ya
 que
 pueden
 ser
 un
 centro
 de
 atracción
 visual
 demasiado
 fuerte
 y
 potente.
Además,
acaban
creando
mucha
 tensión
en
el
espacio
que
les
rodea.
 


70

Diseño Publicitario El
 diseño
 publicitario,
 es
 la
 creción,
 maquetación
 y
 diseño
 de
 publicaciones
 impresas,
 tales
 cómo;
 revistas,
 periódicos,
libros,
flyers,
trípticos,
etc
 
 A
 lo
 largo
 del
 tiempo
 han
 ido
 apareciendo
 diversos
 métodos
 y
 formas
 de
 comunicación,
 desde
 los
 grafitis,
 (las
 famosas
 pintadas
 en
 la
 pared
 que
 realizaban
 los
 romanos
 para
 comunicar
 alguna
 noticia),
los
carteles,
las
primeras
 publicaciones
de
prensa
(diarios
)y
luego
 las
 revistas.
 Después
 ya
 se
 extendió
 a
 la
 televisión,
la
radio.
 
 En
 esta
 fase
 desarrollo
 de
 los
 medios
 de
 comunicación,
es
cuando
se
une
a
su
vez
al
desarrollo
del
mercado,
los
productos
 de
 mercado,
 las
 empresas,
 seran
 puntos
 fuertes
 que
 defenderán
 en
 gran
 medida
 de
los
diferentes
medios.
 
 Durante
 la
 historia,
 el
 diseño
 publicitario
 ha
 ido
 evolucionando,
 constantemente,
 en
un
principio
toda
la
técnica
se
elaboraba
de
forma
manual,
hoy
en
dia
se
usan
 tecnologías
más
avanzadas
de
diseño
y
producción.
 
 Antes
de
llevar
a
cabo
un
diseño
publicitario,
un
diseñador
y
el
resto
del
equipo
de
 trabajo,
deben
tener
en
cuenta
cuatro
puntos
muy
importantes:
 El
 producto
 a
 diseñar,
 el
 grupo
 de
 personas,
 usuarios
 o
 grupo
 de
 individuos
 va
 dirigido,
 los
 medios
 por
 los
 cuales
 se
 va
 a
 realizar
 la
 publicidad
 y
 por
 último
 la
 competencia.
 


Diseño publicitario: Las tendencias El
diseño
publicitario
se
encuentra
en
un
punto
imposible
de
determinar,
ya
que
se
 encuentra
reproducido
en
muchos
ámbitos,
con
sus
variables
y
tendencias.
 
 La
 labor
 de
 un
 diseñador
 gráfico,
 es
 la
 de
 transmitir
 ideas
 mediante
 el
 uso
 de
 cualquier
elemento,
ya
sea
un
texto,
una
imagen.
No
obstante
la
utilización
de
un
 elemento
u
otro,
se
encuentra
marcado
por
las
tendencias.
 
 Las  tendencias,
 son
 las
 preferencias
 sobre
 los
 gustos,
 compartidos
 por
 diferentes
 grupos
de
personas,
las
cuales,
coinciden
al
representar
un
diseño
marcado
por
un


71

estilo,
 que
 influye
 sobre
 el
 resto.
 En
 cada
 proceso,
 el
 diseñador
 deberà
 emplear
 distintos
 diseños
 del
 resto
 y
 dependiendo
 del
 elemento
 que
 se
 va
 a
 diseñar.
 Los
 diseños
 realizados
 por
 un
 mismo
 individuo,
 se
 encuentran
 marcados
 por
 su
 estilo
 personal,
 que
lo
diferencia
del
resto.
 
 Las  modas,
 es
 otro
 de
 los
 elementos,
 por
 el
 cual
se
encuentra
marcado
el
diseño,
pero
en
 gran
 medida
 las
 marcan
 los
 grandes
 diseñadores.
 


Clases de diseño publicitario En
el
ámbito
publicitario,
que
es
muy
amplio,
cada
vez
són
más
los
elementos
que
 se
utilizan
para
conseguir
y
transmitir
la
publicidad
de
una
empresa,
o
de
un
nuevo
 producto,
o
cualquier
otro
ingrediente
de
última
creación,
fabricación
etc.
 
 Destacamos
como
clases
de
diseño
publicitario:
 ‐
Folletos
y
flyers
 ‐
Cátalogos
 ‐
Carteles
y
posters
 ‐
Vallas
publicitarias
 ‐
Packagin,
envases
y
etiquetas
 ‐
Logotipos
d'empresa.
 


Diseño de catálogos publicitarios  Són
las
publicaciones
que
nos
ofrecen
información
sobre
una
serie
de
productos
o
 servicios,
de
una
empresa.
Es
el
mejor
medio
que
tiene
una
empresa
para
ofrecer
 publicidad
 sobre
 sus
 productos
 directamente
 al
 consumidor,
 aunque
 esta
 sea
 un
 poco
 elevada
 de
 costo,
 permite
 enseñar
 de
 una
 forma
 correcta
 todos
 los
 contenidos
deseados
por
la
empresa,
sin
limitar
calidad
ni
espacio
en
la
publicación
 de
sus
productos.
 
 La
 forma
 de
 diseñarlo
 en
 la
 calidad
 del
 papel,
 la
 posibilidad
 de
 utilizar
 muchas
 imagenes
y
extendernos
en
los
textos,
nos
puede
permitir
idear
la
creación
de
un
 producto
eficazmente
atractivo,
un
escaparate
sobre
papel
que
despierte
el
interés
 y
la
atención
de
nuestro
público
objetivo.
Si
se
trata
de
una
empresa
con
un
cierto
 prestigio,
 se
 cuidarán
 municiosamente
 hasta
 el
 último
 detalle,
 en
 cuanto
 a
 la


72

calidad
 del
 papel,
 las
 imágenes,
 etc.
 Si
 se
 trata
 de
 productos
 más
 corrientes
 y
 ofertados,
se
optará
por
un
diseño
menos
elegante
y
más
sencillo.
 


Partes de un catálogo 


 Las
 partes
 que
 comprenden
 un
 catálogo:
 El  contenido,  la  portada  y  la  contraportada.  
 En
 el
 resto
 de
 publicaciones,
 revistas,
 periódicos
 etc.,
 la
 portada
 y
 contraportada
 son
 las
 partes
 más
 vistosas
 que
 deben
 contener
 la
 información
 más
 relevante
 y
 atractiva.
Esto
hace
que
el
diseño
guarde
especial
cuidado
en
estas
zonas.
 
 El
 objetivo
 principal
 del
 diseño
 de
 un
 catálogo
 publicitario,
 es
 conseguir
 de
 una
 forma
eficaz,
que
los
contenidos
del
mismo,
lleguen
al
público
u
consumidor,
que
 sean
 de
 su
 agrado,
 y
 les
 parezcan
 atractivos
 de
 una
 forma
 clara,
 ordenada
 y
 estética.


Diseño de folletos y flyers publicitarios Los
flyers
o
denominado
también,
"Volante".
Es
el
término
con
el
que
se
denomina
 a
aquellos
folletos
de
pequeñas
dimensiones
y
gramajes
reducidos
y
que
se
utilizan
 para
 transmitir
 información
 publicitaria
 sobre
 productos
 y
 servicios
 de
 una
 empresa.
 


73

Los
folletos,
es
uno
de
los
elementos
que
pueden
encontarse
también,
incluidos
en
 un
 mailing.
 Presenta
 el
 producto
 o
 servicio
 de
 forma
 detallada
 e
 ilustrada,
 destacando
 las
 ventajas
 y
 las
 características
 de
 la
 oferta.
 Su
 formato
 o
 tamaño,
 varía
en
función
de
las
necesidades
del
producto
y
del
desarrollo
creativo.
 
 Según
 la
 dimensión
 y
 plegado
 del
 flyer,
 puede
clasificarse
en:
 
 ‐
 Volante:
 Contiene
 una
 sóla
 hoja
 y
 dos
 caras
 ‐
 Díptico:
 Compuesto
 por
 una
 hoja,
 un
 plisado
y
4
caras
 ‐
 Tríptico:
 Compuesto
 por
 una
 hoja,
 dos
 plisados
y
6
caras
 Eventualmente
 una
 hoja
 podria
 plisarse
 más
veces.
 
 Los
 flyers,
 se
 encuentran
 dentro
 de
 la
 categoría
 de
 folletos,
 y
 son
 pequeños
 panfletos
de
reducido
tamaño.
Son
también
 los
 que
 normalmente
 se
 reparten
 en
 grandes
 cantidades,
 a
 los
 clientes
 o
 consumidores
que
circulan
a
pie.
 


Como es un folleto publicitario 




74

Sin
tener
en
cuenta
el
número
de
páginas
que
tenga,
un
folleto
puede
presentar
en
 su
 formato
 formas
 y
 tamaños
 muy
 diferentes,
 sin
 dejar
 a
 un
 lado
 las
 normas
 generales
de
una
buena
composición.
 
 Los
 plegados
 más
 habituales
 de
 un
 folleto,
 son
 el
 doblado
 tipo
 rollo.
 Se
 pliegan
 cada
 una
 de
 las
 hojas
 dentro
 de
 otra,
 y
 para
 ello
 es
 muy
 importante
 tener
 en
 cuenta
el
grosor
del
papel,
ya
que
se
nos
podría
abrir
el
tríptico
y
quedaría
abierto.
 
 La
parte
del
folleto
que
se
encuentra
en
primer
lugar,
es
lo
que
denominamos
"la
 portada",
 debe
 impactar
 lo
 suficiente
 como
 para
 que
 el
 receptor
 le
 despierte
 el
 suficiente
interés,
para
ilustrarse
de
la
información
del
folleto.
El
diseñador
deberá
 crear
un
diseño
uniforme
y
relacionando
unas
páginas
con
otras,
para
evitar
que
se
 pierda
el
atractivo
y
equilibrio
de
la
publicación.
 
 La
 información
 que
 muestra
 los
 folletos,
 es
 de
 forma
 temporal,
 y
 suelen
 incluirse
 diseños
 muy
 atractivos
 e
 innovadores,
 para
 que
 el
 cliente
 centre
 su
 atención
 en
 ellos.


El cartel publicitario Por
 el
 tamaño
 se
 entiende
 que
 es
 un
 poster
 o
 cartel,
 aquel
 diseño
 impreso
 que
 sobrepase
el
tamaño
DIN
A3.
 
 El
 diseño
 de
 un
 cartel
 publicitario
 o
 un
 poster
 es
 uno
 de
 los
 retos
 más
 atractivos
 que
un
diseñador
puede
encontrar.
Un
cartel
o
un
poster
están
hechos
para
captar
 la
atención
a
las
personas
mientras,
éstas,
se
encuentran
en
movimiento
y
para
que
 sean
visibles
desde
grandes
distancias
e
impactantes
por
su
gran
dimensión.


Características de los carteles o posters 


 Gráficamente
 un
 cartel
 debe
 presentar
 un
 correcto
 equilibrio
 de
 todos
 los
 elementos
que
contiene.
Las
imágenes,
gráficos,
fotos
y
textos
deben
representar
 una
línea
de
comunicación
que
permita
al
ojo
humano
(y
al
cerebro)
dirigirse
de
un


75

punto
 de
 información
 a
 otro.
 Esto
 crea
 movimiento
 y
 dinamismo.
 Los
 puntos
 de
 información
 no
 son
 colocados
 por
 casualidad,
 sinó
 que
 son
 creados
 por
 el
 diseñador
para
influir
en
el
lector


El diseño de posters y carteles  En
un
cartel,
los
textos
y
los
tipos
de
letras
son
elementos
importantes
que
deben
 ser
 realzados
 usando
 distintos
 colores,
 y
 a
 ser
 posible
 colores
 muy
 llamativos
 y
 diferentes
tamaños.
Esto
ayudará
a
los
clientes
a
leer
el
cartel
con
facilidad.
 
 También
debemos
seleccionar
un
tipo
de
letra
ancha,
negrita
y
con
un
tamaño
de
 letra
grande
(mínimo
16
puntos)
para
los
encabezamientos.
 
 Si
 el
 cartel
 tiene
 distintos
 encabezamientos,
 utilizaremos
 dos
 o
 más
 tamaños
 de
 letra.
 
 El
color
del
texto
debe
encontrarse
contrastado
con
el
color
de
fondo:
si
el
fondo
es
 oscuro,
utilizar
letra
clara
y
viceversa.
Cuanto
menor
sea
el
contenido,
mejor,
y
si
 tiene
que
aparecer
mucha
información,
intentaremos
que
los
datos
sean
gráficos.


Publicidad exterior 



 
 Se
 entiende
 por
 publicidad
 exterior,
 aquella
 que
 se
 realiza
 al
 exterior
 de
 los
 edificios
y
en
los
diferentes
medios
de
difusión
móviles
existentes.
 
 La
 publicidad
 exterior
 intenta
 llegar
 a
 las
 personas,
 cuando
 estas
 se
 encuentran
 fuera
 de
 sus
 hogares.
 Es
 una
 publicidad
 de
 grandes
 tamaños,
 y
 han
 ser
 vistas
 a
 grandes
distancias
y
alturas.
 


76

Podemos
relacionar
las
siguientes
formas
de
publicidad
exterior:
   ‐  Vallas  publicitarias:
 Son
 las
 que
 encontramos
 en
 zonas
 abiertas,
 grandes
 centros
 comerciales,
 carreteras.
Se
encuentran
colocadas
en
soportes
 especiales,
y
su
medida
alcanza
los
4
y
8
metros
 de
longitud.
 
 ‐  En  eventos  especiales:
 Parecidas
 a
 las
 vallas
 publicitarias,
pero
con
la
diferencia,
de
que
estas
 se
 realizan,
 cuando
 concurre
 algun
 evento
 específico
y
puntual.
Por
ejemplo,
la
celebración
 de
la
disputación
de
un
partido
de
fútbol,
o
bien
 un
 concentración
 de
 motos,
 coches
 tourer,
 carreras
etc.
 
 ‐ En la vía pública:
Se
colocan
en
las
superficies,
 ubicadas,
 en
 las
 estaciones
 de
 metro,
 estaciones
 de
 tren,
 o
 bien
 en
 las
 paradas
 de
 los
 autobuses.
 Esta
 clase
 de
 publicidad,
 mantiene
 un
 tamaño
 más
 reducido,
 ya
 que
 se
 visualizan
desde
una
distancia
más
cercana.
 
 ‐ En vehículos de transporte terrestre y aérea:
La
de
vehículos
se
plasma,
en
los
medios
 de
transporte
público,
en
el
propio
vagón
de
metro,
autobuses,
taxis,
etc.
 El
 medio
 de
 publicidad
 aérea,
 es
 aquella
 publicidad
 que
 se
 realiza
 a
 través
 de
 las
 avionetas,
 que
 transportan
 colgando
 de
 su
 cola,
 carteles
 de
 tela
 y
 otros
 materiales
 ligeros
con
mensajes
publicitarios.
 
 La
publicidad
exterior,
es
muy
utilizada
y
para
que
estos
mensajes
publicitarios
consigan
 un
 óptimo
 resultado,
 se
 deben
 tener
 en
 cuenta
 una
 serie
 de
 pautas
 importantes,
 al
 componerla.
 
 ‐
Deben
ser
de
gran
tamaño
y
un
cierto
atractivo
para
ser
vistas
a
grandes
distancias.
 ‐
Han
de
contener
textos
muy
cortos,
claros
y
directos,
para
que
se
puedan
visualizar
y
 leerse
con
rapidez,
al
primer
golpe
de
vista.
 ‐
La
marca
o
empresa
que
publicita
debe
ser
grande
y
claro.
 ‐
Los
colores
que
se
utilicen
serán
puros
y
llamativos
 








77

Packaging igual a comunicación Definimos
 como
 packaging
 o
 packages
 a
 todos
 los
 envases,
 etiquetados
 o
 envoltorios
de
los
productos
comerciales.
 
 Estos
 envases
 tienen
 dos
 funciones,
 la
 de
 guardar
 y
 embalar
 el
 producto
 para
 atraer
 al
 público
 por
 medio
 de
 su
 imagen.
 Es
 importante
 tener
 en
 cuenta
 ambos
 aspectos,
no
sirve
de
nada
si
un
producto,
no
se
encuentra
bien
envasado
por
muy
 atractivo
 que
 sea
 su
 etiquetado,
 o
 bien
 que
 este
 sea
 a
 su
 vez,
 un
 producto
 de
 máxima
calidad,
si
su
etiquetado
no
lo
transmite
como
tal.


Diseño del envase 

Hoy
en
dia,
nos
encontramos
con
muchos
productos
semejantes
o
similares
en
los
 centros
 comerciales,
 haciendo
 de
 esto
 un
 mercado
 muy
 competitivo.
 Ante
 tal
 competencia
 es
 cuando,
 opera
 el
 packaging,
 como
 medio
 de
 atracción
 al
 consumidor
final.
 
 El
 packaging
 o
 packages,
 se
 considera
 uno
 de
 los
 elementos
 principales
 para
 colocar
 en
 un
 nivel
 u
 otro
 un
 producto,
 a
 través
 de
 la
 imagen
 y
 calidad
 que
 se
 transmite
de
el.
 
 En
 primer
 lugar,
 es
 muy
 importante
 saber
 antes
 de
 diseñar
 un
 envase
 de
 un
 producto,
 a
 que
 público
 va
 dirigido,
 las
 tendencias
 del
 mercado,
 los
 materiales
 a
 utilizar
 para
 el
 envase,
 la
 comodidad
 del
 consumidor,
 etc.
 El
 objetivo
 final,
 es
 destacar
el
producto
que
se
está
ofreciendo.
 
 El
 packaging
 se
 aplica
 en
 gran
 variedad
 de
 formas
 y
 formatos
 dependiendo
 del
 envase.
Citaríamos
de
entre
los
existentes
hoy
en
dia:
La
etiqueta
de
una
botella,


78




una
lata
de
cocacola,
una
caja
de
tetrabick,
una
bolsa
de
embalaje,
una
etiqueta
en
 formato
pegatina,
etc...
 
 



 
 



 


El envase y el mercado


 
 
 Con
 el
 nacimiento
 del
 nuevo
 sistema
 de
 autoservicio
 se
 hace
 más
 importante
 el
 envase.
 Y
 como
 otras
 muchas
 variables
 de
 marketing,
 el
 envase
 contribuye
 a
 la
 imagen
 del
 producto.
 Por
 ejemplo
 algunos
 envasadores
 de
 productos
 de
 alimentación,
 han
 cambiado
 el
 envase
 metálico
 por
 uno
 de
 cristal.
 El
 de
 cristal
 aporta
 mejor
 imagen
 de
 producto,
 como,
 selecto,
 caro,
 artesano,
 tradicional
 y
 exquisito.


79

Funciones para el diseño de un envase  ‐
Una
primera
función
es
vender
el
producto.
El
envase
tiene
que
captar
la
atención
 del
consumidor
en
el
estante
del
supermercado.
 
 ‐
Proporcionar
información
al
consumidor.
En
la
mayoría
de
los
países
la
legislación
 exige
que
los
productos
reflejen
claramente
ciertos
datos.
 
 ‐
Conservación
del
producto.
 
 ‐
Garantía.
El
envase
asegura
que
recibiremos
una
cierta
cantidad
de
un
fabricante
 identificado.
 
 ‐
Facilitar
el
transporte
y
la
manipulación
del
producto.
 
 Un
 ejemplo
 y
 de
 gran
 éxito
 sobre
 el
 envasado,
 fué
 el
 de
 Tetrapark.
 Consiste
 en
 fabricar
un
envase
hermético
que
permite
conservar
bebidas
con
bajo
coste
y
peso.
 Además
por
su
forma
permite
el
almacenamiento
y
el
transporte
de
la
forma
más
 compacta
posible.
Al
guardar
los
Tetrapark
no
se
dejan
espacios
libres


La imagen del diseño del envase 


 El
 diseño,
 es
 la
 imagen
 que
 transmite
 el
 envase.
 Un
 punto
 fundamental
 para
 conseguir
 el
 éxito,
 en
 el
 supermercado,
 es
 la
 imagen
 que
 transmite
 el
 producto.
 Algunas
 bebidas
 han
 rediseñado
 su
 envase,
 redondeando
 sus
 diferentes
 formas,


80




cambiando
 los
 colores,
 el
 diseño
 de
 los
 dibujos,
 para
 lograr
 una
 reposición
 como
 una
opción
para
las
mujeres.
 
 Un
envase
efectivo,
ha
de
ser
sencillo,
comunicar
con
rapidez
de
que
producto
se
 trata,
encontrarse
correctamente
impreso,
hacer
frente
a
la
competencia,
reflejar
 la
imagen
del
producto
y
si
el
envase
es
rediseñado
que
este
mantenga
cierto
lazo
 visual
con
su
pasado,
de
manera
que
siga
siendo
familiar
para
el
consumidor.
Para
 crear
y
diseñar
un
envase
y
determinar
sus
ventajas,
se
ha
de
tener
presentes
tres
 factores:
la
marca,
el
producto
y
el
consumidor.


El diseño de logotipos Actualmente,
 todas
 las
 marcas
 constan
 de
 un
 logotipo
 para
 identificar
 mejor
 sus
 productos
 o
 servicios.
Con
ello
se
consigue,
que
 las
personas
identifican
el
logotipo,
 asociándolo
 con
 rapidez
 a
 la
 empresa
que
pertenece.
 
 Diferenciamos
 logotipo,
 imagotipo
 y
anagrama
de
una
empresa:
 
 ‐Definiremos,
 que
 se
 trata
 de
 un
 logotipo,
cuando
este
se
encuentre
 compuesto
por
imágenes
y
letras.
 ‐
Se
habla
de
un
imagotipo,
cuando
 solo
 se
 representa
 a
 través
 de
 una
 imagen,
 símbolo
 de
 la
 propia
 empresa.
 ‐
 Hablamos
 de
 anagrama,
 cuando
 solo
incluye
texto.
 


El logotipo a la web y banners publicitarios  Una
manera
de
publicitar
una
empresa,
es
a
través
de
las
páginas
web.
Hoy
en
dia
 se
 considera
 la
 vía
 del
 futuro,
 y
 una
 alternativa
 económica,
 rápida,
 sencilla,
 y
 prescindir
 de
 la
 movilidad
 geográfica,
 factor
 muy
 importante.
 Cualquiera
 puede
 visualizar
una
empresa
y
sus
productos,
desde
la
distancia
que
quiera,
a
través
de
 internet.
 
 En
 la
 actualidad,
 existen
 muchas
 empresas
 que
 ya
 tienen
 su
 propia
 página
 web,
 donde
incluyen
sus
productos,
ofertas,
servicios
etc.
Uno
de
los
recursos
utilizados
 en
internet,
son
los
banners
publicitarios.
Són
imágenes
o
el
mismo
logotipo
de
la


81

empresa,
dinámico,
 animado
 y
 en
 movimiento.
 Normalmente
 se
suelen
 crear
 con
 los
datos
de
la
empresa
y
alguna
oferta
de
interés
sobre
algún
producto.








Contenidos visuales: Los anuncios Los
 contenidos
 visuales
 de
 un
 anuncio,
 son
 los
 diferentes
 elementos
 que
 se
 han
 utilizado
para
formar
el
mismo.
 
 El
componente
visual
está
formado
por
imágenes
que
representan,
entre
otros,
al
 objeto
 anunciado.
 La
 función
 principal
 de
 estas
 imágenes,
 será
 la
 de
 servir
 de
 apoyo
 al
 componente
 verbal
 "el
 texto",
 aunque
 en
 muchas
 ocasiones
 es
 el
 componente
 visual
 el
 elemento
 principal
 del
 anuncio
 (nunca
 mejor
 dicho:
 una
 imagen
vale
más
que
mil
palabras).
 
 Por
 ejemplo,
 si
 se
 quiere
 anunciar
 alimentos,
 o
 cualquier
 otra
 composición
 culinaria,
 estos
 se
 encuentran
 preparados
 y
 dispuestos
 por
 grandes
 chefs
 profesionales
 de
 la
 cocina.
 Los
 alimentos
 se
 encuentran
 cuidadosamente
 adornados
 con
 el
 fin
 de
 que
 reflejen
 la
 idea
 o
 imagen
 que
 se
 quiere
 transmitir;
 hielo,
sensación
de
frescor,
comida
elaborada
casera,
etc.
 
 


82

Anuncios, con personajes famosos 

Para
 realizar
 anuncios,
 donde
 aparecen
 modelos,
 personas
 humanas,
 tanto
 hombres
como
mujeres,
se
utiliza
el
gran
recurso
de
escoger
modelos
profesionales
 con
gran
experiencia,
naturalidad
y
gran
atractivo
físico,
con
la
finalidad
de
atraer
 al
consumidor
a
comprar
o
consumir
el
producto
publicitado.
 
 Se
 utilizan,
 zonas
 de
 escenario
 alegres
 y
 muy
 bien
 iluminados.
 El
 que
 salga
 una
 persona
 famosa
 en
 un
 anuncio,
 es
 un
 éxito
 garantizado
 según
 los
 estudios
 de
 marketing,
ya
que
se
juega
con
la
popularidad
del
personaje.


La semiología: publicidad La
 semiología
 fue
 definida
 y
 estudiada
 por
 Saussure
 en
 Ginebra,
 en
 1908,
 como
"la
ciencia
que
estudia
la
vida
de
 los
signos
en
el
seno
de
la
vida
social",
 haciéndola
 depender
 de
 la
 psicología
 general
 y
 siendo
 su
 rama
 más
 importante
la
lingüística.
 
 La
 semiología
 es
 considerada
 una
 ciencia
 joven,
 y
 que
 comienza
 a
 tener
 importancia
dentro
del
análisis
teórico
 de
 los
 medios
 de
 comunicación
 social
 propios
 de
 nuestro
 siglo.
 Interesa
 más
 el
 funcionamiento
 de
 estos
 signos,
 su
 agrupación
 o
 no
 agrupación
 en


83

diferentes
sistemas,
que
el
origen
o
formación
de
los
mismos.
 
 Del
griego
"semeion=
signo,
logos=
estudio).
 
 El
signo
es
algo
muy
complejo
y
abarca
fenómenos
sumamente
heterogéneos,
que,
 por
 otro
 lado
 tienen
 algo
 en
 común:
 ser
 portadores
 de
 una
 información
 o
 de
 un
 valor
 significativo.
 El
 signo
 se
 encuentra
 compuesto
 por
 un
 significado,
 la
 imagen
 mental,
y
que
varía
según
la
cultura
y
un
significante,
que
no
siempre
es
lingüístico,
 puede
incluir
una
imagen.
 
 


Las fases de un anuncio publicitario Los
 anuncios,
 tienen
 diferentes
 fases
 a
 tener
 en
 cuenta,
 para
 hacer
 efectivo
 el
 modo
 en
 el
 cual
 se
 quiere
 comunicar
 el
 mensaje.
 Para
 ello,
 antes
 de
 realizar
 un
 anuncio
publicitario
hay
que
pensar,
el
mensaje
que
se
va
a
comunicar
y
a
través
de
 que
medio,
(verbal,
escrito,
etc)
y
durante
que
plazo
de
tiempo.
 
 Según
 estas
 pautas,
 obtenemos
 las
 siguientes
fases
de
un
anuncio:
 
 ‐
 En
 anuncios
 de
 productos  culinarios,
 es
 más
 efectivo
 mostrar
 el
 plato
 completamente
 acabado,
 que
 no
 los
 elementos
 (los
 ingredientes),
que
lo
forman
a
parte.
 ‐
 Si
 se
 utilizan
 personas  en  el  anuncio,
 se
 optará
 por
 escoger
 personajes
 famosos,
 incrementan
 el
 nivel
 de
 captación
 y
 atención
 del
 producto
publicitado.
 ‐
 La
 composición
 del
 anuncio,
 deberá
 ser
 lo
 mas
 simple
 posible
 y
 que
este
incluya
una
sola
figura,
para
captar
el
centro
de
atención.
 ‐
 Los  colores
 que
 emplearemos
 en
 el
 anuncio
 juegan
 un
 papel
 muy
 importante,
 porque
llaman
la
atención
y
hacen
que
se
fijen
en
el
anuncio.
 ‐
 Algunos
 temas
 de
 la
 historia,
 resultan
 aburridos,
 con
 lo
 que
 es
 mejor
 optar
 por
 animales, bebés
y
imágenes
de
contenido
"erótico",
son
los
que
agradan
al
público.
 ‐
 En
 lo
 que
 se
 refiere
 a
 modelos
 humanos,
 el  rostro
 nunca
 se
 representará
 más
 grande
de
su
tamaño
natural.
 


84

La lectura de un anuncio: El orden  El
orden
de
la
lectura
de
los
anuncios,
es
el
siguiente:
Primero
la
imagen,
después
 el titular,
y
por
último
el texto.
 
 Por
 este
 motivo,
 la
 imagen
 se
 encuentra
 colocada
 siempre
 en
 un
 punto
 central
 superior
 y
 el
 titular
 y
 texto,
 por
 debajo
 de
 ella.
 Todos
 estos
 puntos
 son
 muy
 importantes
para
obtener
un
buen
resultado
final.
No
obstante,
podemos
observar
 toda
 la
 composición
 en
 su
 conjunto,
 aunque
 no
 se
 encuentre
 cada
 elemento
 colocado
de
la
forma
más
común
a
su
lectura
e
interpretación,
no
quiere
decir
que
 sea
un
proyecto
fallido,
el
resultado
final
puede
ser
victorioso.
 
 
 






 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


85

Identidad Corporativa La
 identidad
 corporativa
 de
 una
 empresa,
 se
 define
 como
 un
 conjunto
 de
 atributos
 y
 valores
 que
 toda
 empresa
 o
 cualquier
 individuo,
posee:
su
personalidad,
 su
 razón
 de
 ser,
 su
 espíritu
 o
 alma...
 La
 imagen
 que
 refleje
 la
 empresa
 a
 través
 de
 la
 personalidad,
la
hará
identificarse
 de
 las
 demás,
 y
 colocarse
 en
 mayor
 o
 menor
 escala.
 La
 propia
 empresa
 se
 dará
 a
 conocer
 a
 través
 de
 sus
 propias
 normas
 y
 comportamientos,
la
cultura
de
la
 empresa.
 
 Todas
 las
 empresas,
 aunque
 no
 comuniquen
 nada,
 emiten
 contínuamente
 mensajes
 a
 su
 alrededor.
 La
 imagen
 visual,
 es
 uno
 de
 los
 medios
 prioritarios,
 que
 más
 utilizan
 las
 empresas
 para
 transmitir
 y
 manifestar
 su
 identidad,
monstrándola
al
público.
 
 


El comienzo del diseño coorporativo Peter
Behrens
fué
un
diseñador
muy
reconocido
a
nivel
mundial.
Creó
y
cambió
el
 estilo
 gráfico
 de
 AEG,
 en
 la
 Alemania
 de
 1907
 con
 su
 identidad
 corporativa.
 Combinó
 varios
 elementos
 de
 diseño
 gráfico
 moderno,
 unificándolo
 en
 un
 solo
 diseño.
Este
relevante
diseñador,
a
parte
de
crear
el
logotipo
también
adaptó
ese
 logo
a
todos
los
elementos
coorporativos
de
la
empresa.
 
 Más
tarde
la
Escuela
de
diseño,
arquitectura
e
industria,
"la
Bauhaus"
fué
fundada
 en
1919,
en
Weimar,
por
Walter
Gropius,
trasladada
en
1925
a
Dessau
y
disuelta
en
 1933
en
Berlin.
La
escuela
Bauhaus,
surge
con
el
fin
unir
el
arte
con
la
industria
o
 diseño
industrial,
con
la
finalidad
de
que
los
diseñadores
tuviesen
concoimiento
de
 ambos
temas.
 
 El
 espiritu
 y
 las
 enseñanzas
 de
 esta
 institución
 puede
 decirse
 que
 se
 extendieron
 por
todo
el
mundo.
 


86

Escuela Bauhaus  



 
 
 La
 historia
 de
 la
 identidad
 coorporativa,
 se
 ha
 ido
 formando,
 a
 través
 de
 las
 primeras
casas
comerciales,
BRAUN,
OLIVETTI,
las
cuales
empezaron
a
trasladar
la
 imagen
unitaria
en
todos
los
elementos
coorporativos
de
la
empresa.
Estas
marcas,
 fueron
 las
 primeras
 en
 resaltar,
 lo
 importante
 que
 es
 tener
 un
 logotipo
 representativo,
para
que
se
reconozca
a
través
de
los
medios.
 
 
 





87




Criterios para crear un diseño coorporativo Antes
 de
 realizar
 un
 proceso
 de
 diseño
 de
 una
 identidad
 coorporativa
 de
 una
 empresa,
debemos
tener
en
cuenta
y
estudiar
los
siguientes
puntos:
 
 ‐
 Como
 vamos
 a
 mejorar
 las
 funciones
 y
 prestaciones
 a
 través
 del
 diseño
 y
 de
 la
 estética
 externa.
 Debemos
 intentar
 crear
 un
 diseño,
 lo
 más
 bello
 y
 ergonómico
 posible.
 
 ‐
La
propia
entidad,
la
empresa,
debe
abrirse
por
si
sola
el
mercado,
no
perseguirlo.
 
 ‐
Saber
señalizar
el
nivel
de
costumbre
o
adaptación
de
la
identidad
que
persigue
y
 que
pretende
asentar.
El
producto,
por
sí
mismo,
ya
aporta
una
información.
 
 ‐
 La
 consecución
 de
 la
 imagen
 que
 se
 traslada
 del
 producto.
 El
 propio
 producto
 tiene
su
propia
imagen
y
se
clasifica
en
determinados
grupos
dentro
de
la
sociedad
 de
consumo.
 


Definición de identidad coorporativa 


 
 Coorporativo
 equivalente
 a
 asociado,
 colectivo,
 igual...
 Es
 un
 conjunto
 de
 elementos
unificados
entre
ellos.
Es
decir,
todos
ellos
crean
una
unidad
total.
 


88




Identidad coorporativa:
Es
todo
el
conjunto
de
unidad
e
igualdad
entre
todos
los
 elementos
 que
 constituyen
 una
 empresa.
 Es
 la
 unidad
 entre
 su
 perfil
 interior
 y
 exterior.
 
 Diseño  coorporativo:
 Definimos
 como
 diseño
 coorporativo,
 a
 la
 representación
 física
del
concepto,
la
idea
y
el
conjunto
de
unidad.
El
diseño
gráfico,
es
el
que
se
 encarga
de
transmitir
la
visión
de
una
empresa
a
través
de
sus
productos
e
imagen
 coorporativa.
 
 


La cultura coorporativa y sus aspectos La
cultura
coorporativa
de
una
empresa,
es
la
imagen
que
el
público
tiene
de
ella.
 Una
 empresa,
 puede
 conseguir
 un
 buen
 índice
 de
 ventas
 en
 el
 mercado,
 e
 incrementar
su
volumen
de
ingresos,
a
través
de
su
imagen
coorporativa,
y
darse
a
 conocer
por
todo
el
mundo,
si
transmite
una
buena
imagen.
De
la
misma
manera
 puede
 crearse
 el
 efecto
 contrario,
 puede
 llegar
 a
 desaparecer
 si
 su
 imagen
 no
 es
 satisfactoria.
 
 Algunos
 de
 los
 aspectos
 que
 debemos
 tener
 en
 cuenta,
 a
 la
 hora
 de
 crear
 un
 imagen
 coorporativa,
 serán
 los
 siguientes:
 Comunicación
 visual,
 el
 diseño
 y
 lanzamiento
del
producto,
interiorismo
y
la
arquitectura
coorporativa.


La comunicación visual de la identidad 

  Este
 apartado,
 trata
 de
 recoger
 todas
 las
 medidas
 gráficas
 del
 diseño,
 a
 lo
 que
 denominamos
 "El
 Manual
 coorporativo
 de
 la
 empresa".
 En
 estos
 manuales,
 se


89

desarrolla
 el
 diseño
 del
 logotipo,
 los
 colores
 utilizados,
 el
 anagrama,
 la
 tipografía
 utilizada,
 test
 de
 reducción
 del
 logotipo,
 el
 diseño
 y
 aplicación
 de
 todos
los
elementos
coorporativos,
tarjeta
de
visita,
sobres,
papel
de
carta,
cd
 Roms,
 camisetas,
 papel
 de
 embalaje,
 cajas
 etc,
 todo
 los
 elementos
 que
 intervienen
tanto
a
nivel
interno
de
la
empresa
como
externo.
 
 A
este
tipo
de
manuales
coorporativos
también
se
les
denomina,
La
biblia
del
 diseño
de
la
empresa.
 
 Una
 de
 las
 primeras
 marcas,
 que
 confeccionó
 su
 primer
 manual
 de
 identidad
 coorporativa
 o
 denominados
 en
 aquella
 época,
 Libros
 rojos,
 fué
 la
 marca
 Olivetti.
 
 


El diseño del producto: Estrategias colectivas 


Las
 empresas,
 cuando
 diseñan
 cualquier
 producto
 tienen
 en
 cuenta
 dos
 estrategias;
colectivas
e
individuales.
 
 Las  estrategias  colectivas:
 El
 objetivo
 principal
 de
 una
 empresa,
 son
 sus
 productos,
 a
 través
 de
 ellos,
 se
 materializa
 la
 cultura
 coorporativa
 de
 la
 empresa.
 Se
 diseñan
 e
 ilustran
 los
 manuales
 coorporativos,
 que
 marcan
 la
 normativa
 siguiendo
 los
 reglamentos
 del
 diseño
 coorporativo
 de
 la
 empresa,
 con
 todo
 esto
se
da
mucho
más
fuerza
e
importancia
al
producto
que
se
está
diseñando.
 
 Es
 muy
 importante
 el
 capital
 que
 se
 invierte
 en
 la
 personalización
 de
 la
 empresa
y
sus
productos,
esto
hace
que
la
propia
empresa
transmita
un
fuerte
 sentido
de
unidad,
buena
solidez
y
más
atración
al
público
exterior.
 


Estrategias individuales  Las  estrategias  individuales:
 Estas
 estrategias,
 consisten
 en
 captar
 y
 reunir
 a
 grandes
diseñadores,
artistas,
famosos
etc,
cuya
imagen
debe
suplantar
a
la
de
 la
empresa,
que
esta
influya
en
el
mercado.
 
 Se
escoge
a
una
persona
que
transmita
credibilidad,
y
que
su
perfil
encaje
con
 el
de
la
empresa
y
sus
productos.
Esta
planificación
supone
una
gran
inversión,
 para
una
empresa.


90




Interiorismo y la arquitectura coorporativa El interiorismo coorporativo,
son
todos
los
lugares,
espacios
donde
se
anuncian
o
 venden
 los
 productos
 que
 fabrica
 y
 distribuye
 una
 empresa.
 Supermercados,
 grandes
centros
comerciales,
expositores,
stands,
etc.
 
 Arquitectura  coorporativa,
 este
 nivel
 pocas
 empresas
 llegan
 a
 plasmarlo
 o
 idenficarlo,
 consiste
 en
 personalizar
 el
 edificio
 que
 forma
 la
 empresa.
 Se
 utilizan
 dos
clases
de
identificación
de
un
edificio
coorporativo,
el
que
se
identifica
con
la
 imagen
de
la
propia
empresa,
o
bien
con
el
propio
edificio
coorporativo.
 





91

Estructura de la identidad coorporativa  La
estructura
de
una
identidad
coorporativa
puede
ser:
 
 ‐
 Estructura
 de
 marcas:
 A
 través
 de
 esta
 estructura,
 se
 trabaja
 por
 medio
 de
 una
 serie
 de
 marcas,
 que
 pueden
 ser
 individuales
 e
 independientes
 entre
 si,
 con
 la
 sociedad
 ‐
 Estructura
 monolítica:
 Se
 utilizan
 un
 nombre
 y
 estilo
 visual
 únicos
 en
 todas
 sus
 manifestaciones.
 ‐
Estructura
de
respaldo:
Esta
clase
de
estructura
consta
de
una
serie
de
actividades
 o
empresas
a
las
que
respalda
con
el
nombre
y
la
identidad
del
grupo.


Crear una identidad coorporativa Para
 crear
 una
 identidad
 coorporativa
 de
 debe
 planificar
 y
 estudiar
 la
 visión
 estratégica.Transmitir
estímulos
sensoriales
y
unas
comunicaciones
que
evoquen
a
 esa
visión
de
identidad.
 
 Actualmente,
 para
 llevar
 a
 cabo
 un
 proyecto
 de
 identidad,
 se
 rigen
 por
 los
 siguientes
 puntos:
 El
 personal
 interior
 de
 diseño,
 los
 estudios
 ajenos
 del
 diseño
 gráfico,
 los
 asesores
 de
 identidad
 estratégica
 y
 de
 comunicación
 y
 por
 último
 las
 agencias
de
publicidad.
 
 Lo
 más
 importante,
 es
 llegar
 a
 crear
 una
 estética
de
empresa,
que
exprese
y
transmita
 el
 carácter
 de
 la
 esta,
 a
 través
 de
 los
 elementos
 más
 atractivos
 y
 característicos,
 que
 la
 identifiquen,
 con
 lo
 que
 definiríamos
 finalmente
como
su
marca.
 


El Estilo  El
estilo,
es
una
calidad
o
forma
característica,
 una
 manera
 de
 expresarse.
 Los
 estilos
 diferencian
 las
 marcas
 de
 otros
 productos
 y
 servicios,
estableciendo
relaciones
entre
ellos.
 Normalmente
 los
 estilos
 facilitan
 la
 distinción
 de
varias
líneas
de
productos.
 
 La
estimulación
de
un
sentido
por
otro
sentido,
se
denomina
sinestesia,
fenómeno
 que
 integra
 elementos
 primarios,
 tales
 como
 formas,
 texturas,
 aromas,
 colores,
 materiales
etc,
todo
ello
expresa
un
estilo
estético.
 


92

Es
 importante
 que
 en
 todos
 los
 diseños
 que
 realiza
 una
 persona,
 se
 encuentre
 identificado
 su
 estilo,
 aunque
 estos,
 a
 veces
 deban
 integrarse
 a
 las
 exigencias
 de
 una
 empresa,
 siempre
 quedará
 fijado
 en
 todos
 los
 buenos
 diseños
 el
 estilo
 de
 la
 persona
que
los
hizo.


Comunicación externa: La marca Muchas
veces,
sucede
que
el
carácter
de
una
 marca
 no
 se
 proyecta
 adecuadamente
 a
 los
 difererentes
 elementos
 que
 forma
 la
 identidad.
 Cuando
 esto
 ocurre,
 se
 dice
 que
 se
ha
producido
un
fallo
en
la
proyección.
 
 Estos
 errores,
 pueden
 surgir
 por
 muchos
 aspectos
 u
 elementos.
 Por
 ejemplo
 que
 no
 se
 hayan
 seleccionado
 adecuadamente
 los
 elementos
 que
 representaran
 el
 carácter
 de
 la
 empresa.
 Otras
 veces,
 la
 imagen
 es
 correcta,
 pero
 la
 actividad
 de
 la
 empresa,
 e
 incluso
 la
 competitividad
 del
 mercado,
 hace
 que
deba
renovarse
o
adaptarse.
 
 Por
este
motivo,
muchas
empresas
regidas
por
grandes
marcas,
crean
filiales
u
otra
 marcas
 orientadas
 hacia
 ciertos
 grupos
 de
 población,
 de
 este
 modo
 no
 es
 tan
 probable
que
exista
un
fallo
de
proyección.


Definición de marca  La
 marca,
 es
 todo
 aquello
 que
 los
 consumidores
 reconocen
 como
 tal.
 Es
 un
 producto
dotado
con
un
aspecto
que
atrae
a
los
cosumidores,
haciendo
que
estos
 sean
elejidos,
por
encima
del
resto.
 
 El
nombre
que
reciben
los
productos
y
organizaciones
es
conocido
como
marca
o
 marca
corporativa.
Ante
la
necesidad
de
representar
visualmente
tal
marca,
existen
 los
logotipos
o
logos,
que
proporcionan
la
imagen
de
la
marca
corporativa.
 





93

Maquetación   Maquetación,
 composición
 de
 una
 página,
 compaginación
 de
 diferentes
 elementos.
 Son
 términos
 diferentes,
 que
se
utilizan
para
hacer
referencia
a
 una
misma
cosa;
la
forma
de
ocupar
el
 espacio
 del
 plano
 mesurable,
 la
 página.
 
 Todo
 diseñador
 gráfico,
 cuando
 inicia
 su
 carrera,
 se
 encuentra
 con
 el
 problema
 de
 cómo
 disponer
 el
 conjunto
 de
 elementos
 de
 diseño
 impresos
 (texto,
 titulares
 imágenes)
 dentro
de
un
determinado
espacio,
de
 tal
 manera
 que
 se
 consiga
 un


equilibrio
estético
entre
ellos.
 
 Maquetar
 un
 diseño,
 consiste
 en
 dar
 un
 formato
 a
 los
 documentos,
 a
 todo
 el
 conjunto
de
elementos
que
lo
componen,
las
imágenes,
los
textos,
etc.
 


Definir el documento   Antes
de
empezar
a
maquetar,
en
primer
lugar
debemos
definir
el
documento.
 Para
 definir
 un
 documento,
 lo
 primero
 que
 debemos
 hacer
 es
 definir
 el
 área
 sobre
la
cual
se
desarrollará
el
trabajo
(el
papel).
 
 Exiten
 dos
 carecterísticas
 muy
 impotantes
 sobre
 el
 papel:
 la
 primera
 es
 el
 tamaño
 y
 la
 segunda
 la
 orientación.
 Este
 puede
 ser
 horizontal
 o
 vertical
 y
 el
 tamaño
 puede
 cambiar
 entre
 diversas
 medidas,
 siendo
 la
 más
 corriente
 y
 habitual
la
DIN
A4.
 
 Para
maquetar
los
documentos,
los
profesionales
usan
dos
herramientas,
muy
 útiles
para
ellos:
el
programa
QuarkXpress
y
Adobe
InDesign.
 


94

La retícula compositiva  



 Todos
 los
 trabajos
 de
 maquetación,
 deben
 llevar
 una
 guía
 a
 través
 de
 una
 estructura
estudiada
y
de
tamaños
fijos.
Para
ello
usamos,
la
retícula
compositiva,
 que
 consiste
 en
 una
 guía
 en
 los
 elementos
 de
 la
 maquetación
 en
 papel,
 con
 la
 finalidad
de
conseguir,
un
orden
y
estética.
Las
retículas
se
subdividen
a
su
vez
en
 superficies
bidimensionales
o
tridimensionales,
en
campos
más
pequeños
en
forma
 de
una
reja.
 
 La
 retícula
 compositiva,
 se
 puede
 definir
 como
 una
 plantilla,
 muy
 útil,
 cuando
 necesitamos
componer
un
documento
con
muchas
páginas
,
que
tenga
un
orden,
 que
sea
claro
y
legible.
 
 El
dilema
de
un
diseñador
de
editorial
se
encuentra
en
cómo
encontrar
el
equilibrio
 entre
 el
 orden
 que
 impone
 la
 estructura
 reticular,
 y
 la
 necesidad
 de
 evitar
 la
 monotonía
e
inyectar
una
cierta
dosis
de
creatividad
a
la
maquetación.
 
 Una
 retícula
 impone
 orden,
 uniformidad
 y
 coherencia.
 Una
 página
 con
 retícula
 transmite
 estructura
 y
 una
 cierta
 mecánica,
 frente
 a
 algo
 desordenado,
 desestructurado
o
caótico.
 


Clases de retículas Una
 vez
 estudiado
 y
 demostrado
 que
 una
 maquetación
 realizada
 a
 través
 del
 sistema
 reticular,
 aporta
 y
 favorece
 la
 credibilidad
 de
 lo
 que
 se
 está
 leyendo,
 expresa
orden
y
nos
translada
orden
y
confianza.
 


95




La
retícula
hace
también
que,
la
lectura
se
efectúe
con
mayor
rapidez,
se
visualicen
 los
contenidos
a
distancias
más
lejanas
y
se
retenga
con
más
facilidad
en
nuestra
 memoria
la
información
que
estamos
recibiendo.
 


Retículas simples, de 2 y 4 columnas y de 3 a 6 columnas 


 Las
 retículas
 simples,
 se
 encuentran
 casi
 en
 todos
 los
 etiquetados,
 envasados,
 periódicos,
etc.
 
 La
retícula
de
2
y
4
columnas:
Es
una
retícula
muy
utilizada
por
los
diseñadores,
ya
 que
les
permite
componer
una
distribución
equilibrada,
aunque
en
alguna
ocasión,
 puedan
surgir
algunas
composiciones
demasiado
simétricas.
 
 La
 retícula
 de
 3
 y
 6
 columnas:
 Habitualmente
 se
 considera
 esta
 retícula
 como
 la
 más
 acertada
 para
 el
 diseño
 de
 los
 folletos
 publicitarios.
 Proporciona
 anchas
 y
 columnas
 muy
 legibles,
 y
 además
 se
 tiene
 la
 opción,
 que
 la
 de
 tres
 columnas
 se
 puede
subdividir
a
su
vez,
en
6
columnas.


Maqueta base, o página maestra. Són
muchas
las
definiciones
que
se
le
pueden
dar:
página
maestra,
maqueta
base,
 master,
plantilla,
etc.
 
 Estamos
 hablando
 de
 la
 primera
 página,
 donde
 aparece
 el
 estilo
 y
 todas
 las
 características
 ideadas
 para
 toda
 la
 publicación.
 De
 esta
 forma,
 todas
 las
 páginas
 que
forman
una
revista,
catálogo
o
bien
un
libro,
tendrán
siempre
el
mismo
estilo
y
 presentación.
 
 Una
retícula
base,
se
encuentra
compuesta
por
las
siguientes
partes,
dependiendo
 de
la
composición
que
se
esté
diseñando:


96





 ‐
La
orientación
del
papel.
 ‐
El
número
de
columnas
y
el
tamaño
de
estas.
 ‐
La
separación
existente
entre
ellas
(el
medianil).
 ‐
El
color
y
formato
del
texto
(
tipografía
y
tamaño),
los
titulares,
cabeceras,
pies
de
 imagen,
etc.
 ‐
El
uso
de
las
imágenes
como
fondo
en
todas
las
páginas
(marcas
de
agua)
y
demás
 elementos
ornamentales,
tales
como
los
filetes
decorativos,
etc.
 





El uso de la retícula base  Estas
páginas
se
suelen
hacer
antes
de
realizar
una
publicación.
Se
hace
en
las
dos
 páginas,
 tanto
 en
 la
 derecha
 como
 en
 la
 izquierda,
 a
 páginas
 enfrentadas
 para
 poder
observar
el
resultado
final
que
tendría
todo
el
conjunto
de
la
publicación.
 
 El
 diseño
 de
 estas
 plantillas,
 reduce
 eficazmente
 el
 tiempo
 que
 se
 tardaría
 en
 diseñar
 la
 publicación
 sin
 ellas.
 El
 resto
 de
 las
 páginas,
 que
 se
 maqueten
 posteriores
a
estas,
cogerán
automáticamente
el
mismo
estilo
y
formato.


Distribución texto y las imágenes La
 distribución
 de
 los
 espacios
 y
 de
 los
 diversos
 elementos
 que
 componen
 el
 documento,
es
una
de
las
tareas
más
importantes
a
la
hora
de
maquetar.
 


97

Habitualmente,
 se
 utiliza
 la
 antigua
 práctica
 de
 dibujar
 sobre
 papel,
 es
 decir,
 se
 realizan
 pequeños
 bocetos
 a
 grandes
 rasgos
 y
 de
 posibles
 distribuciones
 del
 espacio,
hasta
llegar
a
escoger
la
alternativa
más
adecuada
al
diseño.
 
 Los
dos
elementos
que
se
dispone,
en
el
momento
de
maquetar
son:
 
 ‐
Los
textos:
Titulares,
bloques
de
textos,
subtitulares
y
pies
de
foto
 ‐
Las
imágenes:
Fotografías,
otras
ilustraciones
y
los
espacios
en
blanco.
 


Titulares y pie de imagen  El  titular
 de
 un
 documento
 se
 considera
 el
 ingrediente
 más
 importante
 de
 una
 composición,
porque
es
el
primero
en
el
que
se
fija
el
lector.
Su
labor
es
captar
la
 atención
del
público,
e
incitarles
a
que
se
introduzcan
dentro
del
tema.
 
 Normalmente,
 al
 titular
 se
 le
 suele
 dar
 un
 tamaño
 mayor
 que
 el
 del
 cuerpo
 de
 texto,
y
de
esta
forma
se
consigue
el
efecto
que
se
persigue;
captar
la
atención
del
 lector
de
forma
inmediata.
 
 El pie de la imagen.
Se
colocan
debajo
de
las
imágenes
aportando
una
información
 adicional
de
estas.
Este
texto
debe
ser
breve
y
que
aporte
la
información
necesaria
 para
identificar
la
información
sobre
la
imagen.
 





98

El cuerpo del texto Algunos
 expertos
 afirman,
 que
 el
 orden
 de
 lectura
 de
 los
 documentos
 es
 de
 la
 siguiente
forma:
 
 ‐
Titular.
 ‐
Imagen.
 ‐
Pies
de
la
imagen.
 ‐
 Texto,
 este
 en
 último
 término
 si
 los
 tres
 primeros
 elementos
són
intresantes
para
el
lector.
 
 Los
pie
de
las
fotografías
tienen
más
importancia
que
 el
 texto
 en
 muchas
 ocasiones,
 por
 lo
 que
 los
 elementos
de
la
maquetación
deben
ser
analizados
y
 estudiados
hasta
en
el
último
detalle.


Subtítulos, las imágenes y los espacios  Los
 subtítulos:
 Se
 colocan
 debajo
 de
 los
 títulos
 principales,
 y
 aportan
 una
 información
complementaria
a
la
del
primer
titular
principal.
 
 Los
 subtítulos,
 se
 crearon,
 por
 que
 los
 titulares
 suelen
 ser
 muy
 resumidos
 y
 escuetos,
 y
 no
 aportan
 toda
 la
 información
 necesaria
 para
 captar
 la
 atención
 del
 lector.
 
 Las
 imágenes:
 Són
 unos
 de
 los
 elementos
 de
 la
 composición
 que
 más
 atraen
 la
 atención
del
lector,
ya
que
visualmente
son
más
rápidas
y
atractivas
de
ver
que
el
 texto.
Estas
a
su
vez,
deben
contener
la
información
relacionada
con
el
texto
que
 las
acompaña,
ya
que
de
lo
contrario,
podríamos
confundir
al
público
lector.
 
 Los
espacios:
Los
espacios
que
se
encuentran
en
blanco,
no
significan
nada,
pero
la
 composición
 permite
 que
 el
 texto
 se
 lea
 de
 una
 forma
 más
 clara
 y
 que
 la
 composición
produzca
un
efecto
visual
agradable.
 





99







Diferentes clases de formatos El
formato
se
define,
como
el
tamaño
de
un
impreso,
expresado
en
relación
con
el
 número
de
hojas
que
comprende
cada
pliego
o
indicando
la
longitud
y
anchura
de
 la
plana.
Todo
esto
se
resume
al
espacio
que
se
dispone
para
realizar
un
diseño.
 
 Para
escoger
el
formato
que
se
le
quiere
dar
a
un
documento,
es
preciso
observar
 los
 márgenes
 de
 este,
 no
 es
 lo
 mismo
 diseñar
 en
 relación
 a
 un
 margen
 superior,
 que
a
un
derecho
o
a
4
márgenes.
 
 Los
formatos,
pueden
tener
las
siguientes
estructuras:
 
 ‐
De
una
columna:
Suele
emplearse
para
libros,
mostrando
solo
el
texto,
o
sólo
una
 imagen,
o
bien
una
imagen
acompañada
de
texto.
 
 ‐
 De
 dos
 columnas:
 Tiene
 más
 posibilidades
 de
 combinación
 entre
 textos
 e
 imágenes,
también
es
el
que
se
utiliza
habitualmente
en
los
libros.
 
 ‐
De
tres
columnas:
Otro
formato
muy
utilizado,
sobre
todo
para
la
combinación
de
 imágenes
y
textos
de
diferentes
tamaños,
se
utiliza
mucho
en
publicaciones.
 
 ‐
 De
 cuatro
 columnas:
 La
 utilizan
 habitualmente
 periódicos
 y
 revistas.
 Facilitan
 mucho
la
composición
cuando
existe
mucho
texto.
 





100

Los márgenes  En
 un
 documento
 existen
 cuatro
 márgenes:
 El
 margen
 superior,
 el
 inferior,
 el
 interior
y
el
margen
exterior.
 
 La
 medida
 de
 estos
 márgenes
 no
 es
 fija
 en
 ningún
 caso,
 aunque
 en
 el
 campo
 de
 autoedición
 o
 maquetación
 de
 profesionales,
 estos
 por
 defecto
 presentan
 unos
 márgenes
predefinidos
para
cada
clase
de
publicación
que
realizan.
 
 Si
 se
 quiere
 aplicar
 una
 buena
 medida,
 es
 posible
 aplicar
 la
 regla
 aurea
 que
 se
 explicó
con
anterioridad,
o
bien
la
siguiente
norma
que
consiste
en:
 
 1‐
Aplicar
un
espaciado
al
margen
superior
 2‐
El
0,75
de
este,
se
lo
aplicaremos
al
margen
interior.
 3‐
El
doble
del
margen
interior,
se
lo
aplicaremos
al
margen
exterior
 4‐
El
doble
del
margen
superior,
al
margen
inferior.
 


Las tabulaciones del texto Las
 composiones
 se
 encuentran
 ilustradas
 por
 los
 textos,
 las
 imágenes
 o
 formas.
 Dentro
 de
 todo
 este
 conjunto
 de
 ilustraciones,
 se
 debe
 tener
 en
 cuenta
 la
 alineación
del
texto:
 
 Alineación
 del
 texto
 a
 la
 izquierda:
 Es
 la
 forma
 más
 natural
 y
 recomendada,
 pra
 textos
largos.
Crea
una
letra
y
un
espaciado
entre
palabras
muy
uniforme
y
facilina
 la
lectura
de
los
documentos.
 
 Alineación
del
texto
a
la
derecha:
Esta
forma
dificulta
mucho
la
lectura,
por
lo
que
 se
aconseja
que
use,
para
textos
pequeños
y
poco
extensos.
 
 Alineación
 del
 texto
 justificado:
 El
 texto
 resulta
 más
 legible,
 si
 los
 espacios
 entre
 letras
 y
 palabras
 son
 uniformes,
 y
 si
 los
 huecos
 que
 normalmente
 deja
 la
 justificación
no
entorpecen
la
lectura
del
documento.
 
 Alineaciones
 centradas:
 Son
 ideales
 para
 textos
 muy
 cortos,
 por
 ejemplo
 para
 frases
célebres,
poemas,
citas
etc.
 
 Alineaciones
asimétricas:
Se
utilizan
para
dar
a
la
página
un
aspecto
más
expresivo,
 son
muy
atractivas,
pero
muy
costosas
de
leer
en
grandes
extensiones
de
texto.
 


101

Trabajar con imágenes 


 
 El
 incluir
 imágenes
 o
 ilustraciones
 a
 nuestros
 documentos,
 proporcionan
 mucha
 fuerza
 a
 los
 mismos,
 con
 el
 aporte
 de
 belleza,
 dinamismo
 y
 atención
 para
 los
 lectores.
 
 La
 colocación
 de
 las
 imágenes
 y
 su
 tamaño,
 respecto
 al
 texto,
 pueden
 hacer
 que
 varíe
el
orden
de
lectura
de
un
documento.
Por
este
motivo,
es
importante
tener
 en
 cuenta
 el
 número
 de
 imágenes,
 su
 tamaño
 y
 la
 colocación
 de
 las
 mismas,
 a
 la
 hora
de
diseñar
la
retícula
compositiva.
 
 Una
forma
muy
utilizada
y
acertada,
es
la
de
componer
formas
asimétricas
a
través
 de
las
imágenes,
rompiendo
a
su
vez
la
monotonía
de
las
composiciones.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


102

Fotomecánica e impresión La
 fotomecánica
 es
 el
 procedimiento
 de
 impresión
 obtenido
 a
 base
 de
 clichés
 fotográficos,
 siendo
 un
 cliché
 una
 imagen
 fotográfica,
 realizada
 mediante
 la
 cámara
 oscura.
 
 Dentro
 del
 procedimiento
 de
 la
 fotomecánica,
 interviene
 el
 fotolito.
 Definimos
 el
 fotolito,
 como
 una
 película
 positiva
que
sirve
para
inciar
el
proceso
de
la
 impresión
 en
 offset,
 hace
 de
 sustituto
 del
 cliché.
 
 De
 una
 forma
 más
 clara
 y
 quizas
 senzilla,
 definiríamos
 la
 fotomecánica,
 cómo
 el
 proceso
 de
 separación
 de
 los
 cuatro
 colores
 básicos
 (cyan,
 magenta,
 amarillo
 y
 negro),
 cada
 uno
 de
 ellos
 con
 su
 porcentaje.
 En
 el
 proceso
de
fotomecánica,
se
obtienen
cuatro
 positivos,
 uno
 diferente
 para
 cada
 color,
 y
 una
 prueba
 de
 color
 que
 se
 utilizará
 posteriormente
al
proceso
de
impresión.


Sistemas de Impresión Cuerpo
 de
 impresion
 en
 offset
 Gracias
 a
 las
 nuevas
 y
 modernas
 tecnologías
 en
 impresión,
 el
 diseño
 gráfico,
 puede
 afrontar
 grandes
 retos.
 El
 proceso
 de
 impresión
más
utilizado
hoy
en
dia,
es
el
 OFFSET.
 
 Un
 diseño,
 desde
 que
 se
 crea
 y
 se
 imprime
 en
 papel,
 sigue
 unos
 determinados
 pasos,
 tales
 como:
 Preimpresión,
impresión
y
finalmente
la
encuadernación
(en
muchos
casos).
 


Preimpresión.  La
 fase
 de
 preimpresión,
 consiste
 en
 optimizar
 el
 trabajo.
 Esta
 tarea
 se
 realiza
 mediante
el
escaneado,
filmación,
las
pruebas
de
color,
etc.
 


103

Primero
debemos
obtener
los
textos
a
imprimir
y
que
tengan
las
características
de
 estilo,
 tamaño,
 tipo,...
 adecuados
 y
 que
 ocupen
 el
 lugar
 previsto.
 Luego
 recogeremos
las
imágenes
aportadas
por
el
cliente,
optimizándolas
para
el
trabajo
 al
que
van
destinadas,
modificando
sus
medidas,
formato
y
contenido,
obteniendo
 las
imágenes
finales
sobre
el
soporte
adecuado.
 
 En
 el
 siguiente
 proceso,
 se
 ensamblan
 los
 textos
 y
 las
 imágenes
 en
 páginas
 completas,
y
estas
en
pliegos
para
adaptar
el
conjunto
a
la
forma
impresora.
 
 Finalmente
se
obtienen
los
fotolitos
con
las
imágenes
y
los
textos
ensamblados,
y
 obtención
de
las
formas
impresoras
(planchas,
pantallas,
clichés,...).


Presentación de un fotolito 

   

 

Tecnicas de impresión El
proceso
de
impresión,
se
basa
en
la
obtención
de
las
páginas
o
pliegos
impresos,
 según
 la
 maqueta.
 Para
 reproducir
 el
 número
 de
 copias
 que
 deseamos,
 utilizaremos
uno
de
los
siguientes
sistemas
de
impresión:
 
 ‐ Sistema de Impresión Offset:
Són
máquinas
de
pliegos
o
rotativas
con
uno
o
más
 colores
y
que
utilizan
planchas
preparadas.
 
 ‐ Sistema de Impresión por Huecográfica
en
rotativas
utilizando
cilindros
grabados.


104


 ‐ Sistema de Impresión flexográfica
en
rotativas
o
en
máquinas
de
pliegos
para
el
 cartón
 por
 medio
 de
 clichés
 de
 fotopolímero
 en
 diversos
 soportes:
 papel,
 cartón,
 plástico,
...
 
 ‐ Impresión por serigrafía:
Este
sistema
se
realiza
a
a
través
de
unas
pantallas
de
 tela
sobre
diversos
soportes.
 
 ‐ Impresión digital
con
una
forma
impresora
variable
sobre
papel.
 



 
 En
estos
procesos,
de
impresión
se
realizan
con
equipos
que
utilizan
varias
técnicas
 y
 soportes.
 Es
 muy
 importante,
 tener
 en
 cuenta
 el
 control
 de
 parámetros
 tales
 como,
viscosidad,
tiro,
y
color
de
la
tinta,
espesor,
porosidad,
encolado
y
otros
del
 papel,
registro,
densidad,
trapping,
ganancia
de
impresión,
...
 


La postimpresión: encuadernación  La
 otra
 fase
 del
 proceso
 gráfico
 la
 Postimpresión.
 En
 esta
 etapa
 se
 realizan
 las
siguientes
operaciones:
 
 ‐
 La
 encuadernación
 industrial
 de
 libros
 en
rústica
o
en
tapa
dura.
 
 ‐
 La
 encuadernación
 de
 alto
 prestigio
 y
 lujo
 o
 con
 algunos
 elementos
 mecánicos


105

auxiliares,
recuperando
libros
defectuosos
de
las
líneas
de
encuadernación.
 
 Estos
procesos
se
realizan,
a
través
de
equipos
adecuados
dentro
de
las
líneas
de
 encuadernación,
de
guillotinado,
o
bien
de
libros
o
revistas.
Es
importante
regular
 los
parámetros
tales
como,
la
viscosidad,
temperatura,
dirección
de
fibra,
humedad
 relativa,
presión,
etc.
 
 
 
 Escaneado
de
originales
 Cuando
 hablamos
 de
 escaneado
 o
 de
 realizar
 la
 digitalización
 de
 un
 original
 debemos
 tener
 en
 cuenta
 los
 siguientes
 elementos:
 La
 resolución,
 halftone,
 bit,
 interpolación
y
digitalizador.
 


La resolución de una imagen 

La
 definición
 de
 resolución
 está
 muy
 relacionada
 con
 la
 calidad
 de
 la
 imagen,
 ya
 que
se
determina
el
número
de
muestreos
de
la
imagen
por
unidad
de
superficie,
a
 mayor
 número
 de
 muestreos
 mayor
 detalle.
 La
 resolución,
 es
 la
 densidad
 de
 puntos
 o
 píxeles
 de
 una
 imagen
 y
 se
 mide
 en
 puntos
 por
 pulgada
 (ppp
 o
 ppi
 en
 inglés).
 
 En
las
dos
imágenes
siguientes
se
puede
observar
como
influye
la
resolución,
según
 los
píxeles
por
pulgada
y
la
calidad
de
la
visualización
de
la
imagen.
 


106




Halfatone 

 


 
 Halfatone:
 Una
 imagen
 es
 halftone
 si
 para
 su
 reproducción
 utiliza
 una
 matriz
 de
 puntos
que
dan
impresión
de
tono
contínuo.
 
 Interpolación:
Es
el
método
por
el
cual,
el
escaner
aporta
una
mayor
resolución
de
 la
que
es
capaz
ópticamente.
Podemos
definirlo,
también,
como
la
repetición
de
los
 píxeles
que
el
escáner
capta
de
forma
óptica.
 
 Digitalizador:
Es
el
dispositivo
que
convierte
los
datos
analógicos
a
digitales.
 


107




Digitalización: Profundidad bit por píxel 





 
El
 bit,
 es
 la
 cantidad
 de
 información
 binaria
 que
 conforma
 una
 imagen.
 La
 profundidad
de
bit
define
la
cantidad
o
gama
de
colores
y
tonalidades
que
poseerá
 la
imagen
digital,
ya
sea
en
color
o
en
blanco
y
negro,
determinada
por
la
cantidad
 de
información
(bit),
que
se
le
asigna
a
cada
píxel
durante
la
fase
de
digitalización.
 

 
Podemos
visualizar,
la
profundidad
del
bit
entre
varias
imágenes.


El escáner Los
escáneres,
funcionan
utilizando
el
principio
básico
de
la
transferencia
de
la
luz.
 Se
coloca
en
la
superficie
de
cristal
del
escaner,
la
imagen
a
digitalizar,
enfrentada
 al
bloque
lector
y
al
cabezal
lector
compuesto
por
el
CCD,
el
sistema
de
iluminación
 y
un
conjunto
de
lentes
se
desplazan
barriendo
la
imagen.
 

 La
luz
reflejada,
se
convierte
en
energía
eléctrica
por
los
sensores,
y
la
velocidad
del
 movimiento
del
cabezal
lector
es
la
que
proporciona
una
mayor
resolución.
Cuanto
 menor
 sea
 la
 velocidad
 del
 lector,
 más
 información
 se
 extraerá
 de
 la
 imagen
 digitalizada.


Tipos de escáneres  Existen
diferentes
tipos
de
escáneres:
 

 
‐
Escáneres
planos
 
‐
Escáneres
domésticos
 
‐
Los
semiprofesionales
 
‐
Escáneres
profesionales
 
‐
De
transparencias


108





‐
Escáneres
de
mano
 
‐
Escáneres
de
tambor
 
‐
Digitalizadores
de
vídeo
 
‐
Cámaras
digitales
 



El escáner plano 



 
 

 Escáner
 plano
 o
 de
 sobremesa,
 es
 uno
 de
 los
 más
 utilizados.
 Normalmente
 se
 suelen
 utilizar
 para
 escanear
 imágenes
 o
 textos
 planos
 aunque
 también
 para
 objetos
tridimensionales.
 


Definición y carácteristicas de los tipos de escáneres. Escáneres  domésticos:
 Esta
 clase
de
 escáners
 tienen
 una
área
de
lectura
de
unas
 dimensiones
de
22
x
28
cm,
y
una
resolución
real
de
escaneado
de
300
a
400
ppp.
 No
obstante,
por
interpolación
pueden
llegar
a
resoluciones
de
hasta
1600
ppp.


109



 Escáneres  semi‐profesionales:
 Son
 prácticamente
 iguales
 que
 los
 escáners
 domésticos,
 con
 la
 excepción
 de
 que
 la
 resolución
 real
 u
 óptica
 de
 los
 semi‐ profesionales,
 alcanza
 los
 1200
 ppp,
 y
 con
 una
 resolución
 interpolada
 de
 2600
 ppp.
 

 

 Escáneres  profesionales:
 Estos
 escáners,
 son
 los
 denominados
 planos
 y
 suelen
 competir
 con
 el
 escáner
 de
 tambor.
 Se
 diferencian
 de
 los
 semi‐profesionales,
 en
 los
 sistemas
 de
 eliminación
 de
 ruido
 electrónico,
alto
rango
dinámico
y
altos
niveles
de
resolución.
 

 Escáneres  de  transparencias:
 Son
 los
 que
 permiten
 escanear
 varios
 formatos
 de
 película
 transparente,
 sea
 negativa,
 positiva,
 color
 o
 blanco
y
negro.
 

 Su
 tamaño
 de
 escaneado
 va
 desde
 el
35
mm.
hasta
placas
de
9x12
cm.
 También
 existen
 escáners
 multiformato
 que
 acogen
 todas
 las
 medidas.
 

 Escáneres  de  mano:
 Tienen
 poca
 resolución
 y
 hay
 que
 tener
 buen
 pulso
 para
 que
 la
 lectura
 sea
 correcta.
 Porporcionan
una
resolución
máxima
de
hasta
400
ppp
y
un
área
de
escaneado
de
 9
x
12
cm.
 
 


El escáner de Tambor El
 escáner
 de
 tambor
 ha
 sido
 tradicionalmente
 el
 dispositivo
 de
 reproducción
 electrónica
de
imágenes
y
posteriormente
de
digitalización.
 


110

Hoy
en
dia
sigue
siendo
el
sistema
de
más
calidad
y
resolución
sobre
todo
para
la
 realización
de
ampliaciones.
 


Partes de escáner de Tambor 


 Dan
 una
 resolución
 de
 hasta
 4000
 ppp,
 pueden
 reconocer
 originales
 opacos
 o
 transparentes
y
utilizan
un
cilindro
de
cristal
donde
se
coloca
el
original.
Un
sistema
 de
 transmisión
 fotomecánico
 recorre
 la
 imagen
 punto
 por
 punto,
 obteniendo
 así
 una
 gran
 resolución.
 Produce
 y
 devuelve
 una
 imagen
 con
 colores
 primarios,
 pero
 ésta
puede
ser
convertida
en
CMYK,
mientras
el
lector
recorre
la
imagen.
 


111




Montaje de originales en el cilindro de exploración 

Los
 originales
 (opacos
 y
 transparentes)
 se
 colocan
 en
 la
 superficie
 del
 tambor
 de
 exploración,
si
se
trata
de
diapositivas,
se
puede
añadir
en
la
cara
de
contacto
del
 original
 y
 el
 tambor
 un
 aceite,
 denominado
 anti
 ‐
 anillos
 de
 Newton;
 es
 muy
 importante
realizar
una
limpieza
a
fondo
del
cilindro
de
exploración.
 
 Definimos
anillos
de
Newton
,como
el
efecto
óptico
consistente
en
la
formación
de
 anillos
 concéntricos
 de
 diferentes
 colores,
 que
 aparece
 al
 superponer
 dos
 materiales
plásticos.
Aparecen
en
función
de
la
humedad
o
temperatura
ambiente,
 así
como
del
tipo
y
calidad
de
los
materiales.
 


Filmación, los fotolitos Las
pruebas
de
color
son
simulaciones
de
impresión
que
se
obtienen
a
partir
de
los
 fotolitos
ya
filmados
en
cuatricomía
(a
cuatro
colores).
 
 Esta
 clase
 de
 prueba
 cuenta
 con
 gran
 precisión
 y
 fiabilidad,
 ya
 que
 parte
 de
 los
 mismos
fotolitos
que
se
emplearán
posteriormente
en
la
imprenta.
 


Definición de filmación  La
filmación
es
un
proceso
que
consiste,
en
imprimir
un
documento
en
un
fotolito
a
 través
de
una
filmadora
y
un
proceso
fotográfico.
 
 Los
 fotolitos
 son
 imprescindibles
 en
 cualquier
 tarea
 o
 trabajo
 de
 imprenta
 que
 desee
hacerse
a
gran
calidad
y
que
contenga
varios
colores.
Los
fotolitos
son
unas
 transparencias
donde
aparece
la
imagen
en
alta
resolución.
 


112




El fotolito en tinta plana y por cuatricomía  Plancha
offset
de
períodico
Existen
varias
 maneras
 de
 filmar
 para
 imprimir
 en
 color:
 tintas
 planas
 y
 cuatricomía.
 La
 cuatricomía,
 obtiene
 las
 impresiones
 a
 partir
de
cuatro
fotolitos,
cada
uno
de
los
 cuatro
 colores
 básicos
 (Cyan,
 Magenta,
 Amarillo
y
Negro).
 
 En
 el
 caso
 de
 las
 tintas
 planas,
 sólo
 se
 utiliza
 un
 fotolito
 para
 cada
 uno
 de
 los
 colores
planos
que
se
deseen
obtener.
 
 Para
 preparar
 un
 documento
 correctamente
 para
 su
 filmación,
 se
 deberá
tener
en
cuenta
el
empleo
de
las
 tintas.
 
 Actualmente
 esto
 no
 supone
 ninguna
 complicación
 ya
 que
 en
 todos
 los
 utensilios
 informáticos,
 existe
 la
 opción
 de
seleccionar
el
modo
de
color
CMYK.


Tipos de tintas


 
 Para
 la
 elección
 de
 las
 tintas
 y
 los
 colores
 adecuados
 para
 cada
 tipo
 de
 trabajo
 deberemos
conocer
las
características
de
cada
tinta,
y
cual
es
la
mas
adecuada
para
 la
clase
de
impresión.
 


113

A
parte
de
la
tinta
habitual
CMYK
o
CMAN,
podemos
encontrar:
RVZ,
MSB
o
MSD,
 LAB,
MUTI‐INK,
DIC,
FOTOCOLTONE,
PANTONE,
TOYO,
TRUEMACH
y
MEDIO‐TONO.
 
 ‐
 RVZ
 es
 la
 síntesis
 aditiva,
 la
 suma
 de
 los
 tres
 colores,
 dan
 como
 resultado
 el
 blanco
 y
 se
 utiliza
 normalmente
 para
 trabajos
 que
 serán
 visualizados
 únicamente
 en
pantalla.
 
 ‐
MSB o HSD
es
otro
modo
matemático
de
calcular
el
color,
trabaja
en
base
a
los
 conceptos
Matiz
(Color
actual),
Saturación
(Pureza
de
un
color,
cuanto
más
grises
 contiene
un
color,
menor
es
su
saturación.)
y
Brillo
(Claridad‐oscuridad
en
el
color).
 
 ‐
LAB,
sigue
el
criterio
de
la
luminosidad,
trabaja
entre
los
rangos
de
colores:
1
(que
 va
del
rojo
al
verde)
y
el
2
(que
va
del
azul
al
amarillo).
 
 ‐ MULTI‐INK,
este
sistema
permite
conseguir
cualquier
color
de
cuatricomía
a
partir
 de
colores
planos.
 
 ‐  MEDIO‐TONO
 descompone
 la
 imágen
 en
 configuraciones
 de
 puntos
 de
 tamaño
 variable.
 Este
 proceso
 se
 realiza
 para
 que
 la
 impresión
 de
 la
 tonalidad
 de
 los
 colores,
sea
posible.
 
 ‐ TOYO y PANTONE,
son
dos
catálogos
de
tintas
planas.
 
 ‐ FOCOTONE o TRUEMATCH,
es
un
catálogo
de
750
colores
con
tonos
conseguibles
 por
el
sistema
de
cuatricomía.
 
 


Gama de tonos Pantone Actualmente,
 para
 la
 impresion
 de
 trabajos
 profesionales
 se
 emplean
 tonos
 PANTONE,
y
si
a
su
vez
se
emplea
la
tinta
y
el
color
acorde
a
la
gama,
los
resultados
 son
 óptimos.
 De
 esta
 forma,
 si
 se
 quiere
imprimir
desde
otro
lugar,
los
 colores
 serán
 exactamente
 iguales,
 ya
que
hablamos
de
colores
fijos.
 
 


Clases de gama pantone  Dentro
 de
 la
 gama
 de
 las
 tintas
 PANTONE,
 podemos
 encontrar
 de
 diferentes
tipos,
cada
una
para
cada
 clase
de
papel.
 


114

Relacionamos,
algunas
de
ellas:
 
 ‐ Pantone Solid Coated,
se
emplea
para
papel
Couché
(El
de
revista).
 
 ‐ Pantone Solid Mate,
se
utiliza
sobre
papeles
mate,
sin
brillo.
 
 ‐ Pantone Solid Uncoated,
adecuada
para
papel
no
Couché.
 
 ‐ Pantone Pastel Uncoated,
son
colores
pastel
para
papel
no
Couché.
 
 ‐ Pantone Metálic Coated,
estos
colores
tienen
un
efecto
metálico
y
se
utilizan
 en
papel
Couché.
 
 ‐  Pantone  Solid  to  Process  Coated,
 permite
 conseguir
 esos
 colores
 mediante
 cuatricomía.
 
 ‐  Pantone  Solid  To  Hexacrome  Coated,
 esta
 combinación
 hace
 una
 filmación
 de
las
imágenes
de
alta
calidad
y
utiliza
dos
tintas
adicionales
al
CMYK,
naranja
 y
verde
o
magenta
claro
y
cian
claro.
 
 





Resolución La
 resolución
 y
 la
 lineatura
 de
 una
 filmación
 definen
 el
 grosor
 del
 punto,
 en
que
se
filman
las
tramas.
 
 
 Una
 trama
 es
 la
 transformación
 de
 la
 imagen
 de
 continua
 a
 discontinua,
 para
 que
 mediante
 la
 impresión
 por
 cualquier
procedimiento,
se
consiga
la
 gradación
 de
 las
 diversas
 tonalidades,
 a
 pesar
 de
 recibir
 toda
 ella
 una
 capa
 del
mismo
espesor.
 
 
 
 La
unidad
de
medida
lineal
utilizada
para
la
resolución
de
las
imágenes,
son
los
 píxels
por
pulgada
(p/p)
o
por
centímetro,
que
indican
los
píxels
o
celdas
por
 pulgada
 lineal.
 Cuanto
 mayor
 sea
 la
 resolución
 mayor
 será
 la
 calidad
 de
 la


115

imagen,
 pero
 también
ocupará
mayor
volumen
de
información.
 La
 resolución
 óptima
de
las
imágenes
para
su
posterior
impresión
es
de
300
p/p
o
120
p/cm.
 


Lineatura y trapping  La
 lineatura
 es
 la
 densidad
 de
 la
 trama
 de
 semitonos
 y
 el
 trapping
 indica
 el
 grado
de
aceptación
de
una
tinta
sobre
otra
impresa
anteriormente
y
todavía
 húmeda,
en
la
impresión
multicolor
simultánea.
 
 La
 lineatura
 se
 mide
 en
 líneas
 por
 pulgada
 (lpi
 o
 lpp).
 Cuando
 mayor
 es
 la
 Lineatura,
el
punto
es
menor,
y
esta
exige
una
alta
resolución
por
parte
de
la
 filmadora.
 
 Tramar
las
imágenes
es
una
necesidad
por
la
limitación
de
la
impresión,
para
 poder
conseguir
el
efecto
óptico
de
una
imagen
de
tono
continuo.
 
 





116




La rotativa La
rotativa,
se
utiliza
para
crear
una
plancha
por
el
proceso
de
filmación,
serigrafía
 o
por
técnicas
digitales.
De
esta
forma
la
impresión
de
los
pliegos
de
papel
se
hace
 por
 medio
 de
 unas
 maquinarias
 de
 impresión
 circular
 (cilindro
 contra
 cilindro)
 y
 que
admiten
papel
de
bobina.
 
 Se
 utiliza
 mucho
 para
 la
 impresión
 de
 diarios,
 sobre
 todo
 en
 grandes
 tiradas
 de
 offset.
 
 En
los
rodillos
se
depositan
los
colores
que
componen
la
cuatriomía
y
se
disponen
 paralelamente
desde
una
bandeja
de
entrada
de
los
pliegos
de
papel,
pasando
por
 los
rodillos
de
estampación
y
finalizando
en
la
bandeja
de
salida.
 


Engranajes de una rotativa 

 

 

117

La tipografía Es
un
proceso
de
impresión
en
relieve,
la
superficie
donde
se
encuentra
la
imagen
 imprimible
se
eleva
sobre
el
fondo
sin
dibujo.
 Esta
 superficie
 elevada,
 se
 entinta
 a
 través
 de
 unos
 rodillos
 y
 se
 presiona
 finalmente
sobre
el
papel
para
lograr
la
impresión.
El
fondo,
en
un
plano
inferior
al
 de
la
zona
impresa,
no
toma
contacto
con
los
rodillos.
 
 La
 tipografía
 tradicional,
 imprimía
 todo
 el
 texto
 con
 tipos
 de
 metal
 y
 las
 ilustraciones
con
grabados,
estos
elementos
se
unen
para
formar
en
el
interior
una
 moldura
rígida
que
se
introduce
en
la
prensa.
 
 Los
 elementos
 impresores,
 son
 en
 forma
 de
 relieve,
 y
 están
 formados
 por
 letras
 individuales,
sueltas
o
líneas
bloque,
lineas,
filetes,
grabados,
etc.
En
la
antiguedad
 había
 dos
 formas
 para
 duplicar
 los
 moldes:
 la
 estereotipia
 (utilizada
 para
 la
 impresión
 de
 periódicos
 y
 de
 libros
 de
 bajo
 coste)
 y
 la
 galvanotipia
 (que
 permitía
 duplicar
 un
 molde
 tipográfico,
 a
 cambio
 de
 una
 cascarilla
 que
 se
 rellenaba
 de
 plomo
o
plástico.
 


Rotativa tipográfica 




118

Clases de máquinas tipográficas  Pueden
ser
de
varios
tipos:
 
 ‐
De
presión
plana:
El
molde
y
el
papel
son
superficies
planas.
 ‐
De
presión
planocilíndrica:
El
molde
es
plano
y
el
papel
se
enrrolla
a
un
cilindro,
el
 cual
ejerce
la
presión
sobre
el
molde.
 ‐
 De
 presión
 cilíndrica:
 El
 papel
 va
 en
 bobinas
 y
 la
 impresión
 es
 contínua,
 se
 reconoce
con
el
nombre
de
rotativas.


El huecograbado Alveolos
 de
 cilindro
 de
 huecograbado
 El
 huecograbado
 se
 utiliza
desde
mucho
tiempo
antes
de
 que
 surgiera
 la
 invención
 del
 grabado
 moderno,
 donde
 las
 imágenes
 se
 tallaban
 en
 planchas
 y
 se
 imprimían
 en
 prensas
 de
 lecho
 plano
 
 Puede
ser
de
dos
tipos,
en
pliegos
o
 de
bobinas,
el
primero
se
utiliza
para
 libros
 y
 fotografías
 de
 gran
 calidad,
 mientras
 que
 el
 de
 bobina
 se
 utiliza
 para
 tiradas
 largas
 de
 revistas
 o
 catalógos.
 
 La
 forma
 del
 huecograbado,
 tiene
 las
 zonas
 impresoras
 en
 hueco
 con
 respecto
 a
 las
 no
 impresoras.
 Para
 poder
 recoger
 la
 tinta
 líquida
 de
 impresión,
 éstas
 zonas
 impresoras
 están
 formadas
 por
 celdillas,
 similar
 a
 un
 panel
 de
 abejas,
 denominadas
 alveolos.
 
 


La calcografía  Dentro
 del
 huecograbado,
 encontramos
 la
 calcografia,
 es
 decir
 todos
 los
 procedimientos
manuales
y
químicos
de
grabado
con
planchas
de
cobre
o
cinc.
 


119

Es
un
proceso
mediante
el
cual
se
imprime
con
prensas
calcográficas,
una
especie
 de
 planchas
 grabadas
 en
 hueco.
 Las
 formas
 de
 impresión
 pueden
 ser
 manuales,
 (xilografía)
o
realizadas
por
incisiones
químicas
(aguafuerte,
aguatinta).
 
 Las
formas
calcográficas
pueden
ser:
 
 ‐
Planas:
se
obtienen
por
grabado
manual
o
químico,
y
se
emplean
en
la
impresión
 calcográfica
con
tintas
grasas
consistentes.
 
 ‐
Cilíndricas:
Son
cilindros
con
una
capa
electrolítica
de
cobre
que
se
graba
con
los
 procedimientos
de
formas
en
hueco
 








Flexografía Deriva
 de
 la
 tipografía
 y
 utiliza
 planchas
 fleixbles
 y
 tintas
 fluidas
 que
 secan
 por
 evaporación.
 Las
 formas
 están
 hechas
 de
 caucho
 o
 fotopolímeros,
 y
 la
 imagen
 se
 encuentra
en
relieve
al
igual
que
en
el
sistema
tipográfico.
 
 El
 sistema
 de
 impresión
 flexográfico
 es
 directo,
 esto
 quiere
 decir
 que
 la
 plancha
 flexográfica
una
vez
entintada,
transfiere
directamente
la
tinta
al
soporte,
por
ello
 cuando
 vemos
 esta
 plancha
 observamos
 que
 los
 textos
 de
 la
 imagen
 se
 leen
 al
 revés
para
que
en
el
soporte
impreso
se
lean
correctamente.
 
 Las
 planchas
 tienen
 un
 área
 en
 alto
 relieve
 que
 imprime
 directamente
 sobre
 el
 sustrato
con
una
ligera
presión
denominada
"presión
al
beso".
A
diferencia
de
las


120

pesadas
 planchas
 metálicas
 empleadas
 por
 la
 imprenta
 en
 sistema
 offset,
 las
 planchas
flexograficas
son
adaptables
y
desplazables.
 


Cliché flexográfico 


 Muchos
libros
de
bolsillo
se
imprimen
mediante
el
procedimiento
flexográfico.
Este
 sistema
de
impresión,
se
encuentra
muy
utilizado
por
el
packaging,
en
especial
por
 los
envases
de
"Tetra
bick".


La serigrafía Es
una
técnica
muy
empleada
de
impresión
en
publicidad.
Puede
ser
de
dos
formas
 en
función
de
la
superficie
a
imprimir:
plana
o
cilíndrica.
 
 La
plana
imprime
desde
pequeños
formatos,
hasta
vallas
publicitarias,
carteles
etc.
 La
cilíndrica
se
utiliza
para
la
decoración
de
envases,
botellas,
latas,
etc.
 
 El
resultado
final
a
imprimir,
servirá
de
negativo
para
la
grabación
de
las
pantallas,
 (El
fotolito)
del
mismo
modo
que
en
la
filmación
ofsset.
 
 Los
 bastidores
 donde
 se
 aplica
 la
 emulsión,
 se
 denominan
 pantallas.
 Las
 mismas
 pantallas
dosifican
la
tinta
mediante
un
sistema
de
regleta
o
rasqueta
que
presiona
 a
la
tinta
para
que
esta
circule
por
la
zona
de
imagen
de
la
pantalla.
 


121




Impresión Offset 

  Planchas
 offset
 de
 gran
 formato
 La
 impresión
 se
 realiza
 mediante
 unas
 planchas
 tratadas
que
se
encuentran
situadas
sobre
unos
cilindros,
dos
por
cada
color
(Cian,
 Magenta,
Amarillo
y
Negro)
dando
lugar
a
 una
impresión
a
color
a
dos
caras.
 
 El
offset,
se
basa
en
el
principio
físico
de
 repulsión
 agua‐aceite
 y
 no
 se
 mezclan,
 por
 eso
 el
 método
 usa
 tinta
 con
 base
 de
 aceite
 y
 agua.
 Los
 elementos
 impresores
 aceptan
la
tinta
grasa
y
rechazan
el
agua,
 y
 los
 blancos
 rechazan
 la
 tinta
 y
 aceptan
 el
agua.
 
 La
 imagen
 a
 imprimir,
 una
 vez
 es
 colocada
 en
 la
 placa,
 recibe
 la
 tinta
 y
 el
 resto
 absorbe
 el
 agua,
 así
 la
 imagen
 entintada
 es
 transferida
 al
 otro
 rodillo,
 que
lo
transfiere
al
sustrato.
 
 El
 sistema
 offset
 es
 el
 más
 utilizado
 por
 los
 impresores
 por
 la
 combinación
 de
 buena
calidad
y
economía.
 
 


122

El grabado y el transfer El
 grabado
 es
 uno
 de
 los
 métodos
 mas
 utilizados
 para
 la
 impresión
 de
 pequeñas
 superficies
 no
 planas
 (juguetes,
 maquetas,
 elementos
 de
 merchandising
 de
 pequeño
tamaño,
etc.)
 
 Usan
un
sistema
de
placas
metálicas,
de
10
x
10
cm
con
un
topolímero
(elemento
 sensible
a
la
luz).
La
impresión
tiene
lugar
con
máquinas
que
emplean
un
tampón
 especial
de
caucho,
que
pisa
la
placa
previamente
entintada.
 
 El
transfer
es
un
procedimiento
muy
reciente,
que
consiste
en
aplicar
un
calco
por
 efecto
del
calor,
previamente
impreso,
sobre
superficies
únicamente
textiles.
 
 La
impresión
digital:
plotters
 La
impresión
digital
ha
crecido
de
una
forma
asombrosa
en
los
ultimos
años,
por
la
 creciente
 demanda
 sobre
 trabajos
 de
 grandes
 dimensiones,
 por
 la
 calidad
 y
 la
 eficacia
en
el
servicio.
 
 Las
 impresoras
 de
 inyección
 de
 tinta,
 las
 impresoras
 láser
 y
 los
 plotters
 son
 considerados
elementos
habituales
para
los
diseñadores.
 
 Estas
máquinas
tienen
la
capacidad
de
incluir
nuevas
tintas:
gris,
plateado,
dorado
 etc.
 Para
 dar
 unos
 nuevos
 e
 innovadores
 matices
 a
 las
 imágenes
 y
 mejorar
 las
 gradiaciones.
 
 La
superficie
de
impresión
es
el
papel.
 El
tamaño
oscila
desde
el
DIN
A‐4
hasta
el
 B0+
(más
de
un
metro),
y
un
grosor
de
hasta
15
cm.
 


Impresión digital de gran formato 

 

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